Il padiglione lettone alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte presenta ARMPIT, un’installazione d’arte multimediale di Katrīna Neiburga e Andris Eglītis. Si tratta di un sistema scolpito di costruzioni intrecciate con video-storie su un fenomeno locale peculiare, “garage elves”, che tendono a trascorrere il loro tempo libero armeggiando con vari meccanismi in officine allestite per questo hobby.

Andris Eglītis ha creato un cast improvvisato del peculiare microcosmo delle comunità di garage. È un sistema caleidoscopico di strutture scolpite scolpite, realizzate con materiali da costruzione prefabbricati dell’architettura vernacolare delle baraccopoli. La struttura dell’edificio è intrecciata con i video narrativi di Katrīna Neiburga. I suoi ritratti dei membri delle comunità di garage risiedono come immaginati abitanti dell’abitazione appena installata, che ricorda una miscela tra un convento e un negozio di sudore.

Questa è la prima collaborazione della coppia di artisti, con ciascuno che contribuisce attraverso la sua solita pratica artistica. Katrīna Neiburga di solito lavora con i media basati sul tempo, usandoli nella sua arte investigativa socio-antropologica, installazioni multimediali e scenografia. Andris Eglītis tende al tradizionale nella scelta dei media; il suo desiderio di sperimentare la pittura e le nuove forme scultoree lo ha portato a dedicarsi ad esercizi architettonici come pratica corporea con esperienza rispetto all’arte basata sul concetto.

Il Padiglione lettone si adatta al concetto artistico generale della Biennale di Venezia, la mostra lettone è in perfetta armonia con l’attenzione della Biennale su linguaggi specifici e posizioni di pensiero create dagli artisti. La presenza di una visione e di una critica più ampie dell’ego, che è appena percettibile in altre opere, ci distingue.

Il titolo della mostra è stato concepito da Miķelis Fišers come una formula universale che lo spettatore può interpretare soggettivamente: come una domanda, una sorpresa, una storia o una previsione. Miķelis Fišers ha il coraggio di strappare le stringhe più nascoste dei sentimenti umani, creando un’ansia giustificabile per le prospettive di domani, mentre allo stesso tempo bilancia un senso di colpa e sentimenti di paura con il desiderio di correre un rischio.

Non è chiaro come tutte e tre le parti della mostra coesisteranno all’interno del padiglione lettone. Tutto – la pittura, l’installazione di luce e le sculture in legno – funziona bene insieme e ha preso forma una bella armonia di materiali e storie. I visitatori si fermano nei posti giusti e riflettono cosa può andare storto. La risposta segue: “Tutto!” Sembra che si aspettassero questa domanda. ”

La mostra è arricchita da un catalogo della mostra, che comprende schizzi di opere di Miķelis Fišers e tutte le opere d’arte create per la mostra di quest’anno, saggi della curatrice Inga Šteimane e dell’artista estone Margus Tamm sulle narrazioni esoteriche nell’arte contemporanea lettone ed estone, come così come un saggio di Ilmārs Šlāpins sul desiderio di Miķelis Fišers di creare il giusto stato di coscienza nelle menti degli spettatori.

artisti
Katrīna Neiburga e Andris Eglītis

Katrīna Neiburga (1978) ha conseguito un master presso l’Accademia d’arte lettone nelle comunicazioni visive. Espone dal 2000 e ha partecipato alle biennali di Sydney e Mosca. Nel 2008, è stata selezionata per l’Ars Fennica Award e ha ricevuto il più alto riconoscimento lettone nelle belle arti. Una considerevole storia video investigativa “The Printing House” (2012) su un grattacielo abbandonato ha attirato l’attenzione a Riga, Helsinki (Cable Factory Gallery), Budapest (Trafo Gallery), Tallinn (KUMU), Vilnius (National Gallery of Art), e altrove. Katrīna Neiburga ha spesso collaborato strettamente con l’artista del suono Andris Indāns. Ha anche lavorato a scenografie per l’Opera nazionale lettone, il Teatro dell’Opera e del Balletto di Perm e altrove, collaborando alla messa in scena di varie opere teatrali. Nel 2015, come la scenografa video le è stata offerta di collaborare alla messa in scena dell’opera “La Damnation de Faust” all’Opéra Bastille di Parigi.

