आधुनिकता संगीत

संगीत में, आधुनिकता 20 वीं शताब्दी के अंत में हुई संगीत भाषा में परिवर्तन और विकास की अवधि के तहत एक दार्शनिक और सौंदर्य दृष्टिकोण है, जो संगीत की पुरानी श्रेणियों को चुनौतीपूर्ण और पुन: परिभाषित करने में विविध प्रतिक्रियाओं की अवधि है, नवाचारों ने नए तरीकों का नेतृत्व किया संगीत के हार्मोनिक, मेलोडिक, सोनिक, और तालबद्ध पहलुओं का आयोजन और दृष्टिकोण, और समय के कला में आधुनिकता की बड़ी पहचान योग्य अवधि के करीब निकटता में सौंदर्य विश्वव्यापी परिवर्तनों में परिवर्तन। इसके साथ जुड़े सबसे अधिक ऑपरेटिव शब्द “नवाचार” है। इसकी अग्रणी विशेषता एक “भाषाई बहुलता” है, जिसका कहना है कि किसी भी संगीत शैली ने कभी भी एक प्रमुख स्थिति ग्रहण नहीं की है।

आधुनिकतावादी संगीत संगीत लिखित यूरोपीय परंपरा (या शास्त्रीय संगीत) को संदर्भित करता है, जो 1 910 और 1 9 75 के बीच लगभग खींचा गया था। यह रोमांटिकवाद के संगीत और रोमांटिकवाद के बाद से था, और समकालीन शास्त्रीय संगीत से सफल हुआ। सटीक पल जिसमें आधुनिकता समाप्त हो गई और समकालीन संगीत शुरू हुआ, अभी भी विशेषज्ञों के बीच बहस का विषय है। कभी-कभी आधुनिकतावादी संगीत बीसवीं शताब्दी के संगीत के साथ समान होता है, हालांकि बाद में एक सौंदर्य काल के बजाय कालक्रम के समय को शामिल किया जाता है। आधुनिकतावादी संगीत आधुनिकता के दार्शनिक और सौंदर्य मूल्यों पर आधारित है, जिसका मुख्य सिद्धांत परंपरा और स्थायी नवाचार के साथ टूटना है। इसके कारण यह अवंत-गार्डे से निकटता से जुड़ा हुआ है। पिछली अवधि के विपरीत, इस अवधि के लगभग सभी संगीतकारों ने कई अलग-अलग संगीत आंदोलनों में भाग लिया, या तो एक साथ या चरणों में।

उदाहरणों में अर्नोल्ड शॉनबर्ग ने रंगीन पोस्ट-टोनल और बारह टोन कामों में इलोर स्ट्राविंस्की की चाल को मेट्रिकल ताल से दूर करने में टोनलिटी के अस्वीकृति का जश्न मनाया है।

परिभाषाएं
संगीतकार कार्ल डाहलहॉस आधुनिकता का वर्णन करते हैं:

ऐतिहासिक असंतोष का एक स्पष्ट बिंदु … महलर, स्ट्रॉस और डेब्यूसी की “सफलता” का अर्थ एक गहरा ऐतिहासिक परिवर्तन है … अगर हम 18 9 0 के ब्रेकअवे मूड को व्यक्त करने के लिए एक नाम खोजना चाहते थे (एक मनोदशा द्वारा संगीत का प्रतीक स्ट्रॉस के डॉन जुआन के शुरुआती सलाखों) लेकिन उम्र में शैली की एक कल्पित एकता को लागू किए बिना, हम हरमन बह्र के शब्द “आधुनिकतावाद” पर वापस लौटने से पहले और स्टाइलिस्टिक रूप से खुले अंत में “आधुनिकतावादी संगीत” के बारे में बात कर सकते हैं (कुछ अक्षांश के साथ ) 18 9 0 से 1 9 10 में अपने बीसवीं शताब्दी के आधुनिक संगीत की शुरुआत तक।

ईरो तारस्ती ने परंपरागत tonality के विघटन और टोनल भाषा की नींव के परिवर्तन, परमाणुवाद में नए मॉडल की खोज, पॉलीटोनिज्म या बदली हुई tonality के अन्य रूपों की खोज के मामले में सीधे संगीत आधुनिकीकरण को परिभाषित किया है, जो कि बारी के आसपास हुआ था सदी।

डैनियल अलब्राइट संगीत आधुनिकीकरण की परिभाषा का प्रस्ताव है, “सौंदर्य निर्माण की सीमाओं का परीक्षण” और निम्नलिखित आधुनिकतावादी तकनीकों या शैलियों को प्रस्तुत करता है:

इक्सप्रेस्सियुनिज़म
नई ऑब्जेक्टिविटी
Hyperrealism
Abstractionism
नियोक्लासिज्म
Neobarbarism
भविष्यवाद
मिथक विधि

सिद्धांतों
आधुनिकता का नाम इस अवधारणा के आधार पर आंदोलनों की एक श्रृंखला को दिया जाता है कि, 20 वीं शताब्दी में मौलिक सामाजिक और तकनीकी परिवर्तनों का समय, कला को इन सिद्धांतों को सौंदर्य नींव के रूप में अपनाना और विकसित करना चाहिए। आधुनिकता उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की प्रगतिशील भावना और तकनीकी प्रगति की कठोरता से जुड़ा हुआ है, इसलिए यह समय और परंपरा की कला के मानदंडों और औपचारिकताओं को दूर करता है। इस तरह आधुनिकता की मुख्य विशेषता भाषा की बहुलता है, यह समझना कि कोई विशेष संगीत भाषा एक प्रमुख स्थिति मानी जाती है।

तकनीकी रूप से बोलते हुए, संगीत आधुनिकतावाद में तीन मुख्य विशेषताएं हैं जो इसे पिछले काल से अलग करती हैं:

Tonality का विस्तार या त्याग।
विस्तारित तकनीकों का उपयोग।
संरचना में ध्वनियों और उपन्यासों को शामिल करना।

