Arte di appropriazione

L’appropriazione nell’arte è l’uso di oggetti o immagini preesistenti con poca o nessuna trasformazione applicata a loro. L’uso dell’appropriazione ha avuto un ruolo significativo nella storia delle arti (letterarie, visive, musicali e dello spettacolo). Nelle arti visive, appropriarsi di mezzi appropriati per adottare, prendere in prestito, riciclare o campionare adeguatamente gli aspetti (o l’intera forma) della cultura visiva creata dall’uomo. Notevoli sotto questo aspetto sono i Readymades di Marcel Duchamp.

Inerente alla nostra comprensione dell’appropriazione è il concetto che il nuovo lavoro ricontestualizza qualsiasi cosa si riprenda per creare il nuovo lavoro. Nella maggior parte dei casi, la “cosa” originale rimane accessibile come originale, senza modifiche.

Definizione
L’appropriazione è stata definita come “l’acquisizione, in un’opera d’arte, di un oggetto reale o addirittura un’opera d’arte esistente”. La Tate Gallery ripercorre la pratica al cubismo e al dadaismo, ma prosegue nel 1940 con il surrealismo e la pop art degli anni ’50. È tornato alla ribalta negli anni ’80 con gli artisti Neo-Geo.

caratteristiche
Opere per appropriazione L’arte di solito tratta le caratteristiche astratte delle opere d’arte e del mercato dell’arte stesso. Attraverso l’atto di appropriazione essi problematizzano categorie fondamentali del mondo dell’arte quali autorialità, originalità, creatività, proprietà intellettuale, firma, valore di mercato, spazio museale (il cosiddetto cubo bianco), storia, genere, soggetto, identità e differenza. Si concentra sui paradossi e sulle contraddizioni interne e le rende visibili ed esteticamente tangibili.

Le singole strategie dei singoli artisti differiscono notevolmente, così che un programma generale uniforme non è facile da identificare. Molti artisti assegnati ad Appropriation Art negano di far parte di un “movimento”. “Appropriation Art” è quindi solo un’etichetta che è stata utilizzata nella critica d’arte fin dai primi anni ’80 ed è piuttosto controversa.

Le tecniche utilizzate sono molteplici. L’appropriazione diventa u. un. operato con pittura, fotografia, cinema, scultura, collage, décollage, ambiente, avvenimenti, fluxus e performance.

Esempi
Nei primi anni ’70, Elaine Sturtevant ha copiato opere di Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns e Frank Stella, tra gli altri, con la serigrafia o il colore, cioè nelle tecniche originali. È stato riferito che alcuni degli artisti che ha copiato hanno dato i suoi consigli sulla tecnologia. Si dice che Andy Warhol gli abbia persino dato i suoi setacci originali. Lo stesso Sturtevant dice che vuole sfuggire alla compulsione all’originalità che pesa su ogni artista esplorando questa categoria con i mezzi dell’arte.

Richard Pettibone ha spesso copiato Warhol e gli è stato visto nel seguente rapporto: “Sono un artigiano attento, è un tipo sbruffone”. Le imitazioni di Pettibone sono state vendute all’asta di Sotheby’s.

Mike Bidlo ha fatto una performance dopo un aneddoto biografico, in cui ha urinato come Jackson Pollock travestito in un caminetto. Per le sue mostre, ha avuto opere d’arte di Andy Warhol o Constantin Brâncuşi in serie. Attualmente sta producendo migliaia di disegni e modelli della Fontana Ready-made di Marcel Duchamp. Il ready made di Duchamp è considerato una delle opere d’arte più importanti dei tempi moderni. Pertanto, il progetto di Bidlo può essere inteso sia come omaggio a Duchamp sia come elaborazione simbolica del conflitto generazionale.

Louise Lawler ha fotografato opere d’arte nei salotti dei collezionisti d’arte e nei musei in situ, vale a dire con i loro rispettivi dintorni. Mostra in quale contesto viene ricevuta l’arte e come viene messa in scena negli spazi.

Una serie di fotografie di Cindy Sherman sono i Ritratti di storia, su cui è in costume e messo in scena secondo Art Old Master. Entra temporaneamente nei ruoli storici di donne e uomini. Sherman utilizza spesso costumi deliberatamente sciatti e trucco grossolano, in modo che la scena rimanga riconoscibile nell’immagine. I Ritratti di storia possono essere intesi come un commento sulla storia dell’arte, in cui le donne servivano per lo più solo come modelli, cioè oggetti per la visione dei pittori maschi; Allo stesso tempo, sollevano anche domande sulla costruzione storica dell’identità, della femminilità e della mascolinità (vedi Gender, Autoritratto).