Andris Eglītis (1981) ha studiato belle arti presso l’Accademia d’arte lettone, I.E. Repin Saint Petersburg Institute of Art, Russia, e presso l’HISK di Gent, in Belgio. Sebbene la pittura ad olio prevale nella sua pratica artistica rispetto ad altre forme di media, ci sono anche sculture che ha realizzato in collaborazione con la comunità dei castori nel suo studio di artisti di campagna, e nuove installazioni architettoniche di solito costruite come prototipi narrativi per i suoi dipinti figurativi. Nel 2013 ha vinto il premio Purvītis, il più alto riconoscimento di belle arti in Lettonia.

La mostra
Il padiglione lettone alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte ha presentato Armpit, un’installazione d’arte multimediale degli artisti Katrīna Neiburga e Andris Eglītis. L’ascella è un sistema scolpito di costruzioni intrecciate con video-storie su un fenomeno locale peculiare, “garage elfi”, che tendono a trascorrere il loro tempo libero armeggiando con vari meccanismi nei laboratori istituiti per questo hobby.

Qual è la base dell’intero interesse “pastorale” per gli uomini che trascorrono il loro tempo libero in isolamento volontario, armeggiando in officine con gadget auto inventati? C’è la tentazione di vederli come custodi dell’illusoria convinzione che sia possibile trovare un’interconnessione tra la materialità reale e quella tecnologicamente evocata della vita moderna. I nostri atteggiamenti verso il regno fabbricato delle cose tendono a diventare sempre più passivamente consumistici. La ragione di ciò non è solo la pigrizia ma anche la paura. Anche se il ritmo della nostra vita è sempre più spesso determinato da vari dispositivi, ci viene impedito di entrare nei loro meccanismi ermeticamente chiusi dal rischio di perdere il nostro diritto, metaforicamente parlando, riparazioni in garanzia.

Gli artisti Katrīna Neiburga e Andris Eglītis hanno costruito un monumento spaziale alla creatività quotidiana marginale. È stato ispirato da un campione di architettura vernacolare con carattere locale: le cooperative dell’era sovietica di garage privati ​​i cui proprietari li hanno adattati per l’uso ibrido come officine-dacia. Il microcosmo chiuso delle cooperative di garage, in cui l’ambiente socio-economico si è fuso con lo spazio personale, fornisce un passo indietro nel tempo. Gli uomini sono ancora ragazzi, ma il loro armeggiare è sia il commercio che l’hobby dei singoli imprenditori, poiché lo sfruttamento personale come attività del tempo libero è una capsula del tempo in cui il neoliberismo ha racchiuso il proletariato postindustriale.

Installazione art
Katrīna Neiburga e Andris Eglītis hanno costruito un monumento spaziale alla creatività quotidiana marginale con carattere locale. È stato ispirato da un campione piuttosto primitivo di architettura vernacolare: le cooperative dell’era sovietica di garage privati ​​i cui proprietari li hanno adattati per l’uso ibrido come officine-dacia. Nei paesi baltici che sono intrecciati tra Russia e Polonia, si parla molto delle industrie creative e di solito si fa riferimento al design scandinavo. Tuttavia, la maggior parte delle esportazioni è costituita da legname grezzo che provoca deforestazione di massa. Lavorare come boscaiolo è una delle poche opportunità disponibili in campagna per non unirsi ai disoccupati.

La vita in città, ovviamente, è più stravagante e un caso emblematico qui è rappresentato dagli abitanti dei garage «ottimizzati». Tendendo al loro hobby, a margine dell’economia sommersa, questi uomini hanno inavvertitamente formato un ramo di un movimento di maker caratterizzato dal brutale tecno-romanticismo. La storia degli uomini garage che abitano nella periferia dell’Europa è una pastorale dell’era digitale. La capacità di smontare e mettere insieme un motore di un’auto è pressoché identica a quella del 1845 per Henry David Thoreau di «prendere in prestito un’ascia, andare nella foresta e iniziare a cadere alcuni pini piuttosto giovani, alti e sottili» con l’obiettivo di costruire la baracca di un eremita per se stesso.

Grazie al suo diario, abbiamo conosciuto un boscaiolo di nome Alek Therien. Quest’uomo semplice e naturale per il quale “il vizio e la malattia non avevano quasi esistenza”, si nutriva di ceci dalla mano e agitava la sua ascia con l’elan di un artista. Per realizzare la loro idea, entrambi gli artisti si sono concentrati su stereotipi legati al genere che sono ancora vivi nella periferia dell’Europa orientale. L’installazione artistica è l’incarnazione di un normale mondo maschile – con enfasi su «normale». Quindi i frammenti architettonici qui sono realizzati con una sega circolare e un piede di porco, non evitando sforzi fisici personali, e l’atmosfera spaziale ricorda i giochi di guerra della fanciullezza giocati nelle case sugli alberi o nei labirinti delle legnaie del cortile.