मुख्य तकनीक, शैलियों और आंदोलनों

भविष्यवाद
भविष्यवाणी बीसवीं शताब्दी में यूरोप में शुरुआती अवंत-गार्डे आंदोलनों में से एक थी। इटली में इस कलात्मक आंदोलन की स्थापना इतालवी कवि फिलिपो टॉमासो मारिनेटी ने की थी, जिन्होंने फ़्यूचरिस्ट मैनिफेस्टो लिखा था, और इसे 20 फरवरी, 1 9 0 9 को पेरिस में अख़बार ली फिगारो में प्रकाशित किया था।

इस आंदोलन ने अतीत की कलात्मक परंपराओं और कला के इतिहास के पारंपरिक संकेतों के साथ एक ब्रेक की मांग की। उन्होंने समकालीन जीवन की प्रशंसा करने की कोशिश की, यह दो मुख्य विषयों के माध्यम से: मशीन और आंदोलन। भविष्यवाद अभिव्यक्ति के किसी भी साधन का सहारा लिया; प्लास्टिक कला, वास्तुकला, कविता, विज्ञापन, फैशन, फिल्म और संगीत; फिर से दुनिया की प्रोफाइल बनाने के लिए।

संगीत के क्षेत्र में पहला भविष्यवादी कार्य 1 9 10 में शुरू हुआ, उसी वर्ष जिसमें भविष्यवादी संगीतकारों के घोषणापत्र पर हस्ताक्षर किए गए। मुख्य फ़्यूचरिस्ट संगीतकार इटालियंस फ्रांसेस्को बालिला प्रेटेला और लुइगी रसेलो थे। रसेलो ने इस घोषणापत्र में प्रेटेला द्वारा किए गए अध्ययनों के परिणामस्वरूप 1 9 13 के शोर की कला की कल्पना की। बाद में “शोर संगीत” को प्रदर्शन में शामिल किया गया, पृष्ठभूमि संगीत के रूप में या कलाकारों की गतिविधियों के लिए एक तरह के स्कोर या गाइड के रूप में, इनोनारुमोरियोर “शोर टोनर” नामक एक शोर मशीन का भी आविष्कार किया गया, जिसकी समय पर कठोर आलोचना की गई थी। अपने सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से लॉस रिलाम्पैगोस डी 1 9 10 पर प्रकाश डाला गया है।

रसेलो कंक्रीट संगीत का पूर्ववर्ती था, एक सोनोरस भाषा जिसमें किसी भी ध्वनि का इस्तेमाल किया गया था, चाहे वह प्रकृति द्वारा या तकनीक द्वारा बनाई गई थी (गुटूरल तकनीक, शब्द या एक अनौपचारिक भाषा थी)।

Tonality और atonalism का संकट
एक टोनल सेंटर के बिना यूरोपीय संगीत के पहले पूर्ववर्ती फ्रांज लिस्ट्ट में अपने बागाटेला के साथ 1885 की tonality के बिना हैं, जो अवधि पहले से ही “tonality का संकट” के बारे में बात की है। यह संकट संदिग्ध तारों, कम संभावित हार्मोनिक परिवर्तनों, और टोनल संगीत के भीतर सबसे असामान्य सुगंधित और तालबद्ध परिवर्तनों के लगातार उपयोग से उत्पन्न हुआ था। असाधारण और सामान्य के बीच भेद अधिक से अधिक धुंधला हो गया, और नतीजतन, सिंटैक्टिक लिंक का एक संयोगजनक ढीलापन था जिसके माध्यम से स्वर और सामंजस्य एक-दूसरे से जुड़े थे। Harmoniesthey के बीच कनेक्शन अनिश्चित थे, रिश्ते और उनके परिणाम इतने कमजोर हो गए कि वे मुश्किल से काम किया। सबसे अधिक, टोनल सिस्टम की संभावनाएं बहुत अंधेरे हो गईं; सबसे बुरे मामले में, वे एक समानता के पास आ रहे थे जो रचना या सुनने के लिए कुछ दिशानिर्देश प्रदान करता था। बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में क्लाउड डेब्यूसी, अलेक्जेंडर स्किबिन, बेला बार्टोक, पॉल हिंडेमिथ, सर्गेई प्रोकोफिव, कार्ल रूगल्स, इगोर स्ट्राविंस्की और एडगर वरसे जैसे संगीतकारों ने संगीत लिखा था, जिसे पूरी तरह से या आंशिक रूप से एटोनल के रूप में वर्णित किया गया है। अलेक्जेंडर स्प्रिबिनहे ने इंप्रेशनिज्म और एटोनैलिटी की एक विशेष शैली बनाई, मिस्टरियम, पोमा डेल एक्स्टैसिस या प्रोमेथियस जैसे कामों की आधार पर: क्वार्टर और ट्राइटोन द्वारा एक तार में आग की कविता “रहस्यमय तार” कहा जाता है, जो अंतराल द्वारा गठित सामान्य त्रिभुज तारों से दूर हो जाता है तीसरे का।

एटोनलिज्म (डोडेपैफोनिज्म के पूर्वजों) का पहला चरण, जिसे “फ्री एटोनिटी” या “फ्री क्रोमैटिज्म” के नाम से जाना जाता है, ने परंपरागत डायटोनिक सद्भाव से बचने के लिए एक सचेत प्रयास को निहित किया। इस अवधि के सबसे महत्वपूर्ण काम अर्नोल्ड शॉनबर्ग द्वारा अल्बान बर्ग और पियरोट लुनायर (1 9 12) द्वारा ओपेरा वोज़ेक (1 917-19 22) हैं। शॉनबर्ग (1 9 08 से 1 9 23 तक) के स्वतंत्र रूप से एटोनल टुकड़ों की पहली अवधि, अक्सर एक अंतराल सेल के लिए एक एकीकृत तत्व के रूप में होती है, विस्तार के अलावा, स्वरों की एक पंक्ति में परिवर्तित किया जा सकता है, और जिसमें व्यक्तिगत नोट ” मौलिक तत्वों के रूप में कार्य करें, एक मूल सेल के राज्यों की सुपरपोजिशन या दो या दो से अधिक बुनियादी कोशिकाओं के अंतःक्रिया को अनुमति देने के लिए “। संयुक्त राज्य अमेरिका में अन्य संगीतकार जैसे चार्ल्स इवेस, हेनरी कोवेल और बाद में जॉर्ज एंथिल ने संगीत सम्मेलनों के अपमान के लिए समय के दर्शकों के लिए चौंकाने वाला संगीत प्रस्तुत किया। वे अक्सर लोकप्रिय संगीत को agglutination या polytonality, चरम विसंगतियों, और एक लयबद्ध जटिलता के साथ संयुक्त जो संयुक्त रूप से लागू करने योग्य है। चार्ल्स सिगर ने डिस्सनेंट काउंटरपॉइंट की अवधारणा को बढ़ावा दिया, कार्ल रूगल्स, रूथ क्रॉफर्ड-सीगर और अन्य द्वारा उपयोग की जाने वाली तकनीक।

