Un manifesto d’arte è una dichiarazione pubblica delle intenzioni, dei motivi o dei punti di vista di un artista o di un movimento artistico. I manifesti sono una caratteristica standard dei vari movimenti dell’avanguardia modernista e sono ancora scritti oggi. I manifesti d’arte sono a volte nella loro retorica intesa per valore shock, per ottenere un effetto rivoluzionario. Spesso affrontano questioni più ampie, come il sistema politico. I temi tipici sono la necessità di rivoluzione, libertà (di espressione) e la superiorità implicita o esplicitamente dichiarata degli scrittori rispetto allo status quo. Il manifesto fornisce un mezzo per esprimere, pubblicizzare e registrare idee per l’artista o per il gruppo artistico – anche se solo una o due persone scrivono le parole, è in gran parte attribuito al nome del gruppo.

Nel 1855 Gustave Courbet scrisse un manifesto realista per l’introduzione al catalogo della sua mostra personale indipendente. E nel 1886 il Manifesto simbolista fu pubblicato sul quotidiano francese Le Figaro dal poeta e saggista Jean Moréas.

Il primo manifesto artistico del XX secolo fu introdotto con i futuristi in Italia nel 1909, seguito da cubisti, vorticisti, dadaisti e surrealisti: il periodo fino alla seconda guerra mondiale creò quelli che sono ancora i manifesti più noti. Sebbene non abbiano mai smesso di essere emessi, altri media come la crescita delle trasmissioni tendono a mettere da parte tali dichiarazioni. A causa di Internet c’è stata una rinascita della forma, e molti nuovi manifestos stanno ora apparendo a un pubblico potenziale in tutto il mondo. Gli Stuckist hanno fatto un uso particolare di questo per avviare un movimento mondiale di gruppi affiliati.

I manifesti consistono tipicamente in un numero di affermazioni, che sono numerate o in punti elenco e che non seguono necessariamente logicamente da una all’altra. La spiegazione del manifesto di Tristan Tzara (Feeble Love & Bitter Love, II) cattura lo spirito di molti:

“Un manifesto è una comunicazione fatta a tutto il mondo, la cui unica pretesa è la scoperta di una cura istantanea per la sifilide politica, astronomica, artistica, parlamentare, agronomica e letteraria. Può essere piacevole e di buon carattere, ha sempre ragione, è forte, vigoroso e logico. A proposito di logica, mi considero molto simpatico.

Concetto
Prima del 20esimo secolo, il manifesto era quasi esclusivamente una dichiarazione con scopi politici. L’intenzione degli artisti che adottano la forma, quindi, è di indicare che stanno impiegando l’arte come strumento politico.

Il manifesto artistico ha due obiettivi principali. Il primo è definire e criticare un paradigma nell’arte o nella cultura contemporanea; il secondo è definire un insieme di valori estetici per contrastare questo paradigma. Spesso i manifestos aspirano a essere opere d’arte a pieno titolo; per esempio, molti autori del manifesto intendono che i loro testi vengano eseguiti. Altri manifesti non possono essere pienamente apprezzati semplicemente come dichiarazioni scritte perché si basano molto sulla progettazione grafica per la comunicazione, una caratteristica comune nei manifesti di Dada. Diversi artisti hanno scritto manifesti su mezzi artistici non propri.

Storicamente, c’è stato un forte parallelo tra il manifesto artistico e il manifesto politico. Non era raro che anche gli autori di manifesti del primo Novecento fossero politicamente attivi. In Italia, il fondatore futurista Filippo Tomasso Marinetti si mise in carica, e sia i futuristi russi che italiani pubblicarono manifesti politici. In Inghilterra, il vorticista Wyndham Lewis sosteneva le suffragette, mentre in Francia il surrealista André Breton sosteneva il partito comunista. Spesso però queste organizzazioni politiche hanno respinto l’attenzione degli artisti; in altri casi, gli artisti furono censurati e perseguitati da governi autoritari europei, come l’Italia fascista e la Russia comunista, che istituzionalmente respinsero le avanguardie.

Pre-1900

Manifesto realista 1855
Gustave Courbet ha scritto un manifesto realista per l’introduzione al catalogo della sua mostra personale indipendente del 1855, riecheggiando il tono dei manifesti politici del periodo. In esso afferma il suo obiettivo di artista “di tradurre i costumi, le idee, l’aspetto della mia epoca secondo le mie stesse stime”.

Manifesto simbolista 1886
Nel 1886 il Manifesto simbolista fu pubblicato sul quotidiano francese Le Figaro dal poeta e saggista Jean Moréas. Ha definito e caratterizzato il simbolismo come uno stile il cui “obiettivo non era l’ideale, ma il cui unico scopo era esprimersi per il gusto di esprimersi”. Nomina Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé e Paul Verlaine come i tre principali poeti del movimento.

