Art Nouveau è uno stile internazionale di arte, architettura e arte applicata, in particolare le arti decorative, che è stato più popolare tra il 1890 e il 1910. Una reazione all’arte accademica del 19 ° secolo, è stato ispirato da forme e strutture naturali, in particolare il linee curve di piante e fiori.
Lo stile decorativo del tardo 19 ° secolo e degli inizi del XX secolo fiorì principalmente in Europa e negli Stati Uniti. Sebbene influenzasse la pittura e la scultura, le sue principali manifestazioni erano nell’architettura e nelle arti decorative e grafiche, gli aspetti su cui si concentra questa indagine. linee sinuose e asimmetriche basate su forme organiche; in un senso più ampio racchiude i modelli e i ritmi geometrici e più astratti che si sono evoluti come parte della reazione generale allo storicismo del XIX secolo. Vi sono ampie variazioni nello stile in base a dove è apparso e ai materiali che sono stati impiegati
L’Art Nouveau è considerato uno stile d’arte “totale”, che abbraccia l’architettura, l’arte grafica, l’interior design e la maggior parte delle arti decorative tra cui gioielli, mobili, tessuti, argento per la casa e altri utensili, e l’illuminazione, così come le belle arti Secondo la filosofia dello stile, l’arte dovrebbe essere uno stile di vita Per molti europei facoltosi, è stato possibile vivere in una casa di ispirazione Art Nouveau con mobili in stile art nouveau, argenteria, tessuti, ceramiche comprese stoviglie, gioielli, portasigarette, ecc. Gli artisti desideravano combinare le belle arti e le arti applicate, anche per oggetti utilitaristici.
Forma e carattere
Sebbene l’Art Nouveau abbia acquisito tendenze localizzate distintamente al crescere della sua diffusione geografica, alcune caratteristiche generali sono indicative della forma. Una descrizione pubblicata su Pan magazine di Hermann Obrist, appeso al muro Cyclamen (1894), lo descriveva come “improvvise violente curve generate dal crack di una frusta”, che divenne noto durante la diffusione iniziale dell’Art Nouveau. Successivamente, non solo il lavoro stesso è diventato più noto come The Whiplash, ma il termine “colpo di frusta” viene spesso applicato alle curve caratteristiche utilizzate dagli artisti dell’Art Nouveau. Tali motivi decorativi di “colpo di frusta”, formati da linee dinamiche, ondulate e fluenti in un ritmo sincopato e forma asimmetrica, si trovano in tutta l’architettura, la pittura, la scultura e altre forme di design Art Nouveau.
Le origini dell’Art Nouveau si trovano nella resistenza dell’artista William Morris alle composizioni disordinate e alle tendenze di rinascita del XIX secolo e alle sue teorie che hanno contribuito all’avvio del movimento delle arti e dei mestieri. Tuttavia, la copertina del libro di Arthur Mackmurdo per Wren’s City Churches (1883), con i suoi motivi floreali ritmati, è spesso considerata la prima realizzazione dell’Art Nouveau. Più o meno nello stesso periodo, la prospettiva piatta e i colori forti delle stampe giapponesi a blocchi di legno, in particolare quelli di Katsushika Hokusai, hanno avuto un forte effetto sulla formulazione dell’Art Nouveau. Il Japonisme che era popolare in Europa durante gli anni 1880 e 1890 fu particolarmente influente su molti artisti con le sue forme organiche e i riferimenti al mondo naturale. Oltre ad essere adottato da artisti come Emile Gallé e James Abbott McNeill Whistler, l’arte e il design di ispirazione giapponese sono stati sostenuti dagli uomini d’affari Siegfried Bing e Arthur Lasenby Liberty nei loro negozi a Parigi e Londra, rispettivamente.
Nell’architettura, le iperboli e le parabole di finestre, archi e porte sono comuni e le modanature decorative “crescono” in forme derivate dalle piante. Come la maggior parte degli stili di design, Art Nouveau ha cercato di armonizzare le sue forme. Il testo sopra l’ingresso della metropolitana di Parigi utilizza le qualità del resto del lavoro di ferro nella struttura.
