Le avanguardie sono persone o opere che sono sperimentali, radicali o non ortodosse rispetto all’arte, alla cultura o alla società. Può essere caratterizzato da un’innovazione estetica non tradizionale e dall’inaccettabilità iniziale e può offrire una critica del rapporto tra produttore e consumatore.
L’avanguardia spinge i confini di ciò che è accettato come norma o status quo, principalmente nel regno culturale. Le avanguardie sono considerate da alcuni come un segno distintivo del modernismo, distinto dal postmodernismo. Molti artisti si sono allineati con il movimento delle avanguardie e continuano a farlo, tracciando una storia da Dada attraverso i situazionisti agli artisti postmoderni come i poeti della lingua intorno al 1981.
L’avanguardia promuove anche riforme sociali radicali. Questo significato fu evocato dal Saint Simonian Olinde Rodrigues nel suo saggio “L’artiste, le savant et l’industriel” (“L’artista, lo scienziato e l’industriale”, 1825), che contiene il primo uso registrato di “avanguardia” nel suo senso ormai consueto: lì, Rodrigues invita gli artisti a “servire come [le avanguardie] dell’avanguardia”, insistendo sul fatto che “il potere delle arti è davvero il modo più immediato e veloce” per il sociale, riforma politica ed economica.
teorie
Diversi scrittori hanno tentato di mappare i parametri dell’attività delle avanguardie. Il saggista italiano Renato Poggioli fornisce una delle prime analisi di avanguardismo come fenomeno culturale nel suo libro Teoria dell’arte d’avanguardia (The Theory of the Avant-Garde) del 1962. Esaminando gli aspetti storici, sociali, psicologici e filosofici dell’avanguardia, Poggioli va oltre le singole istanze dell’arte, della poesia e della musica per dimostrare che gli avanguardisti possono condividere determinati ideali o valori che si manifestano negli stili di vita anticonformisti che adottano: Egli vede l’avanguardia cultura come varietà o sottocategoria del Bohemianismo. Altri autori hanno tentato sia di chiarire che di estendere lo studio di Poggioli. Il critico letterario tedesco Peter Bürger, Theory of the Avant-Garde (1974) analizza l’abbraccio delle opere d’arte socialmente critiche e suggerisce che, in complicità con il capitalismo, “l’arte come istituzione neutralizza il contenuto politico del lavoro individuale”.
Il saggio di Bürger influenzò molto anche il lavoro degli storici dell’arte americani contemporanei come il tedesco Benjamin H. D. Buchloh (nato nel 1941). Buchloh, nella raccolta di saggi Neo-avantgarde e Culture Industry (2000) critica criticamente per un approccio dialettico a queste posizioni. Le critiche successive hanno teorizzato i limiti di questi approcci, notando le loro aree di analisi circoscritte, comprese le definizioni eurocentriche, maschiliste e specifiche del genere.
Relazione con la società principale
Il concetto di avanguardia si riferisce principalmente a artisti, scrittori, compositori e pensatori il cui lavoro è contrario ai valori culturali tradizionali e spesso ha un taglio sociale o politico. Molti scrittori, critici e teorici fecero affermazioni sulla cultura d’avanguardia durante gli anni formativi del modernismo, sebbene la prima dichiarazione definitiva sulle avanguardie fosse il saggio Avant-Garde e Kitsch del critico d’arte newyorkese Clement Greenberg, pubblicato su Partisan Review nel 1939 Greenberg sosteneva che la cultura di avanguardia è stata storicamente opposta alla cultura “alta” o “mainstream”, e che ha anche respinto la cultura di massa sintetizzata artificialmente che è stata prodotta dall’industrializzazione. Ognuno di questi media è un prodotto diretto del capitalismo – sono tutti ora industrie sostanziali – e come tali sono guidati dagli stessi motivi fissati dal profitto di altri settori della produzione, non gli ideali della vera arte. Per Greenberg, queste forme erano quindi kitsch: fasulla, finta o cultura meccanica, che spesso fingevano di essere più di quanto non fossero usando dispositivi formali rubati alla cultura d’avanguardia. Ad esempio, negli anni ’30 l’industria della pubblicità si affrettò a prendere manierismi visivi dal surrealismo, ma questo non significa che le fotografie pubblicitarie degli anni ’30 siano davvero surreali.
