Il Museum of Modern Art (Moderna Museet) è un museo statale di arte moderna e contemporanea situato sull’isola di Skeppsholmen nel centro di Stoccolma, aperto nel 1958. Nel 2009, il museo ha aperto una nuova filiale a Malmö, nel sud della Svezia, Moderna Museet Malmo. Moderna Museet ha una lunga storia nell’ospitare artisti internazionali per mostre, spettacoli e altre presentazioni innovative, nonché attraverso la sua collezione di fama mondiale.
Con una collezione d’arte che comprende più di 130 000 opere, Moderna Museet (Museo di arte moderna) è il principale museo svedese per l’arte moderna e contemporanea. Moderna Museet possiede una delle più belle collezioni d’arte moderna e contemporanea d’Europa. Le collezioni contengono pittura contemporanea, scultura, fotografia e film d’arte dal 1900 in poi, e nel caso delle fotografie anche dal 1840 circa.
Comprende opere chiave di Pablo Picasso, Ljubov Popova, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Robert Rauschenberg, Donald Judd e Irving Penn, insieme a opere di artisti contemporanei. Qui puoi leggere le varie parti della collezione e la sua storia.
Combinando capolavori internazionali di artisti come Warhol, Picasso e Dalì con mostre temporanee di artisti di spicco del XX e XXI secolo, Moderna Museet riesce ad attirare molti visitatori di ritorno per un’esperienza artistica in continua evoluzione. La collezione originale era dominata dall’arte svedese e nordica, dall’arte americana degli anni ’50 e ’60 e dal modernismo di ispirazione francese, tuttavia, la collezione è stata ampliata per includere più artisti femminili e per creare una collezione più versatile con opere provenienti da tutto il mondo.
Solo una parte della collezione può essere esposta. Ma ci consente di esplorare e riformulare la narrativa storica dell’arte standard attraverso nuove intuizioni e continui cambiamenti nella mostra. Ciò include Moderna Museet Malmö, con il suo punto di vista innovativo sulla selezione e l’esposizione delle opere della collezione sin dall’apertura nel 2009.
Moderna Museet è una piattaforma stimolante per le persone e l’arte, offre al pubblico modi diretti, interessanti e diretti di incontrare l’arte alla pari. Moderna Museet ispira e crea spazio per nuove idee essendo una piattaforma stimolante che rende l’arte di livello mondiale accessibile a un vasto pubblico.
Mud Muses – Un’invettiva sulla tecnologia
Come intendiamo il rapporto tra vita e tecnologia in un’epoca in cui sembrano essere completamente fuse? La mostra collettiva “Mud Muses – A Rant About Technology” prende il titolo da un’installazione di Robert Rauschenberg e da un saggio della scrittrice di fantascienza Ursula K. Le Guin. Incontra 19 artisti e gruppi di artisti che manipolano e giocano con i codici (di genere), capovolgono le soggettività, si collegano con altre intelligenze e cortocircuitano le promesse della tecnologia.
Negli anni ’60 l’obiettivo era quello di integrare la tecnologia con la vita quotidiana: nel 2019 quell’unificazione sembra realizzata e completa. Forse è viaggiando nella storia e nell’immaginazione che possiamo rintracciare le differenze tra vita, arte e tecnologia? Nell’opera d’arte “Mud Muse” (1968-1971) di Robert Rauschenberg, risalente a cinquant’anni fa, le vibrazioni sonore creano bolle casuali in una grande vasca aperta piena di fanghi sintetici. Qui il nostro incontro con la tecnologia diventa allo stesso tempo appiccicoso e confuso. Che cosa sia effettivamente una Mud Muse rimane incerto, ma l’installazione chiarisce una cosa: la tecnologia è una nozione che crea tempo e spazio e quindi influenza il nostro senso della realtà.
Il tema dell’arte e della tecnologia è un caposaldo per Moderna Museet. Negli anni di fondazione del museo si sono svolte diverse importanti mostre sull’uomo e la macchina – come “Movement in Art” (1961), la mostra Tatlin (1968), “Ararat” (1976) – e il museo stesso è stato concepito come un centro di informazione e stazione di trasmissione di sorta, un primo esempio di come la società è rifatta a immagine della tecnologia. “Mud Muses” rivisita ma anche partendo da questa storia in un viaggio attraverso importanti trasformazioni che il tema ha subito a partire dagli anni Sessanta, e offre nuove interpretazioni del suo background storico e culturale.