आदिमवाद
Primitivism कलाओं का एक आंदोलन था जो आधुनिक या आधुनिक भाषा के साथ कुछ क्षेत्रों के सबसे पुरातन लोकगीत को बचाने की मांग की थी। स्थानीयकरण को बचाने के लिए उत्सुकता में राष्ट्रवाद की तरह, प्राइमेटिविज़्म ने अनियमित मेट्रिक्स और उच्चारण, पर्क्यूशन और अन्य टिंबर्स, मोडल स्केल और पॉलीटोनल और एटोनल सद्भाव का अधिक उपयोग भी शामिल किया। संगीत के भीतर इस आंदोलन के दो दिग्गज रूसी इगोर स्ट्राविंस्की और हंगरी बेला बार्टोक थे, हालांकि दोनों का काम मूल्य “प्राइमिटिविस्ट” से अधिक है।

स्ट्रैविंस्की की प्रमुख स्टाइलिस्ट अवधि (कुछ पहले नाबालिग कार्यों को छोड़कर) का पहला उद्घाटन डायगिलिव के लिए बनाए गए तीन बैले द्वारा किया गया था। इन बैले में कई साझा विशेषताएं हैं: उन्हें अत्यधिक बड़े ऑर्केस्ट्रा द्वारा खेला जाता है; विषयों और साजिश प्रारूप रूसी लोककथाओं पर आधारित हैं; और वे अपने विकास और उनके उपकरण में रिमस्की-कोर्साकोव ब्रांड दोनों ले जाते हैं। बैले के पहले, द फायरबर्ड (1 9 10), अपने असामान्य परिचय (कम तारों के तीनों) और ऑर्केस्ट्रेशन की झाड़ू के लिए उल्लेखनीय है। पेट्रुष्का (1 9 11), को भी स्पष्ट रूप से स्कोर किया गया है और रूसी लोक पौराणिक कथाओं का उपयोग करने के लिए स्ट्रैविंस्की के बैलेज़ में से पहला है। लेकिन यह तीसरे बैले में है, वसंत का अभिसरण (1 9 13), जिसे आमतौर पर स्ट्रैविंस्की के “आदिम रूसी अवधि” की एपोथेसिस माना जाता है। यहां, संगीतकार मूर्तिपूजक रूस की क्रूरता का उपयोग करता है, जो आक्रामक व्याख्या, पॉलीटोनिक सद्भाव और अचानक लय में काम करता है जो पूरे काम में दिखाई देता है। इस काम में कई प्रसिद्ध मार्ग हैं, लेकिन दो विशेष नोट हैं: बेसून पर आधारित पहली थीम उनके पंजीकरण की सीमा पर नोट्स के साथ लगता है, लगभग सीमा से बाहर; और तालबद्ध रूप से अनियमित हमले (रूसी स्ट्रैविंस्कियन अवधि के सामान्य संसाधन का उपयोग करके एक छोटी लयबद्ध कोशिका लेने और इसके उच्चारण को स्थानांतरित करने के) का उपयोग करके दो ओवरलैपिंग तारों के केवल कणों के लिए कमान की एड़ी का उपयोग करके और प्रारंभिक रूप से स्थायी रूप से बदलते पुनर्गठन को और स्पष्ट करना मोतिफाई, तारों के साथ दोगुना हो जाता है जो हर बार accentuated हैं। अभिसरण को आम तौर पर प्राइमेटिविज़्म या स्ट्रैविंस्की का सबसे महत्वपूर्ण काम नहीं माना जाता है, लेकिन पूरे बीसवीं शताब्दी में, दोनों परंपराओं के साथ अपने ब्रेक के लिए, और दुनिया भर में इसके प्रभाव के लिए।

इस शैली के अन्य उत्कृष्ट टुकड़ों में शामिल हैं: द नाइटिंगेल (1 9 14), रेनार्ड (1 9 16), एक इतिहास का इतिहास (1 9 18), और द विवाह (1 9 23), चार पियानो और पर्क्यूशन के मूल संयोजन के लिए मुखर भागीदारी के साथ वाद्य यंत्र। इन कार्यों में संगीतकार ने रूसी राष्ट्रवादी विद्यालय की विरासत को सीमित रूप से समाप्त होने तक सीमा तक ले लिया।

बार्टोक एक हंगरी संगीतकार था जो पूर्वी यूरोप (विशेष रूप से बाल्कन से) के संगीतकार, पियानोवादक और लोक संगीत शोधकर्ता के रूप में खड़ा था। बार्टोक जातीय विज्ञान और संगीत विज्ञान को एकजुट करने वाले संबंधों के आधार पर, एथनोम्यूजोलॉजी के संस्थापकों में से एक था। अपने शोध से उन्होंने एक बहुत ही व्यक्तिगत और अभिनव शैली विकसित की।