L’Art Nouveau in architettura e interior design ha evitato gli eclettici stili di revival del XIX secolo. Pur essendo in stile Art Nouveau, i designer hanno selezionato e “modernizzato” alcuni degli elementi più astratti dello stile rococò, come la fiamma e le trame, hanno anche sostenuto l’uso di forme organiche molto stilizzate come fonte di ispirazione, ampliando il repertorio “naturale” a utilizzare alghe, erbe e insetti. Le forme di fusione morbida dello stile auricolare del XVII secolo, meglio esemplificate nell’argenteria olandese, furono un’altra influenza.
Relazione con stili e movimenti contemporanei
Come stile artistico, Art Nouveau ha affinità con i preraffaelliti e gli stili simbolisti, e artisti come Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt e Jan Toorop potrebbero essere classificati in più di uno di questi stili. A differenza della pittura simbolista, tuttavia, l’Art Nouveau ha un aspetto distintivo; e, a differenza del movimento di arti e mestieri orientato all’artigianato, gli artisti dell’Art Nouveau utilizzavano prontamente nuovi materiali, superfici lavorate e astrazione al servizio del puro design.
L’Art Nouveau non ha evitato l’uso delle macchine, come ha fatto il movimento Arts and Crafts. Per la scultura, i principali materiali impiegati erano il vetro e il ferro battuto, con il risultato di qualità scultoree anche in architettura. Le ceramiche furono anche impiegate nella creazione di edizioni di sculture di artisti come Auguste Rodin.
L’architettura Art Nouveau si avvaleva di molte innovazioni tecnologiche della fine del XIX secolo, in particolare l’uso del ferro esposto e di grandi pezzi di vetro di forma irregolare per l’architettura. All’inizio della prima guerra mondiale, tuttavia, la natura stilizzata del design Art Nouveau iniziò a essere disutilizzata in favore di un modernismo più lineare e rettilineo, pensato per essere più fedele alla più superficiale estetica industriale che divenne Art Deco.
Le tendenze art nouveau furono anche assorbite dagli stili locali. In Danimarca, ad esempio, era un aspetto di Skønvirke (“lavoro estetico”), che a sua volta si riferisce più strettamente allo stile Arts and Crafts. Allo stesso modo, gli artisti hanno adottato molti dei motivi floreali e organici dell’Art Nouveau nello stile Młoda Polska (“Giovane Polonia”) in Polonia. Młoda Polska, tuttavia, includeva anche altri stili artistici e comprendeva un approccio più ampio all’arte, alla letteratura e allo stile di vita.
Le arti grafiche fiorirono nel periodo Art Nouveau, grazie alle nuove tecnologie di stampa, in particolare la litografia a colori che permise la produzione in serie di poster a colori. L’arte non era più limitata a gallerie, musei e saloni; poteva essere trovato sulle pareti di Parigi e nelle riviste d’arte illustrate, che circolavano in tutta Europa e negli Stati Uniti. Il tema più popolare dei manifesti in stile Art Nouveau era rappresentato dalle donne; donne che simboleggiano il glamour, la modernità e la bellezza, spesso circondate da fiori.
In Gran Bretagna, il principale artista grafico in stile Art Nouveau era Aubrey Beardsley (1872-1898). Iniziò con illustrazioni di libri incisi per Le Morte d’Arthur, poi illustrazioni in bianco e nero per Salome di Oscar Wilde (1893), che lo portarono alla fama. Nello stesso anno, ha iniziato a incidere illustrazioni e manifesti per la rivista d’arte The Studio, che ha contribuito a far conoscere artisti europei come Fernand Khnopff in Gran Bretagna. Le linee curve e gli intricati motivi floreali attiravano l’attenzione tanto quanto il testo.
