अतिसूक्ष्मवाद

दृश्य कला, संगीत और अन्य माध्यमों में, minimalism एक कला आंदोलन है जो द्वितीय विश्व युद्ध के बाद पश्चिमी कला में शुरू हुआ, 1 9 60 के दशक और 1 9 70 के दशक के आरंभ में अमेरिकी दृश्य कलाओं के साथ सबसे दृढ़ता से। Minimalism से जुड़े प्रमुख कलाकारों में डोनाल्ड जुड, जॉन मैकक्रैकन, एग्नेस मार्टिन, डेन फ्लैविन, रॉबर्ट मॉरिस, ऐनी ट्रुइट और फ्रैंक स्टेला शामिल हैं। यह आधुनिकता के अपरिवर्तनीय पहलुओं से निकला है और अक्सर अमूर्त अभिव्यक्तिवाद और अंतिम कला प्रथाओं के लिए एक पुल के खिलाफ प्रतिक्रिया के रूप में व्याख्या की जाती है।

20 वीं शताब्दी में, विशेष रूप से 1 9 60 के दशक से, एक अवैयक्तिक तपस्या, सादे ज्यामितीय विन्यास और औद्योगिक रूप से संसाधित सामग्री द्वारा विशेषता शैली का वर्णन करने के लिए उपयोग किया जाता है। 1 9 2 9 में न्यू यॉर्क में ड्यूडेंसिंग गैलरी में जॉन ग्राहम की पेंटिंग्स की प्रदर्शनी के लिए डेविड बर्लुक द्वारा पहली बार डेविड बर्लुक द्वारा इसका इस्तेमाल किया गया था: ‘न्यूनतमता का नाम कम से कम ऑपरेटिंग माध्यम से प्राप्त होता है अर्थात् न्यूनतमतम चित्रकला पूरी तरह से यथार्थवादी है- विषय खुद चित्रकला ‘। इस शब्द को 1 9 60 के दशक में मुद्रा प्राप्त हुआ और अल्पसंख्यकता के स्पष्टीकरण काफी भिन्न थे, जैसा कि कार्य की सीमा से संबंधित था। इसमें यव्स क्लेन, रॉबर्ट रोशचेनबर्ग, विज्ञापन रेनहार्ड, फ्रैंक स्टाल और ब्रिस मार्डन और पॉप आर्ट और पोस्ट-पेंटरली के पहलुओं के मोनोक्रोम चित्र शामिल थे। अमूर्त आम तौर पर उल्लेख किए गए उदाहरण मार्सेल डचैम्प के तैयार-मैड थे, काज़िमिर मालेविच और बार्नेट न्यूमैन के सार अभिव्यक्तिवादी चित्रों की सर्वोच्च रचनावादी रचनाएं थीं। एग्नेस मार्टिन की तर्कसंगत ग्रिड पेंटिंग्स का उल्लेख इस तरह के न्यूनतम कलाकारों के सोल लेविट के संबंध में भी किया गया था।

संगीत में न्यूनतमता में बार-बार मोंटे यंग, ​​टेरी रिले, स्टीव रीच, फिलिप ग्लास, जूलियस ईस्टमैन और जॉन एडम्स की रचनाओं की पुनरावृत्ति और पुनरावृत्ति शामिल है। शब्द minimalist अक्सर बोलचाल से कुछ भी है जो अतिरिक्त या अपने आवश्यक के लिए छीन लिया जाता है। इसके अनुसार सैमुअल बेकेट, रॉबर्ट ब्रेसन की फिल्म, रेमंड कार्वर की कहानियां और कॉलिन चैपलैन के ऑटोमोबाइल डिज़ाइनों के नाटकों और उपन्यासों का वर्णन करने के लिए इसका उपयोग किया गया है।