Vari membri della Scuola di Francoforte hanno discusso punti di vista simili: Theodor Adorno e Max Horkheimer nel loro saggio The Culture Industry: Enlightenment as Mass-Deception (1944), e anche Walter Benjamin nella sua influente “L’opera d’arte nell’era della meccanica” Riproduzione “(1935, rev. 1939). Laddove Greenberg usava la parola tedesca kitsch per descrivere l’antitesi della cultura d’avanguardia, i membri della Scuola di Francoforte hanno coniato il termine “cultura di massa” per indicare che questa cultura fasulla viene costantemente prodotta da una nuova industria culturale (comprendente case editrici commerciali , l’industria cinematografica, l’industria discografica e i media elettronici). Hanno anche sottolineato che l’ascesa di questo settore ha fatto sì che l’eccellenza artistica fosse rimpiazzata dai dati di vendita come misura di valore: un romanzo, ad esempio, è stato giudicato meritorio solo dal fatto che fosse diventato un best-seller, la musica ceduta alle classifiche e alla logica commerciale smussata del disco d’oro. In questo modo il merito artistico autonomo tanto caro all’avanguardista fu abbandonato e le vendite diventarono sempre più la misura e la giustificazione di tutto. La cultura del consumatore ora regnava.
La cooptazione delle avanguardie da parte del mercato capitalista globale, dalle economie neoliberali e da quello che Guy Debord chiamava The Society of the Spectacle, ha fatto sì che i critici contemporanei speculassero sulla possibilità di un’avanguardia significativa oggi. La teoria di Paul Mann, Death of the Avant-Garde, dimostra quanto completamente le avanguardie siano incorporate nelle strutture istituzionali oggi, un pensiero perseguito anche da Richard Schechner nelle sue analisi delle prestazioni d’avanguardia.
Nonostante gli argomenti centrali di Greenberg, Adorno e altri, vari settori dell’industria della cultura tradizionale hanno cooptato e applicato erroneamente il termine “avanguardia” sin dagli anni ’60, principalmente come strumento di marketing per pubblicizzare la musica popolare e il cinema commerciale. È diventato comune parlare di musicisti rock di successo e celebri cineasti come “avant-garde”, la parola stessa è stata spogliata del suo vero significato. Notando questo importante cambiamento concettuale, i principali teorici contemporanei come Matei Calinescu in Cinque volti della modernità: modernismo, avanguardia, decadenza, kitsch, postmodernismo (1987), [pagina necessaria] e Hans Bertens in L’idea del postmoderno: una storia (1995), [la pagina ha richiesto] hanno suggerito che questo è un segno che la nostra cultura è entrata in una nuova era postmoderna, quando gli ex modi di pensare e di comportarsi modernisti sono stati resi ridondanti.
Ciononostante, una critica incisiva dell’avanguardia contro le opinioni della società corrente fu offerta dal critico newyorkese Harold Rosenberg alla fine degli anni ’60. Cercando di trovare un equilibrio tra le intuizioni di Renato Poggioli e le affermazioni di Clement Greenberg, Rosenberg suggerì che dalla metà degli anni ’60 in poi la cultura progressista cessò di soddisfare il suo precedente ruolo antagonista. Da allora è stato affiancato da quelli che ha definito “fantasmi d’avanguardia da una parte e una cultura di massa mutevole dall’altra”, con cui interagisce in misura diversa. Ciò ha visto la cultura diventare, nelle sue parole, “una professione di cui uno degli aspetti è la finzione di rovesciarlo”.
Esempi
Avanguardia in politica
Il concetto di avanguardia si è fatto strada nel linguaggio politico, in particolare dei partiti e dei movimenti rivoluzionari. Così Lenin, e con lui il successivo marxismo-leninismo, comprese il Partito Comunista come “l’avanguardia della classe operaia”. Già Marx scrisse nel manifesto del Partito Comunista che i comunisti sono “la parte più decisa e in continua espansione dei partiti operaioli di tutti i paesi, teoricamente, hanno davanti al resto della massa del proletariato l’intuizione delle condizioni, il Naturalmente, e i risultati generali del movimento proletario. “(MEW 4, P. 474.) Allo stesso tempo, tuttavia, Marx sottolineava che i comunisti erano, soprattutto, anche parte del proletariato. Il proletariato stesso è:” Il il movimento proletario è il movimento indipendente dell’immensa maggioranza nell’interesse dell’immensa maggioranza “(p 472).