L’artista franco-svizzero Eugène Grasset (1845-1917) fu uno dei primi creatori di manifesti francesi dell’Art Nouveau. Ha contribuito a decorare il famoso cabaret Le Chat noir nel 1885 e ha realizzato i suoi primi manifesti per le Fêtes de Paris. Ha realizzato un famoso poster di Sarah Bernhardt nel 1890 e una grande varietà di illustrazioni di libri. Gli artisti-designer Jules Chéret, Georges de Feure e il pittore Henri de Toulouse-Lautrec hanno realizzato manifesti per i teatri, i caffè, i cabaret delle sale da ballo di Parigi. L’artista ceco Alphonse Mucha (1860-1939) arrivò a Parigi nel 1888 e nel 1895 fece un poster per l’attrice Sarah Bernhardt nella commedia Gismonda di Victorien Sardou, Il successo di questo poster portò a un contratto per la produzione di poster per altri sei spettacoli di Bernhardt. Nel corso dei successivi quattro anni, ha anche disegnato scenografie, costumi e persino gioielli per l’attrice. Basandosi sul successo dei suoi manifesti teatrali, Mucha realizzò poster per una varietà di prodotti, dalle sigarette e sapone ai biscotti alla birra, tutti caratterizzati da una figura femminile idealizzata con una figura a clessidra. Ha continuato a disegnare prodotti, dai gioielli alle scatole di biscotti, nel suo stile distintivo.
A Vienna, il più prolifico designer di grafica e manifesti fu Koloman Moser (1868-1918), che partecipò attivamente al movimento Secession con Gustav Klimt e Josef Hoffmann, e fece illustrazioni e copertine per la rivista del movimento, Ver Sacrum, come così come dipinti, mobili e decorazioni.
Pittura
La pittura era un altro dominio importante dell’Art Nouveau, anche se molti pittori dell’Art Nouveau erano anche associati ad altri movimenti artistici, in particolare i Nabis in Francia e i Simbolisti in Francia e Austria. Nel 1892, Siegfried Bing organizzò una mostra a Parigi con sette pittori, tra cui Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton e Maurice Denis; e la sua Maison de l’Art Nouveau espone dipinti di Georges Seurat, Paul Signac e Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser e Gustav Klimt si sono trasferiti comodamente nelle avanguardie e in Art Nouveau. In Belgio, Fernand Khnopff ha lavorato sia in pittura che in grafica. I dipinti di Gustav Klimt erano parte integrante del suo schema decorativo di Josef Hoffmann per il Palais Stoclet. Uno dei temi comuni dei pittori simbolisti e Art Nouveau dell’epoca era la raffigurazione stilizzata delle donne. Uno dei temi più popolari è stato il ballerino americano Loie Fuller, interpretato da pittori e artisti francesi e austriaci.
Arte del vetro
L’arte del vetro era un mezzo in cui l’Art Nouveau trovava nuovi e vari modi di esprimersi. L’intensa attività di sperimentazione continuò, in particolare in Francia, a trovare nuovi effetti di trasparenza e opacità: nell’incisione di cameo, doppi strati e incisioni acide, una tecnica che consentiva la produzione in serie. La città di Nancy divenne un importante centro per l’industria del vetro francese, e le officine di Emile Gallé e dello studio Daum, guidate da Auguste e Antonin Daum, si trovavano lì. Lavorarono con molti noti designer, tra cui Ernest Bussière, Henri Bergé e Amalric Walter. Hanno sviluppato un nuovo metodo di incrostazione del vetro premendo frammenti di vetro di diverso colore nel pezzo non finito. Hanno spesso collaborato con il designer di mobili Louis Majorelle, la cui casa e laboratori erano a Nancy. Un’altra caratteristica dell’Art Nouveau era l’uso di vetrate con quel tipo di temi floreali nei salotti residenziali, in particolare nelle case in stile Art Nouveau a Nancy. Molti furono i lavori di Jacques Gruber, che realizzò finestre per Villa Majorelle e altre case.
