La fotografia astratta, a volte chiamata fotografia non oggettiva, sperimentale, concettuale o concreta, è un mezzo per rappresentare un’immagine visiva che non ha un’associazione immediata con il mondo degli oggetti e che è stata creata attraverso l’uso di attrezzature, processi o materiali fotografici . Una fotografia astratta può isolare un frammento di una scena naturale al fine di rimuovere il suo contesto intrinseco dallo spettatore, può essere intenzionalmente messa in scena per creare un aspetto apparentemente irreale da oggetti reali o può comportare l’uso di colore, luce, ombra, consistenza, forma e / o forma per trasmettere una sensazione, una sensazione o un’impressione. L’immagine può essere prodotta utilizzando apparecchiature fotografiche tradizionali come una macchina fotografica, una camera oscura o un computer, oppure può essere creata senza utilizzare una fotocamera manipolando direttamente film, carta o altri supporti fotografici,

Definire la fotografia astratta
Non esiste una definizione comunemente usata del termine “fotografia astratta”. Libri e articoli sull’argomento comprendono qualsiasi cosa, da un’immagine completamente rappresentativa di un soggetto astratto, come le fotografie di Peeling Paint di Aaron Siskind, a immagini del tutto non rappresentative create senza una macchina fotografica o un film, come le stampe e i libri realizzati da Marco Breuer. Il termine comprende sia una vasta gamma di rappresentazioni visive sia esplicito nella sua categorizzazione di un tipo di fotografia che è visibilmente ambigua per sua stessa natura.

Molti fotografi, critici, storici dell’arte e altri hanno scritto o parlato della fotografia astratta senza tentare di formalizzare un significato specifico. Alvin Langdon Coburn nel 1916 propose di organizzare una mostra con il titolo “Fotografia astratta”, per la quale il modulo di iscrizione avrebbe chiaramente indicato che “non sarà ammessa alcuna opera in cui l’interesse per l’argomento è maggiore dell’apprezzamento dello straordinario “. La mostra proposta non è avvenuta, ma Coburn in seguito ha creato alcune fotografie distintamente astratte.

John Suler, fotografo e professore di psicologia, nel suo saggio Psicologia fotografica: immagine e psiche, ha affermato che “Una fotografia astratta si allontana da ciò che è realistico o letterale. Si allontana dalle apparenze naturali e dai soggetti riconoscibili nel mondo reale. Alcune persone anche dire che si allontana dal vero significato, esistenza e realtà stessa. Si distingue dal tutto concreto con il suo scopo invece a seconda del significato concettuale e della forma intrinseca …. Ecco il test dell’acido: se guardi una foto e c’è un la voce dentro di te che dice “Che cos’è?” … Bene, eccoti. È una fotografia astratta. ”

Barbara Kasten, anche fotografa e professoressa, ha scritto che “La fotografia astratta sfida la nostra visione popolare della fotografia come immagine oggettiva della realtà riaffermando la sua natura costruita …. Liberata dal suo dovere di rappresentare, la fotografia astratta continua ad essere un genere catchall per la fusione di mezzi e discipline. È un’arena per testare la fotografia “.

Il fotografo e teorico fotografico tedesco Gottfried Jäger ha usato il termine “fotografia concreta”, interpretando il termine “arte concreta”, per descrivere un particolare tipo di fotografia astratta. Egli ha detto:

“La fotografia concreta non raffigura il visibile (come la fotografia realistica o documentaria);
Non rappresenta il non visibile (come la fotografia scenica, raffigurante);
Non ricorre alle viste (come la fotografia analitica, concettuale, dimostrativa).
Invece stabilisce visibilità. È solo visibile, l’unico visibile.
In questo modo abbandona il carattere mediatico e ottiene il carattere oggetto “.

Più recentemente l’artista concettuale Mel Bochner ha scritto a mano una citazione dell’Enciclopedia Britannica che afferma che “La fotografia non può registrare idee astratte”. su un biglietto da visita, quindi fotografato e stampato con sei diversi processi fotografici. Trasformò le parole, il concetto e la visualizzazione del concetto in arte stessa, e così facendo creò un’opera che presentava un altro tipo di fotografia astratta, di nuovo senza mai definire il termine stesso.