Lenin, d’altra parte, organizzò un partito di massa con i bolscevichi, ma allo stesso tempo formulò una rivendicazione principale delle avanguardie al resto del proletariato. Questa avanguardia, che portò le idee rivoluzionarie dall’esterno agli operai, era necessaria, secondo Lenin, perché i proletari con il loro potere sono solo capaci di una coscienza sindacale, cioè sindacale: “La storia di tutti i paesi mostrano che la classe operaia può produrre solo una coscienza sindacale unicamente con il proprio potere “(Lenin, Che cosa fare ?, in: Werke, Vol. 5, p.338). Questa dottrina è stata strumentale nel giustificare la dittatura del partito sugli operai.
Anche le avanguardie politiche del movimento rivoluzionario erano considerate i marinai comunisti, che avevano svolto un ruolo trainante nella rivoluzione russa di ottobre del 1917, ma anche nella rivoluzione tedesca del novembre 1818.
Avanguardia nell’arte
Nella storia delle belle arti, il termine avant-garde rappresenta i movimenti artistici del (inizio) XX secolo ed è collegato al concetto di modernismo o arte moderna. Stranamente, molte delle avanguardie artistiche della modernità aspirano all ‘”abolizione dell’arte nella pratica della vita”.
Un ruolo importante nella storia dell’avanguardia artistica ha giocato l’avanguardia russa e il futurismo italiano, che nei suoi manifesti dell ‘”arte della guerra” ha dato la sua estetica, percepita come rivoluzionaria. Anche Cubismo, Cubofuturismo, Vorticismo, Costruttivismo, Suprematismo, Dadaismo, Surrealismo, Espressionismo, Tachismo, Pittura d’azione, Arte minimalista, Op Art, Pop Art, Lettrismo, Situazionismo, Fluxus, Happening, l’Actionismo viennese e la cosiddetta arte concettuale sono considerati i movimenti artistici delle avanguardie.
Per l’arte nella Russia sovietica, il termine aveva un duplice significato, perché nella teoria marxista-leninista sotto l’avanguardia e soprattutto si capiva un’avanguardia politica, per cui la successiva trasformazione delle avanguardie russe alla chiamato, artisticamente difficilmente all’avanguardia, fu creato il “realismo socialista”.
Nell’arte tedesca l’arte d’avanguardia del Reich fu combattuta dal 1933 dai nazionalsocialisti come “arte degenerata”. Gli artisti che non si adattarono alla “arte tedesca” allineata e rimasero legati alle avanguardie furono perseguitati (se non fuggirono nel 1933 o andarono in esilio negli anni che seguirono). Le opere d’arte moderne sono state confiscate come “giudicate”, parzialmente distrutte o in molti casi messe all’asta in Svizzera. Gli artisti ebrei che non potevano lasciare la Germania in tempo furono uccisi nell’Olocausto.
Dopo che il nazionalsocialismo fu sconfitto nel 1945, il panorama artistico tedesco si riprese lentamente da questa catastrofe politica e intellettuale all’inizio degli anni cinquanta. Nella Repubblica federale c’erano attività di alcuni artisti che avevano trovato con la loro pittura informale la connessione con i movimenti d’avanguardia del tachismo francese e con l’espressionismo astratto americano o la pittura d’azione. Negli anni ’60 e nel corso del movimento del 1968, lo sviluppo dell’arte tedesca divenne sempre più importante per l’Europa e gli Stati Uniti.
Allo stesso tempo, le nuove avanguardie del dopoguerra segnarono già la fine strisciante del concetto di avanguardia. Se nell’età moderna ciascuna delle avanguardie, spesso in stretta successione nel tempo, affermava di rappresentare lo stato di sviluppo artistico più recente e “valido”, si osservò un’esistenza parallela delle varie avanguardie nell’arte del postmodernismo , spesso eclettici tra loro mescolati. Gli sviluppi sembrano possibili in molte direzioni, non c’è consenso su dove andare. La parola “avant-garde” perde così il suo significato originale e difficilmente sembra appropriata per descrivere l’arte contemporanea.
