प्रदर्शनी का संग्रह “पुर्तगाली कला, कारण और भावनाएं”, इसके उन्नीसवीं शताब्दी के मध्य से लेकर 1980 के दशक तक सर्प पिंटो विंग से संग्रहालय के सभी दीर्घाओं पर कब्जा करने वाले अपने अस्थायी आर्क को कवर करता है। यह चित्रण के साथ शुरू होता है, एक अठारहवीं शताब्दी का विषय शायद ही कभी कलाकारों के सामूहिक संवादों में और मिगुएल लुपी, लुसियानो फ्रेयर, वेलोसो सालगाडो, डुआर्टे फारिया और मैया और कॉन्स्टेंट फर्नांडीस द्वारा अज्ञात संवादों में संबोधित किया जाता है।

रोमांटिक और प्रकृतिवादी परिदृश्यों के बीच समानताएं और स्थायित्व प्रस्तुत किए जाते हैं, हालांकि उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के प्राकृतिक प्रकाश, उदासीन प्रतीकों के एहसास और उपचार में उल्लेखनीय, उल्लेखनीय कार्यों से और एंटोनियो पैट्रिसियो और जोस डे ब्रिटो के रूप में थोड़ा संदर्भित लेखकों द्वारा। और हाल ही में शामिल लिगेसी वेलोसो सालगाडो के अप्रकाशित चित्रों का एक सेट खड़ा है।

बीसवीं सदी के शुरुआती दशकों की आधुनिकता की भावना, अमदेव डी सूजा-कार्डसो द्वारा अंतरराष्ट्रीय अवंत-गार्डे के लिंक, विशेष रूप से उनके अमूर्तवादी प्रस्तावों द्वारा व्यक्त की गई, जो बीसवीं शताब्दी के मध्य प्रतियोगिता आंदोलनों और पाउला के नए आलंकारिक मापदंडों के साथ व्यक्त की गई है। रेगो, संग्रहालय के मुख्य दीर्घाओं में। दुर्लभ रूप से एम्मीरिको न्यून्स, एंटोनियो सोरेस, एबेल मंटा, बर्नार्डो मार्केस, मिल्ली पोडेज़, जोर्ज बैराडास, हेन सेमके, जॉर्ज ओलिवेरा और जॉर्ज विएरा के शानदार कोलाज के काम का पता चलता है।

पुर्तगाली कला की यह एक सौ पचास साल की यात्रा लेखकों को दृष्टिकोण और शायद ही कभी दिखाए गए कार्यों, भावनाओं और कलात्मक संवेदनाओं के बीच प्रासंगिक कारणों को व्यक्त करने की अनुमति देती है। क्यूरेटोरियल प्रस्ताव सामाजिक और राजनीतिक निहितार्थों और प्रतिबिंब के आधुनिक तरीके की धारणाओं की ओर इशारा करता है, जो उन्नीसवीं शताब्दी के बाद से, कालानुक्रमिक मार्ग, निरंतरता और परिवर्तनों, पसंद और अवधारणाओं, को सबसे पूर्ण कला में भेद कर रहा है। संग्रह। समकालीन, अगला और मूल, इस प्रकार इस संग्रहालय के नाम को सही ठहराते हुए, 1911 में स्थापित किया गया।

विषय
पुर्तगाली कला प्रदर्शनी। पेंटिंग और ड्रॉइंग, प्रिंटमेकिंग, मूर्तिकला, फोटोग्राफी और वीडियो से युक्त कारण और भावनाएँ, उन्नीसवीं शताब्दी के सात कोर और भाग में विभाजित हैं, रोमांटिक और प्राकृतिक चित्रण और परिदृश्य के साथ, और 2010 तक यात्रा करती है।

“आत्माओं के दर्पण”, “छवि की शक्ति”, “एक आधुनिक संस्कृति”, “चित्रकला से सावधान रहें!”, “संचार और प्रतियोगिता के रूप”, “भाषा और प्रयोग”, “उत्तर-आधुनिकतावाद” शीर्षक हैं। सात कोर।