In Belgio, l’azienda leader era la fabbrica di vetro di Val Saint Lambert, che creava vasi in forme organiche e floreali, molti dei quali disegnati da Philippe Wolfers. Wolfers è stato notato particolarmente per la creazione di opere di vetro simbolista, spesso con decorazioni metalliche allegate. In Boemia, poi una regione dell’impero austro-ungarico nota per la produzione di cristalli, le società Lobmeyr e Loetz-Witwe hanno anche sperimentato nuove tecniche di colorazione, producendo colori più vivi e più ricchi. In Germania, la sperimentazione è stata guidata da Karl Köpping, che ha utilizzato il vetro soffiato per creare occhiali estremamente delicati sotto forma di fiori; così delicato che pochi sopravvivono oggi.
A Vienna, i disegni di vetro del movimento Secessione erano molto più geometrici di quelli di Francia o Belgio; Otto Prutscher era il progettista di vetro più rigoroso del movimento.
In Gran Bretagna, Margaret Macdonald Mackintosh ha creato un certo numero di motivi floreali con vetrate colorate per la mostra architettonica denominata “The House of an Art Lover”.
Negli Stati Uniti, Louis Comfort Tiffany e i suoi stilisti sono diventati particolarmente famosi per le loro lampade, le cui tonalità di vetro hanno utilizzato temi floreali comuni intrecciati insieme. Le lampade Tiffany guadagnarono popolarità dopo l’Esposizione colombiana del mondo a Chicago nel 1893, dove Tiffany espose le sue lampade in una cappella bizantina. Tiffany sperimentò ampiamente i processi di colorazione del vetro, brevettando nel 1894 il processo di vetro Favrile, che usava ossidi metallici per colorare l’interno del vetro fuso, conferendogli un effetto iridescente. I suoi laboratori hanno prodotto diverse serie della lampada Tiffany in diversi disegni floreali, insieme a vetrate, schermi, vasi e una gamma di oggetti decorativi. Le sue opere furono dapprima importate in Germania, poi in Francia da Siegfried Bing, e in seguito divenne una delle sensazioni decorative dell’Esposizione del 1900. Una rivale americana di Tiffany, Steuben Glass, è stata fondata nel 1903 a Corning, New York, da Frederick Carder, il quale, come Tiffany, ha utilizzato il processo Fevrile per creare superfici dai colori iridescenti. Un altro noto artista americano del vetro è stato John La Farge, che ha creato vetrate colorate e intricate su temi sia religiosi che puramente decorativi.
Arte del metallo
Il teorico dell’architettura del XIX secolo Viollet-le-Duc aveva sostenuto di mostrare, piuttosto che nascondere le strutture in ferro degli edifici moderni, ma gli architetti Art Nouveau Victor Horta e Hector Guimard fecero un ulteriore passo avanti: aggiunsero la decorazione in ferro in curve ispirate a motivi floreali e vegetali forma sia negli interni che negli esterni dei loro edifici. Hanno preso la forma di ringhiere per scale all’interno, lampadari e altri dettagli all’interno, balconi e altri ornamenti all’esterno. Questi sono diventati alcune delle caratteristiche più distintive dell’architettura Art Nouveau. L’uso della decorazione metallica nelle forme vegetali presto apparve anche in argenteria, lampade e altri oggetti decorativi.
Negli Stati Uniti, il designer George Grant Elmslie ha realizzato disegni in ghisa estremamente intricati per le balaustre e altre decorazioni interne degli edifici dell’architetto di Chicago Louis Sullivan.
Mentre i designer francesi e americani utilizzavano forme floreali e vegetali, Joseph Maria Olbrich e gli altri artisti della Secessione progettarono teiere e altri oggetti di metallo in uno stile più geometrico e sobrio.
Gioielli
L’Art Nouveau è caratterizzato da forme e linee morbide e ricurve e solitamente presenta disegni naturali come fiori, uccelli e altri animali. Il corpo femminile è un tema popolare ed è caratterizzato da una varietà di pezzi di gioielleria, soprattutto cammei. Spesso includeva lunghe collane di perle o catene in argento sterling punteggiate da perline di vetro o che terminavano con un pendente in argento o oro, spesso progettato come ornamento per contenere un singolo gioiello sfaccettato di ametista, peridoto o citrino.