Sherrie Levine è diventata famosa per l’appropriazione delle fotografie di Walker Evans, che ha fotografato da libri illustrati ed esposta sotto il suo nome con il titolo After Walker Evans. Nel 2001, Michael Mandiberg ha applicato questa azione all’artista: ha fotografato le copie di Sherrie Levine e ha presentato le sue foto con il titolo Dopo Sherrie Levine. Mandiberg non è stato l’unico rappresentante della “seconda generazione” di appropriazionisti che si appropriano della prima generazione: Yasumasa Morimura si è messo in scena dopo le fotografie di Cindy Shermanon che si è ritratta in vari travestimenti e ruoli (still di film). Dato che Sherman spesso scivola nei ruoli maschili come donna nei suoi quadri, ma Morimura appare come un travestito, la confusione dell’identità di genere è persino aumentata.

Filosofia
Filosoficamente, le strategie concettuali di appropriazione si avvicinano alla decostruzione, alla teoria dei media e all’intertestualità. Tecniche artistiche come la citazione, l’allusione, la parodia, la parodia e il pastiche, che sono generalmente considerate caratteristiche dell’arte postmoderna, possono essere trovate in opere di Appropriation Art. Poiché molte strategie di appropriazione artistica sono orientate verso il sistema artistico stesso, si può anche parlare di meta-arte o del sistema autoriflessivo del sistema dell’arte (vedi Teoria dei sistemi). È uno dei movimenti artistici che esplora attivamente le condizioni e i limiti dell’arte e può costringere il sistema artistico a ridefinire se stesso.

Destra
Un’opera di Appropriation Art può anche essere protetta in termini di copyright, anche se assomiglia a un’opera già esistente di un altro artista in ogni dettaglio. Il successo creativo tutelabile consiste quindi nello sviluppo del concetto e nella strategia indipendente del copista. La frode o l’inganno non sono intesi dagli artisti. Proprio come il campionamento o la versione di copertina nella musica, tuttavia, l’Appropriation Art si sposta nelle aree in cui il copyright è al lavoro. Tuttavia, poiché si può sostenere che il processo di copiatura in questo caso è un processo artistico originale, raramente vi sono conflitti di natura legale. Inoltre, il valore del modello di ruolo nelle arti visive, a differenza dei prodotti mediali, di solito diventa legato alla sua esistenza materiale, che non è influenzata da un’appropriazione.

Secondo la legge austriaca, le creazioni artistiche di appropriazione sono generalmente da classificare come usi successivi gratuiti ai sensi dell’articolo 5 (2) dell’Atto sul copyright austriaco, o almeno una giustificazione della libertà dell’arte e dell’espressione è possibile.

Storia
Agli inizi del XX secolo Pablo Picasso e Georges Braque si sono appropriati degli oggetti da un contesto non artistico nel loro lavoro. Nel 1912, Picasso incolla un pezzo di tela oleata sulla tela. Successive composizioni, come Chitarra, Giornale, Vetro e Bottiglia (1913) in cui Picasso usava ritagli di giornale per creare forme, divennero categorizzati come cubismo sintetico. I due artisti hanno incorporato aspetti del “mondo reale” nelle loro tele, aprendo la discussione sulla significazione e sulla rappresentazione artistica.

Marcel Duchamp è accreditato introducendo il concetto di ready-made, in cui “oggetti utilitari prodotti industrialmente … raggiungono lo stato dell’arte semplicemente attraverso il processo di selezione e presentazione”. Duchamp esplorò questa nozione già nel 1913, quando montò uno sgabello con una ruota da bicicletta e ancora nel 1915 quando acquistò una pala da neve e lo incise umoristicamente “in anticipo sul braccio rotto, Marcel Duchamp”. Nel 1917, Duchamp presentò un readymade nella mostra Society of Independent Artists sotto lo pseudonimo di R. Mutt. Intitolata Fountain, consisteva in un orinatoio di porcellana appoggiato sopra un piedistallo e firmato “R. Mutt 1917”. Il lavoro ha posto una sfida diretta alle percezioni tradizionali dell’arte, proprietà, originalità e plagio, ed è stato successivamente respinto dal comitato della mostra. Duchamp difese pubblicamente Fountain, affermando “se Mr.Mutt con le sue mani ha fatto la fontana o no non ha importanza.” Lo scelse. Prese un normale articolo di vita, lo mise in modo che il suo utile significato scomparisse sotto il nuovo titolo e punto di vista e ha creato un nuovo pensiero per quell’oggetto. ”

