La sinfonia n. 9 in re minore op. 125, conosciuta anche come la nona di Beethoven, è l’ultima sinfonia completa di Ludwig van Beethoven, composta tra il 1822 e il 1824. Fu eseguita per la prima volta a Vienna il 7 maggio 1824. È considerata una delle opere più conosciute della musica di pratica comune da molti critici e musicologi come una delle più grandi opere di Beethoven e una delle conquiste supreme nella storia della musica occidentale. Nel 2010, si distingue come una delle sinfonie più eseguite al mondo.

La sinfonia fu il primo esempio di un grande compositore che utilizzava voci in una sinfonia (rendendola così una sinfonia corale). Le parole sono cantate durante il movimento finale (4 °) della sinfonia da quattro solisti vocali e un coro. Furono presi dall’Ode alla gioia, una poesia scritta da Friedrich Schiller nel 1785 e rivista nel 1803, con aggiunte di testo fatte da Beethoven.

Nel 2001, l’originale manoscritto della partitura di Beethoven, conservato dalla Biblioteca di Stato di Berlino, è stato aggiunto all’elenco delle Nazioni Unite Memoria del Patrimonio mondiale, diventando la prima colonna sonora così designata.

Composizione
La Philharmonic Society di Londra originariamente commissionò la sinfonia nel 1817. Il lavoro principale di composizione fu fatto tra l’autunno 1822 e il completamento dell’autografo nel febbraio 1824. La sinfonia emerse da altri pezzi di Beethoven che, mentre i lavori completati a sé stanti, sono anche in un certo senso “schizzi” (contorni approssimativi) per la futura sinfonia. The Choral Fantasy Opus. 80 (1808), fondamentalmente un movimento per pianoforte, porta un coro e solisti vocali verso la fine per il climax. Le forze vocali cantano un tema suonato per la prima volta in modo strumentale, e questo tema ricorda il tema corrispondente nella Nona Sinfonia (per un confronto dettagliato, vedi Choral Fantasy).

Andando più indietro, una versione precedente del tema Choral Fantasy si trova nella canzone “Gegenliebe” (Returned Love) per pianoforte e voce alta, che risale a prima del 1795. Secondo Robert W. Gutman, K. 222 Offertory di Mozart in Re minore, “Misericordias Domini”, scritto nel 1775, contiene una melodia che prefigura “Ode to Joy”.

Prima
Sebbene le sue opere principali fossero state presentate per la prima volta a Vienna, Beethoven desiderava che la sua ultima composizione fosse eseguita a Berlino il prima possibile dopo averla finita, poiché pensava che il gusto musicale a Vienna fosse diventato dominato da compositori italiani come Rossini. Quando i suoi amici e finanzieri lo hanno sentito, lo hanno esortato a presentare in anteprima la sinfonia di Vienna sotto forma di una petizione firmata da alcuni importanti mecenati e artisti viennesi.

Beethoven fu lusingato dall’adorazione di Vienna, quindi la Nona Sinfonia fu rappresentata per la prima volta il 7 maggio 1824 nel Theater am Kärntnertor di Vienna insieme all’ouverture The Consecration of the House (Die Weihe des Hauses) e tre parti della Missa solemnis (il Kyrie, Credo e Agnus Dei). Questa è stata la prima apparizione sul palco del compositore in 12 anni; la sala era piena di un pubblico impaziente e di numerosi musicisti.

La prima della Sinfonia n. 9 ha coinvolto la più grande orchestra mai assemblata da Beethoven e ha richiesto gli sforzi combinati dell’orchestra Kärntnertor, la Vienna Music Society (Gesellschaft der Musikfreunde) e un gruppo selezionato di abili dilettanti. Sebbene non esista un elenco completo degli attori principali, molti dei più famosi artisti di Vienna hanno partecipato.

Le parti soprano e alto sono state cantate da due giovani cantanti famosi: Henriette Sontag e Caroline Unger. La soprano tedesca Henriette Sontag aveva 18 anni quando Beethoven la reclutò personalmente per esibirsi nella prima del Nono. Anche reclutato personalmente da Beethoven, il ventenne contralto Caroline Unger, nativo di Vienna, aveva ottenuto elogi critici nel 1821 apparendo nel Tancredi di Rossini. Dopo essersi esibito nella prima di Beethoven del 1824, Unger ha poi raggiunto la fama in Italia e Parigi. I compositori italiani Donizetti e Bellini erano noti per aver scritto ruoli specifici per la sua voce. Anton Haizinger e Joseph Seipelt hanno cantato rispettivamente le parti tenore e basso / baritono.

Sebbene la performance sia stata ufficialmente diretta da Michael Umlauf, Kapellmeister del teatro, Beethoven ha condiviso il palco con lui. Tuttavia, due anni prima, Umlauf aveva assistito al tentativo del compositore di condurre una prova generale della sua opera Fidelio finita in un disastro. Quindi, questa volta, ha incaricato cantanti e musicisti di ignorare Beethoven, quasi totalmente sordo. All’inizio di ogni parte, Beethoven, seduto sul palco, ha dato i tempi. Stava girando le pagine della sua partitura e battendo il tempo per un’orchestra che non riusciva a sentire.

