Prospettiva aerea nell’arte

La prospettiva aerea e la prospettiva atmosferica sono il metodo con cui si verifica il senso di profondità in un dipinto, per imitare gli effetti dello spazio che fa sembrare gli oggetti più pallidi, blu e sfocati o meno distinguibili a metà e lontano.

La prospettiva aerea, la prospettiva atmosferica o la vista dell’apparenza è una tecnica pittorica che consiste nel marcare la profondità dello spazio mediante la gradazione progressiva dei colori e i contorni graduali di ammorbidimento. Si applica quasi esclusivamente al paesaggio.

Alcune correnti artistiche hanno stimato che la prospettiva aerea è ridotta esclusivamente o principalmente alla prospettiva cromatica, che è la predominanza dei colori che si avvicinano al blu in lontananza.

Leonardo Da Vinci
Il termine fu coniato da Leonardo da Vinci, ma la tecnica potrebbe essere già stata utilizzata negli antichi affreschi greco-romani di Pompei. Si è scoperto che la polvere e l’umidità nell’ambiente hanno causato la dispersione della luminosità; la luce a lunghezza d’onda corta (blu) è più diffusa e la luce a lunghezza d’onda lunga (roa) è meno diffusa.

I pittori italiani dei tempi di Leonardo usarono la procedura; sfruttato nel XV secolo da artisti del nord Europa e poi da Joseph Mallord William Turner.
Nell’arte, in particolare nella pittura, la prospettiva aerea si riferisce alla tecnica di creare un’illusione di profondità descrivendo oggetti distanti come più chiari, meno dettagliati e di solito più blu degli oggetti vicini.

Sin dal Rinascimento, gli artisti hanno utilizzato la prospettiva aerea e colorata oltre alla prospettiva centrale per rappresentare lo spazio di profondità. Vogliono riflettere credibilmente la realtà visibile. Leonardo da Vinci riconosce che il blueness e il pallore distanti provengono dal mezzo dell’aria. È probabilmente il primo a descrivere questo fenomeno come una prospettiva aerea.

La prospettiva aerea, i cui studi sono stati avviati principalmente da Leonardo da Vinci, si basa sulla scoperta che l’aria non è un mezzo completamente trasparente, ma con l’aumentare della distanza dal punto di osservazione, i contorni diventano più sfumati, incolori e meno chiari e il loro gamma tendente al blu. Di conseguenza Leonardo nella sua pittura rende gli oggetti con colori sempre più sfumati in base alla loro distanza, rendendo più nitidi quelli in primo piano. In effetti, Leonardo tende a distinguere ulteriormente una “prospettiva aerea” propria, in cui il gradiente viene applicato in base alla distanza degli oggetti rappresentati, da una “prospettiva di colore” che teorizza invece il cambiamento di colore delle cose a causa della loro distanza.

Inoltre, secondo gli studi ottici di Leonardo, l’aria è più densa («un’aria più spessa delle altre») più si avvicina al suolo, mentre diventa più trasparente con l’altezza. Quindi soprattutto gli elementi del paesaggio che si sviluppano in altezza, come le montagne, appaiono più nitidi nelle parti più alte.

“Perciò tu, pittore, quando crei le montagne, rendi sempre più chiare le basenze da una collina all’altra rispetto alle altezze, e ciò che vuoi fare più lontano l’una dall’altra, rendi la baseness più leggera; e più si alza, più mostrerà la verità della forma e del colore “(manoscritto A, risalente al 1492 circa, foglio 98 recto).

Tra le opere spesso presentate come esempi di applicazione della prospettiva aerea ci sono tre immagini della maturità di Leonardo: la Gioconda, L’Annunciazione, la Vergine con Sant’Anna e il Bambino e la Vergine delle Rocce (Parigi). Questa tecnica fu utilizzata anche da Piero della Francesca nel paesaggio del Doppio ritratto dei Duchi di Urbino.

«Dell’aria che mostra le radici delle montagne più chiaramente delle loro cime.

Le cime delle montagne si riveleranno sempre più scure delle loro basi. Ciò accade perché queste cime montuose penetrano nell’aria più sottile che non rende le loro basi, secondo il secondo del primo che dice, che quella regione dell’aria sarà tanto più trasparente e sottile, poiché è più lontana dall’acqua e dalla terra; così seguite, queste cime montuose che raggiungono l’aria sottile al suo interno dimostrano più della loro oscurità naturale di quelle che penetrano nell’aria bassa, che, come dimostrato, è molto più grande.

Perché più gli alberi distano da lontano, più si accendono.

Da lontano gli alberi, più sono lontani dall’occhio, più sono chiari, poiché l’ultimo è la chiarezza dell’aria all’orizzonte. Ciò deriva dall’aria interposta tra loro alberi e l’occhio, che essendo di qualità bianca, per quanto interviene, di bianchezza molto più grande occupa loro alberi, che per partecipare a loro stessi di colore scuro, il candore di quest’aria interposta rende il parti scure più blu delle loro parti illuminate. ”

Pittura prospettica aerea
Gli acquerelli del secondo viaggio di Albrecht Dürer in Italia sono la prova della fiducia dell’artista nell’impressione visiva. Dipinge montagne lontane in azzurro, anche se in verità (cioè nelle vicinanze) hanno i colori della foresta, pietra o neve.

I pittori barocchi olandesi in particolare classificano costantemente i loro paesaggi da caldi a freddi. Usano marrone caldo, rosso e giallo in primo piano, un freddo blu acciaio sullo sfondo e sfumature verdi nel mezzo tra i due.