Invece di “avanguardia” e “arte moderna” si parla per l’arte contemporanea dell’arte contemporanea. In tal modo, può anche perseguire strategie d’avanguardia, reinventare la ricerca talvolta ristretta di innovazione o far rivivere tradizioni più vecchie.
Avanguardia in letteratura
L’inizio delle avanguardie letterarie e quindi della letteratura moderna in generale può essere determinato alla fine del XIX secolo con il simbolismo francese, con poeti come Stéphane Mallarmé, Charles Baudelaire e Arthur Rimbaud, in Germania con Stefan George e i poeti dell’Espressionismo, con la prima guerra mondiale, i movimenti d’avanguardia radicalizzarono e concepirono il loro lavoro sempre più come arte di protesta socialmente critica e provocatoria. Caratteristica delle avanguardie è che si distingue dalle tendenze letterarie prevalenti in termini di contenuto, stile, tecnica e / o forma (ad esempio sviluppando nuove forme come poesie fonetiche, collage, poesie casuali). Tuttavia, i movimenti d’avanguardia come la cerchia di artisti intorno a Stefan George spesso si capivano come elite, perché il concetto di avanguardia include figure di artisti forti. Inoltre, le élite avant-garde erano spesso strutturate gerarchicamente (così come il cerchio attorno a George).
Alle avanguardie letterarie si contano Surrealismo, dadaismo, espressionismo, Scapigliatura e Futurismo.
Avanguardia nelle arti dello spettacolo
Nel teatro, il termine avant-garde è associato a una rottura con le illusioni, una liberazione dal palcoscenico e un’esplosione di convenzioni rappresentazionali. Il naturalismo è – forse radicalmente, con l’eccezione delle varianti di critica sociale – non contato in prima linea, ma li ha preparati. L’impegno politico radicale e l’allontanamento radicale dalla realtà sono ugualmente tra le caratteristiche dell’avanguardia teatrale.
L’allontanamento dalla psicologia e dall’intimità è comune alla maggior parte delle correnti. Movimenti letterari come il dadaismo e il surrealismo hanno fornito un nuovo tipo di testo teatrale che si è allontanato dalla convenzione dei “ruoli distribuiti”. Il regista Edward Gordon Craig ha progettato il “super-burattino” come l’ideale del nuovo attore, Wsewolod Meyerhold è andato dal Taylorismo per creare una base fisica e multiculturale per il gioco. Erwin Piscator ha promosso l’uso della tecnologia all’avanguardia sul palco con film e registrazioni sonore. Anche Bertolt Brecht fu influenzato dalle avanguardie antinaturalistiche.
Le correnti d’avanguardia nelle arti visive e il cubismo hanno influenzato la progettazione di scenografie e costumi. Adolphe Appia contrastava gli “spazi ritmici” vuoti con l’illuminazione differenziata dello stadio di illusione naturalistica con la sua moltitudine di oggetti di scena. Immagine, movimento e musica sono stati combinati in un modo nuovo come nel Triadic Ballet di Oskar Schlemmer. La tecnica del movimento fu rivoluzionata dalla danza espressiva (come Isadora Duncan), da cui emerse la danza moderna.
Importanti avant-garderegisseurs dopo il 1945 comprendevano Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Tadeusz Kantor e Robert Wilson.
Avanguardia in musica
Poiché gli stili musicali d’avanguardia sono nella musica classica dagli inizi del XIX e XX secolo, qui erano spesso sotto la direzione della nuova musica insieme. Importanti pionieri della fine del XIX secolo furono Wagner, Liszt, Scriabin e, in particolare, Debussy; Schönberg, Berg, Webern, Hindemith o Stravinsky, mentre nella seconda metà Stockhausen, Xenakis o Ligeti erano considerati impulsi importanti. Comune a tutti è la rottura con le abitudini di ascolto tradizionali, come l’uso sorprendente di dissonanze, ritmi irregolari e, soprattutto, atonalità e politonalità. Esempi di avanguardie musicali sono la musica dell’espressionismo, impressionismo, musica a dodici toni, musica seriale successiva, musica aleatoria, composizione sonora, musica minimale e musica concreta composta da suoni registrati. Dal dopoguerra, le forme d’avanguardia sono emerse al di fuori del regno della musica elettronica, qui ci sono generi come il free jazz, la musica improvvisata gratuita risultante e industriale e rumore. Anche alcune colonne sonore di film possono mostrare influenze d’avanguardia significative, come la colonna sonora di Don Davis al film del 1999 “Matrix”.