Storia

19esimo secolo
Alcune delle prime immagini di quella che può essere chiamata fotografia astratta sono apparse nel primo decennio dopo l’invenzione del velivolo. Nel 1842 John William Draper creò immagini con uno spettroscopio, che disperse i raggi di luce in un modello visibile allora precedentemente non registrato. Le stampe che ha realizzato non avevano alcun riferimento alla realtà del mondo visibile che altri fotografi hanno poi registrato, e hanno dimostrato la capacità senza precedenti della fotografia di trasformare ciò che era stato precedentemente invisibile in una presenza tangibile. Draper ha visto le sue immagini come documenti scientifici piuttosto che arte, ma la loro qualità artistica è apprezzata oggi per il loro stato pionieristico e la loro intrinseca individualità.

Un’altra prima fotografa, Anna Atkins in Inghilterra, ha prodotto un libro autopubblicato di fotogrammi realizzato posizionando le alghe secche direttamente su carta cianotipata. Destinato a uno studio scientifico, il bianco puro sulle immagini blu ha una qualità astratta eterea a causa dell’imaging negativo e della mancanza di contesto naturale per le piante.

La scoperta della radiografia nel 1895 e la radioattività nel 1896 provocarono un grande interesse pubblico per cose che prima erano invisibili o invisibili. In risposta, i fotografi hanno iniziato a esplorare come potevano catturare ciò che non poteva essere visto dalla normale visione umana.

Più o meno nello stesso periodo, lo scrittore e artista svedese August Strindberg sperimentò di sottoporre a calore e freddo soluzioni saline su lastre fotografiche. Le immagini che ha prodotto con questi esperimenti erano rappresentazioni indefinite di ciò che altrimenti non poteva essere visto ed erano completamente astratte nella loro presentazione.

Verso la fine del secolo Louis Darget, in Francia, cercò di catturare immagini di processi mentali premendo le lastre non esposte sulla fronte di coloro che sedevano e spingendole a proiettare immagini dalle loro menti sulle lastre. Le fotografie che produceva erano sfocate e indefinite, eppure Darget era convinto che quelle che lui chiamava “vibrazioni del pensiero” erano indistinguibili dai raggi di luce.

20 ° secolo
Durante il primo decennio del XX secolo ci fu un’ondata di esplorazione artistica che accelerò il passaggio nella pittura e nella scultura dall’impressionismo e dal postimpressionismo al cubismo e al futurismo. A partire dal 1903 una serie di mostre d’arte annuali a Parigi, chiamate Salon d’Automne, introdussero il pubblico alla visione allora radicale di artisti come Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka e Albert Gleizes. Jean Metzinger. Un decennio dopo l’Armory Show di New York ha creato uno scandalo mostrando opere completamente astratte di Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay e altri.

L’interesse del pubblico e talvolta la repulsione per l’arte astratta è stato debitamente notato da alcuni dei fotografi più creativi del periodo. Nel 1910, a New York, Alfred Stieglitz iniziò a mostrare pittori astratti come Marsden Hartley e Arthur Dove nella sua galleria d’arte del 291, che in precedenza aveva esposto solo fotografie pittoriche. Fotografi come Stieglitz, Paul Strand ed Edward Steichen hanno tutti sperimentato soggetti raffiguranti fotografati in composizioni astratte.

Le prime immagini esposte pubblicamente che ora sono riconosciute come fotografie astratte furono una serie chiamata Pattern simmetrici da forme naturali, mostrata da Erwin Quedenfeldt a Colonia nel 1914. Due anni dopo Alvin Langdon Coburn iniziò a sperimentare una serie che chiamò Vortographs. Durante un periodo di sei settimane nel 1917, fece circa due dozzine di fotografie con una macchina fotografica dotata di un prisma sfaccettato. Le immagini risultanti erano volutamente estranee alle realtà che vide e ai suoi ritratti e paesaggi urbani precedenti. Ha scritto “Perché la fotocamera non dovrebbe buttare via le catene delle rappresentazioni contemporanee …? Perché, ti chiedo sinceramente, dobbiamo continuare a fare piccole esposizioni ordinarie …?”

