Il Museo di Arte Moderna (Moderna Museet) è un museo statale di arte moderna e contemporanea situato sull’isola di Skeppsholmen, un ambiente di bellezze naturali. Inaugurato nel 1958, l’edificio è stato progettato dall’architetto spagnolo Rafael Moneo. Nel 2009, il museo ha aperto una nuova filiale a Malmö, nel sud della Svezia, Moderna Museet Malmö.

La passione di Moderna Museet è mediare l’arte per le persone. Abbracciare, sfidare e ispirare le persone e siamo guidati dall’ambizione di parlare con molti. Moderna Museet inclusivo e per celebrare la diversità riconoscendo che le persone arrivano da punti di partenza diversi. Moderna Museet coinvolge un pubblico più ampio condividendo la meraviglia dell’arte.

Lo straordinario potere dell’arte è la nostra linfa vitale. L’arte nasce e riflette il proprio tempo. Consente domande che generano nuove prospettive; gli artisti sono una forza enorme e stimolano una creatività più ampia. Moderna Museet promuove l’arte perché forgia nuovi percorsi e consente una visione riflessiva sia della storia che del presente.

Moderna Museet sarà una piattaforma stimolante per le persone e l’arte, per essere un museo vibrante, aperto e dinamico che esiste come spirito, uno che offre al pubblico modi efficaci, coinvolgenti e diretti di incontrare l’arte in termini di parità. Moderna Museet ispira e crea spazio per nuove idee essendo una piattaforma stimolante che rende l’arte di livello mondiale accessibile a un vasto pubblico. Stabiliremo nuovi standard per i musei d’arte in tutto il mondo.

Moderna Museet raccoglie, conserva, mostra e media l’arte moderna e contemporanea. Moderna Museet gestisce il nostro patrimonio culturale in base ai più alti standard di eccellenza e genera ricerca che porta a collaborazioni e riconoscimenti internazionali di alta qualità. Moderna Museet è un’istituzione leader nel nostro campo e crediamo nella condivisione delle nostre conoscenze.

La collezione, la ricerca, le mostre, la mediazione e la comunicazione di Moderna Museet devono completarsi e fertilizzarsi a vicenda; queste attività non possono stare da sole. Moderna Museet ci definiamo in base ai contesti in cui siamo coinvolti. Il nostro obiettivo di rendere la più grande arte disponibile al maggior numero possibile di persone deve basarsi su pratiche sostenibili che tengano conto degli impatti ambientali e sociali. Moderna Museet deve essere guidato dal coraggio di sperimentare, osare spingersi oltre i confini e intraprendere nuove strade nel modo in cui gestiamo i nostri compiti.

Yayoi Kusama – Nell’infinito
Yayoi Kusama – In Infinity è la prima grande retrospettiva dell’opera di Kusama in Scandinavia, che abbraccia tutta la sua carriera artistica dai primi anni ’50 ad oggi. La mostra presenta una ricca selezione di dipinti, disegni e sculture, comprese installazioni spaziali e materiale performativo, con particolare attenzione alle opere della fine degli anni ’80, dopo il ritorno di Kusama in Giappone. È anche la prima mostra completa che mostra l’interesse di Kusama per la moda e il design. In mostra opere mai esposte in precedenza, oltre a una serie di dipinti realizzati appositamente per Yayoi Kusama – In Infinity.

La mostra In Infinity espone opere di Yayoi Kusama dal 1948 ad oggi. L’opera d’arte Suit (1962) della collezione del Moderna Museet è stata conservata e ha viaggiato in prestito durante l’intero tour della mostra in Danimarca, Norvegia, Svezia e si recherà in Finlandia. Insieme al materiale d’archivio privato di Kusama sono esposte anche interessanti scoperte dall’archivio di Moderna Museet.