दृश्य कला में न्यूनतम कला, minimalism
दृश्य कला में न्यूनतमता, जिसे आमतौर पर “न्यूनतम कला”, “शाब्दिक कला” और “एबीसी कला” के रूप में जाना जाता है, 1 9 60 के दशक के शुरू में न्यू यॉर्क में उभरा क्योंकि नए और पुराने कलाकार ज्यामितीय अमूर्तता की तरफ चले गए; फ्रैंक स्टेला, केनेथ नोलैंड, अल हेल्ड, एल्सवर्थ केली, रॉबर्ट रियामैन और अन्य के मामलों में पेंटिंग के माध्यम से खोज; और डेविड स्मिथ, एंथनी कैरो, टोनी स्मिथ, सोल लेविट, कार्ल आंद्रे, डेन फ्लैविन, डोनाल्ड जुड और अन्य सहित विभिन्न कलाकारों के कार्यों में मूर्तिकला। जड की मूर्ति का प्रदर्शन 1 9 64 में मैनहट्टन में ग्रीन गैलरी में किया गया था, जैसे फ्लैविन के पहले फ्लोरोसेंट लाइट वर्क्स थे, जबकि लियो कास्टेलि गैलरी और पेस गैलरी जैसी अन्य प्रमुख मैनहट्टन दीर्घाओं ने भी ज्यामितीय अमूर्तता पर केंद्रित कलाकारों को प्रदर्शित करना शुरू कर दिया। इसके अलावा वहां दो मौलिक और प्रभावशाली संग्रहालय प्रदर्शनियां थीं: प्राथमिक संरचनाएं: न्यूयॉर्क और यहूदी मूर्तिकला 27 अप्रैल, 1 9 66 से न्यू यॉर्क में यहूदी संग्रहालय में दिखाया गया, संग्रहालय के चित्रकारी और मूर्तिकला संग्रहालय, किनास्टन मैकशिन और सिस्टमिक द्वारा आयोजित 1 9 66 में लॉरेंस स्वीका द्वारा शर्मिंदा आर सुलैमान आर गुगेनहेम संग्रहालय में चित्रकारी, जिसने अमेरिकी कला दुनिया में आकार के कैनवास, रंग क्षेत्र और हार्ड-एज पेंटिंग के माध्यम से ज्यामितीय अमूर्तता का प्रदर्शन किया। उन प्रदर्शनियों और कुछ अन्य लोगों के मद्देनजर कला कला को कम से कम कला उभरा।

अधिक व्यापक और सामान्य अर्थ में, किसी को कौहिमिर मालेविच, पिट मोंड्रियन और डी स्टिज़ल आंदोलन से जुड़े अन्य कलाकारों और रूसी रचनात्मक आंदोलन के कार्यों में बोहौस से जुड़े चित्रकारों के ज्यामितीय अवशोषण में न्यूनतमता की यूरोपीय जड़ें मिलती हैं, और रोमानियाई मूर्तिकार कॉन्स्टेंटिन ब्रैंकुसी के काम में।

फ्रांस में 1 9 47 और 1 9 48 के बीच, यवेस क्लेन ने अपनी मोनोटोन सिम्फनी (1 9 4 9, औपचारिक रूप से द मोनोटोन-साइलेंस सिम्फनी) की कल्पना की जिसमें 20 मिनट की एकमात्र मौन शामिल थी, इसके बाद 20 मिनट की मौन हो गई – ला मोंटे यंग के ड्रोन संगीत दोनों के लिए एक उदाहरण और जॉन केज के 4’33 “। क्लेन ने 1 9 4 9 में मोनोक्रोमों को चित्रित किया था, और 1 9 50 में इस काम की पहली निजी प्रदर्शनी आयोजित की थी- लेकिन उनका पहला सार्वजनिक प्रदर्शन नवंबर 1 9 54 में कलाकार की पुस्तक यवेस: पिंटर्स का प्रकाशन था।

न्यूनतम कला बार्नेट न्यूमैन, विज्ञापन रेनहार्ड, जोसेफ अल्बर्स और पब्लो पिकासो, मार्सेल डचैम्प, जियोर्जियो मोरांडी और अन्य के रूप में विविध कलाकारों के चित्रों के चित्रों से भी प्रेरित है। न्यूनतमवाद 1 9 40 और 1 9 50 के दशक के दौरान न्यू यॉर्क स्कूल में प्रभावी रूप से सार अभिव्यक्तिवाद की चित्रकारी विषय-वस्तु के खिलाफ प्रतिक्रिया थी।

कलाकार और आलोचक थॉमस लॉसन ने अपने 1 9 81 के आर्टफोरम निबंध में अंतिम निकास: चित्रकारी में उल्लेख किया, minimalism ने क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के आधुनिकतावादी चित्रकला की सतह और सामग्रियों में कमी के बारे में दावाों को अस्वीकार नहीं किया, जो उनके दावों को सचमुच लेते हैं। लॉसन के अनुसार, minimalism परिणाम था, भले ही “minimalism” शब्द आम तौर पर इसके कलाकारों द्वारा गले लगाया नहीं गया था, और आलोचकों द्वारा कम से कम कला के कई व्यवसायियों ने इसे एक आंदोलन के रूप में पहचान नहीं लिया था। इस दावे को अपवाद भी लेना क्लेमेंट ग्रीनबर्ग था; अपने निबंध आधुनिकता चित्रकारी के लिए 1 9 78 की पोस्टस्क्रिप्ट में उन्होंने जो कहा वह इस व्याख्या को अस्वीकार कर दिया, लिखते हुए:

मैंने जो कुछ लिखा है, उसके कुछ और निर्माण हुए हैं जो पूर्वोत्तरता में चले गए हैं: कि मैं समतलता और समतलता को झुकाव के रूप में चित्रकारी कला की सीमित स्थितियों के रूप में नहीं, बल्कि चित्रमय कला में सौंदर्य गुणवत्ता के मानदंडों के रूप में; कि आगे एक काम एक कला की आत्म-परिभाषा को आगे बढ़ाता है, बेहतर है कि काम होना चाहिए। दार्शनिक या कला इतिहासकार जो मुझे कल्पना कर सकते हैं-या किसी भी तरह से सौंदर्य निर्णय पर पहुंचने वाले किसी भी व्यक्ति ने मेरे लेख में खुद से ज्यादा खुद को झटके से पढ़ा है।

पिछले दशक के अधिक व्यक्तिपरक सार अभिव्यक्तिवादियों के विपरीत, बार्नेट न्यूमैन और विज्ञापन रेनहार्ड के अपवादों के साथ; कम से कम संगीतकार जॉन केज और लामोन्ते यंग, ​​कवि विलियम कार्लोस विलियम्स और परिदृश्य वास्तुकार फ्रेडरिक लॉ ओल्मस्टेड से भी प्रभावित थे। उन्होंने बहुत स्पष्ट रूप से कहा कि उनकी कला स्वयं अभिव्यक्ति के बारे में नहीं थी, और कला के बारे में पिछले दशक के अधिक व्यक्तिपरक दर्शन के विपरीत उनका उद्देश्य ‘उद्देश्य’ था। सामान्य रूप से, minimalism की विशेषताओं में ज्यामितीय शामिल होते हैं, अक्सर घनत्व वाले रूपों को अधिक रूपक, भागों की समानता, पुनरावृत्ति, तटस्थ सतहों और औद्योगिक सामग्रियों से शुद्ध किया जाता है।

एक सिद्धांतवादी और कलाकार रॉबर्ट मॉरिस ने 1 9 66 में आर्टफोर्मम के तीन मुद्दों में मूल रूप से प्रकाशित “नोट्स ऑन मूर्तिकला 1-3” लिखा था। इन निबंधों में, मॉरिस ने अपने लिए एक वैचारिक ढांचे और औपचारिक तत्वों को परिभाषित करने का प्रयास किया था और वह जो अपने समकालीन लोगों के प्रथाओं को गले लगाएगा। इन निबंधों ने गेस्टल्ट के विचार पर बहुत ध्यान दिया – “भागों … इस तरह से एक साथ बंधे हैं कि वे अवधारणात्मक अलगाव के लिए अधिकतम प्रतिरोध बनाते हैं।” मॉरिस ने बाद में “आर्ट्स ऑन मूर्तिकला 4: ऑब्जेक्ट्स से परे” में “एक पार्श्व पार्श्व फैल गया और कोई नियमित इकाइयां या सममित अंतराल …” में प्रदर्शित एक कला का वर्णन किया, मूल रूप से आर्टफोर्मम में प्रकाशित, 1 9 6 9 में, यह कहने के लिए जारी है कि “व्यवस्था की अनिश्चितता भागों के भौतिक अस्तित्व का एक शाब्दिक पहलू है। ” इस निबंध के सिद्धांत में सामान्य बदलाव एक अभिव्यक्ति है जिसे बाद में पोस्टमिनेमिज्म के रूप में संदर्भित किया जाएगा।

विशेष रूप से minimalism से जुड़े पहले कलाकारों में से एक चित्रकार फ्रैंक स्टेला था, जिसमें से चार प्रारंभिक “ब्लैक पेंटिंग्स” को 1 9 5 9 शो में शामिल किया गया था, 16 अमेरिकियों, जो न्यूयॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय में डोरोथी मिलर द्वारा आयोजित किए गए थे। फ्रैंक स्टालेस के काले चित्रों में पट्टियों की चौड़ाई अक्सर लकड़ी के आयामों द्वारा निर्धारित की जाती थी, जिसे उन्होंने कैनवास का समर्थन करने के लिए स्ट्रेचर के लिए उपयोग किया था, जो कैनवास के खिलाफ दिखाई देता था क्योंकि पक्ष से देखे जाने पर पेंटिंग की गहराई थी। कैनवास की सामने की सतह पर संरचनाओं के बारे में स्टेला के फैसले इसलिए पूरी तरह से व्यक्तिपरक नहीं थे, लेकिन समर्थन के भौतिक निर्माण की “दी गई” विशेषता से पूर्व-वातानुकूलित थे। शो कैटलॉग में, कार्ल आंद्रे ने नोट किया, “कला अनावश्यक को छोड़ देती है। फ्रैंक स्टेला को पट्टियों को पेंट करने के लिए जरूरी पाया गया है। उनकी पेंटिंग में और कुछ नहीं है।” ये अपरिवर्तनीय काम विलेम डी कुनिंग या फ्रांज क्लाइन के ऊर्जा-भरे और जाहिर तौर पर अत्यधिक व्यक्तिपरक और भावनात्मक रूप से आरोपित चित्रों के विपरीत थे और, पिछली पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के बीच के उदाहरण के संदर्भ में, कम गर्भावस्था की ओर झुका हुआ, अक्सर सोमवार , बार्नेट न्यूमैन और मार्क रोथको के रंग क्षेत्र चित्रकारी। स्टेला को एमओएमए शो से तत्काल ध्यान मिला, लेकिन केनेथ नोलैंड, जेन डेविस, रॉबर्ट मदरवेल और रॉबर्ट रियामैन समेत अन्य कलाकारों ने भी 1 9 60 के दशक के उत्तरार्ध से 50 के दशक के अंत तक पट्टियों, मोनोक्रोमैटिक और हार्ड-एज प्रारूपों का पता लगाना शुरू कर दिया था।

