Il barocco è uno stile di architettura, musica, danza, pittura, scultura e altre arti che fiorirono in Europa dall’inizio del XVII secolo fino al 1740. Nei territori degli imperi spagnolo e portoghese, compresa la penisola iberica, continuò, insieme a nuovi stili, fino al primo decennio del 1800. Seguì l’arte rinascimentale e il manierismo e precedette lo stile rococò (in passato spesso definito “tardo barocco”) e neoclassico. È stato incoraggiato dalla Chiesa cattolica come mezzo per contrastare la semplicità e l’austerità dell’architettura, dell’arte e della musica protestanti, sebbene l’arte barocca luterana si sia sviluppata anche in alcune parti d’Europa.
Lo stile barocco ha usato contrasto, movimento, dettagli esuberanti, colori profondi, grandiosità e sorpresa per ottenere un senso di soggezione. Lo stile iniziò all’inizio del XVII secolo a Roma, per poi diffondersi rapidamente in Francia, Italia settentrionale, Spagna e Portogallo, quindi in Austria, Germania meridionale e Russia. Entro il 1730, si era evoluto in uno stile ancora più sgargiante, chiamato rocaille o rococò, che apparve in Francia e in Europa centrale fino alla metà del tardo 18 ° secolo.
Panoramica
Barocco: un concetto polisemico
Il termine “barocco” deriva da una parola di origine portoghese (barrôco), il cui femminile chiamava perle che avevano forme irregolari (come in spagnolo la parola “barruecas”). In origine era una parola dispregiativa che indicava un tipo di arte bizzarra, stravagante, eccessivamente sovraccarica. Così è apparso per la prima volta nel Dictionnaire de Trévoux (1771), che definisce “nella pittura, un dipinto o una figura di gusto barocco, dove le regole e le proporzioni non sono rispettate e tutto è rappresentato per il capriccio del artista”.
Un’altra teoria deriva dal nome barocco, un sillogismo di origine aristotelica dalla filosofia scolastica medievale, che indica un’ambiguità che, basata su un contenuto logico debole, confonde il vero con il falso. Pertanto, questa figura indica un tipo di ragionamento pedante e artificiale, generalmente in tono sarcastico e non senza controversie. In questo senso, Francesco Milizia lo ha applicato nel suo Dizionario delle belle arti del disegno (1797), dove esprime che “il barocco è il superlativo del bizzarro, l’eccesso del ridicolo”.
Il termine “barocco” fu usato dal diciottesimo secolo in un senso dispregiativo, per sottolineare l’eccesso di enfasi e l’abbondanza di ornamenti, a differenza della più chiara e sobria razionalità dell’Illuminismo. A quel tempo, il barocco era sinonimo di altri aggettivi come “assurdo” o “grottesco”. I pensatori illuminati videro nei risultati artistici del secolo precedente una manipolazione dei precetti classicisti, così vicini al loro concetto razionalista di realtà, tanto che la loro critica all’arte del XVI secolo trasformò il termine “barocco” in un concetto peggiorativo: nel suo Dictionnaire d’Architecture (1792), Antoine Chrysostome Quatremère de Quincyhe definisce il barocco come «una sfumatura dello stravagante. È, se vuoi, la sua raffinatezza o se potessi dire, il suo abuso. Quale severità è per la saggezza del gusto, il barocco è per lo strano, cioè è il suo superlativo. L’idea del barocco implica quella del ridicolo portato all’eccesso ».
Tuttavia, la storiografia dell’arte in seguito tendeva a rivalutare il concetto di barocco e valorizzarlo per le sue qualità intrinseche, allo stesso tempo in cui iniziò a trattare il barocco come un periodo specifico nella storia della cultura occidentale. Il primo a respingere il significato negativo del barocco fu Jacob Burckhardt (Cicerone, 1855), affermando che “l’architettura barocca parla la stessa lingua del Rinascimento, ma in un dialetto degenerato”.
Pur non essendo una dichiarazione elogiativa, ha spianato la strada a studi più obiettivi, come quelli di Cornelius Gurlitt (Geschichte des Barockstils in Italia, 1887), August Schmarsow (Barock und Rokoko, 1897), Alois Riegl (Die Entstehung der Barockkunst in Rom , 1908) e Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912), culminati nel lavoro di Heinrich Wölfflin (Renaissance und Barock, 1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), il primo diede al Barocco un’autonomia stilistica propria e differenziata, sottolineando le sue proprietà e caratteristiche stilistiche in modo rivalutato. Successivamente, Benedetto Croce (Saggi sulla letteratura italiana del Seicento, 1911) svolse uno studio storicistico del barocco, inquadrandolo nel suo contesto socio-storico e culturale, e cercando di non dare alcun tipo di giudizio di valore. Tuttavia, in Storia dell’età barocca in Italia (1929), ancora una volta ha dato un carattere negativo al barocco, che ha definito “decadente”, proprio in un momento in cui sorsero numerosi trattati che rivendicarono il valore artistico del periodo, come Der Barock als Kunst der Gegenreformation (1921), di Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930) di Hans Sedlmayr o Art religieux après le Concile de Trente (1932), di Émile Mâle.
Studi successivi hanno definitivamente stabilito l’attuale concetto di barocco, con piccoli avvertimenti, come la distinzione fatta da alcuni storici tra “barocco” e “barocco”, il primo essendo la fase classica, pura e primitiva dell’arte seicentesca, e il in secondo luogo una fase educata, ricaricata ed esagerata, che converrebbe con il Rococó – nello stesso modo in cui il manierismo sarebbe la fase educata del Rinascimento -. In questo senso, Wilhelm Pinder (Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte, 1926) sostiene che questi stili “generazionali” si susseguono sulla base della formulazione e della conseguente deformazione di alcuni ideali culturali: proprio come il Manierismo giocava con le forme classiche di Rinascimento di stile umanista e classicista, il barocco rappresentava la riformulazione nella chiave formalista del substrato ideologico barocco, basato principalmente sull’assolutismo e la controriforma.
D’altra parte, contro il barocco come un certo periodo nella storia della cultura, all’inizio del XX secolo emerse un secondo significato, quello del “barocco” come fase presente nell’evoluzione di tutti gli stili artistici. Nietzsche ha già affermato che “lo stile barocco nasce ogni volta che muore una grande arte”. Il primo a dare al Barocco un senso estetico transistorico fu Heinrich Wölfflin (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), che stabilì un principio generale di alternanza tra classicismo e barocco, che governa l’evoluzione degli stili artistici.
La testimonianza fu raccolta da Eugenio d’Ors (Il barocco, 1936), che lo definì un “eone”, una forma d’arte transistorica (“il barocco” contro “il barocco” come un periodo), una modalità ricorrente in tutto la storia dell’arte al contrario della classica. Se il classicismo è un’arte razionale, maschile e apolloniana, il barocco è irrazionale, femminile, dionisiaco. Per d’Ors, “entrambe le aspirazioni [classicismo e stile barocco] si completano a vicenda. Ha luogo uno stile di economia e ragione, e un altro musicale e abbondante. Uno è attratto da forme stabili e pesanti, l’altro da forme arrotondate e in aumento. Dall’uno all’altro non c’è né decadimento né degenerazione. Queste sono due forme eterne di sensibilità ».
Contesto storico e culturale
Il 17 ° secolo fu generalmente un periodo di depressione economica, una conseguenza della prolungata espansione del secolo precedente causata principalmente dalla scoperta dell’America. Cattivi raccolti hanno portato ad un aumento del prezzo del grano e di altri prodotti di base, con conseguenti carestie. Il commercio ristagnò, specialmente nell’area del Mediterraneo, e prosperò solo in Inghilterra e nei Paesi Bassi attraverso il commercio con l’Est e la creazione di grandi società commerciali, che gettarono le basi del capitalismo e l’ascesa della borghesia. La cattiva situazione economica fu aggravata dalle piaghe della peste che devastarono l’Europa a metà del XVII secolo, che colpì in particolare l’area del Mediterraneo. Un altro fattore che ha generato miseria e povertà sono state le guerre, causate principalmente dallo scontro tra cattolici e protestanti, come nel caso della guerra dei trenta anni (1618-1648). Tutti questi fattori hanno causato un grave impoverimento della popolazione; in molti paesi, il numero di poveri e mendicanti ha raggiunto un quarto della popolazione.
D’altra parte, il potere egemonico in Europa passò dalla Spagna imperiale alla Francia assolutista, che dopo la Pace di Vestfalia (1648) e la Pace dei Pirenei (1659) si consolidò come lo stato più potente del continente, praticamente indiscusso fino al insorgenza dell’Inghilterra nel XVIII secolo. Pertanto, la Francia dei Luisi e la Roma papale erano i principali nuclei della cultura barocca, in quanto centri di potere politico e religioso – rispettivamente – e centri di diffusione dell’assolutismo e della controriforma. La Spagna, sebbene in declino politico ed economico, ebbe comunque uno splendido periodo culturale – la cosiddetta Età dell’Oro – che, sebbene segnato dal suo aspetto religioso di incontrovertibile proselitismo controriformista, ebbe una forte componente popolare e portò sia la letteratura che la plastica arti ad alti livelli di qualità. Nel resto dei paesi in cui è arrivata la cultura barocca (Inghilterra, Germania, Paesi Bassi), il suo impianto era irregolare e con diversi francobolli peculiari delle sue caratteristiche nazionali distintive.