La notevole pratica artistica di Yayoi Kusama (nato nel 1929) ha affascinato il pubblico per oltre sei decenni. Come pochi altri artisti si muove con decisione tra pittura e scultura, tra arte e design, tra Oriente e Occidente. Moderna Museet e ArkDes presentano ora Kusama in una mostra retrospettiva che copre la sua opera dai primi studi sulla natura alle installazioni che sospendono il tempo e lo spazio.

Le immagini uniche di Kusama scaturiscono dalle allucinazioni ricorrenti che l’hanno perseguitata fin dall’infanzia. Nelle sue allucinazioni il mondo appariva coperto di puntini e forme ripetitive, come un infinito cielo stellato. L’arte, per Kusama, diventa un metodo per dare forma a questi paesaggi interiori. Nel tentativo di esprimere a parole le sue esperienze, Kusama parla del concetto di auto-cancellazione – l’idea di diventare uno con l’ambiente circostante, dissolvendo i confini del Sé e scomparendo in un vuoto onnicomprensivo. Per condividere le sue esperienze, Kusama crea opere d’arte che invitano i visitatori a perdersi nelle reti infinite, nelle stanze degli specchi e nelle migliaia di pois con cui copre il mondo.

Nel 1957, Yayoi Kusama lasciò il Giappone per New York. Qui, nel cuore della vibrante scena artistica degli anni ’60, ha creato molte delle sue opere più importanti. In seguito ha organizzato proteste contro la guerra in Vietnam, marce circondate da seguaci hippie, spettacoli politici e orge in cui ha dipinto i corpi nudi dei partecipanti con puntini. Come donna non occidentale nel mondo dell’arte dell’epoca dominato dagli uomini, Kusama era un uccello raro, ma presto ottenne fama e riconoscimento. Alla fine degli anni ’70, Kusama lasciò New York. Alcuni anni dopo riprende la sua pratica artistica a Tokyo, realizzando dipinti e sculture monumentali. Yayoi Kusama lavora ancora nel suo studio ogni giorno e ora è una delle artiste più amate al mondo.

La vita stessa – Sulla questione di cosa sia essenzialmente; la sua materialità, le sue caratteristiche…
La mostra Life Itself si estende dall’inizio del XX secolo, quando gli artisti all’interno e accanto all’avanguardia astratta si sforzavano di categorizzare l’esistenza, e fino al mondo odierno di oggetti esistenti in uno stato a metà tra ciò che chiamiamo il vivente e il non- vita. Tra gli artisti presenti in mostra ci sono Giovanni Anselmo, Olga Balema, Hicham Berrada, Joseph Beuys, Karl Blossfeldt, Victor Brauner, Trisha Donnelly, Pierre Huyghe, Tehching Hsieh, Josh Kline, Hilma af Klint, Helen Marten, Katja Novitskova, Philippe Parreno , Rachel Rose, Paul Thek e Rosemarie Trockel.

La vita stessa, considerando che i tentativi di rispondere a questa domanda da parte delle scienze e delle filosofie occidentali si sono rivelati insoddisfacenti. Sin dai tempi di Aristotele, la vita stessa è rimasta un mistero, nonostante gli innumerevoli tentativi di scienziati e filosofi di darne una definizione. Nonostante le teorie avanzate contemporanee sui sistemi complessi e il potenziale vertiginoso della biologia sintetica, non siamo ancora in grado di determinare cosa costituisca la vita. Sembra quindi giustificato un tentativo di affrontare la questione attraverso una mostra d’arte, se non altro per dimostrare come affrontare la nostra incapacità di trovare una risposta soddisfacente.

Klee/Agueli
Le opere presentate in questa mostra – in tutto 86 dipinti e disegni – potrebbero essere riassunte con le parole chiave creazione, forma, angelo, segno e giardino. Lo stupefacente fenomeno di qualcosa che germoglia dal suolo ha affascinato entrambi gli artisti. Così completamente ordinario e mondano, eppure mistico e divino. I pittori Paul Klee (1879–1940, Svizzera) e Ivan Aguéli (1869–1917, Svezia) hanno vissuto e lavorato in un’epoca in cui la società moderna occidentale cominciava a prendere forma. Mentre treni e macchine di ogni tipo acceleravano la vita e il viaggio, questi due artisti preferivano indugiare con lo sguardo, alla ricerca della “quarta dimensione” (Aguéli), o “un altro mondo possibile” (Klee), entrando in contatto con la natura e gli oggetti nelle immediate vicinanze.