शाब्दिक के पक्ष में चित्रमय, भ्रमपूर्ण और नकली को बाहर करने के लिए न्यूनतम कला में प्रवृत्ति के कारण, चित्रकारी और मूर्तिकला संबंधी चिंताओं से दूर एक आंदोलन था। डोनाल्ड जुड ने एक चित्रकार के रूप में शुरू किया था, और वस्तुओं के निर्माता के रूप में समाप्त हुआ। उनका मौलिक निबंध, “विशिष्ट ऑब्जेक्ट्स” (कला Yearbook 8, 1 9 65 में प्रकाशित), न्यूनतम सौंदर्यशास्त्र के गठन के लिए सिद्धांत का टचस्टोन था। इस निबंध में, जुड को अमेरिकी कला के लिए एक नए क्षेत्र के लिए एक प्रारंभिक बिंदु मिला, और अवशिष्ट विरासत में यूरोपीय कलात्मक मूल्यों के एक साथ अस्वीकृति मिली। उन्होंने जैस्पर जॉन्स, डेन फ्लैविन और ली बोनटेकौ सहित उस समय न्यूयॉर्क में सक्रिय कलाकारों की एक श्रृंखला के कार्यों में इस विकास के सबूतों की ओर इशारा किया। जुड के लिए “प्रारंभिक” महत्व जॉर्ज जॉर्ज अर्ल ऑर्टमैन का काम था, जिन्होंने चित्रकला के रूपों को कुचलने, कठिन, दार्शनिक रूप से चार्ज की गई ज्यामिति में ठोस और आसवित किया था। इन विशिष्ट वस्तुओं में एक ऐसी जगह बनी हुई है जो तब पेंटिंग या मूर्तिकला के रूप में आराम से वर्गीकृत नहीं होती है। इस तरह की वस्तुओं की स्पष्ट पहचान खुद ही सवाल में थी, और उन्होंने अच्छी तरह से पहने हुए और परिचित सम्मेलनों के साथ आसान सहयोग से परहेज किया, जो जुड के लिए उनके मूल्य का एक हिस्सा था।

आधुनिकतावादी औपचारिक कला आलोचकों और इतिहासकारों द्वारा इस आंदोलन की अत्यधिक आलोचना की गई थी। कुछ आलोचकों ने सोचा कि कम से कम कला ने 1 9 60 के दशक तक की अवधि में पेंटिंग के प्रमुख अमेरिकी आलोचक आलोचक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग द्वारा परिभाषित चित्रकला और मूर्तिकला की आधुनिक बोलीभाषा की गलतफहमी का प्रतिनिधित्व किया था। Minimalism की सबसे उल्लेखनीय आलोचना माइकल फ्राइड, एक औपचारिक आलोचक, ने अपनी “नाट्यता” के आधार पर काम करने पर विरोध किया था। कला और उद्देश्य में (जून 1 9 67 में आर्टफोर्मम में प्रकाशित) उन्होंने घोषणा की कि कला का न्यूनतम काम, विशेष रूप से न्यूनतम मूर्तिकला, दर्शक की शारीरिकता के साथ जुड़ाव पर आधारित था। उन्होंने तर्क दिया कि रॉबर्ट मॉरिस जैसे काम ने एक प्रकार के प्रदर्शन में देखने के कार्य को बदल दिया, जिसमें कार्य अवलोकन की कलाकृति और दर्शकों की भागीदारी में भागीदारी का अनावरण किया गया। फ्राइड ने दर्शकों के अनुभव को इस कला के बाहर एक सौंदर्य जुड़ाव से, कलाकृति के बाहर एक घटना के लिए न्यूनतम कला की विफलता के रूप में देखा। आर्टफोर्मम के अक्टूबर अंक में संपादक को लिखे एक पत्र में फ्राइड के निबंध को तत्काल और पृथ्वी कलाकार रॉबर्ट स्मिथसन ने तुरंत चुनौती दी थी। स्मिथसन ने निम्नलिखित में कहा: “जो भी वह कर रहा है उसके बारे में चेतना सबसे ज्यादा डरता है-अर्थात् खुद नाटकीय होना।”