Negli anni 1920 e 1930 vi fu un significativo aumento del numero di fotografi che esplorarono immagini astratte. In Europa, Praga divenne un centro di fotografia d’avanguardia, con František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek e Jaromír Funke che creavano fotografie influenzate dal cubismo e dal futurismo. Le immagini di Rössler in particolare andarono oltre l’astrazione rappresentativa alle astrazioni pure di luce e ombra.

In Germania e successivamente negli Stati Uniti László Moholy-Nagy, un leader della scuola di modernismo Bauhaus, sperimentò le qualità astratte del fotogramma. Ha detto che “le possibilità più sorprendenti rimangono da scoprire nella materia prima della fotografia” e che i fotografi “devono imparare a cercare, non il” quadro “, non l’estetica della tradizione, ma lo strumento ideale di espressione, l’auto- veicolo sufficiente per l’educazione “.

Alcuni fotografi durante questo periodo hanno anche spinto i confini delle immagini convenzionali incorporando nel loro lavoro le visioni del surrealismo o del futurismo. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat e Filippo Masoero sono stati alcuni degli artisti più noti che hanno prodotto immagini sorprendenti che mettevano in discussione sia la realtà che la prospettiva.

Sia durante che dopo la Seconda Guerra Mondiale fotografi come Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith e Lotte Jacobi hanno esplorato composizioni di oggetti trovati in modi che hanno dimostrato che anche il nostro mondo naturale ha elementi di astrazione incorporati in esso.

Frederick Sommer aprì una nuova strada nel 1950 fotografando oggetti trovati volutamente riorganizzati, dando vita a immagini ambigue che potevano essere ampiamente interpretate. Ha scelto di intitolare una particolare immagine enigmatica The Sacred Wood, dopo il saggio di TS Eliot su critiche e significato.

Gli anni ’60 furono contrassegnati come esplorazioni disinibite fino ai limiti dei supporti fotografici dell’epoca, a partire da fotografi che assemblavano o ricongiungevano immagini proprie e / o trovate, come Ray K. Metzker, Robert Heinecken e Walter Chappell.

A metà degli anni ’70 Josef H. Neumann sviluppò i chemogrammi, che sono prodotti sia della lavorazione fotografica sia della pittura su carta fotografica. Prima della diffusione dei computer e dell’uso del software di elaborazione delle immagini, il processo di creazione dei chemogrammi può essere considerato una forma iniziale di post-produzione analogica, in cui l’immagine originale viene modificata dopo il processo di ingrandimento. A differenza delle opere di post-produzione digitale, ogni chemogramma è un pezzo unico.

A partire dalla fine degli anni ’70, i fotografi estendevano i limiti sia della scala che della superficie in quelli che allora erano i supporti fotografici tradizionali che dovevano essere sviluppati in una camera oscura. Ispirata dal lavoro di Moholy-Nagy, Susan Rankaitis ha iniziato a incorporare per la prima volta le immagini trovate dai libri di testo scientifici in fotogrammi su larga scala, creando così è stato definito “un palinsesto che deve essere esplorato quasi come uno scavo archeologico”. Successivamente ha prodotto enormi costruzioni interattive in galleria che hanno ampliato le nozioni fisiche e concettuali di ciò che una fotografia potrebbe essere. Si diceva che il suo lavoro “imitasse la frammentazione della mente contemporanea”.

Negli anni ’90 una nuova ondata di fotografi stava esplorando le possibilità di utilizzare i computer per creare nuovi modi di creare fotografie. Fotografi come Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman e Carel Balth stavano creando opere che combinavano fotografia, scultura, incisione e immagini generate al computer.

21 ° secolo
Una volta che i computer e i software di fotografia sono diventati ampiamente disponibili, i confini della fotografia astratta sono stati ampliati oltre i limiti del cinema e della chimica in dimensioni quasi illimitate. Tutti i confini che rimanevano tra artisti puri e puri fotografi furono eliminati da individui che lavoravano esclusivamente nella fotografia ma producevano solo immagini generate al computer. Tra i più noti della generazione dei primi del 21 ° secolo c’erano Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd e Adam Broomberg e Oliver Chanarin.