Il movimento Dada (incluso Duchamp come socio) ha continuato con l’appropriazione di oggetti di uso quotidiano. Le opere di Dada erano caratterizzate dall’irrazionale deliberazione e dal rifiuto degli standard prevalenti dell’arte. Kurt Schwitters, che ha prodotto l’arte nello stesso periodo dei dadaisti, mostra un simile senso del bizzarro nelle sue opere “merz”. Li ha costruiti da oggetti trovati, e hanno preso la forma di grandi costruzioni che le generazioni successive avrebbero chiamato installazioni.

I surrealisti, dopo il movimento Dada, incorporarono anche l’uso di “oggetti trovati” come l’Oggetto di Méret Oppenheim (Luncheon in Fur) (1936). Questi oggetti hanno assunto un nuovo significato se combinati con altri oggetti improbabili e inquietanti.

Nel 1938 Joseph Cornell ha prodotto quella che potrebbe essere considerata la prima opera di appropriazione del film nel suo film a caso tagliato e ricostruito Rose Hobart.

Negli anni Cinquanta Robert Rauschenberg usò ciò che lui chiamava “combina”, combinando letteralmente oggetti già pronti come pneumatici o letti, pittura, schermi di seta, collage e fotografia. Allo stesso modo, Jasper Johns, lavorando nello stesso periodo di Rauschenberg, ha incorporato oggetti trovati nel suo lavoro.

Il movimento artistico Fluxus utilizzava anche l’appropriazione: i suoi membri mescolavano diverse discipline artistiche tra cui arti visive, musica e letteratura. Durante gli anni ’60 e ’70 hanno organizzato eventi “d’azione” e prodotto opere scultoree con materiali non convenzionali.

Insieme ad artisti come Claes Oldenburg e Andy Warhol si sono approprate immagini di arte commerciale e cultura popolare, nonché le tecniche di queste industrie. Spesso chiamati “artisti pop”, vedevano la cultura popolare di massa come la principale cultura vernacolare, condivisa da tutti indipendentemente dall’educazione. Questi artisti si sono pienamente impegnati con l’effimero prodotto da questa cultura prodotta in serie, abbracciando la spendibilità e prendendo le distanze dalle prove della mano di un artista.

Nel 1958 Bruce Conner ha prodotto l’influente film A in cui ha ricombinato i filmati esistenti. Nel 1958, Raphael Montanez Ortiz ha prodotto Cowboy and Indian Film, un’opera di film di appropriazione seminale.

Alla fine degli anni ’70 Dara Birnbaum lavorava con l’appropriazione per produrre opere d’arte femministe. Nel 1978-79 ha prodotto uno dei primi video stanziamenti. Tecnologia / Trasformazione: Wonder Woman ha utilizzato i videoclip della serie televisiva Wonder Woman.

Il termine appropriation art era di uso comune negli anni ’80 con artisti come Sherrie Levine, che si rivolgevano all’atto di appropriarsi come tema dell’arte. Levine cita spesso intere opere nel suo lavoro, ad esempio fotografando fotografie di Walker Evans. Idee stimolanti di originalità, attenzione ai rapporti tra potere, genere e creatività, consumismo e valore delle merci, fonti sociali e usi dell’arte, Levine gioca con il tema “quasi uguale”. Elaine Sturtevant (noto anche semplicemente come Sturtevant), d’altra parte, dipinse ed esibì perfette repliche di opere famose. Ha replicato Andy Warhol’s Flowers nel 1965 alla Bianchini Gallery di New York. Si è allenata a riprodurre la tecnica dell’artista – nella misura in cui, quando Warhol è stato più volte interrogato sulla sua tecnica, una volta ha risposto “Non lo so, chiedi a Elaine”.

