युद्ध के बाद आधुनिकतावाद

आधुनिकता एक दार्शनिक आंदोलन है कि सांस्कृतिक प्रवृत्तियों और परिवर्तनों के साथ, 1 9वीं सदी के अंत और 20 वीं सदी की शुरुआत में पश्चिमी समाज में व्यापक पैमाने पर और दूरगामी परिवर्तनों से उत्पन्न हुआ। आधुनिकता के आकार वाले कारकों में से आधुनिक औद्योगिक समाजों का विकास और शहरों की तीव्र वृद्धि, उसके बाद द्वितीय विश्व युद्ध के लिए डरावनी प्रतिक्रियाओं के बाद हुई। आधुनिकता ने ज्ञान की सोच की निश्चितता को भी खारिज कर दिया, और कई आधुनिकतावादियों ने धार्मिक विश्वास को खारिज कर दिया।

आधुनिकतावाद में, सामान्य रूप से कला, वास्तुकला, साहित्य, धार्मिक विश्वास, दर्शन, सामाजिक संगठन, दैनिक जीवन की गतिविधियों और यहां तक ​​कि विज्ञान के पारंपरिक रूपों को महसूस करने वाले लोगों की गतिविधियों और रचनाओं को शामिल किया गया है, जो उनके कार्यों में बीमार हो रहे थे और एक उभरती पूरी तरह से औद्योगिकीकृत दुनिया के नए आर्थिक, सामाजिक और राजनीतिक माहौल में पुराना है। कवि एज्रा पाउंड का 1 9 34 का आदेश “इसे नया बनाएं!” अतीत की अप्रचलित संस्कृति के रूप में जो देखा गया था, उसके प्रति आंदोलन के दृष्टिकोण की टचस्टोन थी। इस भावना में, इसके नवाचार, धारा-चेतना उपन्यास, एटोनल (या पेंटोनल) और बारह-स्वर संगीत, डिवीजनिस्ट पेंटिंग और अमूर्त कला की तरह, सभी के पास 1 9वीं शताब्दी में अग्रदूत थे।

आधुनिकता की एक उल्लेखनीय विशेषता साहित्यिक और सामाजिक परम्पराओं से संबंधित आत्म-चेतना और विडंबना है, जो अक्सर उन तकनीकों के उपयोग के साथ प्रयोग के साथ प्रयोग करती है, जो चित्रकला, कविता, भवन इत्यादि बनाने में उपयोग की जाने वाली प्रक्रियाओं और सामग्रियों पर ध्यान आकर्षित करती हैं। आधुनिकता ने यथार्थवाद की विचारधारा को स्पष्ट रूप से खारिज कर दिया और अतीत के कार्यों को पुनर्विचार, निगमन, पुनर्लेखन, पुनरावृत्ति, संशोधन और पैरोडी के रोजगार से उपयोग किया।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद (मुख्य रूप से दृश्य और प्रदर्शन कला)

परिचय
जबकि ब्रिटिश साहित्य के ऑक्सफोर्ड विश्वकोष में कहा गया है कि आधुनिकतावाद सी द्वारा समाप्त हुआ। 1 9 3 9 ब्रिटिश और अमेरिकी साहित्य के संबंध में, “जब (यदि) आधुनिकतावाद समाप्त हो गया और आधुनिकतावाद शुरू हुआ तो लगभग उतना ही गर्म हो गया जब विक्टोरियनवाद से आधुनिकता में संक्रमण हुआ।” क्लेमेंट ग्रीनबर्ग 1 9 30 के दशक में आधुनिकतावाद को देखते हुए, दृश्य और प्रदर्शन कला के अपवाद के साथ, लेकिन संगीत के संबंध में, पॉल ग्रिफिथ्स ने नोट किया कि, द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, 1 9 20 के दशक के अंत तक आधुनिकतावाद “एक व्यय बल” लग रहा था, “संगीतकारों की एक नई पीढ़ी-बोलेज़, बैराक्वे, बाबिट, नॉनो, स्टॉकहौसेन, जेनाकिस” ने आधुनिकता को पुनर्जीवित किया। “वास्तव में कई साहित्यिक आधुनिकतावादी 1 9 50 और 1 9 60 के दशक में रहते थे, हालांकि आम तौर पर वे अब बड़े काम नहीं कर रहे थे। शब्द” देर से आधुनिकतावाद “कभी-कभी 1 9 30 के बाद प्रकाशित आधुनिकतावादी कार्यों पर भी लागू होता है। आधुनिकतावादियों (या देर से आधुनिकतावादियों) में अभी भी 1 9 45 के बाद प्रकाशित किया गया था, वेलेस स्टीवंस, गॉटफ्राइड बेन, टीएस एलियट, अन्ना अख्मोतोवा, विलियम फाल्कनर, डोरोथी रिचर्डसन, जॉन काउपर पॉविस और एज्रा पाउंड थे। 1 9 01 में पैदा हुए बेसिल बंटिंग ने 1 9 65 में अपनी सबसे महत्वपूर्ण आधुनिकतावादी कविता ब्रिगफ्लैट्स प्रकाशित की। इसके अलावा, हरमन ब्रोच की द डेथ ऑफ वर्जिन को 1 9 45 में प्रकाशित किया गया था और 1 9 47 में थॉमस मान के डॉक्टर फॉस्टस। सैमुअल बेकेट, wh ओ 1 9 8 9 में मृत्यु हो गई, जिसे “बाद में आधुनिकतावादी” के रूप में वर्णित किया गया है। बेकेट आधुनिकता की अभिव्यक्तिवादी परंपरा में जड़ों के साथ एक लेखक हैं, जिन्होंने 1 9 30 के दशक तक 1 9 80 के दशक तक मॉलॉय (1 9 51), वेटिंग फॉर गोडोट (1 9 53), हैप्पी डेज़ (1 9 61), और रॉकबी (1 9 81) सहित काम किए। “न्यूनतम” और “पोस्ट-मॉडर्निस्ट” शब्द भी उनके बाद के कार्यों पर लागू किए गए हैं। कवि चार्ल्स ओल्सन (1 910-19 70) और जेएच प्रिने (जन्म 1 9 36) 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में लेखकों में से हैं, जिन्हें आधुनिक आधुनिकतावादी के रूप में वर्णित किया गया है।

हाल ही में “देर से आधुनिकतावाद” शब्द को कम से कम एक आलोचक द्वारा परिभाषित किया गया है और 1 9 30 के बजाय 1 9 45 के बाद लिखे गए कार्यों को संदर्भित करने के लिए उपयोग किया जाता है। इस उपयोग के साथ इस विचार के साथ आधुनिकता की विचारधारा को फिर से आकार दिया गया था द्वितीय विश्व युद्ध, विशेष रूप से होलोकॉस्ट और परमाणु बम छोड़ना।