Ci sono una serie di aneddoti sulla premiere della nona. Sulla base della testimonianza dei partecipanti, ci sono suggerimenti sul fatto che sia stato compreso (c’erano solo due prove complete) e piuttosto scadente nell’esecuzione. D’altra parte, la prima è stata un grande successo. In ogni caso, Beethoven non era da biasimare, come ha ricordato il violinista Joseph Böhm:

Beethoven stesso ha diretto, cioè si è messo in piedi di fronte a un direttore d’orchestra e si è gettato avanti e indietro come un pazzo. Ad un certo momento si allungò per tutta la sua altezza, poi si accovacciò sul pavimento, si agitò con le mani e i piedi come se volesse suonare tutti gli strumenti e cantare tutte le parti del coro. Le mani di Duport; noi musicisti abbiamo seguito solo il suo testimone.

Quando il pubblico ha applaudito – le testimonianze differiscono sul fatto che alla fine dello scherzo o della sinfonia – Beethoven fosse parecchie misure e continuasse a dirigere. Per questo motivo, il contralto Caroline Unger si avvicinò e girò Beethoven per accettare gli applausi e gli applausi del pubblico. Secondo il critico del Theater-Zeitung, “il pubblico ha ricevuto l’eroe musicale con il massimo rispetto e simpatia, ha ascoltato le sue meravigliose e gigantesche creazioni con l’attenzione più assorbita ed è scoppiato in esultanti applausi, spesso durante le sezioni, e ripetutamente a la fine di loro “. Il pubblico lo ha acclamato per cinque volte con ovazioni in piedi; nell’aria c’erano fazzoletti, cappelli e mani alzate, in modo che Beethoven, che non sentiva gli applausi, potesse almeno vedere le ovazioni.

Analisi delle singole frasi
La lunghezza del quarto movimento ha minacciato di perdere l’equilibrio tra le frasi. Beethoven contrasta questo ponendo il solito secondo movimento lento in terza posizione. Il terzo movimento agisce quindi come centro di riposo nel lavoro completo.

Prima frase
(Allegro ma non troppo, un poco maestoso, re minore)

Il primo movimento della Nona Sinfonia corrisponde alla forma della sonata con una ripresa relativamente breve e una coda sovradimensionata. La frase comprende quasi 600 battute. Il primo tema è preceduto da un’introduzione, che non inizia in re minore, ma in A. (Tong non impostato, perché manca il terzo = un cosiddetto “quinto vuoto”). Pertanto, questa A risulta dominante nella chiave principale di re minore e nella barra 17 il tema principale (accordi in re minore) inizia a ritmo punteggiato. Dopo una divergenza in mi bemolle maggiore, la musica ritorna alla sua calma e l’introduzione è preceduta anche dalle conseguenze, questa volta in p. Il trailer è già nella major sub-mediana (come al solito nel Romanticismo) e nella barra 80, inizia la transizione (con il suo tema) al secondo complesso di temi, la pagina ambientata in re maggiore. L’impaginazione porta tre temi, un tema lirico e altri due marziali. Dopo questa pagina segue un gruppo finale in due parti che termina in si bemolle maggiore. L’esibizione inizia anche con l’introduzione, sempre su A, è divisa in quattro sezioni, la terza è un doppio furato di grandi dimensioni. La ripresa non ha suffisso e rimane in gran parte in re minore (o maggiore). La coda non lascia più il tonico e contiene un nuovo tema simile al lutto. La sentenza termina all’unisono (Akkordbrechung d minor).

Il primo movimento della nona sinfonia di Ludwig van Beethoven, Allegro ma non troppo, un poco maestoso, viene percepito dall’ascoltatore come potente e aspro. La clausola principale inizia con un’introduzione, un crescendo che in seguito appare ripetutamente in questa frase. Con l’aumento del volume, aumenta anche il ritmo, “si restringe” e rafforza la potenza e la paura che si sono formate con il crescendo. Il tema, a partire dal bar 17, che ora viene riprodotto in Fortissimo, sembra non provenire dal nulla; Tuttavia, questo è un errore, nell’introduzione, è già stato suggerito, ma ora i valori delle note sono notevolmente ridotti, motivo per cui ora è possibile visualizzare solo un argomento. Il suo dramma si arricchisce giocando in tutti. La fine del tema è caratterizzata da “ritmi marziali in trombe e timpani”, i legni giocano in contrasto con motivi silenziosi. Termina e segue una breve transizione al motivo dell’introduzione o della clausola principale, cui fa seguito una seconda volta il tema.