Il barocco fu forgiato in Italia, principalmente presso la sede pontificia di Roma, dove l’arte veniva usata come mezzo di propaganda per la diffusione della dottrina controriformista. La Riforma protestante fece precipitare la Chiesa cattolica in una profonda crisi durante la prima metà del XVI secolo, evidenziando sia la corruzione in numerosi strati ecclesiastici sia la necessità di un rinnovamento del messaggio e del lavoro cattolici, nonché un maggiore approccio ai fedeli . Il Concilio di Trento (1545-1563) fu tenuto per contrastare l’avanzata del protestantesimo e per consolidare il culto cattolico nei paesi in cui ancora prevalse, ponendo le basi per il dogma cattolico (sacerdozio sacramentale, celibato, adorazione della Vergine e dei santi, uso liturgico del latino) e la creazione di nuovi strumenti di comunicazione ed espansione della fede cattolica, ponendo particolare enfasi sull’istruzione, predicando e diffondendo il messaggio cattolico, che acquisì un forte timbro di propaganda – per il quale fu creata la Congregazione per la Propagazione della Fede . Questa idea si incarnava nella neonata Compagnia di Gesù, che attraverso la predicazione e l’insegnamento ebbe una diffusione notevole e rapida in tutto il mondo, rallentando l’avanzata del protestantesimo e recuperando numerosi territori per la fede cattolica (Austria, Baviera, Svizzera, Fiandre, Polonia).
Un altro effetto della Controriforma fu il consolidamento della figura del papa, il cui potere fu rafforzato, e che risultò in un ambizioso programma di espansione e rinnovamento urbano di Roma, in particolare delle sue chiese, con particolare enfasi sulla Basilica di San Pietro .e dintorni. La Chiesa era il più grande commissario artistico dell’epoca e usava l’arte come cavallo di battaglia della propaganda religiosa, essendo un mezzo popolare facilmente accessibile e comprensibile. L’arte era usata come veicolo di espressione ad maiorema dei et Ecclesiae gloriam e papi come Sisto V, Clemente VIII, Paolo V, Gregorio XV, Urbano VIII, Innocenzo X e Alessandro VII divennero grandi mecenati e portarono a grandi miglioramenti e costruzioni . nella città eterna, già allora classificata come trionfante della Roma, caput mundi (“Roma trionfante, capo del mondo”).
Culturalmente, il Barocco fu un periodo di grandi progressi scientifici: William Harvey verificò la circolazione del sangue; Galileo Galilei perfezionò il telescopio e consolidò la teoria eliocentrica stabilita nel secolo precedente da Copernico e Keplero; Isaac Newton formulò la teoria della gravitazione universale; Evangelista Torricelli ha inventato il barometro. Francis Bacon ha stabilito il metodo sperimentale con il suo Novum Organumas la base della ricerca scientifica, gettando le basi dell’empirismo. Da parte sua, René Descartes ha guidato la filosofia verso il razionalismo, con il suo famoso “Penso, quindi sono”.
A causa delle nuove teorie eliocentriche e della conseguente perdita del sentimento antropocentrico tipico dell’uomo rinascimentale, l’uomo barocco perse fiducia nell’ordine e nella ragione, nell’armonia e nella proporzione; la natura, non regolata e ordinata, ma libera e volubile, misteriosa e incomprensibile, divenne una fonte diretta di ispirazione conveniente mentalità barocca. Perdendo la fede nella verità, tutto diventa evidente e illusorio (Calderón: la vita è un sogno); Non viene più rivelato nulla, quindi tutto deve essere studiato e sperimentato. Cartesio si mise in dubbio il punto di partenza del suo sistema filosofico: “considerando che tutti i pensieri che ci vengono in mente durante la veglia possono anche presentarci durante il sonno, senza che ciò sia poi vero, ho deciso di fingere che tutte le cose che fino ad allora erano entrate nel mio spirito, non erano più vere delle illusioni dei miei sogni “(Discorso sul metodo, 1637). Così, mentre la scienza si limitava alla ricerca della verità, l’arte era diretta all’espressione dell’immaginario, del desiderio dell’infinito che del barocco l’uomo bramava: da qui il gusto per gli effetti ottici e i giochi illusori, per le costruzioni effimere e il valore del transitorio; o il gusto per il suggestivo e seducente nella poesia, per il meraviglioso, sensuale ed evocativo, per gli effetti linguistici e sintattici, per la forza dell’immagine e il potere della retorica, rivitalizzato dalla pretesa di autori come Aristotele o Cicerone.
La cultura barocca era, secondo la definizione di José Antonio Maravall, “Diretto” – focalizzato sulla comunicazione -, “massiccio” – di carattere popolare – e “conservatore” – per mantenere l’ordine stabilito. Qualsiasi mezzo di espressione artistica dovrebbe essere principalmente didattico e seducente, dovrebbe facilmente raggiungere il pubblico e dovrebbe eccitarlo, farlo concordare con il messaggio che ha trasmesso, un messaggio messo al servizio delle istanze di potere – politico o religioso – che è stato quello che l’ha pagato. i costi di produzione delle opere artistiche, dal momento che la Chiesa e l’aristocrazia – anche incipiente la borghesia – erano i principali clienti di artisti e scrittori. Se la Chiesa voleva trasmettere il suo messaggio controriformista, le monarchie assolute vedevano nell’arte un modo per ingrandire la loro immagine e mostrare il loro potere,
Per questo motivo e nonostante la crisi economica, l’arte fiorì soprattutto grazie al patrocinio ecclesiastico e aristocratico. Le corti degli stati monarchici – in particolare gli assolutisti – favorirono l’arte come un modo per catturare la magnificenza dei loro regni, uno strumento propagandistico che attestava la grandezza del monarca (un esempio paradigmatico è la costruzione di Versailles da parte di Luigi XIV). L’ascesa del collezionismo, che ha portato alla diffusione di artisti e opere d’arte in tutto il continente europeo, ha portato alla nascita del mercato dell’arte. Alcuni dei principali collezionisti d’arte dell’epoca erano monarchi, come l’imperatore Rodolfo II, Carlo I d’Inghilterra, Filippo IV di Spagna o la regina Cristina di Svezia. Il mercato artistico fiorì in particolare, concentrandosi principalmente su quello olandese (Anversa e Amsterdam) e quello tedesco (Norimberga e Augusta). Anche le accademie d’arte proliferarono – a seguito di quelle emerse in Italia nel XVI secolo – come istituzioni incaricate di preservare l’arte come fenomeno culturale, regolandone lo studio e la conservazione e promuovendola attraverso mostre e concorsi; le principali accademie emerse nel 17 ° secolo furono l’Académie Royale d’Art, fondata a Parigi nel 1648, e l’Akademie der Künste a Berlino (1696).
Lo stile barocco
Il barocco era uno stile ereditato di scetticismo manierista, che si rifletteva in un sentimento di fatalità e drammaticità tra gli autori dell’epoca. L’arte divenne più artificiale, più ornata, decorativa, ornata. Ha sottolineato l’uso illusionista degli effetti ottici; la bellezza ha cercato nuovi modi di espressione e gli effetti sorprendenti e sorprendenti sono diventati rilevanti. Sono emersi nuovi concetti estetici come “arguzia”, ”intuizione” o “nitidezza”. Nella condotta personale, l’aspetto esterno è stato particolarmente enfatizzato, in modo da riflettere un atteggiamento altero, elegante, raffinato ed esagerato che ha preso il nome di préciosité.
Secondo Wölfflin, il barocco è definito principalmente dall’opposizione al Rinascimento: rispetto alla visione lineare del Rinascimento, la visione barocca è pittorica; rispetto alla composizione in piani, quella basata sulla profondità; di fronte alla forma chiusa, quella aperta; di fronte all’unità compositiva basata sull’armonia, la subordinazione a un motivo principale; rispetto alla chiarezza assoluta dell’oggetto, la chiarezza relativa dell’effetto. Pertanto, il barocco «è lo stile del punto di vista pittorico con prospettiva e profondità, che sottopone la molteplicità dei suoi elementi a un’idea centrale, con una visione illimitata e un’oscurità relativa che evita dettagli e profili nitidi, allo stesso tempo essere uno stile che, invece di rivelare la sua arte, la nasconde ».
L’arte barocca si è espressa stilisticamente in due modi: da un lato, c’è un’enfasi sulla realtà, l’aspetto banale della vita, la vita quotidiana e la natura effimera della vita, che si è materializzata in una certa “volgarizzazione” del fenomeno religioso in cattolico paesi, nonché un maggiore gusto per le qualità sensibili del mondo circostante nei protestanti; d’altra parte, una visione grandiosa ed esaltata di concetti nazionali e religiosi si manifesta come espressione di potere, che si traduce in un gusto per il monumentale, il lussuoso e ornato, il magnifico personaggio dato alla regalità e alla Chiesa, a cui spesso un forte timbro di propaganda.
Il barocco era una cultura dell’immagine, in cui tutte le arti si univano per creare un’opera d’arte totale, con un’estetica teatrale e scenografica, una messa in scena che rivela lo splendore del potere dominante (Chiesa o Stato), con tocchi naturalistici ma in un insieme che esprime dinamismo e vitalità. L’interazione di tutte le arti esprime l’uso del linguaggio visivo come mezzo di comunicazione di massa, incarnato in una concezione dinamica della natura e dello spazio circostante.