Durante gli anni ’70 e ’80, Richard Prince ha ri-fotografato pubblicità come le sigarette Marlboro o gli scatti di fotogiornalismo. Il suo lavoro prende anonimi e onnipresenti cartelloni pubblicitari di cartelloni di sigarette, eleva lo status e focalizza lo sguardo sulle immagini.

Gli artisti di appropriazione commentano tutti gli aspetti della cultura e della società. Joseph Kosuth si appropriò delle immagini per impegnarsi con la filosofia e la teoria epistemologica. Altri artisti che lavoravano con appropriazione durante questo periodo includevano Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson e Malcolm Morley.

Negli anni ’90 gli artisti hanno continuato a produrre arte di appropriazione, utilizzandola come mezzo per affrontare teorie e questioni sociali, piuttosto che concentrarsi sulle opere stesse. Damian Loeb ha usato film e cinema per commentare temi del simulacro e della realtà. Altri artisti di alto profilo che lavoravano in questo periodo erano Christian Marclay, Deborah Kass, Damien Hirst [dubbioso – discutere] e Genco Gulan.

Nell’era digitale
Dagli anni ’90, lo sfruttamento dei precursori storici è tanto vario quanto il concetto di appropriazione non è chiaro. Una quantità finora ineguagliata di stanziamenti pervade non solo il campo delle arti visive, ma di tutte le aree culturali. La nuova generazione di appropriatori si considera “archeolog del tempo presente”. Alcuni parlano di “postproduzione”, che si basa su lavori preesistenti, per ri-modificare “la sceneggiatura della cultura”. L’annessione di opere realizzate da altri o di prodotti culturali disponibili segue per lo più il concetto di uso. I cosiddetti “prosumer” – quelli che consumano e producono allo stesso tempo – esplorano l’onnipresente archivio del mondo digitale (più raramente attraverso quello analogico), per campionare le immagini, le parole e i suoni sempre accessibili tramite “copia”. -paste ‘o’ drag-drop ‘a’ bootleg ‘,’ mashup ‘o’ remix ‘loro come piace a uno. Gli stanziamenti sono oggi diventati un fenomeno quotidiano.

Il nuovo “remix di generazione” – che ha preso le tappe non solo delle arti visive, ma anche della musica, della letteratura, della danza e delle cause cinematografiche, naturalmente dibattiti altamente controversi. Gli studiosi dei media Lawrence Lessig hanno coniato all’inizio del 2000 qui il termine della cultura del remix. Da un lato ci sono i celebratori che prevedono una nuova era di modi innovativi, utili e divertenti per l’arte del 21 ° secolo digitalizzato e globalizzato. I nuovi appropriazionisti non solo realizzeranno il detto di Joseph Beuys che tutti sono artisti ma anche “costruiscono società libere”. Liberando l’arte finalmente dai concetti tradizionali come l’aura, l’originalità e il genio, porteranno a nuovi termini di comprensione e di definizione dell’arte. Gli osservatori più critici vedono questo come il punto di partenza di un enorme problema. Se la creazione non si basa su processi spensierati di ricerca, copia, ricombinazione e manipolazione di media preesistenti, concetti, forme, nomi, ecc. Di qualsiasi fonte, la comprensione dell’arte si trasformerà nella loro vista in un banale, basso attività impegnativa e regressiva. In considerazione della limitazione dell’arte ai riferimenti a concetti e forme preesistenti, essi prevedono infiniti prodotti ricompilati e riutilizzati. Gli scettici chiamano questa una cultura del riciclaggio con una dipendenza dal passato

Alcuni dicono che solo le persone pigre che non hanno nulla da dire si lasciano ispirare dal passato in questo modo. Altri temono che questa nuova tendenza di appropriazione sia causata da nient’altro che dal desiderio di abbellirsi con un’affascinante genealogia. Il termine appropriazionismo riflette la sovrapproduzione di riproduzioni, remake, rievocazioni, ricreazioni, revisioni, ricostruzioni, ecc. Copiando, imitando, ripetendo, citando, plagiando, simulando e adattando nomi, concetti e forme preesistenti. L’appropriazionismo è discusso – in confronto con le forme di appropriazione e concetti del XX secolo che offrono nuove rappresentazioni di conoscenza consolidata – come una sorta di “arresto da corsa”, riferendosi all’accelerazione di operazioni casuali e incontrollabili in società occidentali mobilitate e fluide, che sono governato sempre più da forme astratte di controllo. L’accesso illimitato all’archivio digitale di creazioni e tecnologie digitali facilmente realizzabili, nonché la priorità di nuove idee e processi creativi su un capolavoro perfetto porta a un trambusto iperattivo nel passato invece di lanciare nuove spedizioni in territori inesplorati che potrebbero dare visibilità ai fantasmi dimenticati e fantasmi ignorati dei nostri comuni miti e ideologie.