बाद की अवधि ने आर्थिक रूप से और शारीरिक रूप से पुनर्निर्माण और राजनीतिक रूप से पुन: समूह की तात्कालिकता के साथ उथल-पुथल में यूरोप की राजधानियों को छोड़ दिया। पेरिस (यूरोपीय संस्कृति के पूर्व केंद्र और कला दुनिया की पूर्व राजधानी) में कला का वातावरण एक आपदा था। महत्वपूर्ण संग्राहक, डीलरों और आधुनिकतावादी कलाकार, लेखकों और कवियों ने न्यूयॉर्क और अमेरिका के लिए यूरोप से भाग लिया था। यूरोप के हर सांस्कृतिक केंद्र से अवास्तविक और आधुनिक कलाकार संयुक्त राज्य अमेरिका में सुरक्षित हेवन के लिए नाज़ियों के हमले से भाग गए थे। उनमें से कई जो भाग गए नहीं भाग गए। कुछ कलाकार, विशेष रूप से पाब्लो पिकासो, हेनरी मटिस और पियरे बोनार्ड, फ्रांस में बने रहे और बच गए।

न्यूयॉर्क शहर में 1 9 40 के दशक में अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, एक आधुनिकतावादी आंदोलन की जीत की शुरुआत हुई, जिसमें हेनरी मैटिस, पाब्लो पिकासो, अतियथार्थवाद, जोन मिरो, क्यूबिज्म, फाउविज्म और आधुनिक आधुनिकतावाद जैसे अमेरिका में महान शिक्षकों के माध्यम से हंस होफमैन और जॉन डी ग्राहम। अमेरिकी कलाकारों को पिट मोंड्रियन, फर्नांड लेजर, मैक्स अर्न्स्ट और आंद्रे ब्रेटन समूह, पियरे मैटिस की गैलरी, और पेगी गुगेनहेम की गैलरी द आर्ट ऑफ द सेंचुरी, साथ ही साथ अन्य कारकों की उपस्थिति से लाभ हुआ।

पेरिस, इसके अलावा, 1 9 50 और 60 के दशक में मशीन कला फ्लोरोसेंस के केंद्र के रूप में अपने अधिकांश चमक को पुनः प्राप्त कर लिया, दोनों अग्रणी मशीन कला मूर्तिकार जीन टिंगुली और निकोलस शॉफर वहां अपने करियर लॉन्च करने के लिए वहां चले गए – और कौन सा फ्लोरोसेंस, प्रकाश में आधुनिक जीवन के टेक्नोसेंट्रिक चरित्र के, विशेष रूप से लंबे समय तक स्थायी प्रभाव हो सकता है।

Absurd के रंगमंच
“थियेटर ऑफ़ द अब्बार्ड” शब्द मुख्य रूप से यूरोपियों द्वारा लिखे गए नाटकों पर लागू होता है, जो इस धारणा को व्यक्त करते हैं कि मानव अस्तित्व का कोई अर्थ या उद्देश्य नहीं है और इसलिए सभी संचार टूट जाते हैं। तार्किक निर्माण और तर्क तर्कहीन और अजीब भाषण और इसके अंतिम निष्कर्ष, चुप्पी के लिए रास्ता देता है। हालांकि अल्फ्रेड जेरी (1873-1907) समेत महत्वपूर्ण अग्रदूत हैं, लेकिन थियेटर ऑफ़ द अब्बार्ड को आम तौर पर 1 9 50 के दशक में सैमुअल बेकेट के नाटकों के साथ शुरू किया जाता है।

आलोचक मार्टिन एस्लिन ने 1 9 60 के निबंध “द थिएटर ऑफ द अब्बार्ड” में इस शब्द का निर्माण किया। उन्होंने इन नाटकों को अब्दुर्द की एक विस्तृत विषय के आधार पर संबंधित किया, जिस तरह से अल्बर्ट कैमस ने 1 9 42 के निबंध, द मिथ ऑफ़ सिसिफस में इस शब्द का उपयोग किया। इन नाटकों में बेतुका दुनिया के किसी व्यक्ति के अर्थ के बिना मनुष्य की प्रतिक्रिया का रूप लेता है, और / या आदमी कठपुतली बाहरी शक्तियों द्वारा नियंत्रित या पुरुषों द्वारा कठपुतली के रूप में होता है। यद्यपि यह शब्द नाटकों की एक विस्तृत श्रृंखला पर लागू होता है, कुछ विशेषताओं में से कई नाटकों में शामिल होते हैं: व्यापक कॉमेडी, अक्सर वाउडविल के समान, भयानक या दुखद छवियों के साथ मिश्रित होती है; निराशाजनक स्थितियों में पकड़े गए पात्रों को दोहराव या अर्थहीन कार्यों को करने के लिए मजबूर होना पड़ा; क्लिच, वर्डप्ले और बकवास से भरा संवाद; भूखंड जो चक्रीय या बेतुका विस्तार से हैं; या तो यथार्थवाद की एक पैरोडी या बर्खास्तगी और “अच्छी तरह से निर्मित खेल” की अवधारणा।

आमतौर पर थियेटर ऑफ़ द अब्बार्ड से जुड़े नाटककारों में सैमुअल बेकेट (1 9 06-198 9), यूजीन इनेस्को (1 9 0 9-9 4), जीन जेनेट (1 910-86), हैरोल्ड पिंटर (1 930-2008), टॉम स्टॉपपार्ड (जन्म 1 9 37), अलेक्जेंडर वेवेदेंस्की (1 9 04-19 41), दानील खारम्स (1 9 05-19 42), फ्रेडरिक डूरनमैट (1 921-90), अलेजैंड्रो जोदोरोस्की (जन्म 1 9 2 9), फर्नांडो अरब्राल (1 9 32 का जन्म), वाक्लाव हवेल (1 936-2011) और एडवर्ड अल्बी (1 928- 2016)।

पोलॉक और अमूर्त प्रभाव
1 9 40 के दशक के उत्तरार्ध में जैक्सन पोलॉक के चित्रकला के कट्टरपंथी दृष्टिकोण ने उनके समकालीन समकालीन कला की क्षमता में क्रांतिकारी बदलाव किया। कुछ हद तक पोलॉक को एहसास हुआ कि कला का काम करने की यात्रा कला के काम के रूप में महत्वपूर्ण थी। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में पबलो पिकासो के पेंटिंग और मूर्तिकला के अभिनव पुनर्मिलन की तरह क्यूबिज्म और मूर्तिकला के निर्माण के माध्यम से, पोलॉक ने कला के तरीके को फिर से परिभाषित किया। ईजल पेंटिंग और परंपरागतता से दूर उनका कदम उनके युग के कलाकारों और बाद में आने वाले सभी लोगों के लिए एक स्वतंत्र संकेत था। कलाकारों को एहसास हुआ कि जैक्सन पोलॉक की प्रक्रिया फर्श पर अप्रचलित कच्चे कैनवास रखती है जहां कलात्मक और औद्योगिक सामग्रियों का उपयोग करके चारों तरफ से हमला किया जा सकता है; ड्रिपिंग और पेंट की रैखिक स्कीन्स फेंकना; ड्राइंग, धुंधला, और ब्रशिंग; इमेजरी और nonimagery का उपयोग कर – अनिवार्य रूप से किसी भी पूर्व सीमा से परे विस्फोट कलाकृति। सार अभिव्यक्तिवाद ने आम तौर पर कला के नए कार्यों के निर्माण के लिए कलाकारों को उपलब्ध परिभाषाओं और संभावनाओं का विस्तार और विकास किया।