Il motivo finale, costituito da frenetici sedicesimi movimenti, continuerà a questo punto per molto tempo. È seguito dall’ultimo movimento, la cui mezza frase ha una fine più delicata. Quattro volte c’è un motivo raffinato nei fiati (dolce); Questa è la transizione al nuovo tonico B maggiore fatto, con lei inizia il set di pagine. I temi dell’antecedente determinano chiaramente i legni, che sono accompagnati dai violini, tra gli altri, con una sezione a motivi vari del primo tema. L’epilogo non segue direttamente, il pezzo è interrotto da un motivo, l’epilogo conduce. Sembra quindi che stia per finire, Beethoven, tuttavia, sta aggiungendo un altro epilogo più sviluppato a questo. Qui usa ripetutamente i motivi del primo tema, strappando il movimento dalla sua armonia fino a quando i venti iniziano con una leggera cadenza in direzione di B maggiore, ma arrivano a B maggiore. Questo è seguito dalla lunga strada di ritorno a Tonika B-Dur. Entrambe le parti, la clausola principale e l’impaginazione, “non si evolvono linearmente, non” organicamente “”, ma sono comunque così opposte l’una all’altra, che rappresentano “mondi diversi: il mondo interno ed esterno”. Il teorema principale, il mondo esterno che è minaccioso e potente contro l’ascoltatore e il mondo interiore che riflette il senso di identificazione dell’ascoltatore. rappresentano “mondi diversi: il mondo interiore e quello esteriore”. Il teorema principale, il mondo esterno che è minaccioso e potente contro l’ascoltatore e il mondo interiore che riflette il senso di identificazione dell’ascoltatore. rappresentano “mondi diversi: il mondo interiore e quello esteriore”. Il teorema principale, il mondo esterno che è minaccioso e potente contro l’ascoltatore e il mondo interiore che riflette il senso di identificazione dell’ascoltatore.

La seguente esecuzione è dall’inizio nella direzione della ripresa. La prima parte è dominata dai motivi del crescendo iniziale e dal primo tema. Segue un fugato, la seconda parte della performance in cui si dissolve il caos che si è formato durante la cadenza. A questo punto la strada per la ricapitolazione è già molto chiara. L’esecuzione termina. Tuttavia, sembra aver raggiunto il suo culmine finale anche qui.

La successiva ricapitolazione è il punto centrale del primo movimento, inizia in Fortissimo, supportato dal “tuono rotolante” dei timpani. Questo è di una bellezza così inquietante e così minacciosa che oscura tutti gli orrori e le ansie che si sono accumulati in precedenza. Questo non aumenta ulteriormente nel seguito, la tensione è piuttosto ridotta di nuovo un po ‘e sembra essere arrivata a un livello costante per essere sempre presente. Le altre parti della ripresa sono all’ombra di questo inizio potente.

La coda è lì un contrasto. Descritta come “dolce”, si distingue dal quadro generale della ripresa e inizia la fine. Aumenta e riduce di nuovo questo aumento, qui inizia il primo crescendo maggiore, seguito da un altro crescendo, che guida ancora una volta la frase. Successivamente, viene ripreso il vecchio tempo, seguito da una parte calma, che è calma, ma allo stesso tempo drammatica e intensificante. Questo è continuato, l’aumento è mantenuto dal passaggio dal piano via forte a fortissimo. Le ultime battute del movimento sono chiuse con ritmi tristi.

Seconda frase
(Molto vivace – Presto, re minore)

Il secondo movimento della sinfonia è uno scherzo e un trio. Formalmente, è disposto nel consueto schema di forme A – B – A, per cui le due parti dello scherzo sono ripetute nel primo turno (A1 – A1 – A2 – A2 – B – A1 – A2). In alcune esibizioni, tuttavia, rinunciarono alle ripetizioni all’interno dello Scherzo.

Scherzo
Come al solito, lo Scherzo viene registrato in 3/4 di tempo. L’impressione uditiva, tuttavia, è un tempo di 4/4, poiché l’alto tempo del pezzo, le barre agiscono come colpi di base e sono organizzati musicalmente in gruppi di quattro barre. Questo può essere inteso come una linea laterale ironica contro i critici che ritenevano Beethoven ignorando le tradizioni musicali.

Beethoven apre il secondo movimento con una breve apertura. Consiste in un motivo a una barra, formato da un salto di ottava suonato dalle corde. Questo viene interrotto da una pausa generale, quindi viene ripetuto in sequenza. Segue un’altra pausa generale, quindi il motivo, riprodotto in un lampo e un tuono dai timpani, che sono imitati dall’orchestra quasi completa nella seguente misura. Così, entro due battute, i timpani e l’intera orchestra si affrontano con tutta la loro forza e pienezza. Presumibilmente, alla premiere dopo questa sorprendente pausa generale si sono verificati applausi spontanei, che hanno costretto l’orchestra a ricominciare la frase.

Dopo un’altra pausa generale, l’attuale movimento principale, il primo tema, inizia in base al tema dell’introduzione. Dopo il tipo di fuga, il tema imposta tutte e quattro le barre in una nuova voce di stringa. L’uso dei venti completa l’orchestra come tutti. Segue un lungo e prolungato crescendo, ora il tema è suonato in fortissimo da tutta l’orchestra. Anche i timpani ricominciano, completano finalmente l’orchestra e sottolineano il motivo sorprendente e il suo ritmo. Dopo questo primo climax del movimento, le linee discendenti del fiato danno una breve tregua, fino a quando nel fortissimo inizia un tema energico laterale. I venti e i timpani sono accompagnati dalle corde, che usano il motivo dell’entrata a una barra come ostinato alla guida.