Cinema di appropriazione
Nell’arte cinematografica viene talvolta usato il termine Appropriation Cinema (film di repertorio più diffuso). Queste sono opere cinematografiche che prendono il sopravvento e manipolano filmati esistenti. Il regista americano Gus Van Sant è diventato z. Ad esempio, con Psycho (1998) un remake del capolavoro di Alfred Hitchcock, Psycho (1960), che ricrea costantemente scene per scena dell’originale. L’equipaggiamento e la messa in scena sono stati leggermente modificati solo in alcune scene. Il film ha affrontato molti attacchi; Il pubblico del cinema non l’ha capito come un risultato indipendente e quindi superfluo. Poiché il remake dei film è un genere comune nell’industria cinematografica, qui la situazione è diversa rispetto all’arte – si può anche capire il film di van Sant come una parodia di remake o di pastiche.

A capo di Psycho c’era anche il videoartista britannico Douglas Gordon, che ha allungato il film in una proiezione video di 24 ore nella sua installazione 24 Hour Psycho. Gordon comprende il suo lavoro come un gioco tra l’aura artistica del capolavoro e gli interventi e le manipolazioni individuali che ogni proprietario di un videoregistratore può realizzare in un film, quando vuole immergersi meditativamente o analiticamente in singole sequenze di immagini.

Teatro di appropriazione
Nel 2010 è stato fondato il gruppo teatrale Shanzhai Institute. Basato sulla tradizione cinese di arte copia e appropriazione di Shanzhai, il gruppo copia e rievoca in dettaglio le produzioni teatrali storiche ed esistenti, con la sola riclassificazione di attori e attori. Nel 2016 è in programma presso lo Schauspiel di Lipsia la rievocazione del film “Il gabbiano” di Cechov, diretto da Jürgen Gosch nel 2008.

Artisti che usano l’appropriazione
I seguenti sono artisti noti per il loro uso di oggetti o immagini preesistenti con poca o nessuna trasformazione applicata a loro:

SOPRA
Ai Kijima
Aleksandra Mir
Andy Warhol
Banksy
Barbara Kruger
Benjamin Edwards
Bern Porter
Bill Jones
Brian Dettmer
Burhan Dogancay
Christian Marclay
Cindy Sherman
Claes Oldenburg
Cornelia Sollfrank
Cory Arcangel
Craig Baldwin
Damian Loeb
Damien Hirst
David Salle
Deborah Kass
Dominique Mulhem
Douglas Gordon
Elaine Sturtevant
Eric Doeringer
Fatimah Tuggar
Felipe Jesus Consalvos
Genco Gulan
Idea generale
George Pusenkoff
Georges Braque
Gerhard Richter
Ghada Amer
Glenn Brown
Gordon Bennett
Graham Rawle
Graig Kreindler
Greg Colson
Hans Haacke
Hans-Peter Feldman
J. Tobias Anderson
Jake e Dinos Chapman
James Cauty
Jasper Johns
Jeff Koons
Joan Miró
Jodi
John Baldessari
John McHale
John Stezaker
Joseph Cornell
Joseph Kosuth
Joy Garnett
Karen Kilimnik
Kelley Walker
Kenneth Goldsmith
Kurt Schwitters
Lennie Lee
Leon Golub
Louise Lawler
Luc Tuymans
Luke Sullivan
Malcolm Morley
Marcel Duchamp
Marcus Harvey
Mark Divo
Marlene Dumas
Martin Arnold
Matthieu Laurette
Max Ernst
Meret Oppenheim
Michael Landy
Mike Bidlo
Mike Kelley
Miltos Manetas
Nancy Spero
Negativland
Nikki S. Lee
Norm Magnusson
PJ Crook
Pablo Picasso
Gente come noi
Peter Saville
Philip Taaffe
Pierre Bismuth
Pierre Huyghe
Reginald Case
Richard Prince
Rick Prelinger
Rob Scholte
Robert Longo
Robert Rauschenberg
Shepard Fairey
Sherrie Levine
Elaine Sturtevant
Sistema D-128
Ted Noten
Thomas Ruff
Tom Phillips
Vermibus
Vik Muniz
Alexander Vikky
Vivienne Westwood
Yasumasa Morimura

Arte di appropriazione e copyright
L’arte di appropriazione ha portato a controversie sul copyright in merito alla sua validità in base alla legge sul copyright. Gli Stati Uniti sono stati particolarmente litigiosi in questo senso. Sono emersi numerosi esempi di giurisprudenza che indagano la divisione tra opere trasformative e opere derivate.