आत्माओं का दर्पण
उन्नीसवीं शताब्दी की थीम के चित्र पर ध्यान केंद्रित करते हुए, कोलंबो बोर्डो पिनेहिरो, एंटोनियो रामाल्हो, कॉन्स्टेंटिनो फर्नांडिस या वेलोसो सालगाडो जैसे कलाकारों द्वारा काम किया जाता है, दोनों ही अप्रकाशित कार्यों के साथ, अर्थात् पहले से कलाकार के पिता का चित्र और एक जापानी का चित्र। दूसरे से।

छवि की शक्ति
पोर्ट्रेट से प्रकृति और रंगमंच तक, दुनिया के मंचन के रूप में, एक नाभिक में, जो मूर्तिकला के साथ शुरू होता है और एंटोनियो मैनुअल दा फोंसेका द्वारा कभी उजागर नहीं किया जाता है। थिएटर का संबंध भी कला में मौजूद है। 19 वीं सदी की आधुनिकता के प्रलोभन का प्रतिबिंब।

एक आधुनिक संस्कृति
कुछ कलाकारों जैसे कि सोसा लोप्स, बर्नार्डो मार्केस, एंटोनियो सोरेस, एबेल मंटा, एडुआर्डो वियाना या मारियो एलॉय के साथ आधुनिकतावाद लाता है, जो भविष्यवादी सौंदर्यशास्त्र का परिचय देते हैं।

पेंटिंग से सावधान!
अल्माडा नेग्रिएरोस चित्रित चित्रकार है, जिसने लालसा की भावना से पुर्तगाली मातृभूमि को मुक्त करने के लिए, एक रीडिंग, ए नेप, एक्रोबेट्स और हार्लेक्विंस जैसे चित्रों में एक कठोर और द्रव अवलोकन ड्राइंग द्वारा परोसा गया, बेअदबी का विरोध किया। , बैले या इंटीरियर, सभी बीसवीं शताब्दी के मध्य से।

संचार और प्रतियोगिता के रूप
द्वितीय विश्व युद्ध के अंत के साथ नए कलात्मक आंदोलनों, जैसे कि अमूर्ततावाद, न्युरालिज़्म और अतियथार्थवाद, फ़र्नान्डो लन्हास, तेरेज़ा डी अरियागा, एंटोनियो डाकोस्टा, वेस्पेइरा, मारियो सिजेरियन, जॉर्ज विएरा – के चित्रों में यहाँ दिखाई देते हैं। बहुत कम ज्ञात असली लोग – या एलेक्जेंडर ओ’नील।

भाषाएँ और प्रयोग
1960 से 1980 के दशक के कलात्मक आंदोलनों के लिए एक विषय, औपनिवेशिक युद्ध द्वारा निर्धारित परिवर्तन की तात्कालिकता से पैदा हुआ और 1974 की क्रांति के साथ नवीनीकृत हुआ, जिसमें कलाकार पहले से ही ललित कलाओं को पार कर रहे थे। पेरिस, लंदन और बर्लिन में सीज़न में अपने अनुभव के परिणामस्वरूप, गुलबनकियान छात्रवृत्ति के समर्थन के साथ।

पाउला रेगो, लूर्डेस कास्त्रो, जोओ वेइरा, एना हीदरली, एडुआर्डो नेरी जोस एसाडा, एंटोनियो सेना, जॉर्ज पिनेहिरो और जॉर्ज मार्टिन्स जैसे कलाकार इन आंदोलनों के कुछ प्रतिनिधि कलाकार हैं।

पश्चात
उत्तर आधुनिकतावादी विभिन्न अवधारणाओं का रास्ता खोलते हैं, जिनमें स्व-परावर्तन और पहचान शामिल हैं, आधुनिकतावादी वास्तुकला या परिदृश्य की आलोचना, जहाँ फ़ोटोग्राफ़ी का प्रयोग किया गया था, परिदृश्य काल्पनिक नहीं है, बल्कि एक दस्तावेजी रूप, और आधुनिक वास्तुशिल्प कार्यों की आलोचना की जाती है।