La seconda parte della forma presenta alcuni parallelismi strutturali con la prima parte: dopo una breve transizione, ricomincia con l’elaborazione fugale del tema principale. Questa volta, tuttavia, sono le voci di fiati che si susseguono. Contrariamente alla prima parte dell’inserto non è ogni quattro barre, ma ogni terza barra. Il “Metataktart” cambia per un tempo in tre battute, che è caratterizzato dall’istruzione di gioco Ritmo di tre battute (ritmo a tre colpi). Segue un ampio aumento. Dopo il loro culmine risuonano come nella prima parte delle linee discendenti in ottone, per essere sostituito dal tema laterale in Fortissimo.

Trio
La transizione al trio (re maggiore, 2/2-Takt) avviene senza interruzione, il tempo aumenta continuamente nelle barre precedenti nel Presto. Il tema del trio, in contrasto con lo Scherzo, ha un carattere molto cantabile. Viene presentato per la prima volta da oboi e clarinetti. Corni e fagotti prendono in mano la parte solista uno dopo l’altro. Quindi le corde raccolgono il tema insieme ai fiati. Dopo la ripetizione di questa sezione, riappare infine nelle stringhe profonde.

Coda
La coda segue il da-capo dello scherzo, in cui il tema principale dello scherzo è fugalmente condensato in una voce ogni 2 battute. Quindi suona di nuovo il bel tema del trio. Tuttavia, non viene riprodotto per intero, ma interrompe bruscamente due battute prima della fine della frase. Dopo una pausa, segue una catena di salti di ottava ribelle, che terminano il secondo movimento. Questi sono allo stesso tempo una pausa tra lo scherzo e il terzo movimento successivo, che inizia ancora una volta dall’inizio con il suo nuovo tempo, molto più silenzioso.

Terza frase
(Adagio molto e cantabile – Andante moderato, Sib maggiore)

Nel terzo movimento Beethoven ha gli strumenti inseriti uno dopo l’altro. Quindi il secondo fagotto inizia da solo, seguito dal primo fagotto, dal secondo clarinetto, dalle corde (tranne il primo violino e contrabbasso) e il primo clarinetto. Questi iniziano direttamente in successione, quindi il tema inizia nel primo violino. Dopo il primo suono del tema completo, le corna iniziano ad assumere i motivi insieme al clarinetto. Per il momento, sarà imitato solo con brevi inserti nelle prime battute e nel corso successivo il clarinetto ha completamente ripreso il tema, le corde ora assumono il controllo dell’accompagnamento.

A questo punto, Beethoven cambia in re maggiore una nuova parte della forma, un movimento intermedio, viene introdotto (Andante moderato) e si distingue dalla parte precedente per un cambio di misura (¾) e un tempo più veloce. L’umore è mantenuto perché l’affermazione di entrambe le parti è simile e il cantabile è mantenuto. Ancora una volta, il primo violino prende il sopravvento sul tour tematico ed è accompagnato dal resto degli archi e dei fiati.

Il tema dell’interludio si gioca due volte. Questo è seguito dalla transizione al precedente tasto maggiore B e dal ritorno al vecchio tempo. Ora il primo tema suona in una variazione, il primo violino suona attorno ad esso con un sedicesimo movimento giocoso, interrotto da interiezioni individuali del tema da parte dei fiati. Nelle seguenti barre inizia la transizione in sol maggiore. Qui inizia un secondo interludio (Andante), in cui i fiati, principalmente flauti e fagotti, giocano il secondo tema.

Il ritorno ora iniziato alla parte principale, qui in mi bemolle maggiore (Adagio) è determinato da una seconda variazione sul primo tema, una variazione a forma libera delle corna e dei flauti. Questo sembra essere uscito di passo, l’accompagnamento delle corde sembra aver spostato il ritmo. A questo rimedia una sedicesima nota delle corna, qui inizia l’introduzione di La maggiore, la Coda, in cui il primo violino suona la terza variazione, che consiste ripetutamente di sedici movimenti. In parte, sembra che stiano aumentando il ritmo; questo effetto proviene da terzine e note da trenta secondi. Questi sono interrotti da una fanfara, iniziata dalle corna. Questo rompe l’umore e il resto, che viene immediatamente ripristinato da accordi recitativi calmanti. Anche in questo caso la terza variante dei primi violini viene nuovamente interrotta dalla fanfara.

Questo è seguito da un passaggio molto cantabile, che libera l’umore dal duro, quasi crudele, fanfara e suona gioioso nel suo approccio, che sono ripetutamente elaborati nelle seguenti barre. La terza variante del primo violino può anche essere ascoltata ripetutamente.

Il terzo movimento termina con diversi crescendo seguiti da un breve piano. Questo sembra deprimente; sottolinea lo stato d’animo prevalente e cupo delle frasi precedenti. Quest’ultima fanfara sembra suscitare l’ascoltatore un’ultima volta, funziona allo stesso modo di un annuncio per l’importante seguente affermazione dell’ultima frase.

Quarta frase
Allegro energico, sempre ben marcato – Allegro ma non tanto – Prestissimo, re minore / re maggiore)

Nel quarto movimento, un quartetto di cantanti e un grande coro in quattro parti eseguono le stanze della poesia Alla gioia di Friedrich Schiller. Sono musicalmente uguali all’orchestra. La melodia del tema principale è accompagnata dal brano di testo “Gioia, bella scintilla divina (…)”. Questa frase è quindi anche chiamata “Inno alla gioia”.