Nel 1914, Paul Klee si recò in Tunisia e scoprì di essere un pittore. Lo stesso anno Ivan Aguéli intraprende il suo terzo soggiorno in Egitto, il paese che ha plasmato le sue idee sulla vita e sull’arte. Pittore, anarchico, sufi e viaggiatore, la storia della vita di Aguéli è di per sé un romanzo. Klee e Aguéli non si sono mai incontrati, ma sono qui presentati insieme, in una mostra sui due artisti e sul loro rapporto con i fondamenti dell’arte visiva: la scelta del soggetto, l’atto creativo e le qualità dell’immagine.

Klee e Aguéli potrebbero essere scambiati per reazionari, eccentrici o reclusi. Ma questo è sbagliato. Mantennero uno stretto dialogo con la società moderna: entrambi erano intellettuali e critici colti, Aguéli pubblicava riviste e Klee insegnava alla scuola di architettura e arte del Bauhaus. I loro viaggi, le loro osservazioni sulla natura, l’intimità dei loro piccoli dipinti e la loro lenta contrarietà non erano motivati ​​dall’evasione o dalla nostalgia, ma dalle loro opinioni su come e con quali valori l’umanità dovrebbe affrontare il presente e incontrare il futuro.

In un mondo che doveva essere segnato da due guerre mondiali, Paul Klee ha cercato di “raggiungere una felice associazione tra visione della vita e puro artigianato artistico” e di raggiungere la massima libertà possibile attraverso la contemplazione, l’immaginazione e il gioco. Ivan Aguéli ha cercato di fondere arte, religione e realtà, per trovare un’alternativa alla “sordida età” occidentale. Il suo precoce fascino per l’anarchismo antitotalitario e il misticismo di Swedenborg ispirarono lunghi soggiorni al Cairo, la sua successiva conversione all’Islam nel 1898 e intensi studi sul Sufismo, il percorso più spirituale dell’Islam, che enfatizza l’amore e la vicinanza a Dio.

Non fa differenza se chiamiamo questa spiritualità, immaginazione o gioco. Quando i due artisti entrano in contatto con la realtà attraverso il movimento ritmico del pennello sullo sfondo, non si realizza una rappresentazione ma una metamorfosi dall’oggetto all’immaterialità. La mostra Klee/Aguéli parla di come un dipinto di un giardino o di un boschetto di palme possa costituire un atto di resistenza. Nella nostra epoca turbolenta, è un promemoria del grande potenziale poetico e politico che può essere incorporato in un piccolo quadro dipinto.

Momento – Lina Selander
Lina Selander è una delle artiste di immagini in movimento più innovative della Svezia. Lina Selander è nata nel 1973 a Stoccolma, dove vive e lavora. Le sue opere ruotano attorno alle immagini come ricordi, impronte e rappresentazioni. I suoi film e le sue installazioni si concentrano spesso su momenti storici in cui un sistema o un luogo fisico crolla e qualcosa di nuovo inizia ad emergere; la narrativa del cinema meccanico che lascia il posto a quella del video digitale, o un sistema politico o economico che precipita in uno nuovo.

I film e le installazioni di Lina Selander possono essere letti come composizioni o modelli di pensiero, dove idee e condizioni vengono soppesate e messe alla prova. Esamina le relazioni tra memoria e percezione, fotografia e film, linguaggio e immagine. Il montaggio preciso e ritmico e l’uso del suono creano una propria temporalità e una forte pressione interiore. L’opera di Selander esplora in modo ricorrente il fascino per i fenomeni e le tecnologie che rendono possibili le immagini, consentendo così di documentare la storia. Il montaggio viene utilizzato nei film per giustapporre le immagini, comportando una potenziale perdita di contenuto. L’immagine incontra il testo in un flusso in cui il significato nasce dall’apparentemente non correlato, come echi attraverso e tra le opere.