Una delle caratteristiche principali dell’arte barocca è la sua natura illusoria e artificiale: “l’ingegnosità e il design sono l’arte magica attraverso la quale si può ingannare l’occhio con stupore” (Gian Lorenzo Bernini). Il visual e l’effimero erano particolarmente apprezzati, per i quali il teatro e i vari generi di arti dello spettacolo e spettacoli hanno guadagnato popolarità: danza, pantomima, teatro musicale (oratorio e melodramma), spettacoli di burattini, acrobati, circhi, ecc. il mondo è un teatro (theatrum mundi) e la vita una funzione teatrale: “ognuno è un palcoscenico e tutti gli uomini e le donne semplici attori” (come piace a te, William Shakespeare, 1599).
Allo stesso modo, c’era la tendenza a teatralizzare le altre arti, in particolare l’architettura. È un’arte che si basa sull’inversione della realtà: sulla «simulazione», sulla trasformazione del falso in vero e sul «travestimento», passando il vero per falso. Le cose non vengono mostrate come sono, ma come vorrebbero che fossero, specialmente nel mondo cattolico, dove la Controriforma ebbe scarso successo, poiché metà dell’Europa si rivolse al protestantesimo. In letteratura, si è manifestato dando libero sfogo all’artificio retorico, come mezzo di espressione propagandistica in cui la sontuosità del linguaggio ha cercato di riflettere la realtà in modo zuccherato, ricorrendo a figure retoriche come metafora, paradosso, iperbole, antitesi, iperbato , ellissi, ecc. Questa trasposizione della realtà, che è distorta e ingrandita, alterata nelle sue proporzioni e soggetta al criterio soggettivo della finzione, è passata anche nel campo della pittura, dove la prospettiva di scorcio e illusionista viene abusata per motivi di maggiore, effetti sorprendenti. e sorprendente.
L’arte barocca ha cercato di creare una realtà alternativa attraverso la finzione e l’illusione. Questa tendenza ebbe la sua massima espressione nella festa e nella celebrazione giocosa; edifici come chiese o palazzi, o un quartiere o un’intera città, sono diventati teatri di vita, scenari in cui realtà e illusione si sono mescolate, in cui i sensi sono stati sottoposti a inganno e artificio. Sotto questo aspetto, la Chiesa controriformista aveva un ruolo speciale, che cercava attraverso sfarzo e sfarzo di mostrare la sua superiorità sulle chiese protestanti, con atti come messe solenni, canonizzazioni, giubilei, processioni o dotazioni papali. Ma altrettanto sontuose furono le celebrazioni della monarchia e dell’aristocrazia, con eventi come incoronazioni, matrimoni e nascite reali, funerali, visite di ambasciatori o qualsiasi evento che permise al monarca di mostrare il suo potere di ammirare il popolo. I festival barocchi erano una coniugazione di tutte le arti, dall’architettura e le arti plastiche alla poesia, musica, danza, teatro, fuochi d’artificio, composizioni floreali, giochi d’acqua, ecc. Architetti come Bernini o Pietro da Cortona, o Alonso Cano e Sebastián Herrera Barnuevo in Spagna, ha contribuito con il suo talento a tali eventi, progettando strutture, coreografie, illuminazioni e altri elementi, che spesso sono serviti come banco di prova per futuri traguardi più seri: così, il baldacchino per la canonizzazione di Santa Elisabetta del Portogallo ha servito Bernini per il suo il progetto futuro del baldacchino di San Pietro e del quarantore (Teatro Sacro dei Gesuiti) di Carlo Rainaldi fu un modello della chiesa di Santa Maria in Campitelli.
Durante il Barocco, il carattere ornato, artificiale e ornato dell’arte di questo tempo ha rivelato un senso vitale transitorio, correlato al memento mori, il valore effimero delle ricchezze di fronte all’inevitabilità della morte, parallelamente al genere pittorico del vanitas. Questo sentimento ha portato ad un apprezzamento vitalista della fugacità del momento, a godere dei lievi momenti di svago che la vita concede, o a solenni celebrazioni e atti. Così nascite, matrimoni, morti, atti religiosi o incoronazioni reali e altri atti ludici o cerimoniali, furono coperti da una pompa e artificio di natura scenografica, dove vennero prodotte grandi assemblee che riunivano architettura e decorazioni per fornire una magnificenza eloquente a qualsiasi celebrazione, che è diventata uno spettacolo quasi catartico, in cui l’elemento illusorio, l’attenuazione del confine tra realtà e fantasia, ha assunto particolare rilevanza.
Va notato che il barocco è un concetto eterogeneo che non presentava un’unità stilistica né geograficamente né cronologicamente, ma al suo interno vi sono varie tendenze stilistiche, principalmente nel campo della pittura. I principali sarebbero: naturalismo, uno stile basato sull’osservazione della natura ma soggetto a determinate linee guida stabilite dall’artista, basato su criteri morali ed estetici o, semplicemente, derivato dalla libera interpretazione dell’artista nel concepire la sua opera; realismo, una tendenza derivante dalla rigorosa imitazione della natura, né interpretata né addolcita, ma rappresentata nei minimi dettagli fino al minimo dettaglio; classicismo, corrente focalizzata sull’idealizzazione e sulla perfezione della natura, che evoca sentimenti elevati e profonde riflessioni, con l’aspirazione di riflettere la bellezza in tutta la sua pienezza.
Infine, va notato che nel Barocco sorsero o si svilupparono nuovi generi pittorici. Se fino ad allora la rappresentazione di temi storici, mitologici o religiosi aveva prevalso nell’arte, i profondi cambiamenti sociali subiti nel 17 ° secolo favorirono l’interesse per nuovi temi, specialmente nei paesi protestanti, la cui severa moralità impediva la rappresentazione di immagini religiose considerandole idolatria .
D’altro canto, l’ascesa della borghesia, che per enfatizzare il suo status investito decisamente nell’arte, portò con sé la rappresentazione di nuovi temi lontani dalle scene grandiloquenti preferite dall’aristocrazia. Tra i generi ampiamente sviluppati nel barocco spiccano: la pittura di genere, che prende i suoi modelli dalla realtà circostante, dalla vita quotidiana, da temi rurali o urbani, da poveri e mendicanti, mercanti e artigiani, o da feste e folclorismo impostazioni; il paesaggio, che eleva la rappresentazione della natura a una categoria indipendente, che fino a quel momento serviva solo da sfondo per scene con figure storiche o religiose; il ritratto, che centra la sua rappresentazione sulla figura umana, generalmente con una componente realistica, sebbene a volte non esente da idealizzazione; la natura morta o natura morta, che consiste nella rappresentazione di oggetti inanimati, siano essi pezzi di corredo domestico, fiori, frutta o altri alimenti, mobili, strumenti musicali, ecc .; e la vanitas, un tipo di natura morta che allude alla natura effimera dell’esistenza umana, generalmente simboleggiata dalla presenza di teschi o scheletri, o candele o clessidre.
Architettura: origini e caratteristiche
Lo stile barocco dell’architettura fu il risultato di dottrine adottate dalla Chiesa cattolica nel Concilio di Trento nel 1545-1563, in risposta alla Riforma protestante. La prima fase della Controriforma aveva imposto uno stile accademico severo all’architettura religiosa, che aveva fatto appello agli intellettuali ma non alla massa di fedeli. Il Concilio di Trento decise invece di fare appello a un pubblico più popolare e dichiarò che le arti dovevano comunicare temi religiosi con un coinvolgimento diretto ed emotivo. L’arte barocca luterana si è sviluppata come un indicatore confessionale di identità, in risposta al grande iconoclastia dei calvinisti.
Le chiese barocche furono progettate con un ampio spazio centrale, dove i fedeli potevano essere vicini all’altare, con una cupola o una cupola alta in alto, permettendo alla luce di illuminare la chiesa sottostante. La cupola era una delle caratteristiche simboliche centrali dell’architettura barocca che illustrava l’unione tra il cielo e la terra, L’interno della cupola era riccamente decorato con dipinti di angeli e santi e con statuette in stucco di angeli, dando l’impressione a quelli sotto di guardare il cielo. Un’altra caratteristica delle chiese barocche è la quadratura; trompe-l’œil dipinti sul soffitto in cornici di stucco, reali o dipinti, affollati di dipinti di santi e angeli e collegati da dettagli architettonici con le balaustre e le console. I quadri di quadratura di Atlanti sotto le cornici sembrano sostenere il soffitto della chiesa. A differenza dei soffitti dipinti di Michelangelo nella Cappella Sistina, che combinavano scene diverse, ognuna con la propria prospettiva, da guardare una alla volta, i dipinti del soffitto barocco sono stati accuratamente creati in modo che lo spettatore sul pavimento della chiesa potesse vedere il l’intero soffitto in una prospettiva corretta, come se le figure fossero reali.