Microtonalism
Microtonalism संगीत है जो microtones (एक semitone से कम संगीत अंतराल) का उपयोग करता है। अमेरिकी संगीतकार चार्ल्स इवेस ने सूक्ष्म तरीके से माइक्रोटोन को “पियानो की चाबियों के बीच नोट्स” के रूप में परिभाषित किया। 18 9 5 में वायलिन के साथ प्रयोग करते हुए, मैक्सिकन जूलियन कैरिलो (1875-19 65) चौथी वायलिन स्ट्रिंग द्वारा उत्सर्जित जी और ए रिलीज के बीच सोलह विशिष्ट रूप से अलग-अलग ध्वनियों को अलग करता है। उन्होंने इन सूक्ष्मदर्शी भेदों को सोनिडो 13 कहा और उन्होंने संगीत के सिद्धांत और संगीत के भौतिकी के बारे में लिखा। उन्होंने तीसरे, चौथाई, चौथे, पांचवें, छठे, सातवें, और इसी तरह के ऑक्टेट के किसी भी विभाजन के आधार पर संगीत तराजू का प्रतिनिधित्व करने के लिए एक साधारण संख्यात्मक नोटेशन का आविष्कार किया (उन्होंने चौथे के लिए ज्यादातर समय भी लिखा, , आठवीं और संयुक्त सोलहवीं, नोटेशन का उद्देश्य किसी भी कल्पनाशील उपखंड का प्रतिनिधित्व करना है)। उन्होंने नए संगीत वाद्ययंत्र का आविष्कार किया, और अन्य ने उन्हें माइक्रो-रेंज बनाने के लिए अनुकूलित किया। उन्होंने बड़ी मात्रा में माइक्रोटोनल संगीत बनाया और उनकी 30 रचनाओं को रिकॉर्ड किया। 1 9 10 और 1 9 20 के दशक में, क्वार्टर-टोन और ऑक्टेट के अन्य उपविभागों ने चार्ल्स इवेस, एलोइस हाबा (1/4 और 1/6 टोन), इवान विस्चनेग्रैस्की (1/4, 1/6) जैसे अन्य संगीतकारों का ध्यान प्राप्त किया। 1/12 और गैर-अस्थिर स्केल), फेरुसियो बुसोनी (जिन्होंने तीसरे स्वर के पियानो के अनुकूलन में कुछ असफल प्रयोग किए), मिल्ड्रेड कूपर और हैरी पार्टच। इरविन शूलहॉफ ने प्राग कंज़र्वेटरी में क्वार्टर-टोन के साथ रचनात्मक सबक दिए। 1 9 40 और 1 9 50 के दशक के उल्लेखनीय माइक्रोटोनल संगीतकारों या शोधकर्ताओं में एड्रियान फोकर (31 बराबर टन प्रति ऑक्टेट), और ग्रोव एविंद शामिल थे। माइक्रोटोनल संगीत को कभी भी स्वीकृति नहीं मिली थी और भविष्य में लगभग पूरी तरह से वेंगार्डिया के संगीतकारों द्वारा विचार किया गया था।

दूसरा वियनीज़ स्कूल, डोडकाफोनिस्मो और सीरियलिज्म
अर्नोल्ड शॉनबर्ग बीसवीं सदी के संगीत में सबसे महत्वपूर्ण आंकड़ों में से एक है। उनके शुरुआती काम देर से रोमांटिक शैली से संबंधित हैं, जो रिचर्ड वाग्नेर और गुस्ताव महलर से प्रभावित हैं, लेकिन अंत में उन्होंने टोनल रचना प्रणाली को एटोनल संगीत लिखने के लिए छोड़ दिया। समय के साथ, उन्होंने पारंपरिक टोनल संगठन को बदलने के लिए 1 9 23 में इसे प्रस्तावित करने के लिए डोडेपोनोनिज्म की तकनीक विकसित की।

उनके छात्रों एंटोन वेबरन और अल्बान बर्ग ने बारह-स्वर प्रणाली के उपयोग को भी विकसित और गहरा कर दिया, और अपने स्वयं के नियमों के तहत ऐसी तकनीक के उपयोग के लिए खड़े हो गए। तीनों को जानबूझकर, ला त्रिनिदाद शॉनबर्ग, या दूसरा वियनीज़ स्कूल के रूप में जाना जाता है। यह नाम इस हाइलाइट के लिए बनाया गया था कि इस नए संगीत का पहला वियना स्कूल हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन के समान प्रभावशाली प्रभाव पड़ा।

डोडेकफोनिस्मो एटोनल संगीत का एक रूप था, जिसमें रचना की एक तकनीक थी जिसमें क्रोमैटिक स्केल के 12 नोट समकक्ष के रूप में माना जाता है, यानी एक आदेश दिया गया संबंध है कि (tonality की प्रमुख-मामूली प्रणाली के विपरीत) स्थापित नहीं है नोट्स के बीच पदानुक्रम। बारह-स्वर संगीत के संस्थापक, शॉनबर्ग ने एक नोट से अधिक एक नोट का उपयोग करने के लिए कानून द्वारा मना किया था: बारह स्वर स्वर में रंगीन पैमाने पर 12 नोट्स लेना चाहिए। यह सिद्धांत के बाद लिखा गया है कि सभी बारह सेमिटोन या नोट समान महत्व के हैं। आंतरिक संबंध बारह नोटों से बना श्रृंखला के उपयोग से स्थापित किया गया है। संगीतकार उस आदेश का निर्णय लेता है जिसमें वे इस शर्त के साथ प्रकट होते हैं कि वे अंत तक किसी को दोहराते नहीं हैं।

धारावाहिकता एक कदम आगे dodecaphonism का प्रतिनिधित्व करता है, और बनाया गया था जिसके द्वारा Schoenberg, Webern का एक छात्र: एक आदेश न केवल विभिन्न ऊंचाइयों के उत्तराधिकार के लिए स्थापित किया गया है, लेकिन विभिन्न अवधि के उत्तराधिकार के लिए (“आंकड़े”, जैसे तिमाही नोट, आठवां नोट, आदि) और गतिशीलता (ध्वनि तीव्रता के स्तर) के उत्तराधिकार के साथ-साथ अभिव्यक्ति के उत्तराधिकार। इन सभी श्रृंखलाओं को एक काम के दौरान दोहराया जाता है। इस तकनीक को डीओडीकेपोनिज्म के सीमित धारावाहिकता से अलग करने के लिए अभिन्न सीरियलिज्म कहा जाता है। विडंबना यह है कि, अलोकप्रियता के वर्षों के बाद, वेबरन की पॉइंटिलिस्ट शैली – जिसमें व्यक्तिगत आवाजें काम में ध्यान से रखी जाती हैं ताकि प्रत्येक व्यक्ति मायने रखता है – 1 9 50 और 1 9 60 के दशक के दौरान यूरोप में आदर्श बन गया, और ओलिवियर मेस्सीन जैसे पोस्टर संगीतकारों के बीच बहुत प्रभावशाली था, पियरे Boulez, Luciano बेरियो, लुइगी Nono, Karlheinz Stockhausen और इगोर Stravinsky।