अन्य अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों ने पोलॉक की सफलता को अपने स्वयं के नए सफलता के साथ पीछा किया। एक अर्थ में जैक्सन पोलॉक, विल्म डी कूनिंग, फ्रांज क्लाइन, मार्क रोथको, फिलिप गुस्टन, हंस होफमैन, क्लाइफोर्ड स्टिल, बार्नेट न्यूमैन, विज्ञापन रेनहार्ड, रॉबर्ट मदरवेल, पीटर वोलकोस और अन्य ने नवाचारों की विविधता और दायरे में बाढ़ को खोला उनके पीछे आने वाली सभी कलाएं। लिंडा नोचलिन, ग्रिसल्डा पोलॉक और कैथरीन डी ज़ेघर जैसे कला इतिहासकारों द्वारा अमूर्त कला में रीडिंग्स गंभीर रूप से दिखाते हैं कि आधुनिक कला में प्रमुख नवाचारों का उत्पादन करने वाले अग्रणी महिला कलाकारों को इतिहास के आधिकारिक खातों द्वारा अनदेखा कर दिया गया था।

ब्रिटिश कला से अंतरराष्ट्रीय आंकड़े
हेनरी मूर (18 9 8-19 86) द्वितीय विश्व युद्ध के बाद ब्रिटेन के अग्रणी मूर्तिकार के रूप में उभरा। वह अपने अर्द्ध अमूर्त विशाल कांस्य मूर्तियों के लिए सबसे अच्छी तरह से जाने जाते थे जो दुनिया भर में कला के सार्वजनिक कार्यों के रूप में स्थित हैं। उनके रूप आम तौर पर मानव आकृति के अवशोषण होते हैं, आमतौर पर 1 9 50 के दशक में एक चरण के अलावा, जब वह परिवार समूहों को मूर्तिकला देते थे, आमतौर पर महिला शरीर के सूचकांक, मां और बच्चे को चित्रित करते थे। उनके रूप आमतौर पर छेड़छाड़ या खोखले रिक्त स्थान होते हैं।

1 9 50 के दशक में, मूर ने 1 9 58 में पेरिस में यूनेस्को भवन के लिए एक रेखांकन आंकड़े सहित तेजी से महत्वपूर्ण कमीशन प्राप्त करना शुरू किया। कला के कई और सार्वजनिक कार्यों के साथ, मूर की मूर्तियों का स्तर काफी बढ़ गया। मूर के जीवन के पिछले तीन दशकों में इसी तरह की नसों में जारी रहा, दुनिया भर में कई प्रमुख पूर्वदर्शी हो रहे हैं, विशेष रूप से फ्लोरेंस के सामने फोर्ट डी बेलवेरेरे के मैदानों में 1 9 72 की गर्मियों में एक प्रमुख प्रदर्शनी है। 1 9 70 के दशक के अंत तक, उनके काम की विशेषता वाले साल में 40 प्रदर्शनियां थीं। दिसम्बर 1 9 67 में शिकागो विश्वविद्यालय के परिसर में, एनरिको फर्मी के नेतृत्व में भौतिकविदों की टीम के बाद 25 साल पहले, पहली नियंत्रित, आत्मनिर्भर परमाणु श्रृंखला प्रतिक्रिया प्राप्त हुई, मूर की परमाणु ऊर्जा का अनावरण किया गया। शिकागो में भी, मूर ने एक बड़े कांस्य छद्म, स्थानीय रूप से नामित मैन इंटर द कॉसमॉस (1 9 80) के साथ विज्ञान का जश्न मनाया, जिसे अंतरिक्ष अन्वेषण कार्यक्रम को पहचानने के लिए कमीशन किया गया था।

फ्रांसिस बेकन (1 9 0 9 -1 99 2), लूसियान फ्रायड (1 9 22-2011), फ्रैंक एयूरबाक (1 9 31 का जन्म), लियोन कोसॉफ (जन्म 1 9 26) और माइकल एंड्रयूज (1 928-199 5) समेत चित्रकारी चित्रकारों के “लंदन स्कूल” व्यापक अंतरराष्ट्रीय मान्यता प्राप्त की।

फ्रांसिस बेकन एक आयरिश पैदा हुए ब्रिटिश मूर्तिकला चित्रकार थे जो उनके बोल्ड, ग्राफिक और भावनात्मक रूप से कच्चे इमेजरी के लिए जाने जाते थे। उनके चित्रकारी लेकिन अमूर्त आंकड़े आम तौर पर फ्लैट, नॉनस्क्रिप्टस्क्रिप्ट पृष्ठभूमि के खिलाफ सेट ग्लास या स्टील ज्यामितीय पिंजरों में अलग दिखाई देते हैं। बेकन ने अपने शुरुआती 20 के दशक में चित्रकला शुरू की लेकिन 30 के दशक के मध्य तक केवल स्पोराडिक रूप से काम किया। उनकी सफलता 1 9 44 के त्रिभुज थ्री स्टडीज फॉर फिगर्स के आधार पर एक क्रूसीफिक्शन के आधार पर आई, जिसने मानव प्रतिष्ठा के विशिष्ट रूप से अंधेरे इतिहासकार के रूप में अपनी प्रतिष्ठा को सील कर दिया। उनके आउटपुट को क्रुद्ध रूप से वर्णित किया जा सकता है जिसमें एक ही प्रारूप पर अनुक्रम या भिन्नता शामिल है; 1 9 40 के दशक के शुरू में पुरुष सिर कमरे में अलग हो गए, 1 9 50 के दशक की शुरुआत में पॉपों की चिल्लाती हुई, और 1 9 50 के दशक के अंत तक जानवरों और अकेले आंकड़े ज्यामितीय संरचनाओं में निलंबित हो गए। इसके बाद 1 9 60 के दशक के आरंभ में त्रिपीक प्रारूप में क्रूस पर चढ़ाई के आधुनिक बदलाव हुए। 1 9 60 के दशक के मध्य से लेकर 1 9 70 के दशक तक, बेकन ने मुख्य रूप से दोस्तों के कट्टरपंथी चित्रों का उत्पादन किया। 1 9 71 में अपने प्रेमी जॉर्ज डायर की आत्महत्या के बाद, उनकी कला अधिक व्यक्तिगत, अंदरूनी दिख रही थी, और मौत की थीम और प्रकृति के साथ व्यस्त थी। अपने जीवनकाल के दौरान, बेकन को समान रूप से बदनाम और प्रशंसित किया गया था।