Il microcosmo chiuso delle cooperative di garage, in cui l’ambiente socio-economico si è fuso con lo spazio personale, fornisce un passo indietro nel tempo. Gli uomini sono ancora ragazzi, ma il loro armeggiare è sia il commercio che l’hobby dei singoli imprenditori, poiché lo sfruttamento personale come attività del tempo libero è una capsula del tempo in cui il neoliberismo ha racchiuso il proletariato postindustriale.

Estratto
Estratti di alcuni audiovisivi nell’installazione:

“Ascella. Le immagini iniziali sono di un’ascella pelosa, forse sudata e malata. Il padiglione lettone è davvero un mondo maschile, che approfondisce la creatività quotidiana dello spazio e del tempo post-sovietici.”
/ Ieva Astahovska /

“Alcuni garage sono stati adattati per la vita. Altri servono come officine per hobby. In alcuni, le auto sono ancora custodite. È un comune maschile chiuso. Un convento per colletti blu in pensione dall’economia sovietica e ingegneri di fabbriche chiuse nel corso di riforme neoliberali. Con l’entusiasmo degli alchimisti continuano a occuparsi di inventare nuovi dispositivi meccanici o di ricondizionare i microcircuiti estratti da gadget di seconda mano “.
/ Kaspars Vanags /

“La storia degli uomini del garage che abitano alla periferia dell’Europa è una pastorale dell’era digitale. La capacità di smontare e mettere insieme un motore di un’auto è quasi la stessa di quando era nel 1845 per Henry David Thoreau” prendere in prestito un’ascia, andare nella foresta e iniziano a cadere alcuni pini piuttosto giovani, alti e sottili “con l’obiettivo di costruire una baracca da eremita per se stesso”.
/ Kaspars Vanags /

“[…] Ricordo la sensazione di far scorrere le dita sulle estremità di un fascio o di una pila di bastoncini di legno. La sensazione è molto forte e molto antica, certamente prelinguistica, estremamente intima e carica.”
/ David Levi Strauss, Dalla testa alla mano: l’arte e il manuale /

“L’emergere di garage sovietici faceva parte del processo di privatizzazione della vita privata nel paese. […] I garage erano solitamente situati relativamente lontano dalle case dei proprietari, quindi fin dall’inizio i garage richiedevano il ruolo di un” seconda casa””
/ Kirill Kobryn /

“I seminari allestiti nei garage cooperativi rappresentano un microcosmo chiuso in cui l’ambiente socio-economico si è mescolato con lo spazio personale. Le attività creative della particolare comunità sono sia il commercio che l’hobby dei singoli imprenditori. L’auto-sfruttamento come tempo libero l’attività è una capsula del tempo in cui il neoliberismo ha racchiuso il proletariato postindustriale “.
/ Kaspars Vanags /

“La filosofia della produzione diventa ateo, orfana e disumana. Nel tecnocosmo non viene dato nulla, tutto viene prodotto.”
/ Nick Land, Noumena Fanged /

“La tecnologia rivela la modalità di gestione dell’uomo
La natura, il processo di produzione attraverso il quale sostiene la sua vita “.
/ Karl Marx, un socialista /

“Come crea un uomo? Crea una realtà diversa, un altro mondo con le sue regole. Un uomo crea un’istruzione per una realtà diversa e, mentre la crea, è guidato da essa. Grattacieli, macchine da scrivere, convertibili, trombe, calcio, scacchi ecc. ”
/ Marts Pujāts, un poeta /

“Un uomo è semplicemente un sognatore. Deve immaginare, fantasticare e inventare.”
/ Marts Pujāts, un poeta /

“Quando questi uomini sono impegnati a fare le loro cose e guardi i loro volti, non è davvero chiaro se si stiano masturbando o archiviando qualcosa. I loro volti sono tesi, il loro respiro è irregolare, le goccioline di sudore si coprono la fronte, i loro movimenti sono ritmici e monotoni “.
/ Oksana, un insegnante di scuola superiore /

“Loro [garage sovietici] sono solo spazi vuoti che possono essere riempiti di nostalgia, paura, gioia, odio, disgusto; con tutto ciò che vuoi.”
/ Kirill Kobryn /

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour e soggiorni speciali nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.