Gli interni delle chiese barocche sono diventati sempre più decorati nell’alto barocco e si sono concentrati attorno all’altare, solitamente posto sotto la cupola. Le opere decorative barocche più celebri dell’alto barocco sono la Cattedra di San Pietro (1647-1653) e il Baldachino di San Pietro (1623-1634), entrambi di Gian Lorenzo Bernini, nella Basilica di San Pietro a Roma. Il Baldequin di San Pietro è un esempio dell’equilibrio degli opposti nell’arte barocca; le proporzioni gigantesche del pezzo, con l’apparente leggerezza del baldacchino; e il contrasto tra le solide colonne intrecciate, il bronzo, l’oro e il marmo del pezzo con i drappi fluenti degli angeli sul baldacchino. La Frauenkirche di Dresda funge da importante esempio di arte barocca luterana, che fu completata nel 1743 dopo essere stata commissionata dal consiglio comunale luterano di Dresda e “confrontata dagli osservatori del XVIII secolo con San Pietro a Roma”.
La colonna attorcigliata all’interno delle chiese è una delle caratteristiche distintive del barocco. Dà un senso di movimento e anche un nuovo modo drammatico di riflettere la luce. Il cartiglio era un’altra caratteristica della decorazione barocca. Si trattava di grandi placche scolpite in marmo o pietra, di solito ovali e con una superficie arrotondata, che portavano immagini o testo in lettere dorate, e venivano collocate come decorazioni interne o sopra le porte degli edifici, consegnando messaggi a quelli sottostanti. Hanno mostrato una grande varietà di invenzioni e sono stati trovati in tutti i tipi di edifici, dalle cattedrali e dai palazzi alle piccole cappelle.
Gli architetti barocchi a volte utilizzavano la prospettiva forzata per creare illusioni. Per Palazzo Spada a Roma, Borromini usò colonne di dimensioni decrescenti, un pavimento stretto e una statua in miniatura nel giardino oltre per creare l’illusione che un passaggio fosse lungo trenta metri, quando in realtà era lungo solo sette metri. Una statua alla fine del passaggio sembra essere a grandezza naturale, sebbene sia alta solo sessanta centimetri. Borromini progettò l’illusione con l’assistenza di un matematico.
Architettura barocca italiana
Il primo edificio a Roma ad avere una facciata barocca fu la Chiesa del Gesù nel 1584; era evidente per gli standard barocchi successivi, ma segnò una rottura con le tradizionali facciate rinascimentali che lo precedevano. L’interno di questa chiesa rimase molto austero fino all’alto barocco, quando fu riccamente decorato.
A Roma nel 1605, Paolo V divenne il primo di una serie di papi che commissionarono basiliche e edifici ecclesiali progettati per ispirare emozione e timore reverenziale attraverso una proliferazione di forme e una ricchezza di colori ed effetti drammatici. Tra i monumenti più influenti del primo barocco c’erano la facciata della Basilica di San Pietro (1606-1619) e la nuova navata e loggia che collegava la facciata alla cupola di Michelangelo nella chiesa precedente. Il nuovo design ha creato un drammatico contrasto tra la cupola impennata e la facciata sproporzionatamente ampia, e il contrasto sulla facciata stessa tra le colonne doriche e la grande massa del portico.
Dalla metà alla fine del 17 ° secolo lo stile raggiunse il suo apice, in seguito chiamato Alto Barocco. Molte opere monumentali furono commissionate da Papi Urbano VIII e Alessandro VII. Lo scultore e architetto Gian Lorenzo Bernini progettò un nuovo quadruplo colonnato intorno a Piazza San Pietro (1656-1667). Le tre gallerie di colonne in un’ellisse gigante bilanciano la cupola di grandi dimensioni e danno alla Chiesa e al quadrato un’unità e la sensazione di un teatro gigante.
Un altro grande innovatore dell’alto barocco italiano fu Francesco Borromini, la cui opera principale fu la Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlo delle Quattro Fontane (1634–46). Il senso del movimento non è dato dalla decorazione, ma dalle pareti stesse, che ondulano e da elementi concavi e convessi, tra cui una torre ovale e un balcone inseriti in una traversa concava. L’interno era ugualmente rivoluzionario; lo spazio principale della chiesa era ovale, sotto una cupola ovale.
I soffitti dipinti, affollati di angeli e santi ed effetti architettonici trompe-l’œil, erano una caratteristica importante dell’alto barocco italiano. Tra le opere principali ricordiamo L’ingresso di Sant’Ignace in Paradiso di Andrea Pozzo (1685-1695) nella Chiesa di Sant’Ignazio a Roma e Il trionfo del nome di Gesù di Giovanni Battista Gaulli nella Chiesa del Gesù a Roma (1669– 1683), che mostrava figure che spuntavano dalla cornice, drammatica illuminazione obliqua e contrasti chiaro-scuri. Lo stile si diffuse rapidamente da Roma ad altre regioni d’Italia: apparve a Venezia nella chiesa di Santa Maria della Salute (1631–1687) di Baldassare Longhena, una forma ottagonale molto originale coronata da un’enorme cupola. Apparve anche a Torino, in particolare nella Cappella della Sindone (1668–1694) di Guarino Guarini. Lo stile cominciò anche ad essere usato nei palazzi; Guarini progettò il Palazzo Carignano a Torino, mentre Longhena progettò la Ca ‘Rezzonico sul Canal Grande, (1657), terminata da Giorgio Massari con decorazioni con dipinti di Giovanni Battista Tiepolo. Una serie di enormi terremoti in Sicilia richiese la ricostruzione di gran parte di essi e molti vennero costruiti in esuberante stile tardo barocco o rococò.
Architettura barocca spagnola
La chiesa cattolica in Spagna, e in particolare i gesuiti, furono la forza trainante dell’architettura barocca spagnola. La prima grande opera nello stile fu la Cappella di San Isidro a Madrid, iniziata nel 1643 da Pedro de la Torre. Contrapponeva un’estrema ricchezza di ornamenti all’esterno con semplicità negli interni, divisa in più spazi e usando effetti di luce per creare un senso di mistero. La Cattedrale di Santiago de Compostela fu modernizzata con una serie di aggiunte barocche a partire dalla fine del 17 ° secolo, a partire da un campanile molto ornato (1680), poi fiancheggiato da due torri ancora più alte e più ornate, chiamato Obradorio, aggiunto tra il 1738 e il 1750 di Fernando de Casas Novoa. Un altro punto di riferimento del barocco spagnolo è la torre della cappella del Palazzo di San Telmo a Siviglia di Leonardo de Figueroa.
Granada era stata liberata dai Mori solo nel 15 ° secolo e aveva una sua distinta varietà di barocco. Il pittore, scultore e architetto Alonso Cano progettò l’interno barocco della Cattedrale di Granada tra il 1652 e la sua morte nel 1657. Presenta contrasti drammatici delle imponenti colonne bianche e decorazioni dorate.
L’architettura più ornamentale e riccamente decorata del barocco spagnolo si chiama stile Churrigueresque, dal nome dei fratelli Churriguera, che lavorarono principalmente a Salamanca e Madrid. Le loro opere includono gli edifici sulla piazza principale della città, la Plaza Mayor di Salamanca (1729). Questo stile barocco altamente ornamentale fu molto influente in molte chiese e cattedrali costruite dagli spagnoli nelle Americhe.
Altri importanti architetti barocchi spagnoli del tardo barocco includono Pedro de Ribera, allievo di Churriguera, che progettò il Royal Hospice di San Fernando a Madrid, e Narciso Tomé, che progettò la celebre pala d’altare El Transparente nella Cattedrale di Toledo (1729-1732) che dà l’illusione, in una certa luce, di fluttuare verso l’alto.
Gli architetti del barocco spagnolo ebbero un effetto ben oltre la Spagna; il loro lavoro ebbe grande influenza nelle chiese costruite nelle colonie spagnole in America Latina e nelle Filippine. La Chiesa costruita dai Gesuiti per un collegio a Tepotzotlán, con la sua facciata e la torre barocche ornate, ne è un buon esempio.
Europa centrale e rococò (1740-1770)
Dal 1680 al 1750, molte cattedrali, abbazie e chiese di pellegrinaggio riccamente decorate furono costruite nell’Europa centrale, in Baviera, Austria, Boemia e Polonia sud-occidentale. Alcuni erano in stile rococò, uno stile distinto, più sgargiante e asimmetrico che emerse dal barocco, poi lo sostituì nell’Europa centrale nella prima metà del 18 ° secolo, fino a quando fu sostituito a sua volta dal classicismo.
I principi della moltitudine di stati in quella regione scelsero anche il barocco o il rococò per i loro palazzi e residenze, e spesso usarono architetti di formazione italiana per costruirli. Notevoli architetti includono Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt e Dominikus Zimmermann in Baviera, Balthasar Neumann a Bruhl e Matthäus Daniel Pöppelmann a Dresda. In Prussia, Federico II di Prussia fu ispirato al Grand Trianon del Palazzo di Versailles e lo usò come modello per la sua residenza estiva, Sanssouci, a Potsdam, progettata per lui da Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Un’altra opera di architettura barocca del palazzo è lo Zwinger a Dresda, l’antica orangerie del palazzo dei Duchi di Sassonia nel 18 ° secolo.
Uno dei migliori esempi di chiesa rococò è la Basilika Vierzehnheiligen, o Basilica dei quattordici santi aiutanti, una chiesa di pellegrinaggio situata vicino alla città di Bad Staffelstein vicino a Bamberga, in Baviera, nella Germania meridionale. La Basilica fu progettata da Balthasar Neumann e fu costruita tra il 1743 e il 1772, con una serie di cerchi intrecciati attorno a un ovale centrale con l’altare posto nel centro esatto della chiesa. L’interno di questa chiesa illustra il vertice della decorazione rococò.