लूसियान फ्रायड एक जर्मन-जन्मी ब्रिटिश चित्रकार था, जिसे मुख्य रूप से अपने मोटे तौर पर छेड़छाड़ वाले चित्र और चित्र चित्रों के लिए जाना जाता था, जिसे व्यापक रूप से अपने समय के पहले प्रसिद्ध ब्रिटिश कलाकार माना जाता था। उनके काम उनके मनोवैज्ञानिक प्रवेश के लिए और कलाकार और मॉडल के बीच संबंधों की अक्सर असुविधाजनक परीक्षा के लिए प्रसिद्ध हैं। न्यू यॉर्क टाइम्स के विलियम ग्रिम्स के मुताबिक, “लुसीन फ्रायड और उनके समकालीनों ने 20 वीं शताब्दी में चित्र चित्रकला को बदल दिया। गर्ल विद ए व्हाइट डॉग (1 9 51-52) जैसी पेंटिंग्स में, फ्रायड ने सेवा में पारंपरिक यूरोपीय चित्रकला की चित्रमय भाषा डाली चित्रकला की एक विरोधी रोमांटिक, टकराव की शैली जिसने सीटर के सामाजिक मुखौटे को तोड़ दिया। साधारण लोग- उनमें से कई ने अपने दोस्तों को कैनवास से व्यापक रूप से देखा, कलाकार के क्रूर निरीक्षण के लिए कमजोर। ”

अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के बाद 1 9 60 के दशक में
1 9 50 और 1 9 60 के दशक के दौरान अमूर्त चित्रकला में कठोर एजिंग पेंटिंग और ज्यामितीय अमूर्तता के अन्य रूपों जैसे कई नए दिशानिर्देश कलाकार स्टूडियो में और कट्टरपंथी अवंत-गार्डे सर्किलों में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के विषयवाद के प्रति प्रतिक्रिया के रूप में दिखाई देने लगे। क्लेमेंट ग्रीनबर्ग पोस्ट-पेंटरली अबास्ट्रक्शन की आवाज़ बन गईं जब उन्होंने 1 9 64 में संयुक्त राज्य भर में महत्वपूर्ण कला संग्रहालयों का दौरा करने वाले नए चित्रकला की प्रभावशाली प्रदर्शनी को क्यूरेट किया। रंगीन फ़ील्ड पेंटिंग, हार्ड एज पेंटिंग और गीतात्मक अमूर्त कट्टरपंथी नई दिशाओं के रूप में उभरा।

हालांकि, 1 9 60 के दशक के उत्तरार्ध में, प्रारंभिकता, प्रक्रिया कला और आर्टे पोवर भी क्रांतिकारी अवधारणाओं और आंदोलनों के रूप में उभरे, जिसमें चित्रकला और मूर्तिकला दोनों शामिल थे, गीतकार अमूर्तता और प्रारंभिक आंदोलन के माध्यम से, और प्रारंभिक वैचारिक कला में। पोलॉक सक्षम कलाकारों द्वारा शैली की कला, सामग्री, सामग्री, प्लेसमेंट, समय की भावना, और प्लास्टिक और वास्तविक स्थान के विविध विश्वकोष का उपयोग करने और प्रयोग करने के लिए प्रेरित कला की प्रक्रिया। नैन्सी ग्रेव्स, रोनाल्ड डेविस, हावर्ड होडकिन, लैरी पॉन्स, जेनीस कौनेलिस, ब्रिस मार्डन, कॉलिन मैककॉन, ब्रूस नौमन, रिचर्ड टटल, एलन सैरेट, वाल्टर डार्बी बानार्ड, लिंडा बेंगलिस, डेन क्रिस्टेंसेन, लैरी ज़ॉक्स, रोनी लैंडफील्ड, ईवा हेसे, कीथ सोनियर, रिचर्ड सेरा, सैम गिलियम, मारियो मेर्ज़ और पीटर रेजिनाटो कुछ युवा कलाकार थे जो 1 9 60 के उत्तरार्ध के अंत में कला के उत्तरार्ध में उभरकर आधुनिकतावाद के युग के दौरान उभरे।

पॉप कला
1 9 62 में सिडनी जेनिस गैलरी ने न्यूयॉर्क सिटी में एक अपटाउन आर्ट गैलरी में पहली बड़ी पॉप आर्ट ग्रुप प्रदर्शनी द न्यू रियलिस्ट्स को घुमाया। जेनिस ने 15 ई। 57 वीं स्ट्रीट पर अपनी गैलरी के पास 57 वें स्ट्रीट स्टोरफ्रंट में प्रदर्शनी की शुरुआत की। इस शो ने न्यूयॉर्क स्कूल के माध्यम से शॉकवेव भेजे और दुनिया भर में फिर से बदल दिया। इससे पहले 1 9 58 में इंग्लैंड में “पॉप आर्ट” शब्द का उपयोग लॉरेंस स्वीका द्वारा चित्रों का वर्णन करने के लिए किया गया था, जो द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के उपभोक्तावाद का जश्न मनाते थे। इस आंदोलन ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को खारिज कर दिया और कला के पक्ष में हर्मेन्यूटिक और मनोवैज्ञानिक इंटीरियर पर इसका ध्यान केंद्रित किया जो बड़े पैमाने पर उत्पादन युग की सामग्री उपभोक्ता संस्कृति, विज्ञापन और प्रतीकात्मक चित्रण और अक्सर मनाया जाता है। डेविड होकनी के प्रारंभिक कार्यों और रिचर्ड हैमिल्टन और एडुआर्डो पाओलोज़ज़ी के काम (जिन्होंने ग्राउंडब्रैकिंग बनाया था, मैं रिच मैन प्लेइंग, 1 9 47) आंदोलन में मौलिक उदाहरण माना जाता था। इस बीच, न्यूयॉर्क के पूर्वी गांव 10 वीं स्ट्रीट दीर्घाओं के शहर के दृश्य में, कलाकार पॉप आर्ट का एक अमेरिकी संस्करण तैयार कर रहे थे। क्लेस ओल्डनबर्ग का स्टोरफ्रंट था, और 57 वीं स्ट्रीट पर ग्रीन गैलरी टॉम वेस्सेलमैन और जेम्स रोसेनक्विस्ट के कामों को दिखाना शुरू कर दिया। बाद में लियो कास्टेलि ने अपने अधिकांश करियर के लिए एंडी वॉरहोल और रॉय लिचेंस्टीन के अन्य अमेरिकी कलाकारों के कार्यों का प्रदर्शन किया। मार्सेल डचैम्प और मैन रे के कट्टरपंथी कार्यों, विनोदी भावनाओं के साथ विद्रोही दादावादियों और क्लेस ओल्डनबर्ग, एंडी वॉरहोल और रॉय लिचेंस्टीन जैसे पॉप कलाकारों के बीच एक संबंध है, जिनकी पेंटिंग्स बेन-डे डॉट्स के रूप में पुन: पेश करती हैं, तकनीक वाणिज्यिक प्रजनन में प्रयोग किया जाता है।