Seminal 1909-45

Manifesto futurista 1909, 1914
Il Manifesto del Futurismo, scritto dal poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, fu pubblicato sul quotidiano italiano Gazzetta dell’Emilia a Bologna il 5 febbraio 1909, poi in francese come Manifeste del Futurismo nel quotidiano Le Figaro il 20 febbraio 1909. ha iniziato una filosofia artistica, il futurismo, che era un rifiuto del passato e una celebrazione della velocità, dei macchinari, della violenza, della gioventù e dell’industria; è stata anche una promozione della modernizzazione e del ringiovanimento culturale dell’Italia.

Poiché il manifesto fondatore non conteneva un programma artistico positivo, i futuristi tentarono di crearne uno nel loro successivo Manifesto tecnico della pittura futurista (1914). Questo li ha impegnati in un “dinamismo universale”, che doveva essere rappresentato direttamente nella pittura e nella scultura. Gli oggetti in realtà non erano separati l’uno dall’altro o da ciò che li circonda: “Le sedici persone intorno a te su un autobus a rotazione sono a turno e contemporaneamente uno, dieci quattro tre: sono immobili e cambiano di posto … l’autobus a motore si precipita nelle case che passa, ea sua volta le case si gettano sull’autobus e si mescolano con esso “.

Manifesto cubista 1912
Du “Cubisme”, scritto nel 1912 da Albert Gleizes e Jean Metzinger, fu il primo grande testo teorico sul cubismo. Il libro è stato illustrato con opere di Gleizes, Metzinger, Paul Cézanne, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain e Marie Laurencin. In questo trattato molto influente, Gleizes e Metzinger hanno esplicitamente correlato il concetto di “prospettiva multipla” al senso del tempo bergsoniano. Il trattamento sfaccettato di oggetti fisici e spazio offuscava le distinzioni tra soggetto e astrazione, tra rappresentazione e non oggettività. Gli effetti della geometria non euclidea sono stati usati per trasmettere un senso psicofisico di fluidità della coscienza. Du “Cubisme” ha introdotto il concetto di “simultaneità” nel quadro teorico del cubismo. È stato in parte un concetto nato da una convinzione basata sulla comprensione degli autori di Henri Poincaré e Bergson secondo cui la separazione o distinzione tra spazio e tempo dovrebbe essere ampiamente sfidata. Era basato sia su idee filosofiche e scientifiche, sulla geometria Riemanniana e sulla relatività della conoscenza, che contraddicevano nozioni di verità assoluta. Queste idee furono diffuse e discusse nella pubblicazione ampiamente disponibile e lette da scrittori e artisti associati all’avvento del modernismo. nozioni contraddittorie di verità assoluta. Queste idee furono diffuse e discusse nella pubblicazione ampiamente disponibile e lette da scrittori e artisti associati all’avvento del modernismo. nozioni contraddittorie di verità assoluta. Queste idee furono diffuse e discusse nella pubblicazione ampiamente disponibile e lette da scrittori e artisti associati all’avvento del modernismo.

The Art of Noise 1913
The Art of Noises (L’arte dei rumori) è un manifesto futurista scritto da Luigi Russolo in una lettera del 1913 ad un amico e compositore futurista Francesco Balilla Pratella. In esso, Russolo sostiene che l’orecchio umano si è abituato alla velocità, all’energia e al rumore del paesaggio sonoro industriale urbano; inoltre, questa nuova tavolozza sonora richiede un nuovo approccio alla strumentazione e alla composizione musicale. Propone una serie di conclusioni su come l’elettronica e le altre tecnologie consentiranno ai musicisti futuristi di “sostituire la limitata varietà di timbri che l’orchestra possiede oggi con l’infinita varietà di timbri nei rumori, riprodotti con meccanismi appropriati”.

Manifeste dell’école amorphiste 1913
Pubblicato in Les Homme du jour nel 1913, non è mai stato chiaro se questo fosse un manifesto sincero della nuova scuola dell’amore amorfo o una parodia.

Manifesto del vorticista 1914
Estratti del manifesto BLAST dei Vorticisti furono pubblicati sulla rivista Blast, numero 1, il 20 giugno 1914, e poi a Blast, numero 2, nel luglio 1915.

Manifesto dei Suprematisti del 1915
Nel 1915, Kazimir Malevich gettò le basi del Suprematismo quando pubblicò il suo manifesto, Dal cubismo al Suprematismo.

Manifesto Dada 1916
Hugo Ball recitò il primo manifesto Dada al Cabaret Voltaire il 14 luglio 1916.

Il secondo manifesto Dada fu recitato da Tristan Tzara alla Salle Meise il 23 marzo 1918 e pubblicato a Dada, n. 3 (Zurigo, dicembre 1918).