Le opere di Selander costituiscono un denso archivio di osservazioni, occasionalmente in dialogo con altri film, arte o letteratura. I loro argomenti spesso derivano da incroci storici o ideologici, in cui un sistema o un luogo fisico crolla e qualcosa di nuovo inizia ad emergere. Mentre la sua mostra alla Biennale di Venezia descrive un movimento tra utopia e collasso, la presentazione al Moderna Museet mostra tre opere che esplorano ulteriormente i confini reali o figurativi.

Museo d’Arte Moderna di Stoccolma
Il Museo d’Arte Moderna di Stoccolma è un’autorità amministrativa statale sotto il Ministero della Cultura e ha, secondo le sue istruzioni, il compito di raccogliere, conservare, mostrare e comunicare l’arte del XX e XXI secolo in tutte le sue forme. Moderna Museet promuoverà i contatti internazionali attraverso la collaborazione con istituzioni al di fuori della Svezia sotto forma di mostre itineranti e sarà anche responsabile della partecipazione svedese alle biennali d’arte internazionali. Il Museo Moderno è anche un museo centrale, con responsabilità nazionale nella sua area.

Moderna Museet è un museo statale con mandato nazionale per l’arte moderna e contemporanea. La collezione è all’avanguardia nel suo genere in Europa. Il museo è un luogo d’incontro per le persone e l’arte con una solida base nella società e nel mondo in generale. Con il suo programma di mostre di livello mondiale, progetti basati su collezioni e attività educative, Moderna Museet ha una notevole presenza locale e una portata internazionale. Lo scambio con altre istituzioni d’arte in tutto il mondo è ampio.

Moderna Museet ha una lunga storia nell’ospitare artisti internazionali per mostre, spettacoli e altre presentazioni innovative, nonché attraverso la sua collezione di fama mondiale. Scopri una delle collezioni d’arte più importanti d’Europa dal XX secolo a oggi, con opere di artisti tra cui Picasso, Dalì, Derkert e Matisse.

Con una collezione d’arte che comprende più di 130 000 opere, Moderna Museet (Museo di arte moderna) è il principale museo svedese per l’arte moderna e contemporanea. Moderna Museet possiede una delle più belle collezioni d’arte moderna e contemporanea d’Europa. Le collezioni contengono pittura contemporanea, scultura, fotografia e film d’arte dal 1900 in poi, e nel caso delle fotografie anche dal 1840 circa.

Combinando capolavori internazionali di artisti come Warhol, Picasso e Dalì con mostre temporanee di artisti di spicco del XX e XXI secolo, Moderna Museet riesce ad attirare molti visitatori di ritorno per un’esperienza artistica in continua evoluzione. La collezione originale era dominata dall’arte svedese e nordica, dall’arte americana degli anni ’50 e ’60 e dal modernismo di ispirazione francese, tuttavia, la collezione è stata ampliata per includere più artiste e per creare una collezione più versatile con opere provenienti da tutto il mondo.

Il Moderna Museet fu inaugurato nella palestra di Skeppsholmen, il 9 maggio 1958. Il Sovrintendente del Museo Nazionale, Otte Sköld, ricordava nel suo discorso inaugurale che già nel 1908 il problema dell’attuale arte locale nel Museo Nazionale era stato affrontato seriamente e l’idea di un nuovo edificio per queste collezioni. Poco prima della sua morte, Otte Sköld vide di persona il museo realizzato e il suo impegno nella creazione del nuovo museo fu decisivo. Insieme, tra gli altri, agli Amici del Museo Moderno, fondato nel 1953, ha dato la propria sede alla collezione d’arte del XX secolo del Museo Nazionale. I sovrintendenti guida del museo Pontus Hultén e Olle Granath sono venuti con i loro contatti e iniziative per perseguire queste intenzioni nei decenni successivi.