अतिसूक्ष्मवाद
न्यूनतमता कला और डिजाइन, विशेष रूप से दृश्य कला और संगीत के विभिन्न रूपों में आंदोलनों का वर्णन करती है, जिसमें कलाकार सभी अनिवार्य रूपों, विशेषताओं या अवधारणाओं को समाप्त करने के माध्यम से किसी विषय के सार या पहचान का पर्दाफाश करना चाहते हैं। न्यूनतमता कोई भी डिज़ाइन या शैली है जिसमें अधिकतम प्रभाव बनाने के लिए सबसे सरल और सबसे कम तत्वों का उपयोग किया जाता है।

कलाओं में एक विशिष्ट आंदोलन के रूप में इसे द्वितीय विश्व युद्ध के बाद पश्चिमी कला में विकास के साथ पहचाना जाता है, जो 1 9 60 के दशक और 1 9 70 के दशक के आरंभ में अमेरिकी दृश्य कलाओं के साथ सबसे दृढ़ता से है। इस आंदोलन से जुड़े प्रमुख कलाकारों में डोनाल्ड जुड, जॉन मैकक्रैकन, एग्नेस मार्टिन, डेन फ्लैविन, रॉबर्ट मॉरिस, रोनाल्ड ब्लैडन, ऐनी ट्रुइट और फ्रैंक स्टेला शामिल हैं। यह आधुनिकता के अपरिवर्तनीय पहलुओं से निकला है और अक्सर सार अभिव्यक्तिवाद और पोस्टमिनेमल कला प्रथाओं के लिए एक पुल के खिलाफ प्रतिक्रिया के रूप में व्याख्या की जाती है। 1 9 60 के दशक के आरंभ तक minimalism कला में एक अमूर्त आंदोलन के रूप में उभरा (Kazimir Malevich, बौउउस और Piet Mondrian के ज्यामितीय अमूर्तता में जड़ों के साथ) जो संबंधपरक और व्यक्तिपरक चित्रकला, अमूर्त अभिव्यक्तिवादी सतहों की जटिलता, और भावनात्मक zeitgeist के विचार को खारिज कर दिया और एक्शन पेंटिंग के क्षेत्र में मौजूद पोलमिक्स। न्यूनतमता ने तर्क दिया कि चरम सादगी कला में आवश्यक सभी उत्कृष्ट प्रतिनिधित्व को पकड़ सकती है। न्यूनतमता को या तो आधुनिकतावाद के लिए एक अग्रदूत के रूप में या एक आधुनिक आधुनिक आंदोलन के रूप में माना जाता है। बाद के परिप्रेक्ष्य में, शुरुआती minimalism ने उन्नत आधुनिकतावादी कार्यों को जन्म दिया, लेकिन आंदोलन ने आंशिक रूप से इस दिशा को त्याग दिया जब रॉबर्ट मॉरिस जैसे कुछ कलाकारों ने विरोधी रूप आंदोलन के पक्ष में दिशा बदल दी।

हेल ​​फोस्टर, अपने निबंध द क्रूक्स ऑफ मिनिमलिज्म में, इस बात की जांच करता है कि डोनाल्ड जुड और रॉबर्ट मॉरिस दोनों ने न्यूनतमता की अपनी प्रकाशित परिभाषाओं में ग्रीनबेरियन आधुनिकता को स्वीकार करते हुए और उससे अधिक की पुष्टि की। उनका तर्क है कि minimalism आधुनिकता का “मृत अंत” नहीं है, बल्कि “आधुनिक आधुनिक प्रथाओं के प्रति एक आदर्श बदलाव है जो आज विस्तारित है।”

शब्दों में संगीत में एक आंदोलन को शामिल करने के लिए विस्तार किया गया है जिसमें ला मोंटे यंग, ​​टेरी रिले, स्टीव रीच, फिलिप ग्लास और जॉन एडम्स की रचनाओं के रूप में इस तरह की दोहराव और पुनरावृत्ति शामिल है। Minimalist रचनाओं को कभी-कभी सिस्टम संगीत के रूप में जाना जाता है। “Minimalist” शब्द अक्सर बोलचाल से किसी भी चीज को संदर्भित करता है जो इसके आवश्यक या अतिरिक्त है। इसका इस्तेमाल सैमुअल बेकेट, रॉबर्ट ब्रेसन की फिल्म, रेमंड कार्वर की कहानियों और कॉलिन चैपलैन के ऑटोमोबाइल डिज़ाइनों के नाटकों और उपन्यासों का वर्णन करने के लिए भी किया गया है।

उत्तरअतिसूक्ष्मवाद
1 9 60 के दशक के अंत में रॉबर्ट पिंकस-विटन ने कम से कम व्युत्पन्न कला का वर्णन करने के लिए “postminimalism” शब्द बनाया, जिसमें सामग्री और संदर्भित ओवरटोन थे जो minimalism अस्वीकार कर दिया गया था। इस शब्द को पिनसस-व्हिटन द्वारा ईवा हेसे, कीथ सोनियर, रिचर्ड सेरा के काम और पूर्व कम से कम रॉबर्ट स्मिथसन, रॉबर्ट मॉरिस, सोल लेविट, बैरी ले वा और अन्य लोगों के काम पर लागू किया गया था। डोनाल्ड जुड, डैन फ्लैविन, कार्ल आंद्रे, एग्नेस मार्टिन, जॉन मैकक्रैकन और अन्य सहित अन्य कम्युनिस्टों ने अपने करियर के रहने वालों के लिए देर से आधुनिकतावादी चित्रकला और मूर्तिकला का उत्पादन जारी रखा।

तब से, कई कलाकारों ने न्यूनतम या प्रारंभिक शैलियों को गले लगा लिया है, और लेबल “पोस्टमोडर्न” उनके साथ जुड़ा हुआ है।

कोलाज, संयोजन, प्रतिष्ठानों
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से संबंधित कलाकार सामग्री के साथ निर्मित वस्तुओं के संयोजन का उद्भव था, जो पेंटिंग और मूर्तिकला के पिछले सम्मेलनों से दूर जा रहा था। रॉबर्ट रोशचेनबर्ग का काम इस प्रवृत्ति का उदाहरण है। 1 9 50 के दशक में उनका “संयोजन” पॉप कला और स्थापना कला के अग्रदूत थे, और भरे हुए जानवरों, पक्षियों और वाणिज्यिक तस्वीरों सहित बड़ी भौतिक वस्तुओं के संयोजनों का उपयोग करते थे। रौशचेनबर्ग, जैस्पर जॉन्स, लैरी नदियों, जॉन चेम्बरलेन, क्लेस ओल्डनबर्ग, जॉर्ज सेगल, जिम डाइन और एडवर्ड किएनहोल्ज़ दोनों अमूर्तता और पॉप कला के महत्वपूर्ण अग्रदूतों में से एक थे। कला बनाने के नए सम्मेलनों का निर्माण, उन्होंने गंभीर समकालीन कला मंडलियों में असंभव सामग्रियों के अपने कार्यों में कट्टरपंथी समावेशन में स्वीकार्य बना दिया। कोलाज का एक अन्य अग्रदूत जोसेफ कॉर्नेल था, जिसका अधिक घनिष्ठ रूप से काम किया गया काम उसकी निजी प्रतीकात्मकता और पाए गए वस्तुओं के उपयोग के कारण कट्टरपंथी के रूप में देखा गया था।