De Stijl 1918
Firmato da Theo van Doesburg, Robt. van ‘t Hoff, Vilmos Huszar, Antony Kok, Piet Mondrian, Georges Vantongerloo, Jan Wils

Manifesto I di “The Style” (De Stijl), da De Stijl, vol. II, no. 1 (novembre 1918), p. 4.

Manifesto realistico 1920
The Realistic Manifesto (pubblicato il 5 agosto 1920) è stato scritto dallo scultore russo Naum Gabo e firmato da suo fratello Antoine Pevsner, e il testo chiave del costruttivismo.

Manifesto purista 1920-1925
I fondatori del Purismo, Amedee Ozenfant e Charles-Edouard Jeanneret (meglio noto come Le Corbusier), hanno intitolato il loro manifesto Apres le cubism (After Cubism).

Manifesto surrealista 1924
Il primo manifesto surrealista fu scritto dallo scrittore francese André Breton nel 1924 e pubblicato al pubblico nel 1925. Il documento definisce il Surrealismo come:

L’automatismo psichico nel suo stato puro, con il quale si propone di esprimere – verbalmente, per mezzo della parola scritta o in qualsiasi altro modo – l’effettivo funzionamento del pensiero. Dettato dal pensiero, in assenza di qualsiasi controllo esercitato dalla ragione, esente da qualsiasi preoccupazione estetica o morale.

Art Concret 1930
Base de la peinture concrète, è stata scritta da Otto G. Carlsund, Theo van Doesburg, Jean Hélion, Marcel Wantz e Léon Arthur Tutundjian, pubblicato su Revue Art Concret, n. 1 (aprile 1930).

Manifesto della pittura murale 1933
Manifesto della pittura murale fu scritto da Mario Sironi nel 1933.

Manifesto: Verso un’arte rivoluzionaria libera 1938
Verso un’Arte rivoluzionaria libera fu scritto dal surrealista André Breton e dal marxista Leon Trotsky come reazione contro l’arte imposta dall’Unione Sovietica.

Il dopoguerra 1946-59
Manifesto bianco 1946
White Manifesto è un testo del 1946 scritto da Lucio Fontana.

Manifesto COBRA 1948
Manifesto del CoBrA, intitolato La causa était entendue, scritto da Christian Dotremont, e sospirato da Karel Appel, Constant, Corneille, Asger Jorn e Joseph Noiret nel 1948.

Refus globale 1948
Il Refus global (o Total Refusal) è stato un manifesto anti-establishment e anti-religioso rilasciato il 9 agosto 1948 a Montreal da un gruppo di sedici giovani artisti e intellettuali del Québécois noti come Les Automatistes, guidati da Paul-Émile Borduas.

Il refus globale è stato fortemente influenzato dal poeta francese André Breton e ha decantato la forza creativa del subconscio.

Manifesto dell’Eaismo del 1948
Manifesto di Eaismo è di Voltolino Fontani.

Primo Manifesto degli scultori 1949
Il primo Manifesto degli scultori è di René Iché.

Manifesto mistico 1951
Manifesto mistico è stato scritto da Salvador Dalí nel 1951.

Il Manifesto mistico inaugurò il periodo del misticismo nucleare di Dalí.

Manifesto pittura nucleare 1951
Scritto era di Enrico Baj.

Manifesto di Les Spatialistes del 1952
Les Spatialistes, un gruppo italiano con sede a Milano ha redatto un manifesto per la televisione.

Un Art Autre 1952
Questo lavoro di Michel Tapié ha definito il movimento dell’arte informale.

Manifesto Gutai 1956
Questo manifesto di Jirô Yoshihara ha definito gli obiettivi artistici del gruppo giapponese Gutai.

Manifesto d’arte auto-distruttivo 1959
Scritto da Gustav Metzger nel 1964, questo è stato dato come una lezione per l’Associazione Architettonica, e rilevato dagli studenti come un “Happening” artistico. Uno degli studenti del Metzal’s Ealing College era Pete Townshend, che in seguito citò i concetti di Metzger come un’influenza per il suo famoso trionfo di chitarre durante gli spettacoli di The Who.

Manifesto neo-cemento 1959
Il Manifesto Neo-Calcestruzzo, di Ferreira Gullar, inizia:

Usiamo il termine “neo-cemento” per differenziarci da quelli impegnati nell’arte “geometrica” ​​non figurativa (neoplasticismo, costruttivismo, suprematismo, scuola di Ulm) e in particolare il tipo di arte concreta che è influenzata da un pericoloso razionalismo acuto. Alla luce della loro esperienza artistica, i pittori, scultori, incisori e scrittori partecipanti a questa prima Esposizione neo-concreta sono giunti alla conclusione che era necessario valutare i principi teorici su cui è stata fondata l’arte concreta, nessuno dei quali offre un razionale per il potenziale espressivo che sentono la loro arte contiene “.
Manifesto della pittura industriale 1959
“Manifesto della pittura industriale: per un’arte applicata unitaria”, scritto da Giuseppe Pinot-Gallizio, nell’agosto del 1959, fu originariamente pubblicato in italiano in Notizie Arti Figurative No. 9 (1959). Poco dopo è stato pubblicato in Internationale Situationniste n. 3 in una traduzione francese. È stato tradotto in inglese nel 1997 da Molly Klein. Ha solo 70 punti ed è scritto in maniera retorica da grande utopia, con affermazioni del tipo: “Una nuova, famelica forza di dominio spingerà gli uomini verso una poesia epica inimmaginabile”. Uno dei suoi temi è la riconciliazione tra industria e natura:

Il ritorno alla natura con strumenti moderni consentirà all’uomo, dopo migliaia di secoli, di ritornare nei luoghi in cui i cacciatori del Paleolitico superarono una grande paura; l’uomo moderno cercherà di abbandonare il proprio, accumulato nell’idiozia del progresso, a contatto con cose umili, che la natura nella sua saggezza ha conservato come un controllo sull’immensa arroganza della mente umana.
Controcultura 1960-75
Negli anni ’60 i manifesti riflettevano i mutati atteggiamenti sociali e politici dei tempi: il fermento generale della rivoluzione della “controcultura” per rovesciare l’ordine esistente e la particolare ascesa del femminismo e del potere nero, così come il pioniere di nuove forme d’arte come il corpo arte e arte della performance.

Manifesto situazionista 1960
L’Internazionale Situazionista fu fondata a Cosio d’Arroscia il 27 aprile 1957 da otto membri, che volevano un’arte rivoluzionaria con uno stato di costante trasformazione, e quindi novità, oltre ad abolire il divario tra arte e vita. Il manifesto che aderisce a questo è stato rilasciato il 17 maggio 1960 e ristampato in Internationale Situationniste numero 4 nel giugno 1960. Ha sostenuto la “nuova forza umana” contro la tecnologia e la “insoddisfazione dei suoi possibili usi nella nostra insensata vita sociale”, affermando “Noi inaugurare quello che sarà storicamente l’ultimo dei mestieri.Il ruolo del situazionista amatoriale-professionale -di anti-specialista-è di nuovo una specializzazione fino al punto di abbondanza economica e mentale, quando tutti diventano un ‘artista’ “. La sua frase finale è: “Questi sono i nostri obiettivi,

The Chelsea Hotel Manifesto 1961
Questo manifesto, scritto da Yves Klein, è stato protetto dal diritto d’autore dal 1989 dalla Galleria Gagosian. Comincia con le istruzioni per le dichiarazioni successive nel manifesto, la prima riga è “dovuto al fatto che ho dipinto i monocromi per quindici anni”. È una meditazione dell’artista sul suo lavoro e sulla sua vita:

Un artista si sente sempre a disagio quando viene chiamato per parlare del proprio lavoro. Dovrebbe parlare da solo, in particolare quando è valido.
Cosa posso fare? Fermati adesso?
No, quella che io chiamo “l’indefinibile sensibilità pittorica” ​​sfugge assolutamente a questa soluzione molto personale.
Così…
Si appropria del cielo:

Una volta, nel 1946, mentre ero ancora un adolescente, dovevo firmare il mio nome dall’altra parte del cielo durante un fantastico viaggio “immaginario-immaginario”. Quel giorno, mentre giacevo disteso sulla spiaggia di Nizza, cominciai a sentire odio per gli uccelli che volavano avanti e indietro sul mio cielo blu e senza nuvole, perché cercavano di perforare il mio più grande e più bello lavoro.
Gli uccelli devono essere eliminati.
Termina affermando che è “pronto a tuffarsi nel vuoto”.

I Am For An Art … Manifesto, 1961
Claes Oldenburg, un artista pop, reagendo contro l’espressionismo astratto, insieme ad altri giovani artisti. Il Manifesto “I am for an Art” è stato originariamente realizzato per essere incluso nel catalogo della mostra “Environments, Situations and Spaces”. Ognuna delle affermazioni inizia con “I am for an art …”.

La seguente citazione proviene dalle prime due affermazioni del suo manifesto poetico:

“Io sono per un’arte politicamente eroticamente-mistica, che fa qualcosa di diverso dal sedere in culo in un museo.
Sono per un’arte che cresce non sapendo che è arte, un’arte data la possibilità di avere un punto di partenza zero … ”

Fluxus Manifesto 1963
Scritto da George Maciunas, questo breve documento stampato a mano è composto da tre paragrafi intervallati da elementi di collage tratti dalle definizioni del dizionario relative al “flusso”. È scritto in minuscolo, con lettere maiuscole per alcune frasi chiave, alcune sottolineate. Il suo primo paragrafo è:

Purga il mondo della malattia borghese, la cultura “intellettuale”, professionale e commercializzata, purifica il mondo dell’arte morta, l’imitazione, l’arte artificiale, l’arte astratta, l’arte illusionistica, l’arte matematica, – purifica il mondo dell ‘”Europanismo”!
Promuove la rivoluzione, “l’arte vivente, l’anti-arte” e la “realtà non artistica da cogliere da tutti i popoli, non solo da critici, dilettanti e professionisti”.

