Nelle arti visive, lo stile è un “… modo distintivo che consente il raggruppamento di opere in categorie correlate” o “… qualsiasi modo distintivo, e quindi riconoscibile, in cui un atto viene eseguito o un artefatto fatto o dovuto essere eseguito e realizzato “. Si riferisce all’aspetto visivo di un’opera d’arte che la collega ad altre opere dello stesso artista o di uno stesso periodo, formazione, ubicazione, “scuola”, movimento artistico o cultura archeologica: “La nozione di stile è stata a lungo la principale modalità dello storico dell’arte per classificare le opere d’arte: per stile seleziona e plasma la storia dell’arte “.

Lo stile è spesso suddiviso in uno stile generale di un periodo, un paese o un gruppo culturale, un gruppo di artisti o un movimento artistico e lo stile individuale dell’artista all’interno di quello stile di gruppo. Le divisioni all’interno di entrambi i tipi di stili sono spesso fatte, come tra “early”, “middle” o “late”. In alcuni artisti, come ad esempio Picasso, queste divisioni possono essere contrassegnate e facili da vedere, in altre sono più sottili. Lo stile è visto come di solito dinamico, nella maggior parte dei periodi che cambia sempre di un processo graduale, anche se la velocità di questa varia molto, tra lo sviluppo molto lento nello stile tipico dell’arte preistorica o dell’antica arte egiziana ai rapidi cambiamenti negli stili di arte moderna. Lo stile si sviluppa spesso in una serie di salti, con cambiamenti relativamente repentini seguiti da periodi di sviluppo più lenti.

Dopo aver dominato la discussione accademica nella storia dell’arte nei secoli XIX e XX, la cosiddetta “storia dell’arte di stile” è stata oggetto di un crescente attacco negli ultimi decenni e molti storici dell’arte preferiscono ora evitare classificazioni stilistiche dove possono.

Etimologia
La parola stile deriva dal latino stilus, una foratura che i romani scrivevano. Ma in greco stilo significa colonna, e poiché la colonna era l’elemento più singolare e personalizzato dell’architettura, possiamo dire che la parola stile era originariamente il modo in cui la letteratura o l’architettura erano fatte.

Panoramica
Ogni pezzo d’arte è in teoria capace di essere analizzato in termini di stile; né i periodi né gli artisti possono evitare di avere uno stile, se non per completa incompetenza, e viceversa non si può dire che gli oggetti o le viste naturali abbiano uno stile, poiché lo stile deriva solo dalle scelte fatte da un fabbricante. Se l’artista fa una scelta consapevole di stile, o può identificare il proprio stile, difficilmente importa. Gli artisti nelle società recenti sviluppate tendono ad essere altamente consapevoli del proprio stile, probabilmente troppo iperconsapevoli, mentre per gli artisti precedenti le scelte stilistiche erano probabilmente “largamente inconsapevoli”.

La maggior parte dei periodi stilistici sono identificati e definiti in seguito dagli storici dell’arte, ma gli artisti possono scegliere di definire e nominare il proprio stile. I nomi degli stili più antichi sono l’invenzione degli storici dell’arte e non sarebbero stati compresi dai professionisti di quegli stili. Alcuni hanno avuto origine come termini di derisione, inclusi il gotico, il barocco e il rococò. Il cubismo d’altra parte era un’identificazione cosciente fatta da pochi artisti; la parola stessa sembra aver avuto origine dalla critica piuttosto che dai pittori, ma è stata rapidamente accettata dagli artisti.

L’arte occidentale, come quella di alcune altre culture, in particolare l’arte cinese, ha una marcata tendenza a far rivivere ad intervalli “classici” gli stili del passato. Nell’analisi critica delle arti visive, lo stile di un’opera d’arte è tipicamente trattato come distinto dalla sua iconografia, che copre l’argomento e il contenuto dell’opera, sebbene per Jas Elsner questa distinzione sia “non, ovviamente, vera in qualsiasi esempio concreto, ma si è dimostrato retoricamente estremamente utile “.