पहले से ही उल्लेख किए गए रॉबर्ट मॉरिस, फ्रैंक स्टेला, कार्ल आंद्रे, रॉबर्ट रियामन और डोनाल्ड जुड के अलावा अन्य न्यूनतम कलाकारों में शामिल हैं: रॉबर्ट मैंगलॉल्ड, लैरी बेल, डेन फ्लैविन, सोल लेविट, चार्ल्स हिनमैन, रोनाल्ड ब्लैडन, पॉल मोगेन्सन, रोनाल्ड डेविस, डेविड नोवोस, ब्राइस मार्डन, ब्लिंकी पालेर्मो, एग्नेस मार्टिन, जो बायर, जॉन मैकक्रैकन, विज्ञापन रेनहार्ड, फ्रेड सैंडबैक, रिचर्ड सेरा, टोनी स्मिथ, पेट्रीसिया जोहानसन और ऐनी ट्रुइट।

विज्ञापन रेनहार्ड, वास्तव में सार अभिव्यक्तिवादी पीढ़ी का एक कलाकार है, लेकिन जिसकी अपर्याप्त लगभग सभी काले रंग की पेंटिंग्स को कम से कम आशा की उम्मीद थी, यह कला के लिए एक अपरिवर्तनीय दृष्टिकोण के मूल्य के बारे में कहने के लिए था:

इसमें अधिक सामान, व्यस्त कला का काम, इससे भी बदतर है। अधिक कम है। थोड़ा ही काफी है। आंख दृष्टि को दूर करने के लिए एक खतरे है। अपने आप को नंगे रखना अश्लील है। प्रकृति से छुटकारा पाने के साथ कला शुरू होती है।

रेनहार्ड की टिप्पणी सीधे हंस होफमैन के प्रकृति के संबंध में अपने स्वयं के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रों के स्रोत के रूप में संबोधित करती है और विरोध करती है। अमेरिकी कला के स्मिथसोनियन इंस्टीट्यूशन अभिलेखागार के लिए डोरोथी स्टिकलर (1 964-11-02) के साथ एक साक्षात्कार में ली क्रसनर ने बताया कि होफमैन और जैक्सन पोलॉक के बीच एक प्रसिद्ध विनिमय में। क्रांसर के शब्दों में:

जब मैंने पोलॉक से मिलने के लिए होफमान को लाया और यहां अपना काम देखने से पहले जो हम यहां चले गए, तो हॉफमैन की प्रतिक्रिया थी- जैक्सन से पूछे जाने वाले प्रश्नों में से एक था, “क्या आप प्रकृति से काम करते हैं?” अभी भी चारों ओर जीवन या चारों ओर मॉडल नहीं थे और जैक्सन का जवाब था, “मैं प्रकृति हूं।” और होफमैन का जवाब था, “आह, लेकिन यदि आप दिल से काम करते हैं, तो आप खुद को दोहराएंगे।” जिस पर जैक्सन ने जवाब नहीं दिया था। 1 9 42 में पोलॉक और होफमैन के बीच बैठक हुई।

न्यूनतम डिजाइन और वास्तुकला
न्यूनतमता शब्द का उपयोग डिजाइन और वास्तुकला में एक प्रवृत्ति का वर्णन करने के लिए भी किया जाता है, जिसमें विषय अपने आवश्यक तत्वों में कम हो जाता है। मिनिमलिस्टिस्ट आर्किटेक्चरल डिज़ाइनर दो परिपूर्ण विमानों, सुरुचिपूर्ण प्रकाश व्यवस्था और वास्तुशिल्प डिजाइन में त्रि-आयामी आकारों को हटाने के द्वारा छोड़े गए शून्य रिक्त स्थान के बीच कनेक्शन पर ध्यान केंद्रित करते हैं। [किसके अनुसार?]

