Pittura d’azione

La pittura d’azione, a volte chiamata “astrazione gestuale”, è uno stile di pittura in cui la pittura viene spontaneamente gocciolata, schizzata o imbrattata sulla tela, anziché essere applicata con attenzione. Il lavoro risultante spesso sottolinea l’atto fisico di dipingersi come un aspetto essenziale del lavoro finito o preoccupazione del suo artista.

È essenziale comprendere questo movimento, capire anche in quale contesto storico è stato raggiunto. Un prodotto dell’insurrezione artistica del dopoguerra, si sviluppò in un’epoca in cui la meccanica quantistica e la psicoanalisi stavano iniziando a prosperare e mutare l’intera comprensione del mondo e l’autocoscienza della civiltà occidentale.

L’arte precedente di Kandinsky e Mondrian aveva cercato di allontanarsi dal ritrarre oggetti e invece ha cercato di pizzicare e stuzzicare le emozioni dello spettatore. L’Action Art si appropriò di questo tentativo e lo sviluppò, usando le idee di Freud sul subconscio come fondamento principale. I dipinti di Action Artists non hanno voluto ritrarre alcun oggetto e non sono stati creati per stimolare le emozioni. Invece sono stati creati per toccare gli osservatori nel profondo del loro subconscio. Questo è stato creato dall’artista dipingendo “inconsciamente”

sfondo
Lo stile era molto diffuso dagli anni ’40 fino all’inizio degli anni ’60 ed è strettamente associato all’espressionismo astratto (alcuni critici hanno usato i termini “action painting” e “espressionismo astratto” in modo intercambiabile). Spesso si fa un confronto tra la pittura d’azione americana e il tachisme francese.

Il termine fu coniato dal critico americano Harold Rosenberg nel 1952, nel suo saggio “The American Action Painters”, e segnò un importante cambiamento nella prospettiva estetica dei pittori e dei critici della Scuola di New York. Secondo Rosenberg la tela era “un’arena in cui agire”. Mentre espressionisti astratti come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning erano stati a lungo espliciti nella loro visione di un dipinto come un’arena entro cui fare i conti con l’atto della creazione, i primi critici simpatizzarono la loro causa, come Clement Greenberg, incentrato sulla “oggettività” delle loro opere. Per Greenberg, era la fisicità delle superfici coagulate e incrostate di olio delle pitture che era la chiave per comprenderle. “Alcune delle etichette che si sono affezionate all’espressionismo astratto, come” informel “e” Action Painting “, lo hanno implicitamente implicito, una è stata data per capire che ciò che era coinvolto era un tipo assolutamente nuovo di arte che non era più un’arte in nessuna senso, questo era, ovviamente, assurdo. ” – Clement Greenberg, “Post Painterly Abstraction”.

La critica di Rosenberg spostò l’enfasi dall’oggetto alla lotta stessa, con il dipinto finito che era solo la manifestazione fisica, una sorta di residuo, della vera opera d’arte, che era nell’atto o nel processo della creazione del dipinto. La ricerca più recente tende a mettere l’esilia-surrealista Wolfgang Paalen nella posizione dell’artista e teorico che ha usato il termine “azione” in un primo momento in questo senso e ha favorito la teoria della lotta soggettiva con esso. Nella sua teoria dello spazio di possibilità dipendente dallo spettatore, in cui l’artista “agisce” come in un rituale estatico, Paalen considera le idee della meccanica quantistica, nonché le interpretazioni idiosincratiche della visione totemica e della struttura spaziale della pittura indio-nativa da British Columbia. Il suo lungo saggio Totem Art (1943) ebbe una notevole influenza su artisti come Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman; Paalen descrive una visione altamente artistica dell’arte totemica come parte di una “azione” rituale con legami psichici con la memoria genetica e l’adorazione di antenati matrilineari.

Nei due decenni successivi, la ridefinizione dell’arte di Rosenberg come atto piuttosto che come oggetto, come processo piuttosto che come prodotto, fu determinante e pose le basi per una serie di importanti movimenti artistici, da Happenings e Fluxus a Conceptual, Performance art. , Installazione artistica e arte terrestre.