Beethoven introduce il quarto movimento della sua Nona Sinfonia, che a 940 battute non è solo lungo ma anche travolgente, con alcune dissonanze dei venti che riflettono la rabbia e la disperazione dei movimenti precedenti, forse persino il dolore. Solo gradualmente i contrabbassi sembrano affrontarlo, aprono la strada a qualcosa di completamente nuovo, attraverso un motivo lento e calmo, una nuova idea per l’ulteriore corso del pezzo. Ciò è costantemente interrotto dai temi dei primi tre movimenti, a cominciare dal primo tema del primo movimento. A questo punto, i bassi soffocano la vecchia idea, ma ora segue l’introduzione al primo movimento.

Ancora una volta, i contrabbassi distruggono il vecchio motivo a causa della loro interruzione; Segue una sezione del primo tema del secondo movimento in Vivace. I bassi si ribellano ripetutamente e viene scartato anche l’uso del primo motivo del primo tema del terzo movimento. Ma a questo punto, gli strumenti a fiato portano per la prima volta la nuova idea, con cui i bassi sembrano concordare. Il nuovo pensiero non viene respinto, ma ripreso dai bassi, perseguito solo in modo recitativo ed è quindi – la prima volta nel brano – ad ascoltare completamente con la melodia gioiosa “gioia, bella scintilla divina”, suonata dai bassi della corda precedentemente irrequieti . Viene presentato come un tema di tre battute a otto battute.

Inizialmente solo fagotto e viola si uniscono al canto della gioia; ma nel corso delle seguenti barre c’è un aumento, non solo in termini di curva di tensione, ma anche in relazione al numero di strumenti coinvolti. Pertanto, l’impatto di altri strumenti come l’accumulo di una folla che canta nel coro giubilare, con un enorme arco di suspense, la felicità del mondo.

A questo punto, la melodia non suona più come timida e velata come prima, ma maestosamente e magnificamente, come sottolineato da timpani e ottoni. Ma dopo che il tema ha vagato attraverso le singole voci, tutto ricade nella confusione incontrollata, che termina in una dissonanza violenta in un caos più grande di quello prevalente all’inizio, enfatizzato dal noto rombo di tuono del timpano. Solo quando si usano gli assoli di baritono “O amici, non questi suoni! Ma cantiamo più piacevoli e più gioiosi”, che è allo stesso tempo l’inizio effettivo della parte principale del movimento, viene annunciato il canto della gioia, che, arrivato nell’attuale chiave di re maggiore, è iniziato dalla “gioia” – si rimprovera la voce di basso del coro e per il momento recitato solo dal solista baritono e solo successivamente dal coro e successivamente anche dai solisti. È sorprendente qui che il soprano sospenda per il momento e solo al punto che “chi ha vinto una bella moglie” lo usa.

L’orchestra continua ad accompagnare i cantanti con suggerimenti e variazioni del nuovo tema. Ora, come coro solista e coro, cantano i singoli versi, apparentemente molto importanti per Beethoven, della poesia di Schiller “To the Joy”. Anche qui l’orchestra rimane piuttosto piccola alle audizioni dei solisti, seguita da una formazione più ampia e più forte per il coro, che insieme danno vita a un quadro più splendido. Anche all’interno delle singole parti vocali, le voci sono fugali. La prima parte del finale termina con la frase “e il cherubino sta davanti a Dio”, che è cantata ripetutamente dal coro e suona molto alta e potente, non da ultimo a causa della voce soprano, che è qui su un lungo a due punte a finisce.

Ora segue il tema gioioso del ritmo simile a una marcia (Alla Marcia), causato non solo dal cambio del misuratore, ma anche dal primo utilizzo di tre strumenti a percussione (triangolo, grancassa e bacino). Il solista tenore inizia con il passaggio successivo del testo con un ritmo appropriato della melodia vocale, che ripete le voci maschili del coro con carattere selvaggio e combattivo. Qui inizia un interludio simile a una marcia, seguito da un altro coro. Qui – con il testo della prima strofa e mantenendo il carattere di marcia – viene avviata la fine di questa sezione.

Il seguente Andante maestoso, con la nuova affermazione centrale “Fratelli! Un caro padre deve dimorare sopra la tenda a forma di stella.” Ha un carattere sacro e pesante, che può essere spiegato riferendosi al “Creatore”, a Dio. Anche il fortissimo di queste righe esprime l’importanza del testo per Beethoven. Costituiscono il culmine del finale corale, che all’inizio suona molto potente all’unisono delle voci maschili, poi suona esultante e travolgente attraverso l’uso delle voci femminili. A partire dalle voci maschili e dall’accompagnamento del trombone basso e dei contrabbassi all’unisono, questa persona potente sembra molto oscura, che diventa un magico oscuramento del tema della gioia attraverso le voci femminili incessanti. Queste imitazioni seguenti amplificano la polifonia di questo passaggio, L’orchestra quasi completa fa sembrare tutto ancora più grande e più potente di prima. Il peso speciale sul posto “sopra la tenda a stella” cantando due volte su una sola nota e ritmi anti-metro sono rafforzati dalla non melodizzazione di “Sei tu il creatore, il mondo?”, Che descrive l’indisponibilità mistica di Dio. Quando le parole “sopra la tenda stellare deve abitare” risuonano di nuovo per la terza volta – di nuovo su una nota – l’effetto di lontananza sorge, poiché i flauti e i violini imitano lo scintillio stellato, il suono è sottile, ma pieno. Che descrive l’indisponibilità mistica di Dio. Quando le parole “sopra la tenda stellare deve abitare” risuonano di nuovo per la terza volta – di nuovo su una nota – l’effetto di lontananza sorge, poiché i flauti e i violini imitano lo scintillio stellato, il suono è sottile, ma pieno. Che descrive l’indisponibilità mistica di Dio. Quando le parole “sopra la tenda stellare deve abitare” risuonano di nuovo per la terza volta – di nuovo su una nota – l’effetto di lontananza sorge, poiché i flauti e i violini imitano lo scintillio stellato, il suono è sottile, ma pieno.