नियोक्लासिज्म
संगीत में neoclassicism बीसवीं शताब्दी के आंदोलन को संदर्भित करता है जो सद्भाव, मेलोडी, रूप, टिंब्रेस और ताल के मामले में परंपरा का एक सामान्य अभ्यास करता है, लेकिन रचना के लिए एक शुरुआती बिंदु के रूप में महान परमाणु विसंगतियों और सिंकोपेटेड लय के साथ मिलाया जाता है संगीत। इगोर स्ट्राविंस्की, पॉल हिंडेमिथ, सेर्गेई प्रोकोफिव, दिमित्री शोस्ताकोविच और बेला बार्टोक आमतौर पर इस शैली में वर्णित सबसे महत्वपूर्ण संगीतकार हैं, बल्कि प्रभावशाली दारायस मिलहाउद और उनके समकालीन फ्रांसिस पोलेनक और आर्थर होनेगर (छः) भी हैं।

प्रथम विश्व युद्ध के जवाब में, कला में तर्कसंगत मॉडल के सामान्य वापसी के रूप में नियोक्लासिसवाद का जन्म उसी समय हुआ था। छोटे, स्कार्सर, अधिक आदेश दिया गया भावनात्मक संतृप्ति के जवाब में प्रवृत्तियों की कल्पना की गई थी, जिसे कई लोगों ने महसूस किया था कि लोगों ने खाइयों में धकेल दिया था। यह देखते हुए कि आर्थिक समस्याओं ने छोटे समूहों का पक्ष लिया, “कम से कम” करने की खोज परिणामस्वरूप अनिवार्य रूप से एक अनिवार्य अभ्यास बन गई। Stravinski के सैनिक का इतिहास इस कारण से neoclassical टुकड़ा का एक बीज है, क्योंकि यह संगीत कार्यक्रम में भी होता है, डंबर्टन के ओक्स, वायु वाद्य यंत्रों या सिम्फनी में उनके सिम्फनी में। स्ट्रैविंस्की के नियोक्सासिक परिणति में उनका ओपेरा द प्रोग्रेस ऑफ द प्रोग्रेस लिबर्टीन (“रेक की प्रगति”), प्रसिद्ध आधुनिकतावादी कवि डब्ल्यू ओडेन द्वारा लिब्रेटो के साथ।

Neoclassicism अमेरिका में एक इच्छुक दर्शकों को मिला; नडिया बोउलेंजर के स्कूल ने स्ट्रैविंस्की के संगीत की समझ के आधार पर संगीत विचारों को प्रख्यापित किया। उनके छात्रों में इलियट कार्टर (अपने शुरुआती दिनों में), हारून कॉपलैंड, रॉय हैरिस, दारायस मिलहाउड, एस्टोर पियाज़ोला और वर्जील थॉमसन जैसे नव-संगीतकार संगीतकार हैं।

Neoclassicism की सबसे श्रव्य विशेषता धुन हैं जो एक निश्चित अंतराल के रूप में तीसरे का उपयोग करते हैं, और क्रोमैटिक रूप से ostinato, हार्मोनिक ब्लॉक और polyrhythms के मुफ्त मिश्रण में dissonant नोट्स जोड़ें। Neoclassicism दर्शकों से जल्दी से बड़ी स्वीकृति प्राप्त की, और अलौकिकवाद के विरोध में उन लोगों द्वारा आंतरिक किया गया था जो आधुनिक आधुनिक संगीत के रूप में थे।

इलेक्ट्रॉनिक और ठोस संगीत
20 वीं शताब्दी में तकनीकी प्रगति ने संगीतकारों को ध्वनियां उत्पन्न करने के लिए इलेक्ट्रॉनिक मीडिया का उपयोग करने की अनुमति दी। फ्रांस में कंक्रीट स्कूल संगीत जो दुनिया में मौजूदा ध्वनियां उत्पन्न करता था विकसित किया गया था। इसे कंक्रीट कहा जाता है क्योंकि इसके आविष्कारक पियरे शेफेर के अनुसार, उन्होंने कहा कि यह ठोस वस्तुओं द्वारा उत्पादित किया जाता है, न कि पारंपरिक संगीत वाद्ययंत्रों द्वारा। उन लोगों का पहला अर्थ एडगर वारेसे था, जिन्होंने 1 9 58 में ब्रसेल्स प्रदर्शनी के फिलिप्स मंडप में पोएमे इलेक्ट्रोनिक प्रस्तुत किया था। 1 9 51 में, शेफेर, पियरे हेनरी के साथ मिलकर, उन्होंने पेरिस में कंक्रीट म्यूजिक रिसर्च ग्रुप बनाया। जल्द ही यह बहुत रुचि आकर्षित करता था, और जो लोग आए थे उनमें ओलिवियर मेस्सीन, पियरे बोलेज़, जीन बैराक, कार्लहेन्ज़ स्टॉकहौसेन, एडगर वारेसे, इनीस जेनाकिस, मिशेल फिलिपोट और आर्थर होनेगर जैसे विभिन्न महत्वपूर्ण संगीतकार थे।

यादृच्छिक संगीत और कट्टरपंथी अवंत-गार्डे
जबकि आधुनिकता ही अवंत-गार्डे संगीत है, इसके भीतर अवंत-गार्डे सबसे कट्टरपंथी और विवादास्पद आंदोलनों को संदर्भित करता है, जहां संगीत की अवधारणा इसकी सीमा तक पहुंच जाती है – अगर यह अब उनसे अधिक नहीं है- शोर, रिकॉर्डिंग, भावनाओं जैसे तत्वों का उपयोग करना विनोद, मौका, सुधार, थिएटर, बेतुकापन, उपहास, या आश्चर्य। आम तौर पर इस कट्टरपंथी वर्तमान में स्थित शैलियों के भीतर यादृच्छिक संगीत, लाइव इलेक्ट्रॉनिक संगीत, संगीत थिएटर, अनुष्ठान संगीत, प्रक्रियाओं की रचना, संगीत हो रहा है, या सहज संगीत, कई अन्य लोगों के बीच है। इन रोमांचों में शामिल होने वाले सबसे अनुवांशिक संगीतकारों में से अमेरिका में जॉन केज और यूरोप में करलेन्ज़ स्टॉकहोसेन हैं।