Film d’avanguardia
Il film d’avanguardia apparve già agli albori della cinematografia e fu poi, come in seguito, strettamente legato alle arti visive. Ad esempio, in Francia, in Italia e in Germania, c’erano opere cinematografiche emerse dal futurismo, dal dadaismo, dal costruttivismo e dal surrealismo. Con lo sviluppo di questo film economico da 16 mm, il film d’avanguardia ha ricevuto un nuovo impulso dopo la Seconda Guerra Mondiale in America, Europa, Australia e Giappone. Questa volta, i termini generali furono chiamati Strutturismo, Pop Art, Happening, Fluxus, Concept Art.
Le possibilità formali del film, che non ha altra forma d’arte, hanno reso sempre più debole l’attaccamento tradizionale alle arti visive. Ad esempio, nel film astratto degli anni ’20 (“Cinéma pur”) o nel film underground degli anni ’60. Inoltre, il film d’avanguardia ha iniziato a riferirsi al proprio mezzo (film materiale, cinema allargato, filmati trovati).
Il film è l’unica forma di arte moderna che non può prescindere dal termine avant-garde per distinguersi dalle sue altre manifestazioni commerciali e artistiche. Confondere è l’uso quasi sinonimo del termine film sperimentale. Il cortometraggio sperimentale è stato inteso come un precursore del lungometraggio, specialmente negli anni ’50. Ciò è legato al fatto che in Germania (con un impatto sull’Austria) nel discorso intellettuale l’esperimento fu svalutato – soprattutto da Hans Magnus Enzensberger nel 1962 nella sua “Avanguardia di Aporienthe” – perché le unghie dovevano anche essere paragonate all’arte durante il periodo. di ricostruzione.
Tuttavia, molti cineasti non hanno esitato a comprendere i loro film come esperimenti, ma non tutti provengono dal loro concetto o dalla loro produzione. Pertanto, il film d’avanguardia può essere inteso come il termine più ampio. Un’altra ambiguità deriva dal fatto che i registi di film artistici come Sergei Mikhailovich Eisenstein, Alain Resnais, Jean-Luc Godard o David Lynch sono spesso considerati avanguardisti. Sebbene siano influenzati dalle avanguardie e prendano una posizione speciale nel lungometraggio, rimangono ampiamente convenzionali nel loro quadro generale, come misurato dal film d’avanguardia.
Caratteristica dell’avanguardia artistica
Nonostante tutte le differenze, la diversità di movimenti e stili artistici, letterari e musicali rivela alcune tendenze comuni che consentono di delimitare il concetto di avanguardia artistica da altre epoche e stili. L’arte d’avanguardia appare spesso come deliberatamente provocatoria, enfatizza l’arte innovativa e altamente auto-riflessiva.
Provocazione
È una spinta essenziale nelle avanguardie, l’inusuale, cercare nuove. In particolare, la fine del XIX e la prima metà del XX secolo, l’obiettivo è stato preso frequentemente chiuso, la classe media istruita di shock. Collezione di Poesie di Baudelaire The Flowers of Evil è una delle prime testimonianze a questo. La novità di queste poesie era di permettere alla brutta vita metropolitana di essere materiale per la poesia. Raggiunge un certo climax nel dadaismo, che snobba il pubblico con una letteratura senza senso, e più tardi nell’azionismo viennese. Chi sceglie il “buon gusto” come punto di attacco effettivo e provoca provocazioni estreme.
Innovazione
Il problema strutturale generale delle avanguardie è già contrassegnato. Le avanguardie costituiscono un tipo di eccellenza auto-dinamica: ciò che era insolito ieri è stato stabilito gradualmente ed è spesso assimilato nel mainstream e presto appare familiare. Tali situazioni incontrano approcci d’avanguardia, in e tra le avanguardie, quindi è emerso un modello di sviluppo che comprende l’innovazione sempre più formale come essenziale.