Un altro esempio notevole di questo stile è la chiesa di pellegrinaggio di Wies (in tedesco: Wieskirche). È stato progettato dai fratelli J. B. e Dominikus Zimmermann. Si trova ai piedi delle Alpi, nel comune di Steingaden nel distretto di Weilheim-Schongau, Baviera, Germania. La costruzione ebbe luogo tra il 1745 e il 1754 e l’interno fu decorato con affreschi e stucchi secondo la tradizione della scuola Wessobrunner. Ora è un patrimonio mondiale dell’UNESCO.
Un altro esempio notevole è la chiesa di San Nicola (Malá Strana) a Praga (1704-1755), costruita da Christoph Dientzenhofer e suo figlio Kilian Ignaz Dientzenhofer. La decorazione copre tutte le pareti degli interni della chiesa. L’altare è collocato nella navata sotto la cupola centrale e circondato da cappelle, la luce scende dalla cupola sopra e dalle cappelle circostanti. L’altare è interamente circondato da archi, colonne, balaustre curve e pilastri di pietra colorata, che sono riccamente decorati con statue, creando una deliberata confusione tra la vera architettura e la decorazione. L’architettura si trasforma in un teatro di luce, colore e movimento.
In Polonia, il barocco polacco di ispirazione italiana è durato dall’inizio del XVII alla metà del XVIII secolo e ha sottolineato la ricchezza di dettagli e colori. Il primo edificio barocco nell’odierna Polonia e probabilmente uno dei più riconoscibili è la Chiesa di San Pietro e Paolo a Cracovia, progettata da Giovanni Battista Trevano. La Colonna di Sigismondo a Varsavia, eretta nel 1644, fu il primo monumento barocco secolare al mondo costruito a forma di colonna. Lo stile di residenza sontuosa fu esemplificato dal Palazzo Wilanów, costruito tra il 1677 e il 1696. L’architetto barocco più famoso attivo in Polonia fu l’olandese Tylman van Gameren e le sue opere degne di nota includono la chiesa di San Kazimierz a Varsavia e il palazzo Krasiński, Sant’Anna a Cracovia e Palazzo Branicki a Bialystok. Tuttavia, l’opera più celebre del barocco polacco è la chiesa di Fara a Poznań, con dettagli di Pompeo Ferrari.
Barocco francese o classicismo
La Francia ha resistito in gran parte allo stile barocco ornato di Italia, Spagna, Vienna e il resto dell’Europa. Lo stile barocco francese (spesso definito Grand Classicismo o semplicemente Classicismo in Francia) è strettamente associato alle opere costruite per Luigi XIV e Luigi XV; presenta un ordine e una misura più geometrici del barocco e decorazioni meno elaborate sulle facciate e sugli interni. Luigi XIV invitò il maestro del barocco, Bernini, a presentare un disegno per la nuova ala del Louvre, ma lo rifiutò a favore di un disegno più classico di Claude Perrault e Louis Le Vau.
I principali architetti di questo stile includevano François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Chiesa di Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) e in particolare Jules Hardouin Mansart e Robert de Cotte, i cui lavori includevano la Galerie des Glaces e il Grand Trianon a Versailles (1687–1688). Mansart fu anche responsabile del classicismo barocco di Place Vendôme (1686–1699).
Il principale progetto reale del periodo fu l’espansione della Reggia di Versailles, iniziata nel 1661 da Le Vau con decorazioni del pittore Charles Le Brun. I giardini sono stati progettati da André Le Nôtre appositamente per integrare e amplificare l’architettura. La Galerie des Glaces (Sala degli Specchi), il fulcro del castello, con dipinti di Le Brun, fu costruita tra il 1678 e il 1686. Mansart completò il Grand Trianon nel 1687. La cappella, progettata da de Cotte, fu terminata nel 1710. Dopo la morte di Luigi XIV, Luigi XV aggiunse il più intimo Petit Trianon e il teatro altamente decorato. Le fontane nei giardini sono state progettate per essere viste dall’interno e per aggiungere l’effetto drammatico. Il palazzo fu ammirato e copiato da altri monarchi d’Europa, in particolare Pietro il Grande di Russia, che visitò Versailles all’inizio del regno di Luigi XV e costruì la sua versione nel Palazzo di Peterhof vicino a San Pietroburgo, tra il 1705 e il 1725.
Barocco portoghese
L’architettura barocca in Portogallo è durata circa due secoli (fine del XVII e XVIII secolo). I regni di Giovanni V e Giuseppe I avevano aumentato le importazioni di oro e diamanti, in un periodo chiamato Assolutismo Reale, che permise al barocco portoghese di prosperare.
L’architettura barocca in Portogallo gode di una situazione speciale e di una cronologia diversa dal resto dell’Europa.
È condizionato da diversi fattori politici, artistici ed economici, che originano diverse fasi e diversi tipi di influenze esterne, risultando in una miscela unica, spesso fraintesa da chi cerca l’arte italiana, trova invece forme e carattere specifici che le conferiscono un Varietà portoghese. Un altro fattore chiave è l’esistenza dell’architettura gesuitica, chiamata anche “stile semplice” (Estilo Chão o Estilo Plano) che, come evoca il nome, è più semplice e appare in qualche modo austera.
Gli edifici sono basiliche a camera singola, profonda cappella principale, cappelle laterali (con piccole porte per la comunicazione), senza decorazioni interne ed esterne, portale e finestre molto semplici. È un edificio molto pratico, che consente di essere costruito in tutto l’impero con piccoli aggiustamenti e preparato per essere decorato in seguito o quando saranno disponibili risorse economiche.
In effetti, il primo barocco portoghese non manca di costruzione perché lo “stile semplice” è facile da trasformare, mediante la decorazione (pittura, piastrellatura, ecc.), Trasformando le aree vuote in pomposi, elaborati scenari barocchi. Lo stesso potrebbe essere applicato all’esterno. Successivamente, è facile adattare l’edificio al gusto del tempo e del luogo e aggiungere nuove funzionalità e dettagli. Pratico ed economico.
Con più abitanti e migliori risorse economiche, il nord, in particolare le aree di Porto e Braga, ha visto un rinnovamento architettonico, visibile nella vasta lista di chiese, conventi e palazzi costruiti dall’aristocrazia.
Porto è la città del barocco in Portogallo. Il suo centro storico fa parte della lista del patrimonio mondiale dell’Unesco.
Molte delle opere barocche nell’area storica della città e oltre, appartengono a Nicolau Nasoni un architetto italiano che vive in Portogallo, disegnando edifici originali con postazioni scenografiche come la chiesa e la torre di Clérigos, la logia della Cattedrale di Porto, la chiesa di Misericórdia, il Palazzo di São João Novo, il Palazzo di Freixo, il Palazzo episcopale (portoghese: Paço Episcopal do Porto) insieme a molti altri.
Barocco russo
Il debutto del barocco russo, o barocco petrino, seguì una lunga visita di Pietro il Grande nell’Europa occidentale nel 1697-98, dove visitò i castelli di Fontainebleu e Versailles e altri monumenti architettonici. Decise, al suo ritorno in Russia, di costruire monumenti simili a San Pietroburgo, che divenne la nuova capitale della Russia nel 1712. I primi monumenti importanti nel barocco petrino includono la Cattedrale di Pietro e Paolo e il Palazzo Menshikov.
Durante il regno dell’Imperatrice Anna e Elizaveta Petrovna, l’architettura russa fu dominata dal lussuoso stile barocco dell’italiano Bartolomeo Rastrelli, che divenne il barocco elisabettiano. Gli edifici caratteristici di Rastrelli includono il Palazzo d’Inverno, il Palazzo di Caterina e la Cattedrale di Smolny. Altri monumenti distintivi del barocco elisabettiano sono il campanile di Troitse-Sergiyeva Lavra e la Porta Rossa.
A Mosca, il barocco di Naryshkin divenne molto diffuso, specialmente nell’architettura delle chiese ortodosse orientali alla fine del XVII secolo. Era una combinazione del barocco dell’Europa occidentale con i tradizionali stili folk russi.
Barocco nelle Americhe coloniali spagnole e portoghesi
A causa della colonizzazione delle Americhe da parte dei paesi europei, il Barocco si trasferì naturalmente nel Nuovo Mondo, trovando un terreno particolarmente favorevole nelle regioni dominate dalla Spagna e dal Portogallo, essendo entrambi paesi centralizzati e irriducibilmente monarchie cattoliche, per estensione soggetta a Roma e aderenti a il controriformista barocco più tipico. Gli artisti europei emigrarono in America e fecero scuola, e insieme alla diffusa penetrazione dei missionari cattolici, molti dei quali erano abili artisti, crearono un barocco multiforme spesso influenzato dal gusto popolare. Gli artigiani Criollo e Indidenous fecero molto per conferire a questo barocco caratteristiche uniche. I principali centri della coltivazione barocca americana, che sono ancora in piedi, sono (in questo ordine) Messico, Brasile, Perù, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala e Porto Rico.