यादृच्छिक संगीत या कट्टरपंथी अवंत-गार्डे संगीत एक संगीत रचना तकनीक है जो स्थापित दिशानिर्देशों द्वारा विनियमित तत्वों के उपयोग के आधार पर नहीं है और जिसमें यह एक पूर्ववर्ती भूमिका प्राप्त करता है, यह असंरचित अनुक्रमों के आधार पर सुधार है। इस तरह के सुधारकारी गुण लेखक के निर्माण में या व्याख्या के विकास में ही तय किए जा सकते हैं। इसलिए, यह अक्सर यादृच्छिक टुकड़ों की संरचना है जिसमें कलाकार कार्य के अंतिम ढांचे को निर्धारित करता है, उसके प्रत्येक वर्ग को पुनर्व्यवस्थित करके, या यहां तक ​​कि उनमें से कई की एक साथ व्याख्या के माध्यम से भी।

समकालीन संगीत में यादृच्छिक निर्माण प्रस्तावित सबसे उत्कृष्ट तरीके मोबाइल फॉर्म हैं, जो तुलनीय रैंक के विविध व्याख्यात्मक समाधान लगाती हैं; वेरिएबल फॉर्म, जिसमें इम्प्रोवाइज़ेशन प्रावधान करता है; और तथाकथित काम प्रगति पर है, जो टुकड़े के निष्पादन में अधिकतम मौका का गठन करता है। उनमें से सभी शास्त्रीय उपकरणों को आम तौर पर पियानो पर विशेष ध्यान दिया जाता है, और सिंथेसाइज़र, विकृत करने वाले और रिकॉर्ड किए गए टेप जैसे निष्पादन के इलेक्ट्रॉनिक साधन होते हैं।

माइक्रोप्रोफनी और ध्वनि द्रव्यमान
डेविड कोप के शब्दों में, माइक्रोप्रिफोनिया “विभिन्न रेखाओं, ताल और टिंब्रेस की एक समानता” के बारे में है। तकनीक György Ligeti द्वारा विकसित की गई थी, जिसने इसे इस तरह समझाया: “व्यक्तिगत आवाजों की जटिल पॉलीफोनी एक हार्मोनिक-संगीत प्रवाह में बनाई गई है, जिसमें सामंजस्य अचानक नहीं बदलते हैं, लेकिन वे दूसरों में बदल जाते हैं; एक स्पष्ट इंटरल्यू संयोजन धीरे-धीरे धुंधला हो रहा है, और इस बादल से यह महसूस करना संभव है कि एक नया अंतराल संयोजन आकार ले रहा है »।« माइक्रोप्रिफोनिया क्लस्टर्स जैसा दिखता है, लेकिन यह उन रेखाओं के उपयोग में भिन्न होता है जो स्थिर »से अधिक गतिशील होते हैं। लिगेटी के काम में माइक्रोप्रिफोनिया का पहला उदाहरण अपने ऑर्केस्ट्रल संरचना अपरिपक्वित्श के दूसरे आंदोलन में होता है। वे इस तकनीक के आवेदन में ऑर्केस्ट्रा एटमोस्फेरेस के लिए अपना अगला काम और सोफ्रानो, मेज़ो- सोप्रानो, मिश्रित गाना बजानेवालों और सिम्फोनिक ऑर्केस्ट्रा। यह आखिरी काम बहुत लोकप्रियता तक पहुंच गया क्योंकि यह स्टेनली कुबरिक 2001 की फिल्म के साउंडट्रैक का हिस्सा था: ए स्पाक ई ओडिसी

माइक्रोपोलिफ़ोनिया की तकनीक बड़े समूह या पॉलीफोनिक संगीत वाद्ययंत्र जैसे पियानो के साथ लागू करना आसान है। यद्यपि 100 मेट्रोनोम के लिए पोएमे सिम्फोनिक “अद्वितीय जटिलता के सूक्ष्म-पॉलीफोनी” बनाता है। लिगेटी के कई पियानो टुकड़े माइक्रोप्रिफोनिया के उदाहरण स्टीव रीच के जटिल “minimalism” और pygmies के संगीत से प्राप्त लयबद्ध योजनाओं पर लागू होते हैं।

माइक्रोपोलिफिया से आंतरिक रूप से संबंधित ध्वनि या ध्वनि द्रव्यमान का द्रव्यमान है जो एक संगीत बनावट है, जिसका संयोजन, अन्य पारंपरिक बनावट के विपरीत, “बनावट के मुख्य प्रशिक्षकों के रूप में बनावट, लकड़ी और गतिशीलता को प्राथमिकता देने के लिए व्यक्तिगत संगीत ऊंचाइयों के महत्व को कम करता है। और प्रभाव »।

यह तकनीक संगीत आधुनिकीकरण द्वारा उपयोग किए गए क्लस्टर से शुरू हुई थी और बाद में 1 9 50 और 60 के अंत में ऑर्केस्ट्रल लेखन तक विस्तारित हुई थी। ध्वनि द्रव्यमान “ध्वनि और शोर के बीच की सीमा को धुंधला करता है”। एक बनावट को इस तरह से व्यवस्थित किया जा सकता है कि “यह एक ही वस्तु के टिम्बर्स के विलयित सेट की स्थिति के बहुत करीब है, उदाहरण के लिए सुंदर तार उत्तरी रोशनी, ऊंचाइयों के बहुत ही रोचक वितरण में, एक फ़्यूज्ड ध्वनि उत्पन्न करती है एक रोल सॉकर निलंबित पर रहता है। ”