जूलीओ सरमेंटो, फर्नांडो कल्हाऊ, विक्टर पोमर, नूनो केरा, पाउलो कैटरिका और फ्रांसिस्को ट्रोपा कुछ ऐसे कलाकार हैं, जिन्होंने प्रदर्शनी के इस अंतिम केंद्र में प्रतिनिधित्व किया।

पुर्तगाली कला की विशेषता
पुर्तगाली कला की समकालीनता 60 के दशक के बाद से, नव-मोहरा के मौलिक लेखकों के काम के माध्यम से, एस्टाडो नोवो की सांस्कृतिक नीति से विरासत में मिली आधुनिकतावादी मूल्यों के साथ टूटने के महत्वपूर्ण क्षणों को प्रस्तुत करती है। 1974 की लोकतांत्रिक क्रांति एक नए राजनीतिक, सामाजिक और सांस्कृतिक संदर्भ की शुरुआत करती है जो आने वाले दशकों में पुर्तगाली कला के प्रयोगात्मक और विषम चरित्र का निर्धारण करेगी। बीसवीं शताब्दी के अंत तक निम्नलिखित दशकों की कलात्मक चित्रमाला, कलात्मक प्रथाओं की स्वायत्तता और कुछ राष्ट्रीय कलाकारों द्वारा नई भाषाओं के अभिषेक द्वारा चिह्नित की जाएगी, जो अंतरराष्ट्रीय परिदृश्य में पुर्तगाली कला को एकीकृत करती है।

समकालीन कला संग्रह के राष्ट्रीय संग्रहालय ने कुछ परिवर्तन प्रस्तुत किए जो 1960 के दशक के बाद से पुर्तगाली कला में हुए हैं, विशेष रूप से इसका सबूत है।

घटनाएँ और यात्राएँ

कुल्टूर (1962)
कुल्तुर जोआकिम रोड्रिगो का सबसे व्यापक और शायद चारित्रिक उत्पादन करने वाला पहला तरीका है। रॉड्रिगो ने अपने पहले से ही परिभाषित सिद्धांत (लाल, पीला, सफेद और काला) के चार प्रमुख रंगों को एक गेरू की पृष्ठभूमि पर मिलाया, कुछ रंगों को समान रंगों के साथ अंकित किया, क्षेत्रों में भरना या उनकी रूपरेखा तैयार करना।

यह कार्य राष्ट्रीय राजनीतिक जीवन से लिया गया एक प्रकरण प्रस्तुत करता है, जिसे अब केवल मान्यता दी गई है, एक पेंटिंग द्वारा पंजीकृत किया गया था जिससे दुनिया के अपने डोमेन और घटनाओं की प्राकृतिक विविधता बढ़ गई थी जो एक समय की रचना करती है।

अंजीर योजनाबद्ध और सिंथेटिक है और स्थलाकृतिक रूपरेखा का उपयोग करता है, रोड्रिगो के पहले के काम से पहले से परिचित दो-आयामी तत्वों का सख्ती से पालन करता है। कथा भी मौजूद है और विमान पर अलगाव में व्यवस्थित दृश्य संकेतों की एक अभिव्यक्ति को संक्रमित करती है। कार्टोग्राफी के साथ समानताएं स्पष्ट हैं और इस चरण से जोकिम रोड्रिगो की पेंटिंग के बारे में हमारी समझ का गठन किया गया है, जो एक आंदोलन, एक यात्रा, या आम तौर पर एक यात्रा का एक हिस्सा के रूप में छोटी धारणाओं की एक व्यवस्था का पता चलता है।

परिदृश्य, जो अनिवार्य रूप से एक पूरे को संदर्भित करता है, कई बलों के एक क्षेत्र के भीतर गायब हो जाता है जो उन धारणाओं का निर्माण करते हैं जो चित्रकार की घटनाओं को घटनाओं के रूप में दर्शाते हैं, उनकी विलक्षणता में अलग-थलग होते हैं, लेकिन प्रतीत होता है कि लगातार हीन आंदोलन के साथ किया जाता है। संकेत अलग-अलग रंगों का सुझाव देते हैं, लंबवत लेआउट के भीतर उनके वितरण के साथ कड़े संबंध में आयोजित, जो यहां एक निरपेक्षता को परिभाषित करता है और अब जहां से पेंटिंग द्वारा बनाए गए स्थान और समय के आयाम सामने आते हैं।