Di particolare nota è il cosiddetto “barocco missionario”, sviluppato nel quadro delle riduzioni spagnole nelle aree che si estendono dal Messico e dalle porzioni sud-occidentali degli attuali Stati Uniti fino al sud dell’Argentina e del Cile, insediamenti indigeni organizzati da cattolici spagnoli missionari per convertirli alla fede cristiana e acculturarli nella vita occidentale, formando un ibrido barocco influenzato dalla cultura indigena, dove fiorirono Criollos e molti artigiani e musicisti indiani, anche letterati, alcuni di grande abilità e talento. I resoconti dei missionari spesso ripetono che l’arte occidentale, in particolare la musica, ebbe un impatto ipnotico sui silvicoltori e che le immagini dei santi erano viste come dotate di grandi poteri. Molti indiani furono convertiti e fu creata una nuova forma di devozione, di intensità appassionata, carica di misticismo, superstizione e teatralità, che si dilettava in messe festive, concerti sacri e misteri.
L’architettura barocca coloniale nell’America spagnola è caratterizzata da una ricca decorazione (portale della chiesa La Profesa, Città del Messico; facciate ricoperte di azulejos in stile Puebla, come nella chiesa di San Francisco Acatepec a San Andrés Cholula e la chiesa del convento di San Francisco di Puebla), che sarà esacerbato nel cosiddetto stile Churrigueresque (Facciata del Tabernacolo della Cattedrale di Città del Messico, di Lorenzo Rodríguez; Chiesa di San Francisco Javier, Tepotzotlán; Chiesa di Santa Prisca di Taxco). In Perù, le costruzioni si svilupparono principalmente nelle città di Lima, Cuzco, Arequipa e Trujillo dal 1650 e mostrano caratteristiche originali che sono avanzate anche al barocco europeo, come nell’uso di pareti imbottite e colonne solomoniche (Chiesa della Compagna di Gesù, Cusco; Basilica e Convento di San Francisco, Lima). Altri paesi includono: la Cattedrale Metropolitana di Sucre in Bolivia; Basilica Cattedrale di Esquipulas in Guatemala; Cattedrale di Tegucigalpa in Honduras; Cattedrale di León in Nicaragua; la Chiesa della Compagnia di Gesù a Quito, in Ecuador; la Chiesa di San Ignacio a Bogotá, in Colombia; la Cattedrale di Caracas in Venezuela; il Cabildo di Buenos Aires in Argentina; la Chiesa di Santo Domingo a Santiago, in Cile; e Cattedrale dell’Avana a Cuba. Vale anche la pena ricordare la qualità delle chiese delle missioni dei gesuiti spagnoli in Bolivia, le missioni dei gesuiti spagnoli in Paraguay, le missioni spagnole in Messico e le missioni francescane spagnole in California.
In Brasile, come nella metropoli, in Portogallo, l’architettura ha una certa influenza italiana, di solito di tipo borrominesico, come si può vedere nella concattedrale di Recife (1784) e nella Chiesa di Nossa Senhora da Glória do Outeiro a Rio de Janeiro (1739). Nella regione di Minas Gerais, ha sottolineato il lavoro di Aleijadinho, autore di un gruppo di chiese che si distinguono per la loro planimetria curva, facciate con effetti dinamici concavi-convessi e un trattamento plastico di tutti gli elementi architettonici (Chiesa di São Francisco de Assis in Ouro Preto, 1765-1788).
Barocco nell’Asia coloniale spagnola e portoghese
Nelle colonie portoghesi dell’India (Goa, Daman e Diu) fiorì uno stile architettonico di forme barocche mescolato con elementi indù, come la Cattedrale di Goa e la Basilica di Bom Jesus di Goa, che ospita la tomba di San Francesco Saverio. L’insieme di chiese e conventi di Goa è stato dichiarato Patrimonio dell’Umanità nel 1986.
Nelle Filippine, che è stata a lungo parte dell’Impero spagnolo, sono conservate numerose costruzioni barocche, tra cui le chiese barocche delle Filippine che quattro di queste, e la città barocca e neoclassica di Vigan, sono entrambe patrimonio mondiale dell’UNESCO Siti del patrimonio. È stata anche notevole la città murata di Manila (Intramuros). Un’altra città con un notevole barocco conservato di epoca spagnola è Tayabas.
Pittura
I pittori barocchi lavorarono deliberatamente per distinguersi dai pittori del Rinascimento e del Manierismo dopo di esso. Nella loro tavolozza hanno usato colori intensi e caldi e in particolare hanno utilizzato i colori primari rosso, blu e giallo, mettendo spesso tutti e tre nelle immediate vicinanze. Hanno evitato l’illuminazione uniforme della pittura rinascimentale e hanno usato forti contrasti di luce e oscurità su alcune parti del quadro per attirare l’attenzione sulle azioni o figure centrali.
Nella loro composizione, hanno evitato le scene tranquille dei dipinti rinascimentali e hanno scelto i momenti del più grande movimento e drammaticità. A differenza dei volti tranquilli dei dipinti rinascimentali, i volti dei dipinti barocchi esprimevano chiaramente le loro emozioni. Spesso usavano l’asimmetria, con l’azione che si svolgeva lontano dal centro dell’immagine e creavano assi che non erano né verticali né orizzontali, ma inclinati verso sinistra o destra, dando un senso di instabilità e movimento. Hanno migliorato questa impressione di movimento facendo muovere i costumi dei personaggi dal vento o mossi dai loro gesti. Le impressioni generali erano movimento, emozione e drammaticità. Un altro elemento essenziale della pittura barocca era l’allegoria; ogni quadro raccontava una storia e aveva un messaggio, spesso criptato in simboli e caratteri allegorici, che uno spettatore istruito avrebbe dovuto conoscere e leggere.
Le prime prove delle idee barocche italiane nella pittura sono avvenute a Bologna, dove Annibale Carracci, Agostino Carracci e Ludovico Carracci hanno cercato di riportare le arti visive al classico classicismo del Rinascimento. La loro arte, tuttavia, incorporava anche idee centrali nella Controriforma; questi includevano intense emozioni e immagini religiose che attiravano più il cuore che l’intelletto.
Un altro influente pittore di epoca barocca fu Michelangelo Merisi da Caravaggio. Il suo approccio realistico alla figura umana, dipinto direttamente dalla vita e drammaticamente illuminato su uno sfondo scuro, ha scioccato i suoi contemporanei e ha aperto un nuovo capitolo nella storia della pittura. Altri importanti pittori associati strettamente allo stile barocco includono Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo e Paolo de Matteis in Italia; Francisco de Zurbarán e Diego Velázquez in Spagna; Adam Elsheimer in Germania; e Nicolas Poussin e Georges de La Tour in Francia (sebbene Poussin abbia trascorso gran parte della sua vita lavorativa in Italia). Poussin e La Tour adottarono uno stile barocco “classico” con meno attenzione alle emozioni e maggiore attenzione alla linea delle figure nel dipinto che al colore.
Peter Paul Rubens era il pittore più importante dello stile barocco fiammingo. Le composizioni altamente caricate di Rubens fanno riferimento ad aspetti eruditi della storia classica e cristiana. Il suo stile barocco unico e immensamente popolare ha enfatizzato il movimento, il colore e la sensualità, che ha seguito l’immediato, drammatico stile artistico promosso nella Controriforma. Rubens era specializzato nella realizzazione di pale d’altare, ritratti, paesaggi e dipinti storici di soggetti mitologici e allegorici.
Un importante dominio della pittura barocca era la quadratura, o dipinti in trompe-l’oeil, che letteralmente “ingannavano l’occhio”. Questi erano solitamente dipinti su stucchi di soffitti o pareti superiori e balaustre, e davano l’impressione a coloro che guardavano in alto sul terreno di vedere i cieli popolati da folle di angeli, santi e altre figure celesti, appoggiate contro cieli dipinti e architettura immaginaria.
In Italia, gli artisti hanno spesso collaborato con architetti alla decorazione d’interni; Pietro da Cortona fu uno dei pittori del XVII secolo che impiegò questo modo illusionistico di dipingere. Tra le sue commissioni più importanti c’erano gli affreschi che dipinse per il Palazzo della famiglia Barberini (1633–39), per glorificare il regno di Papa Urbano VIII. Le composizioni di Pietro da Cortona furono i più grandi affreschi decorativi eseguiti a Roma dall’opera di Michelangelo nella Cappella Sistina.
François Boucher fu una figura importante nel più delicato stile rococò francese, che apparve durante il periodo tardo barocco. Ha disegnato arazzi, tappeti, decorazioni teatrali e dipinti. Il suo lavoro fu estremamente popolare con Madame Pompadour, la Padrona del re Luigi XV. I suoi dipinti presentavano temi mitologici romantici e leggermente erotici.
Americhe coloniali
Nelle Americhe spagnole, le prime influenze furono dal tenebrismo sivigliano, principalmente dallo Zurbarán – alcune delle cui opere sono ancora conservate in Messico e in Perù – come si può vedere nell’opera dei messicani José Juárez e Sebastián López de Arteaga e del boliviano Melchor Pérez de Holguín. La scuola di pittura di Cusco nacque dopo l’arrivo del pittore italiano Bernardo Bitti nel 1583, che introdusse il manierismo nelle Americhe. Ha messo in evidenza il lavoro di Luis de Riaño, discepolo dell’italiano Angelino Medoro, autore dei murales della chiesa di San Pedro di Andahuaylillas. Ha anche messo in evidenza i pittori indiani (Quechua) Diego Quispe Tito e Basilio Santa Cruz Pumacallao, nonché Marcos Zapata, autore delle cinquanta grandi tele che ricoprono gli alti archi della Cattedrale di Cusco. In Ecuador, fu formata la Scuola di Quito, rappresentata principalmente dal meticcio Miguel de Santiago e dal criollo Nicolás Javier de Goríbar.