Nel suo testo “A Rant About Technology” (2004), Ursula K. Le Guin separa la tecnologia dal buon senso e dal progresso. Scrive: “La tecnologia è l’interfaccia umana attiva con il mondo materiale”. Questa semplice definizione amplia l’idea di tecnologia e assicura che non appartenga solo a culture ‘avanzate’ o alla nostra fine della storia. Ma come agisce il “mondo materiale” in questa equazione? E in che modo l'”interfaccia attiva” della tecnologia influisce sugli esseri umani e sulla loro società?
Workshop Vision Exchange con Nalini Malani e Akbar Padamsee, Robert Rauschenberg, Anna Sjödahl, Charlotte Johannesson e il Digital Theatre, Suzanne Treister, Soda Jerk e VNS Matrix, Ian Cheng, Sidsel Meineche Hansen e Cultural Capital Cooperative, Armando Mariano Marubo, Paulino Joaquim Marubo e Antônio Brasil Marubo, The Otolith Group, Lucy Siyao Liu, Branko Petrović och Nikola Bojić, CUSS group, Jenna Sutela, Nomeda e Gediminas Urbonas, Anna Lundh, e Primer con Emil Rønn Andersen, Eva Löfdahl, Amitai Romm, Aquaporin e Novo nord .
Walid Raad – Siamo onesti, il tempo ha aiutato
Questa retrospettiva di Walid Raad presenta documenti e scenari che vorrebbe esistessero o che le paure esistessero già. Incontriamo anche l’artista stesso in un’opera performativa completa. “Siamo onesti, il tempo ha aiutato” è un insieme complesso ma anche divertente e molto elegante. Senza dubbio la mostra più imperdibile di questa primavera (Dagens Nyheter). La mostra è retrospettiva, ma non cronologica. Le opere dei principali progetti di Raad sono presentate fianco a fianco in un modo senza precedenti, aprendo a nuovi approcci alla sua opera e ai temi che esplora.
Walid Raad ha iniziato la sua carriera di artista alla fine degli anni ’80 e ha lavorato principalmente su tre grandi progetti: The Atlas Group, Sweet Talk: Commissions e Scratching on things I never desavow. Questi progetti sono strettamente legati alle sue esperienze di crescita a Beirut durante la guerra civile in Libano, trasferimento a New York e carriera emergente in un mondo dell’arte in espansione a livello globale. Raad affronta il modo in cui la violenza colpisce i corpi, le menti, la cultura e la tradizione. Nelle sue fotografie, videocassette, sculture, testi e installazioni miste, Raad procede da eventi storici per immaginare situazioni e documenti apparentemente ridicoli, bizzarri e meravigliosi.
Walid Raad è uno degli artisti contemporanei più celebrati. Le sue opere sono state esposte a documenta e alla Biennale di Venezia, e ha avuto importanti mostre personali nei musei di tutto il mondo. La pratica artistica innovativa di Raad è stata ampiamente riconosciuta e premiata, non da ultimo per le sue performance altamente uniche, o “Walkthroughs”, come le chiama. Walid Raad è nato nel 1967 in Libano. Attualmente vive a Medusa, nello stato di New York.
Incontra l’artista Walid Raad in una performance unica. L’opera intreccia fili storici, politici, economici, culturali e filosofici in una narrazione vertiginosa, fantasiosa e illuminante. Ti consigliamo di provare l’arte di Walid Raad in una delle sue procedure dettagliate. La performance si tiene in 23 occasioni. “Kicking the Dead e/o Les Louvres” è una performance di 75 minuti, a cui Raad si riferisce come una “passeggiata”. Accompagna la mostra e comprende presentazioni in stile lezione, proiezioni video e passeggiate negli spazi espositivi. Tematicamente, Walid Raad si concentra sull’apertura del Louvre Abu Dhabi. La sua indagine lo porta a occuparsi della prima guerra mondiale, dell’educazione artistica, delle assicurazioni, del sudore e della storia degli edifici alti.