Il periodo Art Nouveau portò una notevole rivoluzione stilistica all’industria della gioielleria, guidata in gran parte dalle grandi aziende di Parigi. Nei due secoli precedenti, l’enfasi nella gioielleria aveva creato scenografie drammatiche per i diamanti. Durante il regno di Art Nouveau, i diamanti di solito hanno avuto un ruolo secondario. I gioiellieri hanno sperimentato una grande varietà di altre pietre, tra cui agata, opale granato, pietra di luna, acquamarina e altre pietre semipreziose, e con un’ampia varietà di nuove tecniche, tra le quali la smaltatura e nuovi materiali, tra cui corno, vetro stampato e avorio.
I primi gioiellieri di Parigi in stile Art Nouveau includevano Louis Aucoc, la cui azienda di gioielli di famiglia risaliva al 1821. Il più famoso stilista del periodo Art Nouveau, René Lalique, prestò il suo apprendistato nello studio Aucoc dal 1874 al 1876. Lalique divenne un centro figura del gioiello e del vetro Art Nouveau, come la sua modella, usando la natura, dalle libellule alle erbe. Artisti di fuori dal tradizionale mondo della gioielleria, come Paul Follot, meglio conosciuto come designer di mobili, hanno sperimentato i progetti di gioielli. Altri famosi designer di gioielli in stile Art Nouveau francese hanno incluso Jules Brateau e Georges Henry. Negli Stati Uniti, il più famoso designer era Louis Comfort Tiffany, il cui lavoro è stato mostrato presso il negozio di Siegfried Bing e anche all’Esposizione di Parigi del 1900.
In Gran Bretagna, il personaggio più importante è stato il designer Liberty & Co. Archibald Knox, che ha realizzato una varietà di pezzi in stile Art Nouveau, tra cui fibbie per cinture in argento. C. Ashbee ha progettato ciondoli a forma di pavone. Il versatile designer di Glasgow Charles Rennie Mackintosh ha realizzato anche gioielli, utilizzando i tradizionali simboli celtici. In Germania, il centro di gioielli Jugendstil era la città di Pforzheim, dove si trovavano la maggior parte delle aziende tedesche, tra cui Theodor Fahrner. Hanno rapidamente prodotto delle opere per soddisfare la domanda del nuovo stile.
Architettura
L’architettura Art Nouveau è stata una reazione contro gli stili eclettici che hanno dominato l’architettura europea nella seconda metà del 19 ° secolo. È stato espresso attraverso la decorazione. Gli edifici erano coperti con ornamenti in forme curve, a base di fiori, piante o animali: farfalle, pavoni, cigni, iris, ciclamini, orchidee e ninfee. Le facciate erano asimmetriche e spesso decorate con piastrelle di ceramica policroma. La decorazione di solito suggeriva movimento; non c’era alcuna distinzione tra la struttura e l’ornamento.
Lo stile è apparso per la prima volta all’Hôtel Tassel (1894) di Bruxelles e all’Hôtel Solvay (1900) di Victor Horta. L’Hôtel Tassel è stato visitato da Hector Guimard, che ha usato lo stesso stile nella sua prima opera importante, il Castel Béranger (1897-98). In tutte queste case, gli architetti hanno anche progettato i mobili e la decorazione degli interni, fino alle maniglie e ai tappeti. Nel 1899, sulla base della fama di Castel Béranger, Guimard ricevette una commissione per progettare gli ingressi delle stazioni della nuova metropolitana di Parigi, inaugurata nel 1900. Anche se pochi degli originali sopravvissero, questi divennero il simbolo del movimento Art Nouveau a Parigi.