Nel XVIII secolo le pale d’altare scultoree iniziarono a essere sostituite da dipinti, sviluppando in particolare la pittura barocca nelle Americhe. Allo stesso modo, la domanda di opere civili, principalmente ritratti delle classi aristocratiche e della gerarchia ecclesiastica, è cresciuta. L’influenza principale fu il Murillesque e in alcuni casi – come nel criollo Cristóbal de Villalpando – quello di Valdés Leal. La pittura di questa era ha un tono più sentimentale, con forme dolci e morbide. Evidenzia Gregorio Vásquez de Arce in Colombia e Juan Rodríguez Juárez e Miguel Cabrera in Messico.
Scultura
La figura dominante nella scultura barocca era Gian Lorenzo Bernini. Sotto il patrocinio di Papa Urbano VIII, realizzò una straordinaria serie di statue monumentali di santi e figure i cui volti e gesti esprimevano vividamente le loro emozioni, nonché busti di ritratto di eccezionale realismo e opere altamente decorative per il Vaticano, tra cui l’imponente sedia di San Pietro sotto la cupola nella Basilica di San Pietro. Inoltre, ha progettato fontane con gruppi monumentali di sculture per decorare le principali piazze di Roma.
La scultura barocca è stata ispirata dall’antica statua romana, in particolare dalla famosa statua di Laocoonte del I secolo d.C., esposta nella galleria del Vaticano. Quando visitò Parigi nel 1665, Bernini si rivolse agli studenti dell’Accademia di pittura e scultura. Ha consigliato agli studenti di lavorare su modelli classici, piuttosto che sulla natura. Disse agli studenti: “Quando ho avuto problemi con la mia prima statua, ho consultato l’Antinoo come un oracolo”.
Notevoli scultori barocchi del tardo francese includevano Étienne Maurice Falconet e Jean Baptiste Pigalle. Pigalle fu incaricato da Federico il Grande di realizzare statue per la versione di Federico di Versailles a Sanssouci a Potsdam, in Germania. Falconet ricevette anche un’importante commissione straniera, creando la famosa statua di Pietro il Grande a cavallo trovata a San Pietroburgo.
In Spagna, lo scultore Francisco Salzillo ha lavorato esclusivamente su temi religiosi, usando il legno policromo. Alcuni dei migliori lavori scultorei barocchi sono stati trovati negli altari in stucco dorato delle chiese delle colonie spagnole del Nuovo Mondo, realizzati da artigiani locali; esempi includono la Cappella del Rosario della Chiesa di Santo Domingo a Oaxaca, in Messico (1724-1731).
Musica e balletto
Il termine barocco è anche usato per designare lo stile musicale composto in un periodo che si sovrappone a quello dell’arte barocca. I primi usi del termine “barocco” per la musica furono le critiche. In un’anonima recensione satirica della prima dell’ottobre 1733 dell’Hippolyte et Aricie di Rameau, stampata nel Mercure de France nel maggio 1734, il critico insinuava che la novità di quest’opera fosse “du barocque”, lamentando che la musica mancava di melodia coerente , fu riempito di incessanti dissonanze, cambiò continuamente chiave e metro e attraversò rapidamente ogni dispositivo compositivo. Jean-Jacques Rousseau, musicista e noto compositore e filosofo, fece un’osservazione molto simile nel 1768 nel famoso Encylopedié di Denis Diderot: “La musica barocca è quella in cui l’armonia è confusa e carica di modulazioni e dissonanze Il canto è aspro e innaturale, l’intonazione difficile e il movimento limitato. Sembra che il termine derivi dalla parola “baroco” usata dai logici “.
L’uso comune del termine per la musica del periodo iniziò solo nel 1919, da Curt Sachs, e fu solo nel 1940 che fu usato per la prima volta in inglese in un articolo pubblicato da Manfred Bukofzer.
Il barocco fu un periodo di sperimentazione musicale e innovazione. Furono inventate nuove forme, tra cui il concerto e la sinfonia. L’Opera nacque in Italia alla fine del XVI secolo (con la Dafne per lo più perduta di Jacopo Peri, prodotta a Firenze nel 1598) e presto si diffuse in tutto il resto d’Europa: Luigi XIV creò la prima Accademia Reale di Musica, nel 1669, il poeta Pierre Perrin aprì un’accademia di opera a Parigi, il primo teatro d’opera in Francia aperto al pubblico, e presentò in anteprima Pomone, la prima grande opera in francese, con musica di Robert Cambert, con cinque atti, elaborati macchinari di scena e un balletto. Heinrich Schütz in Germania, Jean-Baptiste Lully in Francia e Henry Purcell in Inghilterra contribuirono tutti a stabilire le loro tradizioni nazionali nel 17 ° secolo.
Il balletto classico ebbe origine anche in epoca barocca. Lo stile della danza di corte fu portato in Francia da Marie de Medici, e all’inizio i membri della corte erano i ballerini. Lo stesso Luigi XIV si esibì in pubblico in diversi balletti. Nel marzo 1662, l’Académie Royale de Danse, fu fondata dal re. Fu la prima scuola e compagnia di danza professionale e stabilì gli standard e il vocabolario del balletto in tutta Europa durante il periodo.
Numerosi nuovi strumenti, incluso il piano, furono introdotti in questo periodo. L’invenzione del pianoforte è attribuita a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) di Padova, Italia, che fu impiegato da Ferdinando de ‘Medici, Gran Principe di Toscana, come Custode degli Strumenti. Cristofori chiamò lo strumento un cimbalo di cipresso di piano e forte (“una tastiera di cipresso dal suono morbido e forte”), abbreviato nel tempo come pianoforte, fortepiano e, successivamente, semplicemente, piano.
Teatro
Il periodo barocco fu un periodo d’oro per il teatro in Francia e Spagna; i drammaturghi includevano Corneille, Racine e Moliere in Francia; e Lope de Vega e Pedro Calderón de la Barca in Spagna.
Durante il periodo barocco, l’arte e lo stile del teatro si sono evoluti rapidamente, parallelamente allo sviluppo dell’opera e del balletto. Il design di teatri più nuovi e più grandi, l’invenzione l’uso di macchinari più elaborati, l’uso più ampio dell’arco di proscenio, che incorniciava il palcoscenico e nascondeva i macchinari dal pubblico, incoraggiava più effetti scenici e spettacolo.
Il barocco aveva un carattere cattolico e conservatore in Spagna, seguendo un modello letterario italiano durante il Rinascimento. Il teatro barocco ispanico mirava a un contenuto pubblico con una realtà ideale che manifestava tre sentimenti fondamentali: religione cattolica, monarchica e orgoglio e onore nazionali provenienti dal mondo cavalleresco e cavalleresco.
Due periodi sono noti nel teatro barocco spagnolo, con la divisione avvenuta nel 1630. Il primo periodo è rappresentato principalmente da Lope de Vega, ma anche da Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán. Il secondo periodo è rappresentato da Pedro Calderón de la Barca e dagli altri drammaturghi Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto e Francisco Bances Candamo . Queste classificazioni sono vaghe perché ogni autore ha avuto la sua strada e occasionalmente poteva aderire alla formula stabilita da Lope. Può anche darsi che il “modo” di Lope fosse più liberale e strutturato di quello di Calderón.
Lope de Vega introdusse attraverso la sua Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nuova commedia. Stabilì una nuova formula drammatica che spezzò le tre unità aristoteliche della scuola di poesia italiana (azione, tempo e luogo) e una quarta unità di Aristotele che parla di stile, mescolando elementi tragici e comici che mostrano diversi tipi di versi e stanze su ciò che è rappresentato. Sebbene Lope abbia una grande conoscenza delle arti plastiche, non l’ha usato durante la maggior parte della sua carriera né in teatro o in scenografia. La commedia della Lope ha concesso un secondo ruolo agli aspetti visivi della rappresentazione teatrale.
Tirso de Molina, Lope de Vega e Calderón furono i più importanti scrittori teatrali nell’era d’oro della Spagna. Le loro opere, note per la loro intelligenza sottile e la profonda comprensione dell’umanità di una persona, potrebbero essere considerate un ponte tra la commedia primitiva di Lope e la commedia più elaborata di Calderón. Tirso de Molina è meglio conosciuto per due opere, The Convicted Suspicions e The Trickster of Seville, una delle prime versioni del mito di Don Juan.
Al suo arrivo a Madrid, Cosimo Lotti portò alla corte spagnola le tecniche teatrali più avanzate d’Europa. Le sue tecniche e conoscenze meccaniche furono applicate nelle mostre di palazzo chiamate “Feste” e nelle sontuose mostre di fiumi o fontane artificiali chiamate “Naumaquias”. Era incaricato della progettazione dei giardini di Buen Retiro, di Zarzuela e di Aranjuez e della costruzione dell’edificio teatrale del Coliseo del Buen Retiro.