SCUM Manifesto 1967
SCUM, di Valerie Solanas, è un acronimo per “Society for Cutting up Men” e il manifesto non riguardava specificamente l’arte. Tuttavia, è diventato parte della storia dell’arte, perché è stato pubblicato nel 1968, lo stesso anno in cui Solanas, che aveva trascorso del tempo nella “Fabbrica” ​​di Andy Warhol, sparò e quasi lo uccise. Ha anche sezioni che affrontano le idee artistiche. Solanas passò gli ultimi anni da prostituta di strada e morì nel 1988.

È un documento di poco più di 11.000 parole. Il suo tono e il tema di base sono evidenti dal titolo, ma non è così chiaro come sembra e alcune donne sono ammesse a essere cattive come gli uomini (artisti femminili, per esempio). SCUM vuole “distruggere tutti gli oggetti inutili e dannosi – auto, vetrine,” Grande Arte “, ecc.” In una sezione su “‘Grande Arte’ e ‘Cultura’” si afferma:

L’artista maschio tenta di risolvere il suo dilemma di non essere in grado di vivere, di non essere donna, costruendo un mondo altamente artificiale in cui il maschio è eroizzato, cioè mostra tratti femminili, e la femmina è ridotta a molto limitata , insipidi ruoli subordinati, cioè essere maschi.
L’obiettivo “artistico” del maschio è essere, non comunicare (non avendo nulla dentro di sé che non abbia nulla da dire), ma per mascherare il suo animalismo, ricorre al simbolismo e all’oscurità (cose “profonde”). La stragrande maggioranza delle persone, in particolare quelle “istruite”, prive della fede nel proprio giudizio, umili, rispettose dell’autorità (“Papà sa meglio”), sono facilmente convinte che l’oscurità, l’evasività, l’incomprensibilità, l’indecenza, l’ambiguità e la noia sono segni di profondità e brillantezza …
Assorbire la “cultura” è un disperato, frenetico tentativo di incastrarsi in un mondo non limpido, per sfuggire all’orrore di un’esistenza sterile, irragionevole. `Culture ‘fornisce un contentino agli ego degli incompetenti, un mezzo per razionalizzare lo spettatore passivo; possono vantarsi della loro capacità di apprezzare le cose “più fini”, di vedere un gioiello in cui questo è solo uno stronzo (vogliono essere ammirati per l’ammirazione).
Manutenzione Art Manifesto 1969
Il titolo completo del manifesto è “Maintenance Art-Proposal for an Exhibition”; è considerato un documento fondamentale dell’arte femminista. Mierle Laderman Ukeles era incinta all’epoca e decise di reinterpretare le faccende domestiche diventando un “artista della manutenzione”, dove le avrebbe “eseguite”. Tramite questo “mantenimento” si è rivelata una condizione importante per la libertà e il funzionamento sociale e ha esteso l’idea oltre il femminismo a progetti come gli 11 mesi di Touch Sanitation, che coinvolgono 8.500 lavoratori di New York. Più recentemente ha indirizzato una discarica a Staten Island.

Il manifesto fu seguito da un questionario (1973-76) e si occupava di fare arte di quelle che normalmente sarebbero viste come faccende banali e banali. Ha scritto: “Dopo la rivoluzione, chi raccoglierà la spazzatura lunedì mattina?”. Ha seguito questo con un “Manifesto di igiene!” (1984) Il Manifesto di manutenzione ha dichiarato:

La manutenzione è una resistenza; ci vuole tutto il tempo del cazzo (acceso). La mente si agita e si irrita alla noia. La cultura conferisce uno status insoddisfacente ai lavori di manutenzione – salari minimi, casalinghe – nessuna retribuzione. Pulisci la tua scrivania, lava i piatti, pulisci il pavimento, lava i vestiti, lava le dita dei piedi, cambia il pannolino del bambino, finisci il rapporto, correggi gli errori di battitura, ripara il recinto, fai felice il cliente, butta via la spazzatura puzzolente, stai attento non mettere le cose nel naso, cosa dovrei indossare, non ho sox, pagare le bollette, non sparpagliare, salvare stringhe, lavare i capelli, cambiare le lenzuola, andare al negozio, sono fuori di profumo , dillo di nuovo – non capisce, sigilla di nuovo – perde, va al lavoro, quest’arte è polverosa, ripulire il tavolo, chiamarlo di nuovo, sciacquare il bagno, rimanere giovane.
Manifesto di AfriCobra 1970
Afri-Cobra era un collettivo di artisti neri fondato alla fine degli anni ’60 da Jeff Donaldson e con sede a Chicago. Ha aiutato a organizzare spettacoli internazionali di artisti neri e ha scritto manifesti influenti. AfriCobra è l’acronimo di “African Commune of Bad Relevant Artists”. Questo è stato derivato dalla combinazione del termine per l’Africa con “Cobra”, la “Coalition of Black Revolutionary Artists”. Il manifesto indicava gli obiettivi del gruppo come lo sviluppo di una nuova arte afroamericana, che coinvolgesse la responsabilità sociale, il coinvolgimento artistico della comunità e la promozione dell’orgoglio nell’identità nera. C’erano dei paralleli con le innovazioni musicali afroamericane e la difesa di un’estetica complementare che coinvolge immagini sublimi e colori di alta qualità.