A Parigi, lo stile architettonico è stato anche una reazione alle rigide normative imposte sulle facciate degli edifici da Georges-Eugène Haussmann, il prefetto di Parigi sotto Napoleone III. Finestre a prua furono finalmente autorizzate nel 1903, e gli architetti dell’Art Nouveau andarono all’estremo opposto, soprattutto nelle case di Jules Lavirotte, che erano essenzialmente grandi opere di scultura, completamente coperte di decorazioni. Un importante quartiere di case in stile Art Nouveau è apparso nella città francese di Nancy, attorno a Villa Majorelle (1901-02), residenza del designer di mobili Louis Majorelle. È stato progettato da Henri Sauvage come una vetrina per i disegni di mobili di Majorelle.
Lo stile architettonico si diffuse dal Belgio e dalla Francia alla Germania, alla Svizzera, all’Italia, alla Spagna e al resto dell’Europa, assumendo un nome e un carattere diverso in ogni paese. Raggiunse il suo apice nel 1910 e all’inizio della prima guerra mondiale fu praticamente completato. Un nuovo stile, Art Deco, prese il suo posto.
Mobilia
Il design del mobile nel periodo Art Nouveau era strettamente associato all’architettura degli edifici, gli architetti spesso progettavano mobili, tappeti, lampadari, maniglie delle porte e altri dettagli decorativi. Anche i mobili erano spesso complessi e costosi; una finitura fine, di solito levigata o verniciata, era considerata essenziale, e i disegni continentali erano solitamente molto complessi, con forme curve che erano costose da realizzare. Aveva anche l’inconveniente che il proprietario della casa non poteva cambiare i mobili o aggiungere pezzi in uno stile diverso senza interrompere l’intero effetto della stanza. Per questo motivo, quando l’architettura Art Nouveau è passata in disuso, anche lo stile dei mobili è in gran parte scomparso.
In Francia, il centro per la progettazione e la produzione di mobili era a Nancy, dove due grandi designer, Émile Gallé e Louis Majorelle avevano i loro studi e laboratori, e dove era stata fondata l’Alliance des industries d’art (in seguito chiamata la Scuola di Nancy). nel 2001. Entrambi i designer hanno basato sulla loro struttura e decorazione su forme prese dalla natura, inclusi fiori e insetti, come la libellula, un motivo popolare nel design Art Nouveau. Gallé era particolarmente noto per il suo uso di intarsi in rilievo, sotto forma di paesaggi o temi poetici. Majorelle era noto per il suo uso di legni esotici e costosi e per attaccare il bronzo scolpito in temi vegetali ai suoi mobili. Entrambi i progettisti hanno utilizzato le macchine per le prime fasi di produzione, ma tutti i pezzi sono stati rifiniti a mano. Altri importanti designer di mobili della Scuola di Nancy hanno incluso Eugène Vallin ed Émile André; entrambi erano architetti addestrando, e entrambi progettavano mobili che assomigliavano ai mobili di designer belgi come Horta e Van de Velde, che avevano meno decorazioni e seguivano più da vicino le piante e i fiori curvi. Altri noti designer francesi hanno incluso Henri Bellery-Desfontaines, che si è ispirato agli stili neo-gotici di Viollet-le-Duc; e Georges de Feure, Eugène Gaillard e Édouard Colonna, che hanno collaborato con il mercante d’arte Siegfried Bing per rivitalizzare l’industria del mobile francese con nuovi temi. Il loro lavoro era noto per il “naturalismo astratto”, la sua unità di linee diritte e curve e la sua influenza rococò. I mobili di de Feure presso il padiglione Bing hanno vinto una medaglia d’oro all’Esposizione di Parigi del 1900. Il più insolito e pittoresco designer francese è stato François-Rupert Carabin, scultore di formazione, i cui mobili presentavano forme nude femminili scolpite e animali simbolici, in particolare gatti, che combinavano elementi Liberty con il simbolismo. Altri influenti designer di mobili di Parigi erano Charles Plumet e Alexandre Charpentier. In molti modi il vecchio vocabolario e le tecniche dei classici mobili rococò francesi del XVIII secolo sono stati reinterpretati in un nuovo stile.