Le formule di Lope iniziano con un verso che non si addice alla fondazione del teatro del palazzo e alla nascita di nuovi concetti che hanno iniziato la carriera di alcuni sceneggiatori come Calderón de la Barca. Contrassegnando le principali innovazioni della nuova commedia lopesiana, lo stile di Calderón ha segnato molte differenze, con una grande cura costruttiva e attenzione alla sua struttura interna. Il lavoro di Calderón è nella perfezione formale e un linguaggio molto lirico e simbolico. La libertà, la vitalità e l’apertura di Lope hanno dato un passo alla riflessione intellettuale e alla precisione formale di Calderón. Nella sua commedia riflette le sue intenzioni ideologiche e dottrine al di sopra della passione e dell’azione, il lavoro di Autos sacramentales ha raggiunto alti livelli. Il genere di Comedia è politico, multi-artistico e in un certo senso ibrido. Il testo poetico si intrecciava con i media e le risorse provenienti dall’architettura, dalla musica e dalla pittura, liberando l’inganno che si trova nella commedia lopesiana, era costituito dalla mancanza di scenari e coinvolgeva il dialogo dell’azione.
Il drammaturgo tedesco più noto fu Andreas Gryphius, che usò il modello gesuita dell’olandese Joost van den Vondel e Pierre Corneille. C’era anche Johannes Velten che univa le tradizioni dei comici inglesi e la commedia del’arte con il teatro classico di Corneille e Molière. La sua compagnia di tour fu forse la più significativa e importante del 17 ° secolo.
Americhe coloniali spagnole
A seguito dell’evoluzione segnata dalla Spagna, alla fine del XVI secolo, le compagnie di comici, essenzialmente transumanti, iniziarono a professionalizzarsi. Con la professionalizzazione arrivarono la regolamentazione e la censura: come in Europa, il teatro oscillava tra tolleranza e persino protezione e rifiuto del governo (con eccezioni) o persecuzioni da parte della Chiesa. Il teatro è stato utile alle autorità come strumento per diffondere il comportamento e i modelli desiderati, il rispetto dell’ordine sociale e della monarchia, la scuola del dogma religioso.
I corrales sono stati somministrati a beneficio degli ospedali che condividevano i benefici delle rappresentazioni. Le compagnie itineranti (o “della lega”), che trasportavano il teatro in improvvisati palcoscenici all’aperto delle regioni che non avevano locali fissi, richiedevano una licenza vicereale per lavorare, il cui prezzo o pinción era destinato ad elemosine e opere pie . Per le aziende che lavoravano stabilmente nelle capitali e nelle principali città, una delle loro principali fonti di reddito era la partecipazione ai festeggiamenti del Corpus Domini, che offriva loro non solo vantaggi economici, ma anche riconoscimento e prestigio sociale. Le rappresentazioni nel palazzo vicereale e nelle dimore dell’aristocrazia, dove rappresentavano sia le commedie del loro repertorio sia produzioni speciali con grandi effetti di luce, scenografia e palcoscenico, erano anche un’importante fonte di lavoro ben pagato e prestigioso.
Nato nel Vicereame della Nuova Spagna, ma successivamente si stabilì in Spagna, Juan Ruiz de Alarcón è la figura più importante nel teatro barocco della Nuova Spagna. Nonostante il suo adattamento alla nuova commedia di Lope de Vega, sono stati notati il suo “marcato secolarismo”, la sua discrezione e moderazione e una forte capacità di “penetrazione psicologica” come caratteristiche distintive di Alarcón contro i suoi contemporanei spagnoli. Degno di nota tra le sue opere La verdad sospechosa, una commedia di personaggi che riflette il suo costante scopo moralizzante. La drammatica produzione di Sor Juana Inés de la Cruz la colloca come la seconda figura del teatro barocco ispano-americano. Vale la pena ricordare tra le sue opere l’auto sacramentale El divino Narciso e la commedia Los empeños de una casa.
Giardini
Il giardino barocco, noto anche come jardin à la française o giardino formale francese, è apparso per la prima volta a Roma nel 16 ° secolo, e poi più famoso in Francia nel 17 ° secolo nei giardini di Vaux le Vicomte e il Palazzo di Versailles. I giardini barocchi furono costruiti da re e principi in Germania, Paesi Bassi, Austria, Spagna, Polonia, Italia e Russia fino alla metà del 18 ° secolo, quando iniziarono a essere rifatti dal giardino paesaggistico inglese più naturale.
Lo scopo del giardino barocco era di illustrare il potere dell’uomo sulla natura e la gloria del suo costruttore, i giardini barocchi, erano disposti in motivi geometrici, come le stanze di una casa. Di solito si vedevano meglio dall’esterno e guardavano in basso, da un castello o da una terrazza. Gli elementi di un giardino barocco includevano parterre di aiuole o siepi basse abbellite da ornati disegni barocchi, e viuzze diritte e vicoli di ghiaia che dividevano e attraversavano il giardino. Terrazze, rampe, scale e cascate furono collocate dove c’erano differenze di elevazione e fornirono punti di osservazione. Stagni o bacini d’acqua circolari o rettangolari erano le impostazioni per fontane e statue. Boschetti o boschetti accuratamente tagliati o linee di alberi identici, davano l’aspetto di pareti di verde e costituivano fondali per statue. Ai bordi, i giardini di solito avevano padiglioni, aranceti e altre strutture dove i visitatori potevano rifugiarsi dal sole o dalla pioggia.
I giardini barocchi richiedevano un numero enorme di giardinieri, rifilature continue e acqua abbondante. Nella parte successiva del periodo barocco, gli elementi formali iniziarono a essere sostituiti con caratteristiche più naturali, tra cui percorsi tortuosi, boschi di alberi lasciati a crescere non tagliati; architettura rustica e strutture pittoresche, come templi romani o pagode cinesi, così come “giardini segreti” ai bordi del giardino principale, pieni di verde, dove i visitatori potevano leggere o conversare in silenzio. A metà del XVIII secolo, la maggior parte dei giardini barocchi fu parzialmente o interamente trasformata in variazioni del giardino all’inglese.
Oltre a Versailles e Vaux-le-Vicomte, i celebri giardini barocchi che conservano ancora gran parte del loro aspetto originale includono la Reggia di Caserta vicino a Napoli; Palazzo di Nymphenburg e Palazzi di Augustusburg e Falkenlust, Brühl in Germania; Het Loo Palace nei Paesi Bassi; il Palazzo del Belvedere a Vienna; il Palazzo Reale di La Granja de San Ildefonso in Spagna; e Peterhof Palace a San Pietroburgo, Russia.
Differenze tra rococò e barocco
Le seguenti sono le caratteristiche che Rococò ha e Barocco non ha: [chiarimento necessario]
Il parziale abbandono della simmetria, essendo tutto composto da linee e curve aggraziate, simili a quelle in stile liberty
L’enorme quantità di curve asimmetriche e volute a forma di C.
L’ampio uso di fiori in ornamenti, ad esempio festoni fatti di fiori
Motivi cinesi e giapponesi
Colori pastello caldi (giallo biancastro, color crema, grigio perla, blu molto chiaro)
Fine dello stile, condanna e riscoperta accademica
Madame de Pompadour, l’amante di Luigi XV, contribuì al declino dello stile barocco e rococò. Nel 1750 mandò suo nipote, Abel-François Poisson de Vandières, in una missione di due anni per studiare gli sviluppi artistici e archeologici in Italia. Era accompagnato da diversi artisti, tra cui l’incisore Nicolas Cochin e l’architetto Soufflot. Sono tornati a Parigi con la passione per l’arte classica. Vandiéres divenne il marchese di Marigny e fu nominato direttore reale degli edifici nel 1754. Trasformò l’architettura ufficiale francese verso il neoclassico. Cochin divenne un importante critico d’arte; ha denunciato lo stile petit di Boucher e ha chiesto un grande stile con una nuova enfasi sull’antichità e sulla nobiltà nelle accademie di pittura di architettura.
Anche il pioniere storico e archeologo tedesco Johann Joachim Winckelmann ha condannato lo stile barocco e ha elogiato i valori superiori dell’arte e dell’architettura classica. Nel diciannovesimo secolo, il barocco era un bersaglio per il ridicolo e le critiche. Il critico neoclassico Francesco Milizia scrisse: “Borrominini in architettura, Bernini in scultura, Pietro da Cortona in pittura … sono una piaga del buon gusto, che ha contagiato un gran numero di artisti”. Nel diciannovesimo secolo, le critiche andarono ancora oltre; il critico britannico John Ruskin dichiarò che la scultura barocca non era solo cattiva, ma anche moralmente corrotta.
Lo storico dell’arte svizzero Heinrich Wölfflin (1864-1945) iniziò la riabilitazione della parola barocco nel suo Rinascimento e Barock (1888); Wölfflin identificò il barocco come “movimento importato in massa”, un’arte antitetica all’arte rinascimentale. Non ha fatto le distinzioni tra manierismo e barocco che fanno gli scrittori moderni, e ha ignorato la fase successiva, il barocco accademico che è durato nel 18 ° secolo. L’arte e l’architettura barocca sono diventate di moda tra le due guerre mondiali e sono rimaste in gran parte favorevoli. Il termine “barocco” può ancora essere usato, di solito in modo peggiorativo, per descrivere opere d’arte, artigianato o design che si ritiene abbiano ornamenti eccessivi o complessità della linea.