Storia del concetto
La critica d’arte classica e le relativamente poche scritture medievali sull’estetica non svilupparono molto il concetto di stile nell’arte, né l’analisi di esso, e sebbene gli scrittori dell’arte rinascimentale e barocca siano molto interessati a ciò che chiameremmo stile, non svilupparono un teoria coerente di esso, almeno al di fuori dell’architettura. Giorgio Vasari ha esposto un racconto molto influente ma molto interrogativo sullo sviluppo dello stile nella pittura italiana (principalmente) da Giotto al suo periodo manierista. Ha sottolineato lo sviluppo di uno stile fiorentino basato sul disegno o sul disegno a linee, piuttosto che sul colore veneziano. Con altri teorici del Rinascimento come Leon Battista Alberti continuò i dibattiti classici sul miglior equilibrio artistico tra la rappresentazione realistica della natura e l’idealizzazione di esso; questo dibattito doveva continuare fino al XIX secolo e l’avvento del Modernismo.

Il teorico del neoclassicismo, Johann Joachim Winckelmann, analizzò i cambiamenti stilistici nell’arte classica greca nel 1764, confrontandoli strettamente con i cambiamenti dell’arte rinascimentale, e “Georg Hegel codificò l’idea che ogni periodo storico avesse uno stile tipico”, fondando un un’ombra molto lunga sullo studio dello stile. Hegel viene spesso attribuito all’invenzione della parola tedesca Zeitgeist, ma in realtà non ha mai usato la parola, anche se in Lectures on Philosophy of History, usa la frase der Geist seiner Zeit (lo spirito del suo tempo), scrivendo “no man può superare il suo tempo, perché lo spirito del suo tempo è anche il suo spirito “.

Costruire schemi degli stili storici dell’arte e dell’architettura storica è stata una delle principali preoccupazioni degli studiosi del XIX secolo nel campo della storia dell’arte, inizialmente principalmente tedesco, con importanti scrittori sull’ampia teoria dello stile tra cui Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried Sempre, e Alois Riegl nel suo Stilfragen del 1893, con Heinrich Wölfflin e Paul Frankl che continuano il dibattito nel 20 ° secolo. Paul Jacobsthal e Josef Strzygowski sono tra gli storici dell’arte che hanno seguito Riegl nel proporre grandi schemi che tracciavano la trasmissione di elementi di stili su grandi distanze nel tempo e nello spazio. Questo tipo di storia dell’arte è anche noto come formalismo, o lo studio di forme o forme nell’arte.

Semper, Wölfflin e Frankl, e in seguito Ackerman, avevano uno sfondo nella storia dell’architettura e, come molti altri termini per gli stili del periodo, “Romanesque” e “Gothic” sono stati inizialmente coniati per descrivere gli stili architettonici, in cui i principali cambiamenti tra gli stili possono essere più chiaro e più facile da definire, anche perché lo stile in architettura è più facile da replicare seguendo una serie di regole rispetto allo stile nell’arte figurativa come la pittura. I termini originati per descrivere i periodi architettonici furono spesso applicati successivamente ad altre aree delle arti visive, e quindi ancora più ampiamente alla musica, alla letteratura e alla cultura generale.

Nel cambiamento stilistico dell’architettura spesso segue, ed è reso possibile, la scoperta di nuove tecniche o materiali, dal costone gotico alla moderna costruzione in metallo e cemento armato. Una delle principali aree di dibattito sia nella storia dell’arte che nell’archeologia è stata la misura in cui il cambiamento stilistico in altri campi come la pittura o la ceramica è anche una risposta a nuove possibilità tecniche, o ha il suo impeto di svilupparsi (il kunstollen di Riegl), o cambiamenti in risposta a fattori sociali ed economici che influenzano il mecenatismo e le condizioni dell’artista, come il pensiero corrente tende a sottolineare, usando versioni meno rigide della storia dell’arte marxista.