न्यूनतम पारंपरिक डिजाइन जापानी पारंपरिक डिजाइन और वास्तुकला से अत्यधिक प्रभावित हुआ है। डी Stijl कलाकारों के काम एक प्रमुख संदर्भ हैं: डी Stijl लाइनों और विमानों जैसे मूल तत्वों को व्यवस्थित रूप से व्यवस्थित करके अभिव्यक्ति के विचारों का विस्तार किया। घर के डिजाइन के संबंध में, अधिक आकर्षक “minimalistic” डिज़ाइन वास्तव में कम से कम नहीं हैं क्योंकि वे बड़े होते हैं, और अधिक महंगे भवन सामग्री और खत्म का उपयोग करते हैं।

ऐसे पर्यवेक्षक हैं जो शहरी जीवन की उग्रता और अराजकता के जवाब के रूप में minimalism के उद्भव का वर्णन करते हैं। उदाहरण के लिए, जापान में, कम से कम वास्तुकला 1 9 80 के दशक में कर्षण हासिल करना शुरू कर दिया जब उसके शहरों में तेजी से विस्तार और आबादी बढ़ रही थी। इस डिजाइन को “यातायात, विज्ञापन, झुकाव के निर्माण के पैमाने, और सड़क मार्गों को लागू करने” की सशक्त उपस्थिति के प्रति एक विरोधाभास माना जाता था। अराजक वातावरण न केवल शहरीकरण, औद्योगिकीकरण और प्रौद्योगिकी द्वारा संचालित बल्कि द्वितीय विश्व युद्ध और भूकंप के विनाश के कारण संरचनाओं को ध्वस्त करने के जापानी अनुभव को भी आग लगाना था। एक को ध्यान रखना चाहिए कि कम से कम डिजाइन दर्शन जापान में दूसरे देश के माध्यम से नहीं आया था। यह ज़ेन दर्शन पर आधारित जापानी संस्कृति का हिस्सा था। ऐसे लोग हैं जो विशेष रूप से जापान की आध्यात्मिकता और प्रकृति के दृष्टिकोण के लिए डिजाइन आंदोलन को श्रेय देते हैं।

आर्किटेक्ट लुडविग मिस वैन डेर रोहे (1886-19 6 9) ने अपने सौंदर्यशास्त्र का वर्णन करने के लिए “कम है और अधिक” आदर्श वाक्य अपनाया। उनकी रणनीति एक इमारत के आवश्यक घटकों को चरम सादगी का प्रभाव बनाने के लिए व्यवस्थित करने में से एक थी – उन्होंने कई दृश्य और कार्यात्मक उद्देश्यों को पूरा करने के लिए हर तत्व और विस्तार को सूचीबद्ध किया; उदाहरण के लिए, रेडिएटर के रूप में भी काम करने के लिए एक फर्श डिजाइन करना, या बाथरूम में घर बनाने के लिए एक विशाल फायरप्लेस भी। डिजाइनर बकमिंस्टर फुलर (18 9 5-1983) ने अभियंता के लक्ष्य को “कम से कम करना” के लक्ष्य को अपनाया, लेकिन उनकी चिंताओं सौंदर्यशास्त्र की बजाय प्रौद्योगिकी और इंजीनियरिंग की ओर उन्मुख थीं।

लुइस बरगान एक आदर्श आधुनिक minimalist डिजाइनर है। [किसके अनुसार?] अन्य समकालीन minimalist आर्किटेक्ट्स Kazuyo Sejima, जॉन Pawson, Eduardo Souto डी मौरा, अलवारो सिज़ा विएरा, तादाओ एंडो, अल्बर्टो कैम्पो Baeza, योशियो तानिगुची, पीटर जुमथोर, ह्यूग न्यूवेल शामिल हैं जैकबसेन, विन्सेंट वान डुइसन, क्लाउडियो सिलवेस्ट्रीन, माइकल गैबेलिनी और रिचर्ड ग्लकमैन। [पेज की आवश्यकता] [सत्यापन आवश्यक]

न्यूनतम वास्तुकला और अंतरिक्ष
लंदन और न्यूयॉर्क में 1 9 80 के दशक के अंत में न्यूनतम कार्यकर्ता लोकप्रिय हो गया, जहां आर्किटेक्ट्स और फैशन डिजाइनरों ने सफेद तत्वों, ठंडे प्रकाश, न्यूनतम वस्तुओं और फर्नीचर के साथ बड़ी जगह का उपयोग करके सादगी प्राप्त करने के लिए बुटीक में एक साथ काम किया।

अवधारणाओं और डिजाइन तत्वों
कम से कम वास्तुकला की अवधारणा सबकुछ अपनी आवश्यक गुणवत्ता को कम करने और सादगी प्राप्त करने के लिए है। विचार पूरी तरह से अलंकरण के बिना नहीं है, लेकिन सभी भागों, विवरण, और जॉइनरी को एक मंच में कम माना जाता है जहां कोई भी डिजाइन को बेहतर बनाने के लिए कुछ भी नहीं हटा सकता है।