सांता मारिया (1961)
इस टुकड़े के शीर्षक में प्रारंभिक नाम सांता मारिया के नाम का है, जो कि एक लाइनर था जिसे हेनरिक गैल्वो ने पुर्तगाल में राजनीतिक स्थिति के लिए अंतर्राष्ट्रीय समुदाय का ध्यान आकर्षित करने के लिए रखा था। यह पेंटिंग पुर्तगाली कला में एक नया पल शुरू करती है।

यह एपिसोड एक सख्त ऑर्थोगोनल ग्रिड के भीतर व्यवस्थित संकेतों द्वारा सुनाया गया है और एक उत्तेजित पानी से भरे हरे रंग की पृष्ठभूमि पर ऑर्केस्ट्रेटेड किया गया है जहां ऑप्टिकल केंद्र पेंटिंग के केंद्र से मेल खाता है। रॉड्रिगो आकार में पृष्ठभूमि पर तीन प्राथमिक रंगों का उपयोग करता है जो जानकारी के कुशल संश्लेषण का प्रतिपादन करते हुए ऊंचाई, योजना या क्रॉस-सेक्शन में तैयार किए गए हैं।

छवि एक हस्ताक्षरित मूल्य मानती है जो पेंटिंग को एपिसोड के लेखन या कथा की तरह कार्य करने में सक्षम बनाती है, पेंटिंग को एक रजिस्टर के रूप में चिह्नित करती है जो दुनिया और इसकी आकस्मिकताओं के लिए खुला है। जोआकिम रोड्रिगो के काम के लिखित चित्रमय आयाम के साथ ग्राफिक संकेतों को आर्टिक्यूलेशन में अन्य दृश्य संकेतों के साथ जोड़ दिया जाता है।

विडंबना और भ्रम

प्रेमी (1965)
रोलांडो सोग नोगीरा द्वारा ओस् एमोरोसोस एक विडंबनापूर्ण और फैलाने वाली निकासी है। यह पेंटिंग पुर्तगाली संस्कृति और विकास और उपभोग द्वारा निर्धारित नए तरीकों के बीच पुर्तगाली संस्कृति और समाज के भीतर पैदा हुए विरोधाभासों को उजागर करती है – कला द्वारा अपनाई गई – और पारंपरिक नैतिक और वैचारिक मूल्यों की दृढ़ता। सहायक जीवन, समकालीन जीवन और पोस्टकार्ड से बचा हुआ, एक फिन-डी-सेंक्श टच के साथ, उस समय कामुकता के पाखंडी दृष्टिकोण का खंडन करता है।

आइडियल प्रेम संबंधों को फोटोग्राफिक छवि के असमानता, सहयोग और हस्तांतरण और विभिन्न स्रोतों और चित्रात्मक तत्वों से विविध टुकड़ों के रसपूर्ण और संचयी विकार के संबंधों का उपहास किया जाता है। चरित्र में हावभाव और अभिव्यंजक, यह क्रम रौशेनबर्ग और किताज कलाकारों के समीप है।

मार्की (1993 – 2006)
यह टुकड़ा Oporto के निम्नलिखित पड़ोस में किए गए फोटोग्राफिक अनुसंधान का परिणाम है: कॉन्टुमिल, पास्तिलेरा, इलहास दा बोविस्टा ई लैपा, जहां नाजायज निर्माण आम है। शहर और उपनगरीय आवासों के लिए एक भौतिक एनेक्सी के रूप में नाजायज मार्के का व्यापक उपयोग समाजवादी मानसिकता को बता रहा है।

इस टुकड़े में कलाकार, elangela Ferreira, इन घटिया औद्योगिक निर्माण सामग्री का उपयोग करता है और उन्हें एक वैचारिक और मूर्तिकला अर्थ देता है। ऐसा करने में, कलाकार रोजमर्रा के नागरिकों द्वारा बनाई गई एक सामान्य राष्ट्रीय वास्तुशिल्प विशेषता की विडंबना को उजागर करता है।