Oltre alla performance, Walid Raad organizza cinque visite guidate alla mostra. Anche il curatore della mostra, Fredrik Liew, organizza regolarmente visite guidate speciali. Tutte le visite guidate e gli spettacoli sono elencati nel calendario.
Giovanni Baldessari
L’artista americano John Baldessari ha creato un’arte concettuale che pone domande su cos’è l’arte, come è fatta e come appare. Combinando immagini della cultura pop con esplorazioni linguistiche, il suo lavoro ha sfidato le norme e i limiti artistici durante tutta la sua carriera. Questa mostra di una trentina di pezzi, è la prima ampia presentazione del suo lavoro in Svezia.
Per oltre cinque decenni, John Baldessari (1931-2020) ha esplorato il rapporto tra testo e immagine e ciò che emerge quando i due vengono messi insieme. Le sue opere concettuali hanno spesso una vena di umorismo e ironia. La mostra abbraccia l’intera carriera di Baldessari e mostra l’ampiezza della sua pratica artistica: si incontrano dipinti, fotografie, le immagini in movimento e le tracce di atti performativi. In molte delle opere di John Baldessari l’effettivo processo di selezione è un tema centrale. Tra le opere presentate in mostra, ci sono esempi di come Baldessari affidi la scelta o la decisione a qualcun altro o al caso, o come stabilisca regole ludiche che limitano le scelte che danno forma alle opere.
Baldessari si rese presto conto che un’immagine fotografica o testi di diverso tipo potevano esprimere le sue intenzioni artistiche meglio di un dipinto. Nella sua pratica, ha spesso unito elementi storico-artistici e cultura popolare per creare giustapposizioni inaspettate. Hollywood e le immagini fisse in bianco e nero scartate dalle produzioni cinematografiche erano una fonte costante di materiale. Successivamente ha iniziato a oscurare i singoli volti sulle fotografie dietro punti colorati, rendendo anonime le figure e consentendo allo sguardo di essere attirato da altre parti dell’immagine.
Durante tutta la sua carriera artistica, Baldessari si è interessato alla natura dell’arte, come è fatta e come si presenta. Linguaggio e testo diventano strumenti fondamentali per lui, così come per molti altri artisti, che negli anni ’60 enfatizzano l’idea alla base di un’opera d’arte piuttosto che le sue qualità estetiche. Nel video “I Am Making Art” (1971), anch’esso incluso in questa mostra, Baldessari si muove rigidamente davanti alla telecamera, ripetendo costantemente l’affermazione “I am making art” con un’enfasi diversa sulle parole ogni volta – un cenno all’arte concettuale e la nozione che tutte le azioni possono essere arte.
La critica rivolta all’arte concettuale solo per “indicare le cose” ha ispirato Baldessari a creare la serie “Dipinti su commissione” (1969). Ha chiesto a un amico di indicare oggetti interessanti, ha fatto fotografare il processo di puntamento e ha incaricato un pittore dilettante di copiare le fotografie. Sotto i dipinti, a un pittore di insegne è stato chiesto di scrivere “Un dipinto di” seguito dal nome del pittore. Questi “Dipinti su commissione” non recano alcuna traccia dello stesso Baldessari e possono essere letti come un commento alla concezione dell’Espressionismo astratto dell’opera come espressione diretta della vita emotiva e del genio dell’artista.
Aris Fioretos – Atlas
Laboratorio di un libro, “Atlas” dà vita a un mondo parallelo ingannevolmente simile al nostro. In bilico tra finzione e storia culturale, incontriamo un universo di testi in una mostra omonima. Aris Fioretos è l’autore del libro che sta dietro alla mostra nella Pontus Hultén Study Gallery. Cosa succede quando la letteratura diventa tridimensionale? La mostra “Atlas” si basa sull’omonimo nuovo libro, in cui Fioretos ripercorre l’emergere di una visione moderna dell’umanità nei decenni intorno al 1900. Insieme a gewerkdesign, Berlino, e al sound artist Peter Imig, Aris Fioretos ha catturato “il tutta la storia della sofferenza umana” in 24 scene. In parte libro e in parte mostra, “Atlas” offre approfondimenti su ciò che uno della letteratura’s medici più famosi (Frankenstein) chiamarono la sua “officina della creazione sporca”.