Andy Warhol ha affrontato una serie di cause legali da fotografi il cui lavoro si è appropriato e serigrafato. Patricia Caulfield, una di queste fotografe, aveva scattato una foto di fiori per una dimostrazione fotografica per una rivista di fotografia. Senza il suo permesso, Warhol coprì le pareti della galleria di New York di Leo Castelli con le sue riproduzioni serigrafate della fotografia di Caulfield nel 1964. Dopo aver visto un poster delle riproduzioni non autorizzate di Warhol in una libreria, Caulfield citò in giudizio Warhol per aver violato i suoi diritti di proprietario del copyright, e Warhol ha creato un accordo in contanti in via extragiudiziale.

D’altra parte, le famose Zuppe di Zuppa Campbell di Warhol sono generalmente considerate non violanti al marchio del produttore di zuppe, nonostante siano chiaramente appropriate, perché “è improbabile che il pubblico veda il dipinto come sponsorizzato dalla zuppa o che rappresenti un prodotto concorrente Dipinti e barattoli di zuppa non sono di per sé prodotti concorrenti “, secondo il giurista Jerome Gilson.

Jeff Koons ha anche affrontato problemi di copyright a causa del suo lavoro di appropriazione (vedi Rogers v. Koons). Il fotografo Art Rogers ha intentato una causa contro Koons per violazione del copyright nel 1989. Il lavoro di Koons, String of Puppies riproduce in modo scultoreo la fotografia in bianco e nero di Rogers apparsa su un biglietto di auguri dell’aeroporto che Koons aveva comprato. Sebbene abbia rivendicato il giusto uso e la parodia in sua difesa, Koons ha perso il caso, in parte a causa dell’enorme successo che ha avuto come artista e del modo in cui è stato ritratto nei media. Anche l’argomentazione della parodia fallì, poiché la corte d’appello tracciava una distinzione tra la creazione di una parodia della società moderna in generale e una parodia diretta a un’opera specifica, trovando la parodia di un’opera specifica, specialmente di un’oscura, troppo debole per giustificare la uso corretto dell’originale.

Nell’ottobre 2006, Koons ha difeso con successo un lavoro diverso rivendicando “fair use”. Per una commissione di sette dipinti per il Deutsche Guggenheim di Berlino, Koons ha disegnato parte di una fotografia scattata da Andrea Blanch intitolata Silk Sandals di Gucci e pubblicata nel numero di agosto 2000 della rivista Allure per illustrare un articolo sul trucco metallico. Koons ha preso l’immagine delle gambe e dei sandali diamante da quella foto (omettendo altri dettagli di sfondo) e l’ha usata nella sua pittura Niagara, che comprende anche altre tre paia di gambe femminili che pendono surreali su un paesaggio di torte e torte.

Nella sua decisione, il giudice Louis L. Stanton della Corte distrettuale degli Stati Uniti ha scoperto che Niagara era effettivamente un “uso trasformativo” della fotografia di Blanch. “L’uso del dipinto non” sostituisce “o duplica l’obiettivo dell’originale”, ha scritto il giudice, “ma lo utilizza come materia prima in un nuovo modo di creare nuove informazioni, nuove estetiche e nuove intuizioni. non artisticamente, è trasformativo. ”

Il dettaglio della fotografia di Blanch usata da Koons è solo marginalmente protetto da copyright. Blanch non ha diritti sui sandali Gucci, “forse l’elemento più sorprendente della fotografia”, ha scritto il giudice. E senza i sandali, rimane solo una rappresentazione delle gambe di una donna – e questo è stato visto come “non sufficientemente originale da meritare molta protezione del copyright”.

