La storica collezione d’arte americana del Virginia Museum of Fine Arts rappresenta tre secoli di scambio e sviluppo culturale. Con oltre 2.700 oggetti che vanno dalla fine del 17 ° alla metà del 20 ° secolo, le partecipazioni includono pittura, scultura, opere su carta e arti decorative, con particolari punti di forza nelle opere di donne e artisti del colore.

Ashcan e realismo urbano
Gli artisti di Ashcan hanno spesso raffigurato i siti prosaici della città americana dei primi del XX secolo. Con pennellate pittoriche e forme disegnate in modo abbozzato, artisti come John Sloan, George Bellows ed Everett Shinn hanno restituito il valore del volgare a soggetti non necessariamente considerati artistici, come strade sporche, spettacoli popolari e bambini in gioco. VMFA espone anche lavori di Samuel Woolf e altri pittori del periodo che hanno trovato la cultura all’ordine del giorno.

Il potere del ritratto
In ogni epoca e media, il ritratto è una potente espressione dell’identità umana. I ritratti rendono possibile la presentazione individuale mentre invitano l’interpretazione degli altri, da parte degli spettatori che li leggono con un occhio al proprio senso di sé e della società. Di conseguenza, il significato e la rilevanza di una singola “somiglianza” vengono costantemente aggiornati. Queste opere di John Singleton Copley, Gilbert Stuart, George Catlin, Cecilia Beaux, Beauford Delaney e John Singer Sargent rappresentano la gamma di ritratti nelle collezioni VMFA.

Età dorata
Mark Twain ha coniato il nome evocativo di questa era. Considerava la società americana un aspetto lussuoso, che smentiva le sue più grandi questioni sociali. Nei decenni successivi alla guerra civile, la grande crescita economica e le nuove reti di trasporto hanno spinto gli artisti a cercare istruzione all’estero, tra cui Charles Caryl Coleman, John White Alexander e Julius LeBlanc Stewart. Di conseguenza, i soggetti narrativi hanno lasciato il posto a elementi di design cosmopoliti e un’enfasi sull’estetismo.

Mette in risalto
La pittura di paesaggio figura in primo piano nelle collezioni americane di VMFA. Il ponte naturale n. 1 di Joshua Shaw mostra una figura che guarda dall’alto in basso della struttura. Con i loro vivaci passaggi pittorici, la sera di George Inness e gli Sketcher di John Singer Sargent anticipano la tendenza successiva verso l’astrazione. Altre opere evocano metafore sonore: dove il chitarrista di Charles White suggerisce i suoni dell’esecuzione, la House of Dusk di Edward Hopper evoca l’immobilità e la quiete del calar della notte.

Sera
George Inness, americano, 1825-1894
Figura di spicco della scuola del fiume Hudson, George Inness è noto soprattutto per i paesaggi sereni che risuonano con l’ideale dell’America come il Nuovo Eden. La sera cattura due uomini, uno che accatasta il legno e l’altro che guida il suo bestiame a casa, dopo una lunga giornata di lavoro. Le armoniose tonalità ramate del tramonto conferiscono alle attività una certa calma, ricordando gli effetti dei pittori francesi Barbizon. Il dipinto probabilmente invoca le credenze spirituali dell’artista. Nel 1863, nel pieno della guerra civile americana, Inness trasferì il suo studio da una fattoria del Massachusetts a una comunità religiosa utopica nel New Jersey. La convinzione svedeseborgiana del gruppo che la presenza divina risiedesse in tutte le cose materiali divenne un’ispirazione guida per il resto della sua carriera.

Prestazioni di giuramento e disegno
John Rogers, americano, 1829-1904
Rogers trovò successo tra i clienti della classe media per le sue statuette aneddotiche di gesso colato. I “gruppi Rogers” erano accessori popolari nei salotti tra il 1865 e il 1895. Le scene tridimensionali di genere, modellate per la prima volta in argilla, erano prodotte in serie e vendute in tutto il paese per corrispondenza. Questo gruppo, realizzato subito dopo la fine della guerra civile, è descritto nel catalogo di Rogers:

“Una signora del sud, con il suo bambino, costretta dalla fame, sta prestando giuramento di fedeltà da un ufficiale dell’Unione, al fine di trarre razioni.”