नव-दादा
20 वीं शताब्दी की शुरुआत में मार्सेल डचैम्प ने एक मूर्ति के रूप में एक मूत्र प्रदर्शनी के लिए प्रस्तुत किया। उन्होंने अपने इरादे का दावा किया कि लोग मूत्र को देखते हैं जैसे कि यह कला का काम था क्योंकि उन्होंने कहा कि यह कला का काम था। उन्होंने अपने काम को “रेडीमेड्स” के रूप में संदर्भित किया। फाउंटेन छद्म नाम “आर। मठ” के साथ हस्ताक्षर किए गए मूत्र थे, जिसकी प्रदर्शनी ने 1 9 17 में कला की दुनिया को चौंका दिया था। यह और डचैम्प के अन्य कार्यों को आमतौर पर दादा के रूप में लेबल किया जाता है। डचैम्प को वैचारिक कला के अग्रदूत के रूप में देखा जा सकता है, अन्य प्रसिद्ध उदाहरण जॉन केज के 4’33 “हैं, जो चार मिनट और तीस तीन सेकंड चुप्पी है, और रोशनबर्ग के मिटाए गए डी कुनिंग ड्रॉइंग। कई वैचारिक कार्य इस स्थिति को लेते हैं कि कला दर्शकों का परिणाम किसी ऑब्जेक्ट को देखने या कला के रूप में कार्य करने के परिणाम, काम के आंतरिक गुणों के नहीं। “जीवन का एक सामान्य लेख” चुनने और “उस वस्तु के लिए एक नया विचार” बनाने में “डचैम्प ने दर्शकों को एक मूर्तिकला के रूप में फव्वारे को देखने के लिए आमंत्रित किया ।

मार्सेल डचैम्प ने शतरंज के पक्ष में प्रसिद्ध “कला” छोड़ दिया। अवंत-गार्डे संगीतकार डेविड ट्यूडर ने लोले क्रॉस के साथ संयुक्त रूप से लिखा एक टुकड़ा, रीयूनियन (1 9 68) बनाया, जिसमें शतरंज का खेल है जिसमें प्रत्येक कदम प्रकाश प्रभाव या प्रक्षेपण को ट्रिगर करता है। डचैम्प और केज ने काम के प्रीमियर में गेम खेला।

स्टीवन बेस्ट और डगलस केलरर आधुनिकतावाद और आधुनिकतावाद के बीच, डचैम्प से प्रभावित संक्रमणकालीन चरण के हिस्से के रूप में रोशचेनबर्ग और जैस्पर जॉन्स की पहचान करते हैं। उच्च आधुनिकतावाद के अमूर्त और चित्रकारी संकेतों को बनाए रखते हुए दोनों ने सामान्य वस्तुओं, या वस्तुओं को अपने काम में इस्तेमाल किया।

प्रदर्शन और घटनाएं
1 9 50 और 1 9 60 के दशक के उत्तरार्ध में कलाकारों ने समकालीन कला की सीमाओं को धक्का देना शुरू किया। फ्रांस में यवेस क्लेन, न्यूयॉर्क शहर में कैरोली शनीमैन, यायोई कुसामा, चार्लोट मूरमन और योको ओनो, और जर्मनी में जोसेफ बेयूस, वुल्फ वोस्टेल और नाम जून पैक कला के प्रदर्शन-आधारित कार्यों के अग्रणी थे। जूलियन बेक और जूडिथ मालिना के साथ लिविंग थियेटर जैसे समूह ने मूर्तियों और चित्रकारों के साथ वातावरण बनाये, जो दर्शकों और कलाकारों के बीच संबंधों को मूल रूप से बदलते थे, खासकर अपने टुकड़े पैराडाइज नाउ में। जुडसन डांस थिएटर, न्यूयॉर्क के जुडसन मेमोरियल चर्च में स्थित है; और जुडसन नर्तकियों, विशेष रूप से यवोन रेनर, ट्रिशा ब्राउन, ईलेन समर्स, सैली ग्रॉस, साइमन फोर्टी, डेबोरा हे, लुसिंडा चाइल्ड्स, स्टीव पैक्सटन और अन्य; कलाकार रॉबर्ट मॉरिस, रॉबर्ट व्हिटमैन, जॉन केज, रॉबर्ट रोशचेनबर्ग और बिली क्लुवर जैसे इंजीनियरों के साथ सहयोग किया। पार्क प्लेस गैलरी इलेक्ट्रॉनिक संगीतकार स्टीव रीच, फिलिप ग्लास, और जोन जोनास सहित अन्य उल्लेखनीय प्रदर्शन कलाकारों द्वारा संगीत प्रदर्शन के लिए एक केंद्र था।

इन प्रदर्शनों को मूर्तिकला, नृत्य, और संगीत या ध्वनि के संयोजन के साथ अक्सर एक नए कला रूप के कार्यों के रूप में लक्षित किया गया था, अक्सर दर्शक भागीदारी के साथ। वे minimalism के अपरिवर्तनीय दर्शन और सहज अभिव्यक्ति और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की अभिव्यक्ति की विशेषता थी। सदमे के टुकड़ों के प्रदर्शन के श्मेमन के चित्रों की छवियों को कभी-कभी इस तरह की कला को चित्रित करने के लिए उपयोग किया जाता है, और उन्हें अक्सर अपने टुकड़े आंतरिक स्क्रॉल करते समय फोटोग्राफ देखा जाता है। हालांकि, इस टुकड़े को करने की उनकी छवियां सटीक रूप से बता रही हैं कि प्रदर्शन कला क्या नहीं है। प्रदर्शन कला में, प्रदर्शन ही माध्यम है। अन्य मीडिया प्रदर्शन कला को चित्रित नहीं कर सकते हैं। प्रदर्शन कला का प्रदर्शन किया जाता है, कब्जा नहीं किया जाता है। अपने प्रकृति के प्रदर्शन से क्षणिक और अपरिवर्तनीय है, जो कला के रूप में माध्यम के बिंदु का हिस्सा है। अन्य मीडिया में प्रदर्शन कला के प्रतिनिधियों, चाहे छवि, वीडियो, कथा या अन्यथा, अंतरिक्ष या समय में दृश्य के कुछ बिंदुओं का चयन करें या अन्यथा प्रत्येक माध्यम की अंतर्निहित सीमाएं शामिल करें, और इसलिए कला के रूप में प्रदर्शन के माध्यम को वास्तव में स्पष्ट नहीं कर सकते हैं।