I pittori romantici mettono il sentimento e l’esperienza della natura interiorizzata contro la sobrietà e il rigore del classicismo. Si rivolgono sempre più alla pittura di paesaggio. La prospettiva aerea gioca un ruolo importante nel rappresentare la sensazione di solitudine e il desiderio di distanza.

Dal Rinascimento in poi, l’antenna, il colore e la prospettiva centrale rimasero incontestati fino all’impressionismo. Da allora, gli artisti hanno anche usato prospettive multi-prospettiva e prospettiva.

Prospettiva aerea
Insegnante di pittura paesaggistica alla fine del xviii secolo, PH Valenciennes giù rendering di spazio o prospettiva, prospettiva lineare, che determina linee e prospettiva aerea, che determina il colore. Segue un’usanza consolidata da quando Girard Desargues, che aveva così diviso il suo trattato del 1648. Nel 1732, il Dizionario di Thomas Corneille riassume: “Oltre alla prospettiva lineare o lineare che insegna, come abbiamo detto, linee inferiori, Pittori osservare la prospettiva aerea, che consiste nella riduzione di tonalità e colori, secondo la distanza più o meno dagli oggetti “.

La prospettiva dell’apparenza è stata riscoperta in tempi diversi, gli affreschi di Pompei mostrano che erano usati nell’antichità.

Nel diciannovesimo secolo, gli artisti della Barbizon School e le seguenti correnti interessate al paesaggio e agli effetti di luce praticano diligentemente la prospettiva aerea. Allo stesso tempo, l’effetto della distanza su forme e colori è stato oggetto di indagine scientifica. Nel 1791, Watelet considerò che la prospettiva aerea “non è soggetta a principi rigorosamente dimostrati” e che “è soprattutto per osservazione che l’artista imparerà le leggi della prospettiva aerea”. Il primato dell’osservazione umana rimane una base dell’arte, del secolo, von Brücke e Helmholtz affrontano l’argomento da un punto di vista scientifico nei Principi scientifici delle belle arti. Diversi altri scienziati come Rayleigh forniranno studi scientifici sulla dispersione della luce nell’atmosfera, responsabile del colore del cielo.

Un artista può applicare sia la prospettiva lineare che aerea alla stessa pittura, oltre a usare solo l’una o l’altra. I pittori francesi del xviii secolo, come i pittori cinesi classici, erano molto attenti alla prospettiva aerea.

Prospettiva cromatica
Per alcuni insegnamenti artistici, la distanza è contrassegnata da colori bluastri. In molti dipinti come La Vergine delle rocce o la Gioconda, Leonardo da Vinci dipinge il blu più distante degli scatti più vicini.

Goethe afferma: “È certo che la prospettiva atmosferica dipende dalla dottrina degli ambienti problematici. Il cielo e gli oggetti distanti, le ombre vicine ci sembrano blu; gli oggetti lucenti e splendenti ci offrono sfumature che possono variare dal giallo al rosso porpora; in molti casi, i colori sono tali per i nostri occhi, che un paesaggio incolore, grazie alle condizioni ben osservate del chiaro e dell’oscuro, ci può apparire fortemente colorati “. Questo è ciò che Valenciennes contesta:” Non c’è gli oggetti della natura, di colore fugace, né che avanzano più di un altro, se non è quello che prende maggiormente parte al colore aereo (…) Un oggetto il cui colore è rosso, posto a una distanza molto grande dal nostro occhio, rimane a questa distanza, nonostante il suo colore deciso e deciso: in verità, questo colore è estremamente indebolito dall’interposizione dei vapori terrestri che si trovano tra questo oggetto e il nostro occhio e che stabiliscono una differenza molto grande da questo colore allo stesso che verrebbe collocato sulla parte frontale del quadro. È facendo più o meno sentire questo vapore che avanziamo o ritrattiamo l’oggetto ”.

Resta il fatto che la psicologia sperimentale riconosce i colori prominenti e fugaci. Se un disco colorato viene posizionato su uno sfondo grigio, il soggetto lo identifica come un punto sullo sfondo, se è rosso o rosa, ma come un buco verso un altro sfondo, se è blu. C’è una certa abilità per l’artista di usare questo effetto, dipingendo di blu le cavità e quelle lontane. L’arte moderna, dopo Cézanne, renderà questa proprietà una base per la composizione, passando dalla modellazione alla modulazione.

allegati
La prospettiva aerea e la prospettiva atmosferica sono intercambiabili, la prima è più frequente nella fonte del 17 ° secolo, mentre alcuni autori come il dotto Hermann von Helmholtz preferiscono il secondo attestato solo del 19 ° secolo. L’espressione leggermente più pesante ha il vantaggio di evitare qualsiasi ambiguità. Alla fine del XVIII secolo, i processi della prospettiva lineare vengono insegnati per dipingere quadri verticali. I principi sono gli stessi, ma i metodi differiscono per i soffitti dipinti. Questi ultimi rappresentano spesso creature celesti, spirituali o divine. La prospettiva aerea non ha nulla a che fare con questi esseri aerei.

La prospettiva cromatica è la parte del soggetto che riguarda l’indebolimento dei colori e il blu dominante degli sfondi, escludendo la diminuzione del contrasto e la confusione dei contorni: “La prospettiva aerea è composta dalla prospettiva di chiaro-scuro, e prospettiva o colori cromatici “.