‘सार’ के लिए विचार प्रकाश, रूप, सामग्री, स्थान, स्थान, और मानव स्थिति का विवरण हैं। Minimalist आर्किटेक्ट न केवल इमारत के भौतिक गुणों पर विचार करें। वे आकृति को सुनकर और विवरण, लोगों, अंतरिक्ष, प्रकृति और सामग्रियों पर ध्यान देकर आध्यात्मिक आयाम और अदृश्य मानते हैं। मानते हैं कि इससे अदृश्य चीज की अमूर्त गुणवत्ता प्रकट होती है और उन लोगों के सार की खोज में सहायता मिलती है अदृश्य गुण-जैसे प्राकृतिक प्रकाश, आकाश, पृथ्वी और हवा। इसके अलावा, वे निर्माण के लिए सबसे आवश्यक सामग्री का निर्णय लेने और भवनों और साइटों के बीच संबंध बनाने के लिए आस-पास के माहौल के साथ “एक संवाद खोलें”।

कम से कम वास्तुकला में, डिजाइन तत्व सादगी के संदेश को व्यक्त करने का प्रयास करते हैं। बुनियादी ज्यामितीय रूप, सजावट के बिना तत्व, सरल सामग्री और संरचनाओं की पुनरावृत्ति आदेश और आवश्यक गुणवत्ता की भावना का प्रतिनिधित्व करती है। इमारतों में प्राकृतिक प्रकाश के आंदोलन में सरल और साफ जगहें दिखाई देती हैं। 1 9वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में कला और शिल्प आंदोलन ब्रिटेन में लोकप्रिय हो गया, लोगों ने सामग्रियों की गहन और सहज विशेषताओं के संबंध में ‘सामग्री के लिए सच्चाई’ के दृष्टिकोण की सराहना की। सरल और सामान्य सामग्रियों में मूल्यवान गुणों को फिर से खोजकर संक्षेप में आर्किटेक्ट आर्किटेक्ट्स ‘आकृति को सुनते हैं,’ सार और सादगी की तलाश करते हैं।

जापानी परंपरा से प्रभाव
सादगी का विचार कई संस्कृतियों में दिखाई देता है, विशेष रूप से ज़ेन दर्शनशास्त्र की जापानी पारंपरिक संस्कृति। जापानी ज़ेन संस्कृति को अपनी इमारतों के लिए सौंदर्य और डिजाइन तत्वों में कुशल बनाते हैं। वास्तुकला के इस विचार ने 18 वीं शताब्दी के मध्य से विशेष रूप से अमेरिका में पश्चिमी समाज को प्रभावित किया है। इसके अलावा, यह 1 9वीं शताब्दी में कम से कम वास्तुकला को प्रेरित करता था।

सादगी की जेन अवधारणा स्वतंत्रता और जीवन के सार के विचारों को प्रसारित करती है। सरलता केवल सौंदर्य मूल्य नहीं है, इसकी एक नैतिक धारणा है जो सत्य की प्रकृति को देखती है और आंतरिक गुणों और सामग्रियों और वस्तुओं के सार को प्रकट करती है। उदाहरण के लिए, रियोन्जी मंदिर में रेत उद्यान सादगी की अवधारणाओं और कुछ पत्थरों और एक विशाल खाली जगह की विचारधारा से अनिवार्यता को दर्शाता है।

मा के जापानी सौंदर्य सिद्धांत खाली या खुली जगह को संदर्भित करता है। यह सभी अनावश्यक आंतरिक दीवारों को हटा देता है और अंतरिक्ष खोलता है। स्थानिक व्यवस्था की खालीता सबकुछ को सबसे आवश्यक गुणवत्ता तक कम कर देती है।

वबी-सबी के जापानी सौंदर्यशास्त्र सरल और सादे वस्तुओं की गुणवत्ता को महत्व देते हैं। यह अनावश्यक सुविधाओं की अनुपस्थिति की सराहना करता है, शांतता में जीवन को खजाना और सामग्री के सहज चरित्र को प्रकट करना है। उदाहरण के लिए, जापानी पुष्प कला, जिसे इकेबाना भी कहा जाता है, में फूल व्यक्त करने का केंद्रीय सिद्धांत है। लोग पौधों से शाखाओं, पत्तियों और फूलों को काटते हैं और केवल पौधे के आवश्यक हिस्से को बनाए रखते हैं। यह प्रकृति में आवश्यक गुणवत्ता और सहज चरित्र के विचार को व्यक्त करता है।

हालांकि, केवल एक स्थानिक अवधारणा होने से, मा जापानी दैनिक जीवन के सभी पहलुओं में हमेशा मौजूद है, क्योंकि यह समय के साथ-साथ दैनिक कार्यों पर भी लागू होता है।