Sebbene lo stile fosse ben consolidato come componente centrale dell’analisi storica dell’arte, vederlo come il fattore determinante nella storia dell’arte era caduto fuori moda dalla Seconda Guerra Mondiale, mentre altri modi di guardare all’arte si stavano sviluppando, così come un reazione contro l’enfasi sullo stile; per Svetlana Alpers, “la normale invocazione dello stile nella storia dell’arte è davvero deprimente”. Secondo James Elkins “Nel tardo XX secolo le critiche allo stile miravano a ridurre ulteriormente gli elementi hegeliani del concetto mantenendolo in una forma che poteva essere più facilmente controllata”. Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich e George Kubler (The Shape of Time: Note sulla storia delle cose, 1962) hanno apportato notevoli contributi al dibattito, che ha anche attinto a sviluppi più ampi nella teoria critica. Nel 2010 Jas Elsner affermò con forza: “Per quasi tutto il XX secolo, la storia dell’arte di stile è stata il re indiscusso della disciplina, ma da quando le rivoluzioni degli anni settanta e ottanta il re è morto”, anche se il suo articolo esplora i modi in cui la “storia dell’arte di stile” rimane viva e il suo commento difficilmente può essere applicato all’archeologia.

L’uso di termini come Counter-Maniera sembra essere in declino, poiché l’impazienza con tali “etichette di stile” cresce tra gli storici dell’arte. Nel 2000 Marcia B. Hall, uno dei principali storici dell’arte della pittura italiana del XVI secolo e mentee di Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), che ha inventato il termine, è stato criticato da un critico del suo After Raphael: Painting in Central Italy in the Sedicesimo secolo per il suo “difetto fondamentale” nel continuare a usare questo e altri termini, nonostante una “Nota sulle etichette di stile” apologetica all’inizio del libro e una promessa di mantenere il loro uso al minimo.

Un raro tentativo recente di creare una teoria per spiegare il processo che guida i cambiamenti nello stile artistico, piuttosto che le sole teorie su come descriverli e classificarli, è dello psicologo comportamentale Colin Martindale, che ha proposto una teoria evolutiva basata sui principi darwiniani. Tuttavia, non si può dire che abbia ottenuto molto sostegno tra gli storici dell’arte.

In belle arti
Lo stile è il termine generico che tradizionalmente designa le caratteristiche comuni di un’epoca o le opere di un artista. È uno strumento di astrazione e idealizzazione, derivato da singole opere d’arte, per classificare e sistematizzare la diversità dell’arte e descrivere caratteristiche distintive che sono coerenti tra le opere d’arte. Attraverso questo incarico a un certo stile o – come ulteriore differenziazione all’interno di uno stile – una direzione di stile, le opere corrispondenti sono differenziate dalle altre e quindi è possibile stabilire una distinzione basata su criteri scientifici appropriati.

All’interno di un’epoca (in stile epoche) ci sono differenze in base ai paesi e alle regioni. Anche il lavoro di un singolo artista mostra, nonostante tutte le somiglianze con lo stile del suo tempo e le sue peculiarità nazionali che costituiscono il suo stile personale (stile individuale). Dopo lo stadio di sviluppo si distingue storicamente sia nell’epoca che nello stile individuale fasi precoci, alte e tarde, che sviluppano ulteriormente certe tendenze. Ad esempio, il sovraccarico è tipico della fase tardiva di un’epoca.

All’interno del soggetto accademico della storia dell’arte, gli stili artistici sono esplorati dalla cosiddetta stilistica. Nella storia dell’arte contemporanea, il pluralismo degli stili all’interno di un’epoca o nel lavoro di un artista viene sempre più esaminato e messo in relazione con contesti storici, sociali e comunicativi. Gli stili vengono analizzati non solo come criteri formali e astratti di ordine di un gruppo di opere d’arte, ma anche come portatori di significato consapevolmente scelti: ad esempio, edifici rappresentativi del Gotico sono stati creati anche nelle forme di un’epoca passata come la Romanesqueto sottolinea (o addirittura fai finta) l’importanza storica del costruttore. Il concetto tradizionale di stile d’epoca unificato viene quindi sempre più messo in discussione.

Stile individuale
La storia dell’arte tradizionale ha anche posto grande enfasi sullo stile individuale di un artista: “la nozione di stile personale – quell’individualità può essere espressa in modo univoco non solo nel modo in cui un artista disegna, ma anche nelle peculiarità stilistiche di uno scrittore (per esempio) – è forse un assioma delle nozioni occidentali di identità “. L’identificazione dei singoli stili è particolarmente importante nell’attribuzione delle opere agli artisti, che è un fattore dominante nella loro valutazione per il mercato dell’arte, soprattutto per le opere nella tradizione occidentale sin dal Rinascimento. L’identificazione dello stile individuale nelle opere è “essenzialmente assegnata a un gruppo di specialisti nel campo noto come intenditori”, un gruppo che si concentra nel settore dell’arte e nei musei, spesso con tensioni tra loro e la comunità di storici dell’arte accademica.