समय की प्रकृति और वास्तविक की छवि में इसकी अस्मिता से संबंधित पहलुओं का प्रतिबिंब, साथ ही साथ कलाकार रेने बर्थोलो द्वारा विकसित अन्य तंत्रों को मनोरंजक या भ्रमपूर्ण आकर्षण है। टिंगली के तत्काल सिनेमाई प्रभाव से परे, बर्थोलो का उत्पादन अधिक तकनीकी और दर्शनीय है और शायद काल्डर द्वारा वास्तविकता से मनोरंजक तंत्र के करीब है।

यह कार्य उन तंत्रों को विकसित करता है जो वास्तविकता के रूप में आभासी रूप से हमारी स्वीकृति को कंडीशनिंग द्वारा कार्रवाई की हमारी धारणा को सक्रिय करते हैं। यह गर्भनिरोधक एक एनिमेटेड परिदृश्य के भ्रम को बनाकर कार्रवाई में हल्के संदर्भ देता है। एक ठोस और तात्कालिक विषय के आंदोलन को नापसंद करके – नाव – बादलों के अगोचर आयाम के लिए, एक यांत्रिक और रमणीय काव्य स्थापित है। समय स्वयं का प्रतिनिधित्व करता है, बिना विकसित किए, क्योंकि यह लगातार प्रतिबिंबित होता है।

संकेत और इशारे

शीर्षकहीन (1972)
पत्र, लिखने के बजाय, सफेद पृष्ठ पर एक संकेत के रूप में पुष्टि करता है। लेकिन इशारा वही है जो हमें पढ़ने के लिए दिया गया है। उत्पादन की प्रक्रिया के दौरान शरीर की कार्रवाई जोओ वेइरा की पेंटिंग में एक प्रदर्शन आयाम जोड़ती है। इशारा खुद को दाग पर केंद्रित करता है, अब स्पैटुला के चौड़े और फर्म वेक में कोई निशान नहीं है। एक उच्चारण सामग्री स्थिरता इशारे को एक स्मारकीय उपस्थिति बनाती है और इसे औपचारिक उपस्थिति के रूप में खड़ा करती है।

अक्षर वर्णिक रूप से अलग-थलग हैं, स्वायत्त संकेतों की तरह जो अपनी सीमा तक पहुंच गए हैं। वे प्लास्टिक के तत्व हैं जो संरचना को व्यवस्थित और तुकबंदी करते हैं, इसे एक ऑर्थोगोनल ग्रिड पर संरचित करते हैं जहां वे घुमाव और व्युत्क्रम को अपनाते हैं, जिससे संयोजनों का पर्याप्त विकल्प संभव हो जाता है।

रेने बर्थोलो की छाया (1964)
1964 का वर्ष, और उसके बाद के वर्ष, लूर्डेस कास्त्रो के सिल्हूट में अन्वेषण की शुरुआत और कैनवास पर चित्रित, तत्काल और चारित्रिक रूप से फोटोग्राफिक पोज़ में अलग-थलग और साथ की रूपरेखा की शुरुआत करते हैं। लूर्डेस कास्त्रो ने कहा कि, सिल्हूट की छाया के अलावा, एक अनुपस्थिति की रूपरेखा के लिए एक समोच्च होना चाहिए। उनकी सीमाओं से परिभाषित और उनके शीर्षकों द्वारा पहचाने जाने वाले ये आंकड़े पात्रों की एक गैलरी बनाते हैं, जिनके साथ उन्होंने अपने दैनिक जीवन को साझा किया। कला और जीवन की प्रोक्सी-मैटी इस वेस्टेज के माध्यम से एक संभावित संबंध का पता लगाती है, जैसे कि इंस्टेंट की कार्टोग्राफी में।

डीप (1975)
लेखन के संकेत पठनीय नहीं बल्कि व्याख्यात्मक बने रहते हैं, बाकी के आंदोलन के रूप में जो हमें उत्पाद नहीं बल्कि एंटोनियो सेना द्वारा उत्पादन प्रक्रिया को पढ़ने की ओर ले जाता है। लेखन का विचलन एक हावभाव का एक अव्यवहारिक निशान है, जो कलाकार के शरीर को स्पष्ट रूप से तैयार की गई बनावट की सतह पर फैला हुआ है।