अतिसूक्ष्मवाद
साठ के दशक के कई संगीतकारों ने यह पता लगाना शुरू किया कि अब हम minimalism कहलाते हैं। Minimalism की अधिक विशिष्ट परिभाषा संगीत में प्रक्रियाओं की निपुणता को संदर्भित करती है जहां टुकड़े एक दूसरे पर अतिसंवेदनशील होते हैं, अक्सर पूरे ध्वनि फ्रेम का उत्पादन करने के लिए दोहराया जाता है। शुरुआती उदाहरणों में एन डू (टेरी रिले द्वारा) और टैम्बोरिलांडो (स्टीव रीच द्वारा) शामिल हैं। इन कार्यों में से पहला ने रिले को कम से कम कई पिता के रूप में माना; संपीड़ित मेलोडिक कोशिकाओं द्वारा गठित एक टुकड़ा है, जो एक सेट में प्रत्येक कलाकार अपने स्वयं के गति पर खेलता है। संगीतकारों की न्यूनतम लहर – टेरी रिले, फिलिप ग्लास, स्टीव रीच, ला मोंटे यंग, ​​जॉन एडम्स और माइकल न्यमान, सबसे महत्वपूर्ण लोगों का नाम देने के लिए – सामान्य श्रोताओं के लिए संगीत सुलभ बनाने की कामना करते थे, नाटकीय और संगीत के विशिष्ट और ठोस प्रश्न व्यक्त करते थे फॉर्म, उन्हें तकनीक के तहत छुपाए बिना, बल्कि उन्हें स्पष्ट बनाते हुए, टोनल संगीत के प्रमुख और मामूली ट्रायड्स पर लौटते हुए, लेकिन पारंपरिक हार्मोनिक कार्यक्षमता का उपयोग किए बिना।

Minimalism और पिछले संगीत के बीच एक महत्वपूर्ण अंतर दुभाषियों की पसंद के लिए “चरण से बाहर” विभिन्न कोशिकाओं का उपयोग है; रिचर्ड वाग्नेर के दास रिंगोल्ड को ओवरचर के साथ इसकी तुलना करें, जहां कोशिकाओं के ट्रायड्स के उपयोग के बावजूद, प्रत्येक भाग को उसी आवेग से नियंत्रित किया जाता है और उसी गति से आगे बढ़ता है।

पारंपरिक श्रोताओं के लिए न्यूनतम संगीत विवादास्पद है। इसके आलोचकों को यह बहुत दोहराव और खाली लगता है, जबकि इसके समर्थकों का तर्क है कि निश्चित तत्व जो स्थायी रूप से स्थायी परिवर्तन होते हैं, छोटे बदलावों में अधिक रुचि रखते हैं। किसी भी मामले में, minimalism ने कई संगीतकारों को प्रेरित और प्रभावित किया है जो आम तौर पर कम से कम लेबल नहीं होते हैं (जैसे कार्लहेन्ज़ स्टॉकहौसेन और György Ligeti)। अर्वो पार्ट, जॉन टेवेनर और हेनरिक गोरेकी जैसे संगीतकार, जिनकी सिम्फनी नं। 3 नब्बे के दशक में सबसे अच्छी बिकने वाली क्लासिक एल्बम थीं, उन्हें गहन धार्मिक अर्थ के कार्यों में “खुश minimalism” कहा जाता है, में बड़ी सफलता मिली।

जाज के प्रभाव
सदी की शुरुआत से अफ्रीकी-अमेरिकी संगीत और जाज ने संयुक्त राज्य अमेरिका के अंदर और बाहर संगीतकारों को बहुत प्रभावित किया। अमेरिकी देश के भीतर, चार्ल्स इवेस और सभी जॉर्ज गेर्शविन के ऊपर। हालांकि, जैज़ से जुड़े अफ्रीकी-अमेरिकी संगीतकार भी उन कार्यों में शामिल हुए जो संगीत दोनों के बीच एक अस्पष्ट सीमा में थे। विल मैरियन कुक, स्कॉट जोप्लिन और ड्यूक एलिंगटन जैसे संगीतकारों ने संयुक्त राज्य अमेरिका के सीखा संगीत पर एक निर्विवाद प्रभाव डाला था। शताब्दी की शुरुआत से कुछ सबसे महत्वपूर्ण कामों में से कुछ ने जैज़विथ क्लासिक शैलियों की भाषा के संयुक्त तत्वों को जॉर्ज गेर्शविन द्वारा क्लॉडी इन ब्लू, क्लाउड डेब्यूसी द्वारा बच्चों के कॉर्नर, मॉरीस रावेल के डी और सोल में पियानो संगीत कार्यक्रम, रागाटाइम स्ट्राविंस्की के उपकरण, या पॉल हिंडेमिथ द्वारा पियानो 1 9 22 के सूट, कई अन्य लोगों के बीच।

बीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में तीसरे स्ट्रीम नामक आंदोलन आया, शाब्दिक तीसरा स्ट्रीम, 50 और 60 के दशक में संगीत बनाने की शैली पर लागू हुआ, जिसका उद्देश्य विकास के एक तरीके की पेशकश करना था जो जाज और शास्त्रीय संगीत दोनों की तकनीकों को एकीकृत करता था। थर्ड स्ट्रीम शब्द संगीतकार और 50 के दशक के उत्तरार्ध में गनथर शूल्लर के एकल कलाकार द्वारा संगीत का वर्णन करने के लिए बनाया गया था, जो कि वे कुछ विषयों को विकसित कर रहे थे जो यूरोपीय विषयों और संगीत रूपों और जाज की भावना और तकनीक के बीच एक पुल स्थापित करने की कोशिश कर रहे थे। इस अंत तक, शूलर ने न्यू इंग्लैंड कंज़र्वेटरी में “थर्ड स्ट्रीम डिपार्टमेंट” की स्थापना की। व्यापक रूप से, तीसरा वर्तमान विभिन्न प्रकार के संगीत के बीच संगीत बाधाओं को खत्म करने की एक सामान्य प्रक्रिया का हिस्सा है। 6 शैली की उत्पत्ति आमतौर पर कूल और वेस्ट कोस्ट जैज़ के पोस्टलेट से उत्पन्न विकास में तय होती है, जो दोनों के बीच सीमा पर कई अन्य संगीतकारों को रखती है। ट्रॉम्बोनिस्ट और सेलिस्ट डेविड बेकर, पियानोवादक रैन ब्लेक, या सैक्सोफोनिस्ट और एनेजर बॉब ग्रेटिंगर, कुछ संगीतकार थे जो कि एक वास्तविक तीसरी धारा की तलाश में शामिल थे, हालांकि इस शैली के माहौल में बड़ी संख्या में संगीतकारों ने स्थानांतरित किया है इतिहास में वजन का जैज़: आधुनिक जैज़ क्वार्टेट, गिल इवांस, डॉन एलिस, बिल रसो, जॉर्ज रसेल, बिना किसी स्पष्ट विलय के लिए जाने की आवश्यकता के बिना, जैसे बाच के संगीत पर जैक्स लुसियर की व्यवस्था।