L’esercizio della conoisseurship è in gran parte una questione di impressioni soggettive difficili da analizzare, ma anche una questione di conoscenza dei dettagli della tecnica e della “mano” di diversi artisti. Giovanni Morelli (1816 – 1891) ha aperto la strada allo studio sistematico dell’esame accurato dei dettagli minori diagnostici che ha rivelato la stenografia e le convenzioni scarsamente consapevoli degli artisti per ritrarre, per esempio, orecchie o mani, nei vecchi dipinti dell’Occidente. Le sue tecniche furono adottate da Bernard Berenson e altri, e sono state applicate alla scultura e a molti altri tipi di arte, ad esempio da Sir John Beazley alla pittura in vaso attica. Le tecniche personali possono essere importanti nell’analisi dello stile individuale. Sebbene la formazione degli artisti fosse prima del Modernismo essenzialmente imitativa, basandosi su metodi tecnici insegnati, appresa come apprendista in un laboratorio o più tardi come studente in un’accademia, c’era sempre spazio per le variazioni personali. L’idea di “segreti” tecnici strettamente sorvegliati dal maestro che li ha sviluppati, è un topos di lunga data nella storia dell’arte dal racconto probabilmente mitico di Vasari su Jan van Eyck alle abitudini segrete di Georges Seurat.

Tuttavia, l’idea dello stile personale non è certamente limitata alla tradizione occidentale. Nell’arte cinese è altrettanto profondamente radicato, ma tradizionalmente considerato un fattore nell’apprezzamento di alcuni tipi di arte, soprattutto la calligrafia e la pittura letterati, ma non altri, come la porcellana cinese; una distinzione anche spesso vista nelle cosiddette arti decorative in Occidente. La pittura cinese ha anche permesso di esprimere le opinioni politiche e sociali dell’artista molto prima rispetto a quanto normalmente rilevato in Occidente. La calligrafia, considerata anche un’arte raffinata nel mondo islamico e nell’Asia orientale, porta una nuova area nell’ambito di uno stile personale; l’ideale della calligrafia occidentale tende a sopprimere lo stile individuale, mentre la grafologia, che si basa su di essa, si considera come una scienza.

Maniera
“Manner” è un termine correlato, spesso usato per quella che è in effetti una sottodivisione di uno stile, forse focalizzata su particolari punti di stile o tecnica. Mentre molti elementi dello stile d’epoca possono essere ridotti a forme o forme caratteristiche, che possono essere adeguatamente rappresentati in semplici diagrammi disegnati a linee, “modo” è usato più spesso per indicare lo stile e l’atmosfera generale di un lavoro, in particolare lavori complessi come dipinti, che non possono essere facilmente soggetti ad analisi precise. È un termine un po ‘sorpassato nella storia dell’arte accademica, evitato perché è impreciso. Quando viene utilizzato è spesso nel contesto delle imitazioni dello stile individuale di un artista, ed è una delle gerarchie di termini discreti o diplomatici usati nel commercio artistico per il rapporto tra un’opera in vendita e quella di un noto artista, con “Manner of Rembrandt” che suggerisce una relazione distanziata tra lo stile dell’opera e lo stesso stile di Rembrandt. La “Spiegazione delle pratiche di catalogazione” delle case d’aste Christie’s “spiega che” Manner of … “nei loro cataloghi d’asta significa” A nostro avviso un’opera eseguita nello stile dell’artista ma in una data successiva “. Il manierismo, derivato dalla maniera italiana (“modo”) è una fase specifica dello stile generale del Rinascimento, ma “modo” può essere usato molto ampiamente.

Stile nell’archeologia
Nell’archeologia, nonostante le moderne tecniche come la datazione al radiocarbonio, il periodo o lo stile culturale rimane uno strumento cruciale nell’identificazione e nella datazione non solo delle opere d’arte ma di tutte le classi di artefatti archeologici, compresi quelli puramente funzionali (ignorando la questione se esistano manufatti puramente funzionali ). L’identificazione di stili individuali di artisti o artigiani è stata anche proposta in alcuni casi anche per periodi lontani come l’arte dell’era glaciale del Paleolitico superiore europeo.