ज्यामितीय रैखिक निशान के बगल में शून्य में बिखरे हुए संकेत स्थानिक घनत्व के एक सेट को जन्म देते हैं। अस्पष्टता के बीच, आश्चर्य एक शब्द समुद्र के मुठभेड़ में आता है, जो दीप शीर्षक के साथ मिलकर, चारा हस्ताक्षर की तरह कार्य करता है: नाम की नाममात्र की शक्ति निकासी की क्षमता को सक्रिय करती है, जिसमें से सभी संदर्भ लाते हैं, यह डिपॉजिटरी है, समरूप संबंधों के बिना संवेदनाओं का सेट जो गहरे और गहरे नीले रंग में परिवर्तित होता है।

समकालीन कला का राष्ट्रीय संग्रहालय, पुर्तगाल
द नेशनल म्यूजियम ऑफ कंटेम्पररी आर्ट – म्यूज़ू डू चिआडो, समकालीन कला के पहले संग्रहालयों में से एक था जिसे पूरी दुनिया में बनाया जा रहा था। लिस्बन के ऐतिहासिक केंद्र में स्थित, उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध से पुर्तगाली कला के प्रमुख संग्रह की विशेषता है जब तक कि वर्तमान दिन संग्रहालय आधुनिक और समकालीन पुर्तगाली कला की समझ और आनंद के लिए अनिवार्य यात्रा नहीं है। संग्रहालय गतिविधियों के समग्र दायरे के भीतर अस्थायी प्रदर्शनियों के कार्यक्रम का बहुत महत्व है। संग्रह की प्रस्तुति समय-समय पर ऐतिहासिक और महत्वपूर्ण शोध के एक निरंतर काम के अनुसार, उनके अस्थायी या विषयगत क्षेत्रों पर नवीनीकृत की जाती है, लेकिन कार्यक्रम पुर्तगाली कला तक सीमित नहीं है,

नेशनल म्यूज़ियम ऑफ कंटेम्परेरी आर्ट – म्यूज़ू डू चियाडो को 26 मई 1911 को सरकारी फरमान द्वारा स्थापित किया गया था। यह पुराने म्यूज़ू नैशनल डी बेलस-आर्टस के डिवीजन से म्यूज़ू नैशनल डी आर्टे एंटीगा में पैदा हुआ था, जो पूर्व में विरासत में मिला था। 1850 से पहले के कामों का निर्माण किया गया और पालिसियो दास जनेलस वेरिड्स और नेशनल म्यूजियम ऑफ कंटेम्परेरी आर्ट में बने रहे, जिसमें उस तारीख के बाद पूरे किए गए सभी कार्य शामिल थे और कॉन्वेंटो डी एस फ्रांसिस्को में, एकेडेमिया डे पड़ोसी क्षेत्र में रखा गया था। बेलस आर्टस। संग्रहालयों के एक नेटवर्क का निर्माण, जिसने देश की लंबाई को फैलाया, मानव ज्ञान की 18 वीं शताब्दी की अवधारणा पर आधारित एक परियोजना की पूर्ति थी, देश की कला को सुरक्षित रखने और प्रदर्शित करने के लिए आवश्यक उपकरणों के साथ देश को समाप्त करना। समकालीन कला के एक संग्रहालय का निर्माण था,

आवास, हालांकि केवल एक अस्थायी आधार पर, कॉन्वेंटो डी एस फ्रांसिस्को में राष्ट्रीय समकालीन कला संग्रहालय में प्रतीकात्मक रूप से और अवसर के रूप में स्थित है जो संग्रहालय में प्रतिनिधित्व अवधि के कलाकारों द्वारा बारंबार क्षेत्र में स्थित है। इसने बड़े पुराने हॉल, कॉन्वेंट एनेक्स पर कब्जा कर लिया, जहाँ रोमैंटिक्स और प्रकृतिवादियों की प्रदर्शनियाँ आयोजित की गई थीं।