Autoriflessione
Un’altra caratteristica di molte avanguardie è il loro fondamento teorico, e spesso emerge un commento teorico extra-estetico. Forme d’arte d’avanguardia provocano così una riflessione permanente su se stessi, che spesso solleva anche interrogativi sul perché, per qualsiasi motivo, l’arte possa ancora essere percepita e quale sia l’arte.
Critica del termine d’avanguardia
Alla fine del 20 ° secolo, il concetto di avanguardia e le idee ad esso associate sono stati sempre più presi di mira. L’ipotesi che persone o gruppi “progrediscano” nel processo di progresso e nel resto, il “mainstream”, il cui esempio segue o deve seguire, è stato sempre più messo in dubbio. Lo sfondo di questo sviluppo è, da un lato, da ricercarsi nel prosciugamento, almeno temporaneo, dei movimenti artistici d’avanguardia e nel fallimento di molti movimenti politici rivoluzionari. D’altra parte, le idee del postmodernismo sono accompagnate da un distacco deliberato dal concetto di avanguardia, che viene criticato come autoritario dalla sua rivendicazione di leadership. Invece, quella giustapposizione plateale di sviluppi e movimenti era più alta.
Lo scrittore e regista francese Romain Gary († 1980) ha preso le sue critiche nel bon mot “Le avanguardie sono persone che non sanno esattamente dove vogliono andare, ma sono le prime là”.
L’avanguardia e le sue espressioni
All’interno delle correnti d’avanguardia, gli ismi emersero come una proposta contraria alle presunte tendenze dell’invecchiamento e proposero innovazioni radicali di contenuto, linguaggio e attitudine vitale. Tra questi ci sono i seguenti:
Impressionismo
L’impressionismo non era in realtà un sistema d’avanguardia, ma piuttosto un antecedente contro cui reagivano le avanguardie. Il suo principale contributo alle avanguardie fu la liberazione del potere espressivo del colore guidato da Claude Monet. Gli impressionisti impararono a maneggiare la pittura più libera, senza cercare di nascondere le loro pennellate frammentarie, e la luce stava diventando il grande fattore unificante della figura e del paesaggio. Ma i pittori impressionisti erano artisti che non intendevano più esercitare con la loro arte un cambiamento radicale nei costumi del loro tempo né erano impegnati nella volontà di un grande cambiamento sociale. Sono la conseguenza del fallimento delle pretese della rivoluzione del 1830, quella del 1848 e la Comune di Parigi. Le discussioni degli impressionisti erano fondamentalmente tecniche e la loro pittura può essere considerata una esasperazione del naturalismo a tal punto che finirebbe per contrapporsi alle origini. Il realismo di Courbet affermava che in realtà trovava speranza per un cambiamento, il potere degli uomini veri, il movimento delle forze rivoluzionarie. Gli impressionisti sostituiscono le discussioni sul contenuto con quelle della tecnica, della luce e dell’obiettivo della trascrizione pittorica.
Alla fine del 1870 i principali pittori impressionisti si conoscevano già bene. A quel tempo il caffè Guerbois, nella strada di Batignolles, vicino all’officina di Édouard Manet (che sembra essere per il momento la personalità dominante) divenne il quartier generale di questo circolo artistico. L’atteggiamento di solidarietà degli impressionisti all’inizio degli anni settanta del XIX secolo fu espresso in modo molto rivelatore in alcuni ritratti di gruppo, come Fantin-Latour (Laboratorio nel quartiere di Batignolles, 1870) o Bazille (Il laboratorio dell’artista in rue de la Condamine, 1870).
Per la prima volta, durante la guerra franco-prussiana, gli impressionisti dovettero separarsi: Pierre-Auguste Renoir e Manet rimasero a Parigi, Bazille morì al fronte e Monet e Camille Pissarro si incontrarono a Londra, dove incontrarono Paul Durand-Ruel, dal poi il rivenditore del gruppo. In effetti, nel 1873 Durand-Ruel era già abbastanza sicuro di preparare un catalogo completo con la scorta della sua galleria che non fu mai pubblicata.