Come nella storia dell’arte, l’analisi formale della morfologia (forma) dei singoli artefatti è il punto di partenza. Questo è usato per costruire tipologie per diversi tipi di artefatti, e con la tecnica della seriazione si ottiene una datazione relativa basata sullo stile per un sito o un gruppo di siti dove le tecniche scientifiche di datazione assoluta non possono essere usate, in particolare dove solo pietra, ceramica o sono reperibili manufatti metallici o resti, che è spesso il caso. I frammenti di ceramica sono spesso molto numerosi nei siti di molte culture e periodi, e anche i piccoli pezzi possono essere tranquillamente datati dal loro stile. In contrasto con le recenti tendenze nella storia dell’arte accademica, la successione delle scuole di teoria archeologica nel secolo scorso, dall’archeologia storico-culturale all’archeologia processuale e infine l’ascesa dell’archeologia post-processuale negli ultimi decenni non ha ridotto significativamente l’importanza del studio dello stile in archeologia, come base per la classificazione degli oggetti prima di ulteriori interpretazioni.

stilizzazione
Stilizzazione e stylization (o “stylisation” e “stylized” nell’inglese britannico (non Oxford), rispettivamente) hanno un significato più specifico, riferendosi a rappresentazioni visive che usano modi semplificati di rappresentare oggetti o scene che non cercano un pieno, preciso e rappresentazione accurata del loro aspetto visivo (mimesi o “realistico”), preferendo una rappresentazione complessiva attraente o espressiva. Più tecnicamente, è stato definito come “la generalizzazione decorativa di figure e oggetti mediante varie tecniche convenzionali, tra cui la semplificazione della linea, della forma e delle relazioni di spazio e colore”, e ha osservato che “l’arte tilizzata riduce la percezione visiva ai costrutti di pattern in linea, elaborazione di superfici e spazio appiattito “.

L’arte antica, tradizionale e moderna, così come le forme popolari come i cartoni animati o l’animazione molto spesso usano rappresentazioni stilizzate, così ad esempio I Simpson usano raffigurazioni altamente stilizzate, così come l’arte africana tradizionale. I due dipinti di Picasso illustrati nella parte superiore di questa pagina mostrano un movimento verso una rappresentazione più stilizzata della figura umana nello stile del pittore, e l’Uffington White Horse è un esempio di una rappresentazione preistorica altamente stilizzata di un cavallo. I motivi nelle arti decorative come la palmetta o l’arabesco sono spesso versioni altamente stilizzate delle parti delle piante.

Anche nell’arte che tenta in generale la mimesi o il “realismo”, un grado di stilizzazione si riscontra molto spesso nei dettagli, e specialmente in figure o altre caratteristiche su piccola scala, come persone o alberi, ecc. grande lavoro. Ma questa non è una stilizzazione che dovrebbe essere notata dallo spettatore, tranne che a un attento esame. Disegni, modelli e altri schizzi non intesi come opere finite per la vendita saranno anche molto spesso stilizzate.

“Stilizzato” può significare l’adozione di qualsiasi stile in qualsiasi contesto, e in inglese americano è spesso usato per lo stile tipografico dei nomi, come in “AT & T è anche stilizzato come ATT e at & t”: questo è un uso specifico che sembra avere dizionari sfuggiti, sebbene si tratti di una piccola estensione di altri sensi esistenti della parola.

Stile d’epoca in letteratura
Il filologo Walter Berschin ha reso fruttuoso il concetto di stile d’epoca per la cultura letteraria ed ha esplorato come le biografie medievali sono modellate da ciò che le rispettive epoche della biografia letteraria (letteratura) attendono.

Identificazione del computer
In un esperimento del 2012 alla Lawrence Technological University nel Michigan, un computer ha analizzato circa 1.000 dipinti di 34 artisti famosi utilizzando un algoritmo appositamente sviluppato e li ha collocati in categorie di stile simili agli storici dell’arte umana. L’analisi ha coinvolto il campionamento di oltre 4000 elementi visivi per opera d’arte.