Anime è un termine giapponese per l’animazione a mano o al computer. La parola è la pronuncia abbreviata di “animazione” in giapponese, dove questo termine fa riferimento a tutte le animazioni. Al di fuori del Giappone, gli anime sono usati per riferirsi specificamente all’animazione dal Giappone o come uno stile di animazione disseminato in giapponese, spesso caratterizzato da grafica colorata, personaggi vivaci e temi fantastici. Probabilmente, l’approccio culturalmente astratto al significato della parola può aprire la possibilità di anime prodotti in paesi diversi dal Giappone. Per semplicità, molti occidentali considerano strettamente gli anime come prodotti di animazione giapponesi. Alcuni studiosi suggeriscono di definire gli anime come specificamente o per la maggior parte il giapponese può essere collegato a una nuova forma di orientalismo.

La prima animazione commerciale giapponese risale al 1917 e la produzione di anime giapponesi ha continuato ad aumentare costantemente. Il caratteristico stile anime art è emerso negli anni ’60 con le opere di Osamu Tezuka e si è diffuso a livello internazionale alla fine del XX secolo, sviluppando un vasto pubblico nazionale e internazionale. L’anime è distribuito in modo teatrale, attraverso le trasmissioni televisive, direttamente sui media domestici e su Internet. È classificato in numerosi generi destinati a diversi segmenti di pubblico vasto e di nicchia.

L’anime è una forma d’arte diversificata con metodi e tecniche di produzione distintivi che sono stati adattati nel tempo in risposta alle tecnologie emergenti. Consiste in un meccanismo ideale di racconto, che combina arte grafica, caratterizzazione, cinematografia e altre forme di tecniche immaginative e individualistiche. La produzione di anime si concentra meno sull’animazione del movimento e più sul realismo delle impostazioni, nonché sull’uso degli effetti della fotocamera, compresi panorami, zoom e inquadrature. Essendo disegnato a mano, gli anime sono separati dalla realtà da una lacuna cruciale di finzione che fornisce un percorso ideale per l’evasione che il pubblico può immergersi con relativa facilità. Vengono utilizzati diversi stili artistici e le proporzioni e le caratteristiche del personaggio possono essere piuttosto varie, inclusi gli occhi emotivamente grandi o di dimensioni realistiche.

Gli anime sono spesso classificati da target demografici, inclusi kodomo (bambini), shōjo (ragazze), shōnen (ragazzi) e una vasta gamma di generi destinati a un pubblico adulto. Gli anime Shoujo e Shounen a volte contengono elementi popolari con i bambini di entrambi i sessi nel tentativo di ottenere un appello incrociato. Gli anime per adulti possono presentare un ritmo più lento o una maggiore complessità della trama che il pubblico più giovane di solito non considera attraente.

La classificazione dei generi di anime è diversa da altri tipi di animazione e non si presta a una semplice identità. Gilles Poitras ha paragonato l’etichettatura Gundam 0080 e la sua complessa rappresentazione della guerra come un “robot gigante”, simile a semplicemente etichettare War and Peace come un “romanzo di guerra”. La fantascienza è un genere anime importante e include importanti opere storiche come l’Astro Boy di Tezuka e il Tetsujin 28-go di Yokoyama. Uno dei principali sottogeneri della fantascienza è il mecha, con le metaserie di Gundam che sono iconiche.

L’anime differisce molto dalle altre forme di animazione per i suoi diversi stili artistici, i metodi di animazione, la sua produzione e il suo processo. Visivamente, l’anime è una forma d’arte diversa che contiene una grande varietà di stili artistici, che differiscono da un creatore, artista e studio. Mentre nessuno stile artistico predomina l’anime nel suo insieme, condividono alcuni attributi simili in termini di tecnica di animazione e design dei personaggi.

Anime segue la produzione tipica dell’animazione, tra cui storyboard, doppiaggio, character design e produzione di cel (Shirobako, a sua volta una serie, mette in luce molti degli aspetti coinvolti nella produzione di anime). Dagli anni ’90, gli animatori hanno sempre più utilizzato l’animazione computerizzata per migliorare l’efficienza del processo di produzione. Artisti come Noburō Ōfuji hanno aperto la strada alle prime opere di anime, che erano sperimentali e consistevano in immagini disegnate su lavagne, animazione in stop motion di ritagli di carta e animazioni in silhouette. L’animazione di Cel è cresciuta in popolarità fino a dominare il mezzo. Nel 21 ° secolo, l’uso di altre tecniche di animazione è per lo più limitato ai cortometraggi indipendenti.

Prima dell’era digitale, gli anime venivano prodotti con i tradizionali metodi di animazione usando un approccio di posa in posa. La maggior parte degli anime tradizionali usa meno fotogrammi chiave espressivi e più animazioni intermedie.

Gli studi di animazione giapponesi sono stati pionieri di molte tecniche di animazione limitate e hanno dato agli anime una serie di convenzioni distinte. A differenza dell’animazione Disney, dove l’accento è posto sul movimento, gli anime enfatizzano la qualità artistica e lasciano limitate le tecniche di animazione per compensare la mancanza di tempo speso per il movimento. Tali tecniche sono spesso utilizzate non solo per rispettare le scadenze ma anche come dispositivi artistici. Le scene di anime mettono l’accento sul raggiungimento di viste tridimensionali, e gli sfondi sono strumentali nel creare l’atmosfera del lavoro. Gli sfondi non sono sempre inventati e sono occasionalmente basati su luoghi reali, come esemplificato in Howl’s Moving Castle e The Melancholy of Haruhi Suzumiya. Oppliger ha dichiarato che l’anime è uno dei rari medium in cui mettere insieme un cast di attori famosi di solito appare “tremendamente impressionante”.