Ora segue la quarta parte del quarto movimento, che è a doppio fondamento. Unisce il tema della gioia e il motivo sacro, che è un legame tra il cielo (motivo sacrale: “sopra la tenda della stella deve abitare un caro padre”) e la terra (tema della gioia: “tutti gli uomini diventano fratelli”). La fuga costruisce un enorme potere ed energia, e qui, come alla fine della prima parte del finale, trova il suo climax e la sua fine sulla a due punte delle parti soprano. Questo accade all’improvviso, la fuga e quindi l’euforia vengono interrotte. Comincia una domanda titubante, solo nei bassi “cadi, milioni?”, Seguito dai tenori “sospetti il ​​creatore, il mondo?”, Rispose il vecchio: “cercalo sulla tenda stellare”. Questo passaggio viene ora modificato ripetutamente, conclude la fine della quarta parte del finale. Anche in questo caso, Beethoven attribuisce più valore all’affermazione del testo che alla sua melodia.

La quinta parte successiva inizia in pianissimo con una lontana variazione del tema della gioia, i solisti incipiente cantano ancora una volta il primo verso di “Alla gioia”, ma qui in una nuova ambientazione. Le voci maschili iniziano come prima, iniziano le voci femminili; questo fugato si svolge ora nel cambio delle due parti. Questo nuovo motivo sarà registrato dal coro. Nel primo Adagio inserito, la seguente riga di testo, “Tutti gli uomini diventano fratelli, dove dimora la tua ala gentile”, è sottolineata dal coro. Tuttavia, questo inserimento richiede solo quattro barre; successivamente Beethoven ritorna al tempo originale. Dopo un breve fugato tra coro e solisti, si svolge un secondo inserto di adagio, in cui l’importante passaggio di Beethoven “tutti gli uomini diventano fratelli” viene enfatizzato ancora una volta, ma non dal coro, ma dai solisti,

Nell’ultima parte del quarto movimento della Nona Sinfonia, un Prestissimo, Beethoven usa ripetutamente gli strumenti a percussione per sottolineare l’esuberanza (timpani, grancassa, piatti, triangolo). Nel metro estremamente veloce di quest’ultima parte, il motivo sacro (barra 5) che appare lì può essere riconosciuto solo dalla notazione, a causa dei ritmi più rapidi che ha completamente cambiato il suo carattere. Fino al Maestoso il testo “Abbracciati, milioni; Questo bacio per tutto il mondo! Fratelli! Sopra la tenda stellare, un caro padre deve vivere” da un nuovo punto di vista. Anche qui Beethoven vuole fare spazio a qualcosa di nuovo presentandolo in modo diverso rispetto a prima.

Il successivo Maestoso, invece, è un inserimento piuttosto lento e stimolante nel frenetico, quasi sfuggente Prestissimo. Anche in questo caso Beethoven riprende la prima riga della prima strofa e annuncia la fine dell’ultimo movimento, il finale finale, in cui la “gioia”, la “bella scintilla divina”, fa rivivere per l’ultima volta contemporaneamente alla l’ultimo pensiero conclude la canzone. L’orchestra manifesta la grande gioia per gli altri 20 bar nel Prestissimo e lascia che la sinfonia finisca in giubilo.

Strumentazione
La sinfonia viene assegnata per la seguente orchestra. Queste sono di gran lunga le forze più grandi necessarie per qualsiasi sinfonia di Beethoven; alla premiere, Beethoven li ha ulteriormente incrementati assegnando due giocatori a ciascuna parte del vento.

fiati

Piccolo (solo quarto movimento)
2 flauti
2 oboi
2 clarinetti in A, B ♭ e C
2 fagotti
Contrabbasso (solo quarto movimento)
Ottone

4 corni in D, B ♭ ed E ♭
2 trombe in re B e ♭
3 tromboni (alto, tenore e basso; solo secondo e quarto movimento)
Percussione

Timpani
Grancassa (solo quarto movimento)
Triangolo (solo quarto movimento)
Piatti (solo quarto movimento)
Voci (solo quarto movimento)

Soprano solista
Alto solo
Tenore solista
Solo baritono (o basso)
Coro SATB (il tenore si divide brevemente)
stringhe

Violini I, II
Viole
Violoncelli
Contrabbassi

Testo del quarto movimento
Il testo è in gran parte tratto da “Inno alla gioia” di Friedrich Schiller, con alcune parole introduttive aggiuntive scritte appositamente da Beethoven (in corsivo). Il testo, senza ripetizioni, è mostrato sotto, con una traduzione in inglese.