Manifestazioni di guerra all’inizio degli anni ’70
WAR è l’acronimo di “Women Artists in Revolution” di cui Nancy Spero era membro. Prima di questo, nel 1966-70, aveva creato una serie di “manifesti” contro la guerra del Vietnam che erano immagini create con vernici ad acqua e inchiostri su carta. Ha poi partecipato alle riunioni dell’AWC (Art Workers Coalition), che avevano membri di uomini e donne, e sono diventate parte di WAR, che è stata una propaggine. Ha detto: “L’ho adorato, ero così arrabbiato in quel momento per così tante cose, specialmente per non essere in grado di estrarre la mia arte, per far sì che la gente guardasse” Ho pensato “WAR” – è così. Organizzare alcune azioni e proteste e scrivere manifesti.Per esempio, alcuni di noi hanno marciato nel Museo di Arte Moderna e richiesto l’uguaglianza per le artiste donne.Poi, mi sono unito a un altro, il Comitato Ad hoc delle Donne Artisti. È andato tutto molto velocemente quei giorni.

Women’s Art: A Manifesto 1972
Valie Export è un’artista viennese che ha lavorato con gli Actionists e catalogato i loro eventi. Ha fatto la sua arte del corpo di confronto, con una filosofia di “Femminismo Actionismo”, invitando le persone a toccarla per la strada. Ha pubblicato “manifesti scritti che predicono con vendetta il futuro dell’arte femminile” e “ha dato importanti contributi teorici alla comunicazione di un femminismo personale nelle prestazioni, ritenendo che fosse importante politicamente creare arte”. Sapevo che se l’avessi fatto nudo, avrei cambierebbe davvero il modo in cui il pubblico (per lo più di sesso maschile) mi guarderebbe “.

Manifesto Collectif d’Art Sociologique 1974
Il collettivo d’arte sociologica francese fu fondato da Fred Forest, Jean-Paul Thénot e Hervé Fischer e pubblicò il loro manifesto sul quotidiano Le Monde. Il suo scopo principale era usare la sociologia per sostenere azioni artistiche, o usando azioni artistiche per chiarire i fenomeni sociologici. Una di queste azioni è stata la vendita all’asta di un “metro quadro artistico” nel 1976 per falsificare l’inflazione dei prezzi nei mercati dell’edilizia e dell’arte. Il collettivo sfruttò pesantemente i mass media e le esibizioni dal vivo usando video, telefoni, ecc. Il gruppo fu sciolto nel 1981, anche se alcuni dei suoi principi furono introdotti da Fred Forest e Mario Costa con il movimento di comunicazione estetica del 1983.

Manifesto di body art 1975
Nel 1975 François Pluchart promosse la prima mostra di Body Art alla Galerie Stadler di Parigi, con opere di 21 artisti, tra cui Marcel Duchamp, Chris Burden e Katharina Sieverding. È stato pubblicato il primo manifesto di Body Art.

Un manifesto sul concettualismo lirico 1975
di Paul Hartal

Questo è un documento di quattro pagine illustrato con nove immagini in bianco e nero dei dipinti, collage e multimedia dell’artista, pubblicato a Montreal nel 1975. “La mia arte è una metafora dipinta, la macchina del passato di un secondo perpetuo, l’emozione fossile di un desiderio infinito, il desiderio magico che si evolve sull’asse spezzato dello spazio compresso, riflesso nella forma di paesaggi interiori, personali “, scrive Hartal nel manifesto. “L’arte dovrebbe essere totale”, suggerisce. “Il biotico separato dal geometrico è arbitrario e ignora la natura umana.” L’idea di “Il concettualismo lirico si basa sull’integrità delle coordinate psicologiche”, dice. “Deriva dall’Es, dall’Io e dal Super-Io”; un’arte in cui il carattere primariamente duplice della visione dell’artista si evolve in un lirico,

Punk e cyber 1976-1998
L’ascesa del movimento punk con la sua attitudine al fai-da-te di base e aggressiva ha avuto un contributo significativo nei manifesti artistici, e questo si riflette anche nei titoli. Alcuni degli artisti si sono identificati apertamente con il punk attraverso la musica, l’editoria o la performance di poesia. C’è anche un’interpretazione equivalente “scioccante” del femminismo che contraddice la non oggettivazione sostenuta negli anni ’60. Poi la crescente presenza dell’era dei computer cominciò a farsi valere nei proclami artistici come nella società.