इसी अवधि के दौरान, विभिन्न अवंत-गार्डे कलाकारों ने विभिन्न निर्दिष्ट स्थानों में कलाकारों और उनके मित्रों और रिश्तेदारों की घटनाओं, रहस्यमय और अक्सर सहज और अनुसूचित सभाओं का निर्माण किया, अक्सर बेतुकापन, शारीरिकता, परिधान, सहज नग्नता, और विभिन्न यादृच्छिक या प्रतीत होता है डिस्कनेक्ट किए गए कार्य घटनाओं के उल्लेखनीय रचनाकारों में एलन कप्रो शामिल थे – जिन्होंने पहली बार 1 9 58 में क्लेस ओल्डनबर्ग, जिम डाइन, रेड ग्रूम और रॉबर्ट व्हिटमैन का इस्तेमाल किया था।

इंटरमीडिया, बहु-मीडिया
कला में एक और प्रवृत्ति जो पोस्टमोडर्न शब्द से जुड़ी हुई है, कई अलग-अलग मीडिया का उपयोग एक साथ है। इंटरमीडिया डिक हिगिन्स द्वारा बनाई गई एक शब्द है और फ्लक्सस, कंक्रीट कविता, वस्तुओं, प्रदर्शन कला और कंप्यूटर कला के आधार पर नए कला रूपों को व्यक्त करने का मतलब है। हिगिन्स समथिंग एल्स प्रेस के प्रकाशक थे, एक ठोस कवि कलाकार एलिसन नोल्स से शादी कर चुके थे और मार्सेल डचैम्प के प्रशंसक थे। इबहा हसन में आधुनिक कला की विशेषताओं की सूची में “इंटरमीडिया, रूपों का संलयन, क्षेत्रों का भ्रम” शामिल है। “बहु-मीडिया कला” के सबसे आम रूपों में से एक वीडियो-टेप और सीआरटी मॉनीटर का उपयोग है, जिसे वीडियो आर्ट कहा जाता है। जबकि एक कला में कई कलाओं को संयोजित करने का सिद्धांत काफी पुराना है, और समय-समय पर पुनर्जीवित किया गया है, आधुनिक अभिव्यक्ति अक्सर प्रदर्शन कला के संयोजन में होती है, जहां नाटकीय उप-पाठ हटा दिया जाता है, और जो बचा है वह कलाकार के विशिष्ट बयान है प्रश्न या उनकी कार्रवाई के वैचारिक बयान।

फ्लक्सस
फ्लोरस का नाम 1 9 62 में जॉर्ज मैसिनास (1 931-78), लिथुआनियाई जन्मे अमेरिकी कलाकार द्वारा नामित और ढीला रूप से व्यवस्थित किया गया था। फ्लक्सस ने न्यू यॉर्क शहर में न्यू स्कूल फॉर सोशल रिसर्च में जॉन कैज के 1 9 57 से 1 9 5 9 प्रायोगिक रचना कक्षाओं की शुरुआत की। उनके कई छात्र संगीत में बहुत कम या कोई पृष्ठभूमि वाले अन्य मीडिया में काम कर रहे कलाकार थे। केज के छात्रों में फ्लक्सस के संस्थापक सदस्य जैक्सन मैक लो, अल हैंनसेन, जॉर्ज ब्रेच और डिक हिगिन्स शामिल थे।

फ्लक्सस ने जटिलता पर अपने आप को सौंदर्य और मूल्यवान सादगी को प्रोत्साहित किया। इससे पहले दादा की तरह, फ्लक्सस ने एंटी-कमर्शियलिज्म और एक एंटी-आर्ट सेंसिबिलिटी का एक मजबूत प्रवाह शामिल किया, जो परंपरागत बाजार संचालित कला दुनिया को कलाकार-केंद्रित रचनात्मक अभ्यास के पक्ष में अपमानित करता था। फ्लक्सस कलाकारों ने जो कुछ भी काम किया था, उसके साथ काम करना पसंद किया, और या तो अपने सहयोगियों के साथ सृजन प्रक्रिया में अपना स्वयं का काम बनाया या सहयोग किया।

एंड्रियास ह्यूसेन ने पोस्टमोडर्निज़्म के लिए फ्लक्सस का दावा करने के प्रयासों की आलोचना की है, “या तो आधुनिकतावाद का मास्टर-कोड या अंततः अप्रत्याशित कला आंदोलन – जैसा कि यह था, आधुनिकतावाद का उत्कृष्टता।” इसके बजाय वह अवंत-गार्डे परंपरा के भीतर फ्लक्सस को एक प्रमुख नियो-दादावादी घटना के रूप में देखता है। यह कलात्मक रणनीतियों के विकास में एक प्रमुख प्रगति का प्रतिनिधित्व नहीं करता था, हालांकि इसने 1 9 50 के दशक की प्रशासित संस्कृति के खिलाफ विद्रोह व्यक्त किया था, जिसमें एक मध्यम, पालतू आधुनिकतावाद शीत युद्ध के वैचारिक प्रस्ताव के रूप में कार्य करता था। ”

देर अवधि
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, रंग क्षेत्र चित्रकला, गीतात्मक अमूर्तता, ज्यामितीय अमूर्तता, minimalism, अमूर्त भ्रमवाद, प्रक्रिया कला, पॉप कला, postminimalism, और 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पेंटिंग और मूर्तिकला दोनों में आधुनिकतावादी आंदोलन 21 वीं के पहले दशक के माध्यम से जारी रखा सदी और उन माध्यमों में कट्टरपंथी नई दिशाओं का गठन।

21 वीं शताब्दी के अंत में, सर एंथनी कैरो, लुसीन फ्रायड, साइ टॉम्बलली, रॉबर्ट रोशचेनबर्ग, जैस्पर जॉन्स, एग्नेस मार्टिन, अल हेल्ड, एल्सवर्थ केली, हेलेन फ्रैंकेंथलर, फ्रैंक स्टेला, केनेथ नोलैंड, जुल्स ओलिट्स्की जैसे अच्छी तरह से स्थापित कलाकार , क्लेस ओल्डनबर्ग, जिम डाइन, जेम्स रोसेनक्विस्ट, एलेक्स काट्ज़, फिलिप पर्लस्टीन, और ब्राइस मार्डन, चक क्लोज, सैम गिलियम, इसहाक विटकिन, शॉन स्कूली, महिरवान ममटानी, जोसेफ नेचवाताल, एलिजाबेथ मरे, लैरी पून्स, रिचर्ड सेरा सहित छोटे कलाकार, वाल्टर डार्बी बानार्ड, लैरी ज़ॉक्स, रोनी लैंडफील्ड, रोनाल्ड डेविस, डेन क्रिस्टेंसेन, जोएल शापिरो, टॉम ओटर्नेस, जोन स्नाइडर, रॉस ब्लेकर, आर्ची रैंड, सुसान क्रिल और अन्य ने महत्वपूर्ण और प्रभावशाली चित्रों और मूर्तिकला का उत्पादन जारी रखा।