Oh amici, non questi suoni!
Cerchiamo invece di colpire in modo più piacevole
e più gioiosi!

Gioia!
Gioia!

Gioia, bella scintilla della divinità,
Figlia di Elysium,
Entriamo, bruciando di fervore,
essere celeste, il tuo santuario!
La tua magia riunisce
quale abitudine ha severamente diviso.
Tutti gli uomini diventeranno fratelli,
ovunque si librino le tue dolci ali.

Chiunque sia stato abbastanza fortunato
diventare amico di un amico,
Chiunque abbia trovato un’amata moglie,
lascia che si unisca alle nostre canzoni di lode!
Sì, e chiunque può chiamare un’anima
proprio su questa terra!
Chi non può, lasciali scivolare via
da questo incontro in lacrime!

Ogni creatura beve di gioia
al seno della natura;
Bene e male allo stesso modo
segui la sua scia di rose.
Lei ci dà baci e vino,
un vero amico, anche nella morte;
Anche al verme è stato dato il desiderio,
e il cherubino sta davanti a Dio.

Volentieri, proprio mentre i suoi soli sfrecciano
attraverso il glorioso universo,
Quindi, fratelli, dovreste seguire il vostro corso,
con gioia, come un eroe conquistatore.

Abbracciati, milioni!
Questo bacio è per tutto il mondo!
Fratelli, sopra il baldacchino delle stelle
deve abitare un padre amorevole.

Ti inchini davanti a Lui, milioni?
Senti il ​​tuo Creatore, o mondo?
Cercalo sopra il baldacchino delle stelle!
Deve dimorare oltre le stelle.

Verso la fine del movimento, il coro canta le ultime quattro righe del tema principale, concludendo con “Alle Menschen” prima che i solisti cantino per l’ultima volta il canto della gioia a un ritmo più lento. Il coro ripete parti di “Seid umschlungen, Millionen!”, Poi canta in silenzio, “Tochter aus Elysium”, e infine, “Freude, schöner Götterfunken, Götterfunken!”.

Ricezione
I critici musicali considerano quasi universalmente la Nona Sinfonia una delle più grandi opere di Beethoven e tra le più grandi opere musicali mai scritte. Il finale, tuttavia, ha avuto i suoi detrattori: “i critici arly hanno rifiutato [il finale] come criptico ed eccentrico, il prodotto di un compositore sordo e che invecchia”. Verdi ha ammirato i primi tre movimenti ma ha lamentato la struttura confusa e la cattiva scrittura delle voci nell’ultimo movimento:

L’alfa e l’omega sono la nona sinfonia di Beethoven, meravigliosa nei primi tre movimenti, ambientata molto male nell’ultima. Nessuno si avvicinerà mai alla sublimità del primo movimento, ma sarà facile scrivere per le voci tanto male quanto nell’ultimo movimento. E supportati dall’autorità di Beethoven, urleranno tutti: “Questo è il modo di farlo …
– Giuseppe Verdi, 1878

Giuseppe Verdi si è lamentato del fatto che la finale è stata “un brutto set”. Richard Wagner ha dichiarato: “La nona è la salvezza della musica dal suo stesso elemento all’arte generale. È il vangelo umano dell’arte del futuro”.

In Germania, Francia e Inghilterra, non mancarono giudizi dispregiativi, occasionalmente combinati con consigli benevoli al compositore. Molti si sono opposti bruscamente all’utilizzo delle voci in una sinfonia.

Anche in epoche successive c’erano opinioni diverse: “La nona sinfonia è un’opera chiave della musica sinfonica” e ha ispirato molti musicisti successivi, ad es. Come Anton Bruckner, Gustav Mahler, Johannes Brahms. Contrariamente a tali affermazioni positive, Thomas Beecham affermò che “anche se Beethoven avesse attinto bene alle corde, la Nona Sinfonia era composta da una sorta di Mr. Gladstone di musica”.

Influenza
Molti compositori successivi del periodo romantico e oltre furono influenzati dalla Nona Sinfonia.

Un tema importante nel finale della Sinfonia n. 1 in do minore di Johannes Brahms è legato al tema “Ode to Joy” dell’ultimo movimento della Nona Sinfonia di Beethoven. Quando questo è stato segnalato a Brahms, si dice che abbia replicato “Qualsiasi sciocco può vederlo!” La prima sinfonia di Brahms fu, a volte, sia lodata che derisa come “Decima di Beethoven”.

La Nona Sinfonia influenzò le forme che Anton Bruckner usò per i movimenti delle sue sinfonie. La sua Sinfonia n. 3 è nella stessa chiave in re minore del nono di Beethoven e ne fa un uso sostanziale delle idee tematiche. Il colossale lento movimento della Sinfonia n. 7 di Bruckner, “come al solito”, assume la stessa forma A – B – A – B – A del 3o movimento della sinfonia di Beethoven e ne utilizza anche alcune figurazioni.