Manifesto di arte grezza 1978
L’artista Charles Thomson ha promosso il Crude Art Manifesto 1978.

Questo è stato pubblicato nel Maidstone Art College da Charles Thomson, poi studente al college. 21 anni dopo ha co-scritto i manifesti Stuckist con Billy Childish. Thomson era anche un membro dei The Medway Poets basati su punk. Il manifesto respinge l’arte del “department store” e l’arte della galleria “elitaria”, così come la raffinatezza e l’abilità che sono “facilmente ottenibili … e sono utilizzate sia industrialmente che artisticamente per nascondere una povertà di contenuti”. La priorità è dichiarata “l’esplorazione e l’espressione dello spirito umano”.

Smile Manifestos 1982
di Stewart Home

In questo momento la Stewart Home ha operato come un movimento di una persona “Generation Positive”, fondando una band punk chiamata White Colours e pubblicando un sorriso artistico fanzine, che per lo più conteneva manifesti d’arte per la “Generation Positive”. La retorica di questi assomigliava ai manifesti dadaisti di Berlino degli anni ’20. La sua idea era che altre band del mondo dovessero chiamarsi White Colours e altre riviste si intitolavano Smile. La prima parte del libro Neoist Manifestos / The Art Strike Papers presentava versioni abrigate dei suoi scritti in stile manifesto di Smile.

Manifesto Internazionale degli Artisti Astronomici 1982
Il principio base dello IAAA è la rappresentazione dello spazio (come nel cosmo) attraverso la pittura realista. Si dissociano dalla fantascienza e dagli artisti di fantasia: “un fondamento solido di conoscenza e ricerca è la base per ogni dipinto, sforzandosi di rappresentare accuratamente scene che sono al momento oltre la portata degli occhi umani”. Il gruppo ha ora oltre 120 membri in rappresentanza di 20 paesi.

Manifesto d’arte economico 1984
dal pane e dal teatro delle marionette

L’intero titolo è “il manifesto di Why Cheap Art?”. È un foglio singolo, pubblicato dal Bread and Puppet Theatre “in diretta risposta al business dell’arte e alla sua crescente appropriazione da parte del settore corporate”. Ci sono diciassette affermazioni, la maggior parte delle quali inizia con “Art is” e termina con un punto esclamativo, esposto principalmente in maiuscolo, a volte misto a minuscole, in caratteri tipografici diversi che diventano più audaci attraverso il volantino fino alla dichiarazione finale di un grande VIVA. Inizia:

La gente ha pensato troppo a lungo che l’arte è un privilegio dei musei e dei ricchi.
L’arte non è business!
Sottolinea la natura positiva dell’arte che è benefica per tutti e dovrebbe essere accessibile a tutti, usando immagini poetiche come “L’arte è come alberi verdi” e sollecitando “L’arte combatte contro la guerra e la stupidità! … L’arte è a buon mercato!

Un manifesto dei cyborg del 1985
di Donna J. Haraway

Questo ha il titolo completo di “Un manifesto dei cyborg: scienza, tecnologia e femminismo socialista alla fine del ventesimo secolo”. Donna Haraway è uno storico culturale. Lei sostiene lo sviluppo di cyborg (“organismi cibernetici”) come via da seguire per una società post-genere. Ciò ebbe inizialmente un effetto significativo tra gli accademici. VNS Matrix, un gruppo di artisti donne australiane e storico culturale britannico, Sadie Plant, ha fondato un movimento cyberfemminista nel 1994. Dal 1997, l’Old Boys Network (OBN) ha organizzato “Cyberfeminist Internationals”.

Ciò che la nostra arte significa 1986
di Gilbert e George

Il manifesto è di cinque paragrafi, ognuno con un sottotitolo, il primo dei quali è “Art for All”, riassumendo l’intento popolare del loro manifesto:

Vogliamo che la nostra arte parli attraverso le barriere della conoscenza direttamente alle persone sulla loro vita e non sulla loro conoscenza dell’arte. Il ventesimo secolo è stato maledetto con un’arte che non può essere compresa. Gli artisti decadenti rappresentano per se stessi e per i loro eletti pochi, ridendo e respingendo il normale estraneo. Diciamo che l’arte sconcertante, oscura e ossessionata dalla forma è decadente e una crudele negazione della vita delle persone.
C’è anche l’intenzione di cambiare le persone, ma “Il materiale artistico deve essere sottomesso al significato e allo scopo dell’immagine”. Si afferma:

Vogliamo imparare a rispettare e onorare “il tutto”. Il contenuto dell’umanità è il nostro soggetto e la nostra ispirazione. Siamo presenti ogni giorno per le buone tradizioni e i cambiamenti necessari. Vogliamo trovare e accettare tutto il bene e il male in noi stessi.
La conclusione è un’affermazione della “nostra ricerca di vita per nuovi significati e scopi da dare alla vita”.