Le proporzioni corporee dei personaggi degli anime umani tendono a riflettere accuratamente le proporzioni del corpo umano nella realtà. L’altezza della testa è considerata dall’artista come unità di base della proporzione. Le altezze della testa possono variare, ma la maggior parte dei personaggi anime ha un’altezza tra le sette e le otto. Gli artisti di anime occasionalmente apportano modifiche intenzionali alle proporzioni del corpo per produrre personaggi super deformati che presentano un corpo sproporzionatamente piccolo rispetto alla testa; molti personaggi super deformati sono alti da due a quattro teste. Alcuni anime, come Crayon Shin-chan, ignorano completamente queste proporzioni, tanto da somigliare ai cartoni occidentali.

Una convenzione di design di personaggi anime comune è la dimensione degli occhi esagerata. L’animazione di personaggi con grandi occhi negli anime può essere fatta risalire a Osamu Tezuka, che è stato profondamente influenzato da personaggi di animazione così primi come Betty Boop, che è stato disegnato con occhi sproporzionatamente grandi. Tezuka è una figura centrale nella storia degli anime e dei manga, il cui iconico stile artistico e il design dei personaggi hanno permesso di rappresentare l’intera gamma di emozioni umane solo attraverso gli occhi. L’artista aggiunge sfumature di colore variabile agli occhi e in particolare alla cornea per dare loro una maggiore profondità. Generalmente, viene utilizzata una miscela di una tonalità chiara, il colore del tono e una tonalità scura. L’antropologo culturale Matt Thorn sostiene che gli animatori e il pubblico giapponesi non percepiscono tali occhi stilizzati come intrinsecamente più o meno estranei. Tuttavia, non tutti gli anime hanno occhi grandi. Ad esempio, i lavori di Hayao Miyazaki sono noti per avere occhi realisticamente proporzionati, oltre a colori realistici per capelli sui loro personaggi.

I capelli negli anime sono spesso innaturalmente vivaci e colorati o dallo stile unico. Il movimento dei capelli negli anime è esagerato e “l’azione dei capelli” è usata per enfatizzare l’azione e le emozioni dei personaggi per un ulteriore effetto visivo. Poitras traccia il colore dell’acconciatura per illustrare le illustrazioni sui manga, in cui opere d’arte accattivanti e tonalità colorate sono attraenti per i manga per bambini. Nonostante sia prodotto per un mercato interno, l’anime presenta personaggi la cui razza o nazionalità non è sempre definita, e questa è spesso una decisione deliberata, come nella serie animata Pokémon.

Gli artisti di anime e manga attingono spesso da un comune canone di illustrazioni iconiche di espressioni facciali per denotare particolari stati d’animo e pensieri. Queste tecniche sono spesso diverse nella forma rispetto alle loro controparti nell’animazione occidentale, e includono un’iconografia fissa che viene utilizzata come abbreviazione di determinate emozioni e stati d’animo. Viene utilizzata una varietà di simboli visivi, tra cui gocce di sudore per rappresentare nervosismo, arrossimento visibile per imbarazzo o occhi luminosi per un bagliore intenso.

Uno dei punti chiave che ha reso gli anime diversi dalle popolari animazioni occidentali è il contenuto emotivo. Una volta che l’aspettativa che gli aspetti dell’intrigo visivo o dell’animazione siano solo per i bambini viene messa da parte, il pubblico può rendersi conto che molte emozioni come sofferenza, morte, dolore, lotta e gioia possono essere elementi di storytelling utilizzati negli anime tanto quanto altri tipi di media. Tuttavia, dato che lo stesso anime è diventato sempre più popolare, lo stile degli anime è stato inevitabilmente oggetto di satira e di serie produzioni creative.

Le sequenze di apertura e di crediti della maggior parte degli episodi televisivi di anime sono accompagnate da canzoni pop o rock giapponesi, spesso da band famose. Possono essere scritti pensando alla serie, ma sono anche rivolti al mercato musicale generale, e quindi spesso alludono solo vagamente o per nulla ai temi o alla trama della serie. Le canzoni pop e rock sono talvolta utilizzate come musica secondaria (“insert songs”) in un episodio, spesso per evidenziare scene particolarmente importanti.

L’anime è diventato commercialmente redditizio nei paesi occidentali, come dimostrato dai primi adattamenti occidentali di successo degli anime, come Astro Boy e Speed ​​Racer. I primi adattamenti americani negli anni ’60 fecero sì che il Giappone si espandesse nel mercato europeo continentale, prima con produzioni indirizzate a bambini europei e giapponesi, come Heidi, Vicky the Viking e Barbapapa, che andarono in onda in vari paesi. In particolare, l’Italia, la Spagna e la Francia hanno sviluppato un interesse per la produzione del Giappone, a causa del prezzo di vendita a buon mercato e della produzione produttiva. In effetti, l’Italia ha importato la maggior parte degli anime al di fuori del Giappone. Queste importazioni di massa hanno influenzato la popolarità degli anime nei mercati sudamericani, arabi e tedeschi.