आधुनिकता और आधुनिकतावाद के बीच मतभेद
1 9 80 के दशक की शुरुआत में कला और वास्तुकला में आधुनिक आंदोलन ने विभिन्न वैचारिक और इंटरमीडिया प्रारूपों के माध्यम से अपनी स्थिति स्थापित करना शुरू कर दिया। संगीत और साहित्य में आधुनिकतावाद पहले ही पकड़ना शुरू कर दिया था। संगीत में, एक संदर्भ कार्य में पोस्टमोडर्निज्म का वर्णन “1 9 70 के दशक में पेश किया जाने वाला शब्द” के रूप में किया जाता है, जबकि ब्रिटिश साहित्य में ब्रिटिश साहित्य के ऑक्सफोर्ड विश्वकोष ने आधुनिकता को “आधुनिकतावाद के लिए अपने प्रावधान का पालन करना” देखा है। हालांकि, तिथियां हैं अत्यधिक बहस करने योग्य, विशेष रूप से एंड्रियास ह्यूसेन के अनुसार: “एक आलोचक का आधुनिकतावाद एक और आलोचक का आधुनिकता है।” इसमें वे लोग शामिल हैं जो दोनों के बीच विभाजन की आलोचना करते हैं और उन्हें एक ही आंदोलन के दो पहलुओं के रूप में देखते हैं, और मानते हैं कि देर से आधुनिकता जारी है।

आधुनिकता सांस्कृतिक आंदोलनों की एक विस्तृत विविधता के लिए एक व्यापक लेबल है। Postmodernism अनिवार्य रूप से एक केंद्रीकृत आंदोलन है जो स्वयं को समाजशास्त्रीय सिद्धांत के आधार पर नामित किया गया है, हालांकि शब्द अब 20 वीं शताब्दी के बाद की गतिविधियों को संदर्भित करने के लिए व्यापक अर्थ में उपयोग किया जाता है, जो आधुनिकता के बारे में जागरूकता प्रदर्शित करता है और पुन: व्याख्या करता है।

आधुनिक सिद्धांत का कहना है कि “तथ्य के बाद” आधुनिकतावाद को दूर करने का प्रयास अविनाशी विरोधाभासों के लिए बर्बाद हो गया है।

एक संक्षिप्त अर्थ में, आधुनिकतावादी क्या आवश्यक नहीं था। आधुनिकता के उन तत्वों ने तर्कसंगतता और सामाजिक-तकनीकी प्रगति के लाभों को बढ़ाया, केवल आधुनिकतावादी थे।

अफ्रीका और एशिया में आधुनिकतावाद
“आधुनिकतावादी अवधारणाएं, विशेष रूप से सौंदर्य स्वायत्तता, एंग्लोफोन अफ्रीका में विलुप्त होने के साहित्य के लिए मूलभूत थीं।” रजत नियोगी, क्रिस्टोफर ओकिगो, और वोल सोयांका, लेखक के बीच थे, जिन्होंने “औपनिवेशिक बंधन से अपनी स्वतंत्रता घोषित करने के लिए सौंदर्य स्वायत्तता के आधुनिकतावादी संस्करणों को पुनर्जीवित किया, नस्लीय भेदभाव की प्रणाली से, और यहां तक ​​कि नए औपनिवेशिक राज्य से भी।”

“आधुनिकतावाद” और “आधुनिकतावादी” शब्द हाल ही में आधुनिक जापानी साहित्य पर अंग्रेजी में मानक भाषण का हिस्सा बन गए हैं और पश्चिमी यूरोपीय आधुनिकता के साथ-साथ उनकी प्रामाणिकता से संबंधित संदेह भी बने रहे हैं। इस तरह के “जाने-माने जापानी लेखकों को कबाबता यासुनारी, नागाई काफू, और जूनिचिरो तनिज़ाकी” के रूप में “निश्चित रूप से मॉडेन गद्य” दिया गया है। हालांकि, “दृश्य और ललित कला, वास्तुकला, और कविता में विद्वानों ने 1 9 20 और 1 9 30 के दशक में जापानी संस्कृति का वर्णन और विश्लेषण करने के लिए एक महत्वपूर्ण अवधारणा के रूप में” मोडानिज़ुमु “को आसानी से गले लगा लिया।

1 9 24 में, कबाबता यासुनारी समेत विभिन्न युवा लेखकों, Riichi Yokomitsu ने एक साहित्यिक पत्रिका बंगी जिदाई (“द आर्टिस्टिक एज”) शुरू किया। यह पत्रिका कला के लिए ‘कला का हिस्सा’ आंदोलन था, जो यूरोपीय क्यूबिज्म, अभिव्यक्तिवाद, दादा और अन्य आधुनिकतावादी शैलियों से प्रभावित थी। ”

जापानी आधुनिकतावादी वास्तुकार केंजो तंज (1 913 – 2005} 20 वीं शताब्दी के सबसे महत्वपूर्ण वास्तुकारों में से एक था, आधुनिकता के साथ पारंपरिक जापानी शैलियों का संयोजन, और पांच महाद्वीपों पर प्रमुख इमारतों को डिजाइन किया गया था। तांगता भी मेटाबोलिस्ट आंदोलन का एक प्रभावशाली संरक्षक था। : “मुझे विश्वास था, लगभग 1 9 5 9 या साठ के दशक की शुरुआत में मैंने सोचना शुरू किया था कि बाद में मुझे संरचनात्मकता कहने के लिए क्या कहा गया था”, वह स्विस आधुनिकतावादी ले कॉर्बूसियर द्वारा शुरुआती उम्र से प्रभावित थे, तांग ने अंतर्राष्ट्रीय प्राप्त किया 1 9 4 9 में मान्यता जब उन्होंने हिरोशिमा पीस मेमोरियल पार्क के डिजाइन के लिए प्रतियोगिता जीती।

चीन में “न्यू सेंसेशंसिस्ट्स” (新 感觉 派) शंघाई स्थित लेखकों का एक समूह था, जो 1 9 30 और 1 9 40 के दशक में पश्चिमी और जापानी आधुनिकतावाद से भिन्न डिग्री के लिए प्रभावित थे। उन्होंने कथाएं लिखीं जो राजनीति या सामाजिक समस्याओं की तुलना में बेहोश और सौंदर्यशास्त्र के साथ अधिक चिंतित थीं। इन लेखकों में से मुई शियाइंग, लियू नाउ, और शि Zhecun थे।

प्रोग्रेसिव आर्टिस्ट्स ग्रुप आधुनिक कलाकारों का एक समूह था, जो मुख्य रूप से मुंबई में स्थित था, भारत का गठन 1 9 47 में हुआ था। हालांकि इसमें किसी विशेष शैली की कमी थी, लेकिन 20 वीं शताब्दी के पहले भाग से यूरोपीय और उत्तरी अमेरिका के प्रभावों के साथ भारतीय कला को संश्लेषित किया गया, जिसमें पोस्ट भी शामिल है – इंप्रेशनवाद, क्यूबिज्म और अभिव्यक्तिवाद।