Espressionismo
L’espressionismo era una corrente pittorica che nacque come movimento all’inizio del XX secolo, tra il 1905 e il 1925, in Germania e in altri paesi centrali dell’Europa di germanico e austro-ungarico, legato al fauvismo francese come arte espressiva ed emotiva che diametralmente opposta a impressionismo. Fu riunito nel decennio del 1910 attorno a due gruppi: Die Brücke (The Bridge) e Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Allo stesso tempo, il gruppo Secession ha sviluppato la sua attività a Vienna, tra cui Gustav Klimt, Oskar Kokoschka e Egon Schiele. In Germania il più grande esponente dell’espressionismo fu Edvard Munch con il suo lavoro The Scream (1893).
Negli anni ’20 l’espressionismo influenzò altre arti. Il gabinetto del dottor Caligari (Robert Wiene, 1919) e Nosferatu, il vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) diedero inizio all’espressionismo cinematografico, ei poeti Georg Trakl e Rainer Maria Rilke portarono il movimento nel campo del lirismo. Spesso è stato incluso in questo movimento a parte l’enigmatica opera letteraria di Franz Kafka.
Tra i principi di questa corrente artistica sono indicati: la ricostruzione della realtà, il rapporto dell’espressione letteraria con le arti plastiche e la musica e l’espressione dell’angoscia del mondo e della vita attraverso romanzi e drammi in cui si parla dei limiti sociali imposti alla libertà dell’uomo. Ha lo scopo di esprimere filias e fobie dell’essere umano. Pertanto, non richiede una buona tecnica o un risultato esteticamente bello.
Affronterebbe fondamentalmente la teoria estetica alle idee realistiche, alle vecchie idee impressioniste che erano apparse in Europa negli ultimi venti anni del XIX secolo e porsi che la cosa reale non è fondamentalmente ciò che vediamo all’esterno, ma ciò che sorge nella nostra interiorità quando vediamo, percepiamo, intuiamo o produciamo qualcosa di nuovo.
Fauvismo
Il fauvismo era un movimento di origine francese che si sviluppò approssimativamente tra il 1904 e il 1908.
L’importante Salon d’autunno del 1905 fu la prima mostra per il gruppo il cui obiettivo era linguisticamente la sintesi del colore della forma. La rappresentazione di oggetti immersi nella luce del sole non è stata cercata, ma piuttosto le immagini più libere risultanti dalla sovrapposizione di colori equivalenti a quella luce. In effetti, i Fauves ritenevano che i sentimenti potessero essere espressi attraverso il colore. Henri Matisse è stato uno dei più grandi rappresentanti di questa avanguardia.
Cubismo
Il cubismo nacque in Francia nel 1906. Le sue caratteristiche principali sono l’associazione di elementi impossibili per concretizzare, dispiegarsi dell’autore, disposizione grafica delle parole, sostituzione del sentimentale per l’umorismo e la gioia e il ritratto della realtà attraverso figure geometriche . Gli ispiratori del movimento erano Pablo Picasso e Georges Braque. Alcuni dei principali maestri erano Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger e Albert Gleizes, ma in precedenza Paul Cézanne avrebbe segnato la strada.
Tra le tecniche utilizzate c’è il collage, e principalmente la scomposizione delle immagini in figure geometriche per rappresentare l’oggetto nella sua interezza, inclusi tutti i suoi piani, nell’opera.
Aveva due stadi: un cubismo analitico, che cercava la totale decomposizione dell’oggetto, e un cubismo sintetico, in cui la prospettiva viene scartata per rappresentare tutti i piani dell’oggetto nella stessa opera. Nella poesia, il suo stile più popolare era la calligrafia, il cui principale esponente era Guillaume Apollinaire.
Futurismo
Il futurismo è un movimento iniziale di correnti artistiche d’avanguardia, emerso a Milano (Italia) guidato dal poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, che ha compilato e pubblicato i principi del futurismo nel manifesto del 20 febbraio 1909, sul quotidiano Le Figaro da Parigi. L’anno seguente, gli artisti italiani Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Mario Jordano firmarono il cosiddetto Manifesto del Futurismo.