In Belgio, gli architetti pionieristici del movimento Art Nouveau, Victor Horta e Henry van de Velde, hanno progettato mobili per le loro case, utilizzando linee curve vigorose e un minimo di decorazioni. Il designer belga Gustave Serrurier-Bovy ha aggiunto più decorazioni, applicando strisce di ottone in forme curve. Nei Paesi Bassi, dove lo stile era chiamato Nieuwe Kunst o New Art, H.P. Berlag, Lion Cachet e Theodor Nieuwenhuis hanno seguito un corso diverso, quello del movimento inglese Arts and Crafts, con forme geometriche più razionali.
In Gran Bretagna, i mobili di Charles Rennie Mackintosh erano puramente Arti e Mestieri, con austerità e geometria, con lunghe linee rette e angoli retti e un minimo di decorazione. I design continentali erano molto più elaborati, spesso usando forme curve sia nelle forme base del pezzo, sia nei motivi decorativi applicati. In Germania, i mobili di Peter Behrens e Jugendstil erano in gran parte razionalisti, con linee geometriche dritte e qualche decorazione attaccata alla superficie. Il loro obiettivo era esattamente l’opposto di Art Nouveau francese; semplicità di struttura e semplicità dei materiali, per mobili che potrebbero essere economici e facilmente realizzati in serie. Lo stesso dicasi per i mobili dei designer della Wiener Werkstätte di Vienna, guidati da Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich e Koloman Moser. L’arredamento era geometrico e aveva un minimo di decorazione, anche se in stile spesso seguiva un precedente storico nazionale, in particolare lo stile Biedemeier.
Il design dell’arredamento italiano e spagnolo è andato nella loro stessa direzione. Carlo Bugatti in Italia ha progettato la straordinaria Snail Chair, legno ricoperto di pergamena e rame dipinti, per l’Esposizione Internazionale di Torino del 1902. In Spagna, seguendo la guida di Antoni Gaudi e del movimento Modernismo, il designer di mobili Gaspar Homar ha progettato opere ispirate da forme naturali con tocchi di stili storici catalani.
Negli Stati Uniti, il design del mobile era più spesso ispirato al movimento Arts and Crafts, o da modelli storici americani, che all’Art Nouveau. Uno dei designer che ha introdotto i temi dell’Art Nouveau è stato Charles Rohlfs a Buffalo, New York, i cui progetti di mobili in quercia bianca americana sono stati influenzati da motivi di arte celtica e arte gotica, con tocchi di Art Nouveau nelle rifiniture in metallo applicate ai pezzi.
Ceramica
L’ultima parte del 19 ° secolo ha visto molte innovazioni tecnologiche nella produzione di ceramica, in particolare lo sviluppo di porcellana ad alta temperatura (grand feu) con smalti cristallizzati e opachi. Allo stesso tempo, sono state riscoperte diverse tecniche perse, come la glassa a sangue di bue. Le ceramiche Art Nouveau sono state influenzate anche dalle tradizionali e moderne ceramiche giapponesi e cinesi, i cui motivi vegetali e floreali si adattano bene allo stile Art Nouveau. In Francia, gli artisti hanno anche riscoperto i metodi tradizionali dei grés e li hanno reinventati con nuovi motivi. Anche la ceramica trovò un nuovo importante impiego in architettura: tra gli architetti Art Nouveau, Jules Lavirotte e Hector Guimard, cominciò a decorare le facciate degli edifici con piastrelle di ceramica, molte delle quali realizzate dalla ditta di Alexandre Bigot, dando loro un Art Nouveau distinto sguardo scultoreo. Nelle ceramiche Art Nouveau si trasferì rapidamente nel campo della scultura e dell’architettura.