Contesto storico
È essenziale per la comprensione dell’action painting collocarlo nel contesto storico. [Citazione necessaria] Un prodotto della rinascita artistica dell’arte post-Seconda Guerra Mondiale dell’espressionismo in America e più specificamente New York, la pittura d’azione sviluppata in un’era in cui il la meccanica e la psicoanalisi stavano iniziando a prosperare e stavano cambiando la percezione della gente del mondo fisico e psicologico; e la comprensione della civiltà del mondo attraverso un’accresciuta autocoscienza e consapevolezza.

L’arte precedente di Kandinsky e Mondrian si era liberata dalla rappresentazione di oggetti e invece ha cercato di evocare, indirizzare e delineare, attraverso il senso estetico, emozioni e sentimenti all’interno dello spettatore. La pittura d’azione ha fatto un ulteriore passo in avanti, usando sia le idee di Jung che quelle di Freud del subconscio come fondamenta sottostanti. I dipinti dei pittori dell’Azione non erano pensati per ritrarre oggetti di per sé o anche emozioni specifiche. Invece erano destinati a toccare l’osservatore in profondità nella mente subconscia, evocando un senso del primordiale e toccando il senso collettivo di un linguaggio visivo archetipico. Ciò è stato fatto dall’artista che dipinge “inconsciamente” e spontaneamente, creando una potente arena di emozioni e azioni crude, nel momento. La pittura d’azione è stata chiaramente influenzata dall’enfasi surreale sull’automatismo che (anche) influenzata dalla psicoanalisi ha rivendicato un accesso più diretto alla mente subconscia. Importanti esponenti di questo concetto di arte sono stati i pittori Joan Miró e André Masson. Tuttavia i pittori dell’azione hanno preso tutto ciò che i surrealisti avevano compiuto un ulteriore passo in avanti.

Esponenti di spicco
Il pittore Jackson Pollock dipinge versando colori e vernici su supporti di grandi dimensioni (gocce), creando trame di diversi colori. Ha abolito la foto con il cavalletto, perché ha detto che allargando la tela a terra era più facile per lui girarsi e sentirsi parte integrante del dipinto. Altri pittori americani preferivano chiamare la loro arte Espressionismo astratto. Tra questi artisti ci sono Willem de Kooning, principalmente un figurativo, Franz Kline e Mark Rothko. Un altro grande pittore della Action Painting è William Congdon, che è stato in grado di cogliere tutta la potenza di Action Painting, ma presto ha maturato uno stile tutto suo.

L’atto inconscio
Questa attività spontanea era l’azione del pittore, chiamato gocciolare. Il pittore lascerebbe che la pittura gocciolasse sulle tele, spesso semplicemente danzando intorno, o addirittura su delle tele, e lasciando semplicemente che il colore cada dove vuole il subconscio mentale, lasciando che la parte inconscia della psiche si esprima.

Ad esempio, i mozziconi di sigarette si trovano spesso nei dipinti di Jackson Pollock. Quando ha creato i suoi dipinti, si è lasciato cadere in uno stato di trance in cui nessun atto cosciente doveva manifestarsi; quindi, se avesse avuto l’impulso istintivo di gettare la sigaretta a terra, lo fece, sia che ci fosse un marciapiede o una tela davanti ai suoi piedi. Quello che stavano cercando di ritrarre l’Action Painter era questo: un’azione spontanea completamente eseguita senza pensarci. Così si pensa all’atto di cui si può riconoscere le manifestazioni come un atto inconscio.

Il Reynolds News, in un titolo del 1959, riferendosi a un’opera di Pollock, ha scritto: “Questa non è arte, è una brutta scherzata”.

L’action painting non mostra o esprime una realtà oggettiva o soggettiva, ma rilascia una tensione che si è accumulata nell’artista in grande quantità. È un’azione non concepita e non pianificata nelle modalità di esecuzione e negli effetti finali. Esprime il disagio dell’artista in una società di benessere in cui tutto è progettato; è una reazione violenta dell’artista-intellettuale contro l’artista-tecnico.