Sebbene abbia avuto una breve esistenza, fino al 1944 circa fino alla morte di Marinetti, la sua influenza si può vedere nelle opere di Marcel Duchamp, Fernand Léger e Robert Delaunay a Parigi, così come nel costruttivismo e futurismo russo. I testi futuristici portarono un nuovo mito: la macchina.
Questo movimento ha rotto con la tradizione, il passato e i segni convenzionali della storia dell’arte. Considerava il coraggio, l’audacia e la rivoluzione come i principali elementi della poesia, poiché proclamava il movimento aggressivo, l’insonnia febbrile, il passo ginnico, il salto pericoloso e lo schiaffo.
Secondo il suo manifesto, i suoi postulati erano l’esaltazione del sensuale, del cittadino e del guerriero, l’adorazione della macchina, il ritratto della realtà in movimento, l’obiettivo della letteratura e la disposizione speciale della scrittura, per dare un’espressione plastica Ha rifiutato l’estetica tradizionale e ha cercato di esaltare la vita contemporanea, basandosi sui suoi due temi dominanti: la macchina e il movimento.
Dadaismo
Sorse a Zurigo, in Svizzera, tra il 1916 e il 1922. Hugo Ball e Tristan Tzara furono noti come fondatori e principali esponenti. Il movimento crebbe e si diffuse rapidamente a Berlino e Parigi. Uno dei motivi che ha portato all’emergere di DADA è stata l’estrema violenza e la perdita di significato portate dalla prima guerra mondiale. Rivelandosi contro lo status quo, le convenzioni letterarie e artistiche e rigettando le convenzioni della società gentrificata – che consideravano egoiste e apatiche – i dadaisti fecero della loro arte un modus vivendi.
Il poema dadaista era un susseguirsi di parole e suoni, il che rende difficile trovare la logica. Si distingueva per l’inclinazione verso l’incerto e l’assurdo. D’altra parte, la procedura dadaista ha cercato di rinnovare l’espressione attraverso l’uso di materiali inusuali, o gestendo piani di pensieri precedentemente non miscelabili, con un tono generale di ribellione o distruzione.
Ultraism
L’ultraismo è apparso in Spagna tra il 1918 e il 1922, promosso da Rafael Cansinos Assens, come reazione al modernismo.
Fu uno dei movimenti più proiettati nel mondo di lingua spagnola, che contribuì all’uso del verso libero, al divieto di aneddoto e allo sviluppo della metafora, che sarebbe diventato il principale centro espressivo.
Surrealismo
Escissione del dadaismo, il cui principale rappresentante era André Breton. Il movimento surrealista fu organizzato in Francia negli anni Venti intorno ad André Bretón che, ispirato a Sigmund Freud, era interessato a scoprire i meccanismi dell’inconscio e superando il reale per mezzo dell’immaginario e dell’irrazionale. Di lui e dei tempi in cui lo incontrò parlò in “Le navi comunicanti”, un titolo emblematico che sarebbe diventato una metafora di parte della sua estetica creativa, così come l’automatismo o la scrittura automatica, attraverso cui avrebbero sperimentato il sogno e spiritualismo, cercando di trovare l’arte pura, non contaminato dalla coscienza.
Estridentismo
L’estridentismo è nato dalla miscela di diversi movimenti. Si è svolto tra il 1922 e il 1927 in Messico ed è stato caratterizzato da modernità, cosmopolitismo e urbanistica, oltre che da non conformità, umorismo nero, snobismo, irriverenza e rifiuto di tutto ciò che è vecchio. Il suo immediato antecedente fu il futurismo russo. Tra i suoi rappresentanti più importanti vi sono Germán List Arzubide e Manuel Maple.
Arieldentismo
The arieldentismo is a philosophical movement that postulated fundamentally that are the human beings, in individual form, those that create the meaning and the essence of their lives. It emerged as a movement in the literature and philosophy of the twentieth century, heir to the arguments of philosophers such as Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche and Miguel de Unamuno.
This movement usually describes the absence of a transcendental force; This means that the individual is free and, therefore, totally responsible for his actions, without the presence of a superior force that could determine his actions. This attributes to humans the creation of an ethic of individual responsibility, apart from any belief system external to it. This personal articulation of being is the only existing way to overcome, generally, religions, which deal with suffering, death and the end of the individual.