Uno dei pionieri ceramisti francesi dell’Art Nouveau fu Ernest Chaplet, la cui carriera in ceramica durò trent’anni. Ha iniziato a produrre gres influenzato da prototipi giapponesi e cinesi. A partire dal 1886, ha lavorato con il pittore Paul Gauguin su disegni in gres con figure applicate, manici multipli, dipinti e parzialmente smaltati, e ha collaborato con gli scultori Félix Bracquemond, Jules Dalou e Auguste Rodin. Le sue opere furono acclamate all’Esposizione del 1900.
Le principali aziende ceramiche nazionali occuparono un posto importante all’Esposizione di Parigi del 1900: la Manifattura nazionale di Sèvres fuori Parigi; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germania e Doulton in Gran Bretagna. Altri importanti ceramisti francesi hanno incluso Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) e Auguste Delaherche.
In Francia, le ceramiche Art Nouveau talvolta tagliavano il confine in scultura. La statuetta in porcellana Dancer with a Scarf di Agathon Léonard, realizzata per la Manifattura nazionale di Sèvres, ha ottenuto riconoscimenti in entrambe le categorie all’Esposizione di Parigi del 1900.
Lo stabilimento Zsolnay di Pécs, in Ungheria, fu guidato da Miklós Zsolnay (1800-1880) e da suo figlio, Vilmos Zsolnay (1828-1900), con Tádé Sikorski (1852-1940), capo progettista, per la produzione di gres e altre ceramiche nel 1853. Nel 1893, Zsolnay introdusse pezzi di porcellana fatti di eosina. Ha portato la fabbrica al riconoscimento mondiale dimostrando i suoi prodotti innovativi in occasione di fiere mondiali e mostre internazionali, tra cui la Fiera mondiale del 1873 a Vienna, poi alla Fiera Mondiale del 1878 a Parigi, dove Zsolnay ha ricevuto un Grand Prix. Le decorazioni per edifici Zsolnay resistenti al gelo sono state utilizzate in numerosi edifici, in particolare durante il movimento Art Nouveau.
Tessili e carta da parati
Tessuti e carte da parati sono stati un importante veicolo di stile Liberty dall’inizio dello stile e un elemento essenziale del design degli interni in stile Art Nouveau. In Gran Bretagna, i disegni tessili di William Morris avevano aiutato a lanciare il movimento Arts and Crafts e poi Art Nouveau. Molti progetti sono stati creati per il department store Liberty a Londra, che ha reso popolare lo stile in tutta Europa. Uno di questi designer è stato lo Studio d’argento, che ha fornito motivi floreali stilizzati colorati. Altri disegni distintivi provenivano dalla Glasgow School e da Margaret Macdonald Mackintosh. La scuola di Glasgow ha introdotto diversi motivi distintivi, tra cui uova stilizzate, forme geometriche e la “Rosa di Glasgow”.
In Francia, un importante contributo è stato dato dal designer Eugène Grasset che nel 1896 pubblicò La Plante et ses applications ornamentales, suggerendo disegni in stile Art Nouveau basati su diversi fiori e piante. Molti modelli sono stati ideati e prodotti per i principali produttori tessili francesi a Mulhouse, Lille e Lione, da laboratori tedeschi e belgi. Il designer tedesco Hermann Obrist si è specializzato in motivi floreali, in particolare il ciclamino e lo stile “colpo di frusta” basato su steli di fiori, che è diventato uno dei motivi principali dello stile. Il belga Henry van de Velde ha presentato un’opera tessile, La Veillée d’Anges, al Salon La Libre Esthéthique di Bruxelles, ispirata al simbolismo di Paul Gauguin e dei Nabis. Nei Paesi Bassi, i tessuti erano spesso ispirati ai modelli batik delle colonie olandesi nelle Indie orientali. L’arte popolare ha anche ispirato la creazione di arazzi, tappeti, ricami e tessuti nell’Europa centrale e in Scandinavia, nel lavoro di Gerhard Munthe e Frida Hansen in Norvegia. Il progetto Five Swans di Otto Eckmann è apparso in più di cento versioni differenti. Il designer ungherese Janos Vaszary ha combinato elementi in stile liberty con temi folcloristici.