Nel 2000, la scultura Hymn di Damien Hirst (che Charles Saatchi aveva acquistato per un milione di sterline) fu esposta in Ant Noises nella Galleria Saatchi. Hirst è stato denunciato per violazione del copyright su questa scultura. L’argomento era un “Young Scientist Anatomy Set” appartenente a suo figlio Connor, di cui 10.000 sono venduti un anno da Hull (Emms) Toy Manufacturer. Hirst ha creato un ingrandimento di 20 piedi, di sei tonnellate, della figura del set di scienze, modificando radicalmente la percezione dell’oggetto. Hirst ha pagato una somma non rivelata a due associazioni di beneficenza, Children Nationwide e Toy Trust in un accordo extragiudiziale. La donazione di beneficenza era inferiore a quella che Emms aveva sperato. Hirst vendette altre tre copie della sua scultura per importi simili alla prima.

Appropriarsi di un oggetto familiare per realizzare un’opera d’arte può impedire all’artista di rivendicare la proprietà del copyright. Jeff Koons ha minacciato di citare in giudizio una galleria sotto copyright, sostenendo che la galleria ha violato i suoi diritti di proprietà vendendo reggilibri a forma di mongolfiera. Koons ha rinunciato a questa affermazione dopo che la galleria ha presentato una denuncia per rilievi dichiarativi affermando: “Come praticamente qualsiasi clown può attestare, nessuno possiede l’idea di creare un cane a palloncino, e la forma creata torcendo un palloncino in una forma simile a un cane è parte di pubblico dominio. ”

Nel 2008, il fotoreporter Patrick Cariou ha citato l’artista Richard Prince, la Gagosian Gallery e i libri di Rizzoli per violazione del copyright. Prince si era appropriato di 40 delle foto di Rariofari di Cariou da un libro, creando una serie di dipinti noti come Canal Zone. Il principe alterò in vario modo le foto, gli oggetti pittorici, le mani enormi, le donne nude ei torsi maschili sulle fotografie, vendendo successivamente oltre 10 milioni di dollari di opere. Nel marzo 2011, un giudice si è pronunciato a favore di Cariou, ma Prince e Gargosian si sono appellati su una serie di punti. Tre giudici per la Corte d’Appello degli Stati Uniti hanno confermato il diritto a un ricorso. L’avvocato di Prince ha sostenuto che “L’arte di appropriazione è una forma d’arte moderna e postmoderna riconosciuta che ha sfidato il modo in cui la gente pensa all’arte, sfidato nel modo in cui la gente pensa agli oggetti, alle immagini, ai suoni, alla cultura” Il 24 aprile 2013, la corte d’appello in gran parte ha rovesciato la decisione originale, decidendo che molti dei dipinti avevano sufficientemente trasformato le immagini originali e quindi erano un uso consentito. Vedi Cariou v. Prince.

Nel novembre 2010, Chuck Close ha minacciato un’azione legale contro l’artista informatico Scott Blake per aver creato un filtro Photoshop che costruiva immagini dai dipinti di Chuck Close sezionati. La storia è stata segnalata per la prima volta dalla rivista d’arte online Hyperallergic, è stata ristampata sulla prima pagina di Salon.com e si è diffusa rapidamente attraverso il web. Kembrew McLeod, autore di numerosi libri sul campionamento e l’appropriazione, ha dichiarato in Wired che l’arte di Scott Blake dovrebbe rientrare nella dottrina del fair use.

Nel settembre 2014, la Corte d’appello degli Stati Uniti per il settimo circuito ha contestato l’interpretazione del secondo circuito della dottrina del fair use nel caso Cariou. Di particolare nota, il Settimo Circuito ha osservato che “l’uso trasformativo” non è uno dei quattro fattori di fair use enumerati, ma è piuttosto semplicemente una parte del primo fattore di fair use che guarda allo “scopo e al carattere” dell’uso. La critica del Settimo Circuito dà credito all’argomento secondo il quale esiste una divisione tra i tribunali degli Stati Uniti riguardo al ruolo che la “trasformatività” deve svolgere in ogni indagine sull’uso corretto.

Nel 2013, Andrew Gilden e Timothy Greene hanno pubblicato un articolo sulla rivista The University of Chicago che analizza le somiglianze fattuali e le differenze legali tra il caso Cariou e il caso Salinger v. Colting, articolando le preoccupazioni che i giudici potrebbero creare un uso corretto ” privilegio in gran parte riservato ai ricchi e famosi “.