सिनेमाई संगीत
1 9 30 के दशक की शुरुआत में ध्वनि फिल्मों के आगमन के बाद, संगीत ने उद्योग और सिनेमा की कला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। दशकों के महान संगीतकारों, जैसे कि रूसी प्रोकोफिव और शोस्टाकोविच ने भी इस क्षेत्र में प्रवेश किया। हालांकि, कुछ संगीतकार जो सिनेमा के माध्यम से काम करने के लिए लगभग विशेष रूप से समर्पित हैं, ध्यान आकर्षित करते हैं। यद्यपि 1 9 40 के दशक के दौरान फीचर फिल्मों का संगीतकरण संगीत कार्यक्रम के क्षेत्र में तकनीकी नवाचारों के पीछे दशकों से घिरा हुआ था, लेकिन 1 9 50 के दशक में आधुनिकतावादी सिनेमा के लिए संगीत का उदय हुआ। निर्देशक एलिया कज़ान जैज़ प्रभावों और विघटनकारी कार्यों के विचार के लिए खुले थे और एलेक्स नॉर्थ के साथ काम किया, जिसका ए स्ट्रीटकार नामित डिजायर (1 9 51) का स्कोर ब्लूज़ और जैज़ के तत्वों के साथ विसंगति को जोड़ता है। कज़ान ने संगीत पर ऑन वाटरफ़्रंट (1 9 54) के लिए लियोनार्ड बर्नस्टीन से भी संपर्क किया और परिणाम हारून कोपलैंड और इगोर स्ट्राविंस्की के शुरुआती कार्यों की याद दिलाता था, उनके “जैज़ सामंजस्य और रोमांचक योजक तालों पर आधारित” थे। एक साल बाद, अर्नोल्ड शॉनबर्ग द्वारा प्रेरित लियोनार्ड रोसेनमैन ने ईस्ट ऑफ़ ईडन (1 9 55) और विद्रोही बिना एक कारण (1 9 55) की अपनी रेटिंग में असामान्यता के साथ प्रयोग किया। अल्फ्रेड हिचकॉक के सहयोग के अपने दस वर्षों में, बर्नार्ड हेरमाने ने वर्टिगो (1 9 58), साइकोसिस (1 9 60) और लॉस पैजारोस (1 9 63) में विचारों के साथ प्रयोग किया। गैर-मरने वाले जैज़ संगीत का उपयोग एक और आधुनिक नवाचार था, जैसे जैज़ स्टार ड्यूक एलिंगटन के संगीतकरण ओटो प्रीमिंगर एनाटॉमी ऑफ़ ए मर्डर (1 9 5 9) के काम के लिए।

लोकप्रिय गाना
सांस्कृतिक अध्ययन के प्रोफेसर एंड्रयू गुडविन लिखते हैं कि “शर्तों के भ्रम को देखते हुए, आधुनिक ग्रंथों की पहचान असाधारण रूप से अलग-अलग, और पाठ के उदाहरणों के अंतर्निहित भ्रम से जुड़ी हुई है … दूसरा, लोकप्रिय संगीत के भीतर पेस्टिच और प्रामाणिकता के बारे में बहसें हैं। ‘ आधुनिकता ‘का मतलब इन दोनों क्षेत्रों में से प्रत्येक के भीतर कुछ अलग है … यह भ्रम आधुनिक शब्दों में रॉक संगीत को समझने के शुरुआती प्रारंभिक प्रयास में स्पष्ट है। गुडविन का तर्क है कि लोकप्रिय संगीत में आधुनिकता के उदाहरणों का उल्लेख आमतौर पर उद्धृत नहीं किया जाता है क्योंकि “यह मुख्यधारा के विरोध में कला की बुर्जुआ धारणा को संरक्षित करने के अपने स्पष्ट प्रयास में सांस्कृतिक संलयन की आधुनिक सिद्धांत को कम करता है, ‘वाणिज्यिक’ रॉक और पॉप”।

लोकप्रिय संगीत में आधुनिकता का नाम 1 9 50 के दशक के अंत में नामित किया गया था जब लॉस एंजिल्स रॉक और रोल रेडियो स्टेशन केआरएलए ने अपनी वायु अंतरिक्ष “आधुनिक रेडियो / लॉस एंजिल्स” को डबिंग शुरू कर दिया था। लेखक डोमिनिक प्रायर का मानना ​​है कि: “आधुनिकता की अवधारणा ग्रेटर लॉस एंजिल्स क्षेत्र के निर्माण में बंधी हुई थी, उस समय जब शहर एक अंतरराष्ट्रीय, सांस्कृतिक केंद्र के रूप में अपने आप में आने लगा था।” जल्द ही कुछ उदाहरणों में आईके और टीना टर्नर (1 9 66) और समुद्र तट लड़कों (1 9 66) द्वारा “गुड वाइब्रेशंस” द्वारा व्यापक रूप से व्यवस्थित “नदी दीप – माउंटेन हाई” शामिल है। बाद की रिकॉर्डिंग के लिए “आधुनिक, अवंत-गार्डे आर एंड बी” की इच्छा, समूह के सदस्य और गीत सह-लेखक ब्रायन विल्सन ने संगीत “उन्नत लय और ब्लूज़” माना, लेकिन अपने बैंडमेट्स से आलोचना प्राप्त की, जिन्होंने ” बहुत आधुनिक “इसके निर्माण के दौरान।

मखमली अंडरग्राउंड, हेनरी गाय, सॉफ्ट मशीन, और हैटफील्ड और नॉर्थ जैसे कला रॉक और प्रगतिशील रॉक कलाकार बाद में आधुनिकतावादी आकांक्षाओं को प्रदर्शित करेंगे, हालांकि गुडविन का मानना ​​है कि प्रगतिशील चट्टान को आधुनिकतावाद के लिए “अनाथाश्रम” माना जाना चाहिए।