Nelle note di apertura del terzo movimento della sua Sinfonia n. 9 (Dal nuovo mondo), Antonín Dvořák rende omaggio allo scherzo di questa sinfonia con i suoi quarti cadenti e le sue pennellate timpani.

Allo stesso modo, Béla Bartók prende in prestito il motivo iniziale dello scherzo dalla nona sinfonia di Beethoven per introdurre il secondo movimento scherzo nei suoi Quattro brani orchestrali op. 12 (Sz 51).

Una leggenda è che il compact disc è stato deliberatamente progettato per avere una durata di riproduzione di 74 minuti in modo da poter ospitare la Nona Sinfonia di Beethoven. Kees Immink, ingegnere capo di Philips, che ha sviluppato il CD, ricorda che un tiro alla fune commerciale tra i partner di sviluppo, Sony e Philips, ha portato a un accordo in un formato neutro di 12 cm di diametro. La performance della Nona Sinfonia del 1951 condotta da Furtwängler fu presentata come la scusa perfetta per il cambiamento, e fu presentata in un comunicato stampa di Philips che celebrava il 25 ° anniversario del Compact Disc come motivo della durata di 74 minuti.

Nel film The Pervert’s Guide to Ideology, il filosofo comunista psicoanalitico Slavoj Žižek commenta l’uso dell’ode da parte del nazismo, del bolscevismo, della rivoluzione culturale cinese, della squadra olimpica della Germania Est-Ovest, della Rhodesia del Sud, di Abimael Guzmán (leader dello Shining Path), e il Consiglio d’Europa e l’Unione Europea.

Usa come inno (nazionale)
Durante la divisione della Germania nella Guerra Fredda, il segmento della sinfonia “Inno alla gioia” fu suonato al posto di un inno ai Giochi olimpici per la squadra unita di Germania tra il 1956 e il 1968. Nel 1972, il supporto musicale (senza le parole) è stato adottato come Inno d’Europa dal Consiglio d’Europa e successivamente dalle Comunità europee (ora Unione Europea) nel 1985. L ‘”Ode to Joy” è stato usato come inno nazionale della Rhodesia tra il 1974 e il 1979, come “Rise, O Voices of Rhodesia”.

Utilizzare come melodia di un inno
Nel 1907, il pastore presbiteriano Henry van Dyke scrisse l’inno “Gioioso, gioioso, ti adoriamo” mentre soggiornava al Williams College. L’inno è comunemente cantato nelle chiese in lingua inglese alla melodia “Inno alla gioia” di questa sinfonia.

Tradizione di fine anno
Il movimento operaio tedesco iniziò la tradizione dell’esecuzione della Nona Sinfonia alla vigilia di Capodanno nel 1918. Le esibizioni iniziarono alle 23:00 in modo che il finale della sinfonia fosse suonato all’inizio del nuovo anno. Questa tradizione continuò durante il periodo nazista e fu osservata anche dalla Germania orientale dopo la guerra.

La Nona Sinfonia è tradizionalmente eseguita in tutto il Giappone alla fine dell’anno. Nel dicembre 2009, ad esempio, ci sono state 55 esibizioni della sinfonia di varie importanti orchestre e cori in Giappone.

Fu introdotto in Giappone durante la prima guerra mondiale da prigionieri tedeschi detenuti nel campo di prigionia di Bandō. Le orchestre giapponesi, in particolare la NHK Symphony Orchestra, iniziarono a suonare la sinfonia nel 1925 e durante la seconda guerra mondiale, il governo imperiale promosse le esibizioni della sinfonia, anche alla vigilia di Capodanno. Nel tentativo di capitalizzare sulla sua popolarità, orchestre e cori in difficoltà economiche durante la ricostruzione del Giappone, hanno eseguito il pezzo alla fine dell’anno. Negli anni ’60, queste esibizioni di fine anno della sinfonia divennero più diffuse e includevano la partecipazione di cori e orchestre locali, stabilendo fermamente una tradizione che continua ancora oggi.

Filarmonica di Berlino
La Berlin Philharmonic è un’orchestra tedesca con sede a Berlino. È tradizionalmente classificato nella migliore manciata di orchestre al mondo, distinto tra pari per il suo virtuosismo e il suono irresistibile. La storia dell’orchestra è sempre stata legata ai suoi direttori principali, molti dei quali sono stati personaggi autorevoli e controversi, come Wilhelm Furtwängler e Herbert von Karajan.

La Filarmonica di Berlino, fondata nel 1882, è considerata una delle migliori orchestre al mondo. Direttori famosi come Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan e Claudio Abbado hanno fortemente influenzato la storia e lo sviluppo dell’orchestra. Nel 2002, Sir Simon Rattle è diventato direttore. Durante la sua guida, l’orchestra è stata in grado di coinvolgere il nuovo pubblico attraverso il suo programma di educazione. Il programma è finanziato da generosi contributi della Deutsche Bank. Nel 2009, la Filarmonica di Berlino ha avviato un nuovo progetto innovativo: la Digital Concert Hall, che presenta i concerti dal vivo della Filarmonica sul web. L’edificio filarmonico di Berlino ospita l’orchestra. Costruito da Hans Scharoun, la sua architettura rivoluzionaria funge da modello per le sale da concerto di tutto il mondo.