Rogers, un New Englander, offre un’immagine comprensiva del dilemma dei meridionali le cui fortune svanirono con la caduta della Confederazione. La scena era familiare a Richmonders che, sotto la giurisdizione delle truppe federali, divenne ammissibile per le razioni alimentari dopo aver giurato fedeltà alla Costituzione degli Stati Uniti e all’abolizione della schiavitù. Il gruppo comprende un ragazzo afroamericano liberato che trasporta un cestino vuoto per la sua ex padrona.

The Sketchers
John Singer Sargent, americano (nato in Italia), 1856-1925
Come sollievo dalla sua inarrestabile ondata di commissioni per ritratti della società, John Singer Sargent ha prodotto numerosi dipinti impressionisti di amici artisti e familiari durante i soggiorni estivi. The Sketchers segna il culmine di questi “diari dipinti”, che celebrano le sensuali soddisfazioni dell’arte e dell’amicizia. Raffigura gli artisti Wilfrid de Glehn e Mary Foote soddisfatti all’opera su tele in un rigoglioso uliveto italiano a San Vigilio, vicino al Lago di Garda. La composizione inventiva del dipinto, la tavolozza audace e la pennellata fluida rivelano la consapevolezza di Sargent delle tendenze moderniste che stavano scuotendo la scena artistica internazionale.

House at Dusk
Edward Hopper, americano, 1882-1967
Le suggestive immagini di Edward Hopper dell’America moderna hanno un fascino ossessionante, così saldamente che sono incastonate nell’immaginazione culturale. House at Dusk, intriso dei temi distintivi della temporalità e dell’ambiguità dell’artista, è uno degli oli più forti e lirici della sua carriera matura. La scena è ambientata all ‘”ora squisita” del crepuscolo, il momento più transitorio del giorno. Come in molti dei suoi lavori, Hopper introduce un elemento narrativo sospensivo con la figura di una donna proiettata dalla luce artificiale, apparentemente inconsapevole del sottile bagliore che si svolge dietro il suo condominio.

House at Dusk è stata acquistata da VMFA per $ 4.000 nel 1953. Acquisita sedici anni dopo che l’artista ha lavorato come giurato per la prima mostra biennale del museo, il dipinto è stato raccomandato da non meno un’autorità sulla pittura contemporanea di Alfred Barr, allora direttore di New Museo d’arte moderna di York.

Camera da letto Worsham-Rockefeller
George A. Schastey & Co., attivo 1873-1897 (Decorazione)
Pottier and Stymus Manufacturing Company, americana, New York, attiva ca. 1859-1910 (Decorazione)
George A. Schastey & Co., attivo 1873-1897 (Arredamento)
Sypher & Co., attivo 1869-1908 (arredamento)

La casa
Questa camera da letto si trovava originariamente in una brownstone italicata della metà del 1860 a 4 West Fifty-Fourth Street a New York City. Il palazzo fu acquistato nel 1877 dalla nativa di Richmond, Arabella Worsham, che, poco dopo, commissionò a un grande architetto di New York e una ditta di decorazione per ampliare la struttura e rimodellare i suoi interni. Un esempio consumato del movimento estetico anglo-americano, esprime ciò che un critico contemporaneo ha descritto come uno sforzo per “persuadere le persone a … perseguire i percorsi della vera arte e del gusto nell’arredamento della loro casa”.

Worsham rimase in casa fino al 1884 quando – dopo il matrimonio con Collis P. Huntington – lo vendette a John D. Rockefeller Sr. Dopo la morte di Rockefeller nel 1937, tre stanze furono donate dalla famiglia a due istituzioni di New York: la sala fumatori per il Museo di Brooklyn e la camera da letto e il camerino del Museo della Città di New York. Nel 2008 quel museo ha generosamente trasferito la camera da letto Worsham-Rockefeller a VMFA. La sala è l’unico interno del museo.