Il 14 febbraio 2004 l’edificio del museo è stato riaperto con festeggiamenti. Oltre alle riparazioni, era stata colta l’occasione per migliorare alcuni spazi, in parte per facilitare la circolazione dei visitatori all’interno del museo, in parte per utilizzare in modo più adeguato lo spazio d’ingresso superiore. Contestualmente è stato aggiornato il profilo grafico del museo. Un’altra importante novità della riapertura è stata l’introduzione di host museali: persone che hanno una varietà di competenze, dal salvataggio di vite all’essere in grado di raccontare ai visitatori le opere d’arte sia nelle mostre permanenti che in quelle temporanee. Il motivo per l’introduzione di nuovi host è stato quello di soddisfare il grande aumento del numero di visitatori da quando è stata abolita la quota di ammissione.

Nel 1901 l’architetto John Smedberg stabilì un bellissimo edificio per la centrale elettrica su Gasverksgatan 22. Oggi, la missione di trasformare l’edificio in un museo più appropriato è andata al pluripremiato studio di architetti Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Hanno scelto di creare un nuovo annesso, un’aggiunta contemporanea all’edificio storico. E dai agli interni un ordine spaziale completamente nuovo.

Il Moderna Museet organizza ogni anno diverse grandi mostre sia a Stoccolma che a Malmö, una serie di mostre di medie e piccole dimensioni. Nel 2012, il museo di Stoccolma ha avuto circa 500.000 visitatori e il museo di Malmö oltre 100.000 visitatori.

La collezione
Fin dall’inizio, nel 1958, il Museo è noto per la sua stretta relazione con gli artisti: Marcel Duchamp, ad esempio, ha firmato molte delle sue opere a Stoccolma verso la fine della sua vita, e Andy Warhol ha avuto la sua prima mostra personale in un museo in Europa presso Moderna Museet nel 1968.

La collezione Moderna Museet comprende ora circa 6.000 dipinti, sculture e installazioni, 25.000 acquerelli, disegni e stampe, 400 video e film d’arte e 100.000 fotografie. La collezione comprende dipinti, sculture, installazioni, film, video, disegni e stampe di artisti svedesi e internazionali del XX e XXI secolo e la fotografia dal 1840 fino ad oggi.

Grazie a mirate iniziative di collezionismo, il Museo è riuscito ad ampliare con successo l’ampiezza e la profondità della propria collezione. Nel 1963 fu lanciato Il Museo dei Nostri Desideri, trasformando immediatamente il Museo in una delle principali istituzioni artistiche europee; il governo ha contribuito con 5 milioni di corone svedesi, per l’acquisizione di opere iconiche di Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico e molti altri. Qualche decennio fa, l’esercizio è stato ripetuto, ma questa volta mettendo in luce solo le artiste donne: alla collezione sono state aggiunte opere di Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller e altre.

Solo una parte della collezione può essere esposta. Ma ci consente di esplorare e riformulare la narrativa storica dell’arte standard attraverso nuove intuizioni e continui cambiamenti nella mostra. Ciò include Moderna Museet Malmö, con il suo punto di vista innovativo sulla selezione e l’esposizione delle opere della collezione sin dall’apertura nel 2009.

Una grande collezione d’arte è il miglior punto di partenza possibile per esperimenti visivi e intellettuali. Moderna Museet, in quanto museo aperto e vivente, riscrive costantemente la storia standard del modernismo riorganizzando frequentemente la sua collezione in modi radicalmente nuovi. Dal 2009, il Museo ha due sedi, Stoccolma e Malmö, dove sono state presentate regolarmente selezioni innovative di opere della collezione sin dall’apertura. Alcune delle opere iconiche, come il Morocco Landscape (Acanthus) di Henri Mattisse, il Monogram di Robert Rauchenberg e la scultura Untitled di Eva Hesse, sono quasi sempre disponibili per il controllo.