Il nuovo libro di Aris Fioretos, “Atlas”, fonde saggistica e finzione. I suoi tre romanzi precedenti, “Irma”, “The Truth about Sascha Knisch”, e “Nelly B:s Hjärta” (Nelly B’s Heart), sono basati su fatti storici fino al 1933. I tre protagonisti sono collegati ma anche indipendenti – come organi del corpo. Stoccolma è importante come ambientazione della storia, che riguarda principalmente la medicina e il grande cambiamento sociale. La mostra è come un armadio, dove sono presentati circa 20 stati affettivi in un modello architettonico con figure ritagliate. Il modello/tavolo è in tre parti, ciascuna coordinata con le tre protagoniste femminili.
Tutto è iniziato con un necrologio. Un giorno, Aris Fioretos scoprì che un archivista del National Board of Health era morto in età molto avanzata, senza lasciare parenti. Non avrebbe pensato a Iris Frost se il suo nome non fosse stato simile a quello di un personaggio minore del suo primo romanzo. Per curiosità contattò il giornale e ottenne il numero della persona che aveva presentato il necrologio. Quando si sono incontrati, la vita si è rivelata più strana della finzione. Il defunto non solo aveva letto i suoi romanzi su come il cervello, i genitali e il cuore hanno informato la visione dell’umanità emersa all’inizio del XX secolo, ma li aveva anche commentati.
Museo d’Arte Moderna di Stoccolma
Il Moderna Museet fu inaugurato nella palestra di Skeppsholmen, il 9 maggio 1958. Il Sovrintendente del Museo Nazionale, Otte Sköld, ricordava nel suo discorso inaugurale che già nel 1908 il problema dell’attuale arte locale nel Museo Nazionale era stato affrontato seriamente e l’idea di un nuovo edificio per queste collezioni. Poco prima della sua morte, Otte Sköld vide di persona il museo realizzato e il suo impegno nella creazione del nuovo museo fu decisivo. Insieme, tra gli altri, agli Amici del Museo Moderno, fondato nel 1953, ha dato la propria sede alla collezione d’arte del XX secolo del Museo Nazionale. I sovrintendenti guida del museo Pontus Hultén e Olle Granath sono venuti con i loro contatti e iniziative per perseguire queste intenzioni nei decenni successivi.
Il museo è stato aperto nel 1958, quando è stato trasferito dal Nationalmuseum in un’ex sala di esercitazione della marina a Skeppsholmen a Stoccolma. L’edificio attuale è stato completato nel 1998, attiguo ai vecchi locali del museo, ed è stato progettato dall’architetto spagnolo Rafael Moneo. Anche Moderna Museet ha aperto a Malmö nel 2009.
La collezione Moderna Museet comprende ora circa 6.000 dipinti, sculture e installazioni, 25.000 acquerelli, disegni e stampe, 400 video e film d’arte e 100.000 fotografie. La collezione comprende dipinti, sculture, installazioni, film, video, disegni e stampe di artisti svedesi e internazionali del XX e XXI secolo e la fotografia dal 1840 fino ad oggi.
Dal 2009, il museo ha anche una sede a Malmö. Il museo è un’autorità amministrativa statale sotto il Ministero della Cultura e ha, secondo le sue istruzioni, il compito di raccogliere, conservare, mostrare e comunicare l’arte del XX e del XXI secolo in tutte le sue forme. Moderna Museet promuoverà i contatti internazionali attraverso la collaborazione con istituzioni al di fuori della Svezia sotto forma di mostre itineranti e sarà anche responsabile della partecipazione svedese alle biennali d’arte internazionali. Il Museo Moderno è anche un museo centrale, con responsabilità nazionale nella sua area.
Il Moderna Museet organizza ogni anno diverse grandi mostre sia a Stoccolma che a Malmö, una serie di mostre di medie e piccole dimensioni. Nel 2012, il museo di Stoccolma ha avuto circa 500.000 visitatori e il museo di Malmö oltre 100.000 visitatori.