Manifesto modernista post porno c.1989
di Veronica Vera

Il manifesto è stato firmato da Veronica Vera e Candida Royalle (entrambe ex pornostar che avevano poi diretto i propri film porno), Annie Sprinkle (che pubblica esplicitamente una donna) e l’artista Frank Moore, tra gli altri artisti significativi che usano il sesso in il loro lavoro. In 7 brevi punti, fonda un movimento artistico, che “celebra il sesso come forza nutriente e vitale, abbracciando i nostri genitali come parte, non separati, dai nostri spiriti”. Promuove l ‘”atteggiamento del positivismo sessuale” e desidera “comunicare le nostre idee ed emozioni … per divertirsi, guarire il mondo e perseverare”.

Un Manifesto dei Cyberfemministi per il 21 ° secolo, 1991
da VNS Matrix

VNS Matrix era un collettivo d’arte cyberfemminista fondato ad Adelaide, in Australia, nel 1991. Il loro manifesto, scritto nel 1991, è stato tradotto negli anni in molte lingue tra cui italiano, francese, spagnolo, russo, giapponese e finlandese. Inizia:

noi siamo la fica moderna
anti-ragione positiva
illimitato scatenato implacabile
noi vediamo l’arte con la nostra fica che facciamo arte con la nostra fica
Nel 1996 scrissero il Manifesto dei Mutanti della Cagna.

Il Manifesto ____________, 1996
di Michael Betancourt

Il Manifesto ____________ ha proposto una visione interattiva e completa dei divieti e delle rivendicazioni sui movimenti artistici e artistici. Era un primo pezzo interattivo di net art che appariva nelle webzine e nei newsgroup, invitando la partecipazione. Inizia:

Oggi, lo stesso ____________ è obsoleto.
Il manifesto termina con un pulsante Ripristina. Il testo è tratto dai manifesti Dada di Tristian Tzara, ma i pezzi chiave del testo originale sono stati omessi e sostituiti con spazi vuoti da riempire.

È uno dei primi manifesti pubblicati su Internet e in stampa.

Gruppo Hangman 1997
di Billy Childish

Group Hangman è stato avviato da Billy Childish, Tracey Emin e altri due a Medway, nel Kent nel 1983 per un breve periodo. Quattordici anni dopo si riformò con più membri (quasi tutti entrarono a far parte del gruppo artistico Stuckists), ma senza Emin. A questo punto Childish ha scritto 6 brevi manifesti, contenenti ciascuno 7 – 12 affermazioni. Dice “erano anarchici e contraddittori, il mio preferito!” Alcune delle idee sono riemerse nei manifesti Stuckist scritti due anni dopo. Il punto 9 della comunicazione 0001 recita:

L’arte occidentale ha stupefatto il suo pubblico nel prendere la posizione di uno zerbino ammiratore. Tuttavia, noi di Group Hangman intendiamo spazzare i nostri stivali incrostati di fango sulla faccia di un gioco concettuale.
Lo stile deve essere distrutto (“Il talento artistico è l’unico ostacolo”) e l’inaccettabile deve essere abbracciato. L’ultima comunicazione, di sole due brevi frasi, è stata scritta nel 2000 e raccomanda: “È tempo che l’arte cresca”.

Manifesto d’arte estrofica 1997
di Natasha Vita-More (ex Nancie Clark)

(Un genere del movimento artistico transumanista il cui manifesto è stato scritto nel 1982)

Questo è stato scritto il 1 ° gennaio 1997 ed è apparentemente “a bordo della sonda spaziale Cassini Huygens in missione verso Saturno”. Seguendo la frase “Siamo transumani”, c’è la spiegazione, “L’arte transumanista riflette un apprezzamento estrofico dell’estetica in un mondo tecnologicamente avanzato.” Dopo che il manifesto è una “FAQ”, che afferma, “Le arti transumaniste includono opere creative di scienziati, ingegneri, tecnici, filosofi, atleti, educatori, matematici, ecc., Che potrebbero non essere artisti nel senso tradizionale, ma la cui visione e la creatività è parte integrante della transumanità “. Il Manifesto è basato su una Dichiarazione d’Arte transumanista scritta nel 1982. Citata come influenze specifiche sono “Arte astratta, Arti performative, Arte cinetica, Cubismo, Arte tecno,