L’interno
Due immagini d’archivio recentemente scoperte documentano la camera da letto intorno al 1884 – l’anno in cui Arabella Worsham vendette la dimora a John D. Rockefeller. Le fotografie registrano la lavorazione del legno originale, le superfici in tela dipinta e i mobili ebanizzati attualmente in mostra. Ma rivelano anche un rivestimento e un tappeto diversi. Questi furono prodotti nel 1937 quando la stanza fu donata dalla famiglia Rockefeller al Museum of the City di New York. A quel tempo, fu assunto un consulente per facilitare il trasferimento dalla casa della Cinquantaquattresima strada. Il suo ruolo ben documentato comprendeva la selezione di nuovi tessuti per tappezzeria e tendaggi (si noti il ​​copriletto originale che appare nella fotografia del 1884) e il design di un nuovo rivestimento per pavimenti.

Arabella Worsham Huntington
Catharine “Belle” Duvall Yarrington è nata a Richmond, in Virginia, il 1 ° giugno 1850. Dopo la morte di suo padre nel 1859, la famiglia viveva in una pensione gestita da sua madre. Quando Richmond cadde nelle truppe dell’Unione nell’aprile 1865, gli Yarrington (insieme a molti residenti) lasciarono la città, trasferendosi a New York prima del 1870.

Oltre alla sua importanza come interno d’epoca, la camera da letto Worsham-Rockefeller rivela il ruolo della decorazione d’interni nella coltivazione dell’identità individuale. La sala documenta la trasformazione di Arabella Worsham da circostanze modeste a immensa ricchezza nel fluido ambiente sociale ed economico dell’America postbellica.

La Commissione
Questa camera da letto presenta una straordinaria suite di mobili ebanizzati e intarsiati che, secondo una fonte, è stata ispirata da un letto appartenente alla principessa Mathilde Bonaparte Demidoff, nipote di Napoleone. Tuttavia, l’effetto complessivo della stanza dipende dalla miriade di dettagli storici e stranieri in tessuto, ceramica, metallo e vetro che supportano la sua visione estetica altamente orchestrata.

Tali schemi rispecchiavano i talenti di una nuova classe di decoratori professionisti, che, insieme all’azienda manifatturiera su larga scala, emersero nella seconda metà del XIX secolo. Per importanti commissioni, gli architetti sono stati assunti per supervisionare gli appaltatori e mediare i negoziati tra specialisti e patrocinatori. Arabella Worsham e Collis P. Huntington (che hanno sottoscritto il progetto di rimodellamento) hanno supportato numerose aziende negli anni 1870 e 1880 – tra cui George A. Schastey, Herter Brothers, Pottier e Stymus e Sypher and Company – ognuna delle quali potrebbe aver collaborato questa stanza. Le attribuzioni sono ulteriormente complicate dalle prove documentali di fotografie d’epoca (viste qui), che rivelano successive modifiche agli interni originali del 1881-82.

Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Stati Uniti
Il Virginia Museum of Fine Arts, o VMFA, è un museo d’arte a Richmond, in Virginia, negli Stati Uniti, aperto nel 1936.

Il museo è di proprietà e gestito dal Commonwealth della Virginia, mentre donazioni, dotazioni e fondi privati ​​vengono utilizzati per il supporto di programmi specifici e tutte le acquisizioni di opere d’arte, nonché per un ulteriore supporto generale. L’ammissione è gratuita (ad eccezione di mostre speciali). È uno dei primi musei nel sud americano ad essere gestito da fondi statali. È anche uno dei più grandi musei d’arte del Nord America. VMFA si classifica come uno dei primi dieci musei d’arte completi negli Stati Uniti.

Il Virginia Museum of Fine Arts, insieme all’adiacente Virginia Historical Society, ancorano l’omonimo “Museum District” di Richmond (in alternativa noto come “West of the Boulevard”).