L’arte aggiunta o Combines Art viene utilizzata come opera d’arte già esistente come tela per una seconda creazione, così come i graffiti tradizionali utilizzano il muro di un edificio per la tela. È essenzialmente il graffito dell’opera d’arte. L’arte aggiunta è una fusione di arte alta e bassa, usando i concetti di graffiti, in un ambiente artistico elevato. L’aggiunta al lavoro di qualcun altro è stata una presenza molto comune nei graffiti per decenni. Nell’ambiente urbano, è tipicamente considerato aggressivo o antagonista in natura, ma anche forma di competizione. Tuttavia, è ancora considerato un tabù nelle arti superiori più affermate, anche se è stato praticato per oltre cinquant’anni da sostenitori come Rauschenberg nel suo Disegno di Erased de Kooning.
Rauschenberg è ben noto per le sue “Combine” degli anni ’50, in cui materiali e oggetti non tradizionali venivano impiegati in combinazioni innovative. Rauschenberg era sia un pittore che uno scultore e le Combines sono una combinazione di entrambi.
L’approccio di Rauschenberg veniva talvolta chiamato “Neo dadaista”, voleva lavorare “nel divario tra arte e vita” suggerendo che metteva in discussione la distinzione tra oggetti d’arte e oggetti di uso quotidiano, dipinti di numeri, bandiere e simili, stavano riprendendo il messaggio di Duchamp del ruolo dell’osservatore nel creare il significato dell’arte.
Rauschenberg raccolse la spazzatura e trovò oggetti che lo interessavano per le strade di New York e li riportò nel suo studio dove potevano integrarsi nel suo lavoro. Sosteneva di “volere qualcosa di diverso da quello che potevo fare io stesso e volevo usare la sorpresa e la collettività e la generosità di trovare sorprese.” E se non fosse stata una sorpresa all’inizio, quando l’ho superato, è stato così l’oggetto stesso è stato cambiato dal suo contesto e quindi è diventato una cosa nuova “.
Il commento di Rauschenberg sul divario tra arte e vita può essere visto come una dichiarazione che fornisce il punto di partenza per la comprensione dei suoi contributi come artista. In particolare, la sua serie di opere che egli chiamava Combines fungevano da esempi in cui i confini delineati tra arte e scultura erano suddivisi in modo tale che entrambi fossero presenti in una singola opera d’arte. Tecnicamente “Combines” si riferisce alle opere di Rauschenberg dal 1954 al 1962, ma l’artista aveva cominciato a collezionare carta da giornale e materiali fotografici nelle sue opere e l’impulso di combinare sia materiali pittorici che oggetti quotidiani come abiti, detriti urbani e animali imbalsamati come in Il monogramma è continuato per tutta la sua vita artistica.
I suoi pezzi di transizione che hanno portato alla creazione di Combines sono stati Charlene (1954) e Collection (1954) in cui ha unito la tecnica del collage e ha iniziato a incorporare oggetti come sciarpe, strisce di fumetti e finte cornici architettoniche. Considerato uno dei primi della Combines, Bed (1955) è stato creato gocciolando vernice rossa su una trapunta. La trapunta fu poi allungata e mostrata come un’opera d’arte. Alcuni critici secondo The Daily Telegraph consideravano il lavoro come un simbolo di violenza e stupro.
I critici hanno inizialmente visto le Combines in termini di aspetti formali di arte, forma, colore, consistenza, composizione e disposizione di questi. Questa visione degli anni ’60 è cambiata nel tempo, tanto che più recentemente i critici e gli storici dell’arte vedono le Combine come portatrici di messaggi in codice difficili da decifrare perché non c’è un ordine apparente alla presentazione degli oggetti. Canyon (1959) presenta un’aquila calva imbottita che ha attirato l’ira del governo a causa del Calvo e del Golden Eagle Protection Act del 1940, ma la capra d’angora imbottita con vernice applicata al muso nel suo Monogram (1955-1959) era senza polemiche.
Rauschenberg ha fatto un passo in quella che potrebbe essere considerata la direzione opposta sostenendo il ruolo del creatore nel creare il significato dell’arte. I dipinti di Rauschenberg cominciavano a incorporare non solo gli oggetti trovati ma anche le immagini trovate – le fotografie trasferite sulla tela con il processo serigrafico. Utilizzato in precedenza solo in applicazioni commerciali, il serigrafia ha consentito a Rauschenberg di affrontare la riproducibilità multipla delle immagini e il conseguente appiattimento dell’esperienza che implica. A questo proposito, il suo lavoro è contemporaneo a quello di Andy Warhol, e sia Rauschenberg che Johns sono spesso citati come importanti precursori della Pop Art americana.
Nei primi anni ’80, le prime gallerie d’arte a mostrare al pubblico artisti di graffiti erano Fashion Moda nel Bronx e Now Gallery nell’East Village, a Manhattan. “Graffiti è rivoluzionario, secondo me”, dice, “e qualsiasi rivoluzione potrebbe essere considerato un crimine: le persone oppresse o represse hanno bisogno di uno sbocco, quindi scrivono sui muri – è gratis “.
In esempi più recenti, Banksy ha realizzato diversi pezzi d’arte aggiunti alla pittura “spot” di Damien Hirst, e Mat Benote ha usato come un dipinto un’opera senza titolo di Robert Morris al MoMA di New York. Un esempio molto interessante è stato fatto dai Chapman Brothers, che hanno dipinto gli schizzi originariamente creati da Adolf Hitler.