Minimalist आर्किटेक्ट्स और उनके काम
जापानी कम से कम वास्तुकार, तादाओ एंडो जापानी पारंपरिक भावना और उनके कार्यों में प्रकृति की अपनी धारणा को व्यक्त करता है। उनकी डिजाइन अवधारणाएं सामग्री, शुद्ध ज्यामिति और प्रकृति हैं। वह सामान्य रूप से अंतरिक्ष में प्रकाश की तपस्या और किरणों को प्राप्त करने के लिए ठोस या प्राकृतिक लकड़ी और बुनियादी संरचनात्मक रूप का उपयोग करता है। उन्होंने इमारतों के साथ रिश्ते और व्यवस्था बनाने के लिए साइट और प्रकृति के बीच संवाद भी स्थापित किया। एंडो के काम और जापानी सौंदर्य सिद्धांतों का अनुवाद जापानी वास्तुकला पर अत्यधिक प्रभावशाली है।

एक अन्य जापानी minimalist वास्तुकार, Kazuyo Sejima, अपने आप पर काम करता है और Ryue निशिजावा के साथ, SANAA के रूप में, प्रतिष्ठित जापानी Minimalist इमारतों का उत्पादन। जापानी न्यूनतमता की एक विशेष शैली को बनाने और प्रभावित करने के साथ श्रेय दिया गया है, सेजिमस नाजुक, बुद्धिमान डिजाइन सफेद रंग, पतले निर्माण खंड और पारदर्शी तत्वों का उपयोग कर सकते हैं जो असाधारण इमारत प्रकार को अक्सर minimalism से जुड़े होते हैं। वर्क्स में न्यू म्यूजियम (2010) न्यूयॉर्क सिटी, स्मॉल हाउस (2000) टोक्यो, प्लम पेड़ (2003) टोक्यो से घिरा हुआ घर शामिल है।

विट्रा सम्मेलन मंडप में, वेइल एम राहीन, 1 99 3, अवधारणाएं इमारत, मानव आंदोलन, साइट और प्रकृति के बीच संबंधों को एक साथ लाने के लिए हैं। जो कि minimalism विचारधारा का एक मुख्य बिंदु है जो इमारत और साइट के बीच संवाद स्थापित करता है। इमारत इंटीरियर और प्रकृति की भरे और शून्य जगह के विपरीत सर्कल और आयत के सरल रूपों का उपयोग करती है। फोयर में, एक बड़ी परिदृश्य खिड़की है जो बाहरी को देखती है। यह वास्तुकला की सरल और चुप्पी प्राप्त करता है और अंतरिक्ष में प्रकाश, हवा, समय और प्रकृति को बढ़ाता है।

जॉन Pawson एक ब्रिटिश minimalist वास्तुकार है; उनकी डिजाइन अवधारणाएं आत्मा, प्रकाश और व्यवस्था हैं। उनका मानना ​​है कि यद्यपि आवश्यक गुणवत्ता के विचार से परे एक बिंदु पर इंटीरियर की अव्यवस्था और सरलीकरण कम हो गया है, खालीपन की बजाय सादगी की स्पष्टता और समृद्धि की भावना है। उनके डिजाइन में सामग्री अंतरिक्ष, सतह, और मात्रा की ओर धारणा प्रकट करती है। इसके अलावा, वह अपनी सामग्रियों, गहराई की भावना और किसी व्यक्ति की गुणवत्ता के कारण प्राकृतिक सामग्री का उपयोग करना पसंद करता है। वह जापानी जेन दर्शनशास्त्र के महत्वपूर्ण प्रभावों से भी आकर्षित है।

केल्विन क्लेन मैडिसन एवेन्यू, न्यूयॉर्क, 1 995-9 6, एक बुटीक है जो कैल्विन क्लेन के फैशन के विचारों को व्यक्त करता है। इस परियोजना के लिए जॉन Pawson की आंतरिक डिजाइन अवधारणाओं को सरल, शांतिपूर्ण और व्यवस्थित स्थानिक व्यवस्था बनाना है। अंतरिक्ष के लिए सादगी और सद्भाव प्राप्त करने के लिए उन्होंने पत्थर के फर्श और सफेद दीवारों का उपयोग किया। वह इंटीरियर के लिए शुद्धता की भावना प्राप्त करने के लिए दृश्य विकृतियों, जैसे एयर कंडीशनिंग और दीपक जैसे कमी को कम करता है और समाप्त करता है।

अल्बर्टो कैम्पो बेजा एक स्पेनिश वास्तुकार है और अपने कार्य को आवश्यक वास्तुकला के रूप में वर्णित करता है। वह प्रकाश, विचार और अंतरिक्ष की अवधारणाओं को महत्व देता है। प्रकाश आवश्यक है और निवासियों और इमारत के बीच संबंध प्राप्त करता है। विचार अंतरिक्ष, रूपों और निर्माण के कार्य और संदर्भ को पूरा करने के लिए हैं। सजावट से बचने के लिए अंतरिक्ष को न्यूनतम ज्यामितीय रूपों द्वारा आकार दिया जाता है जो आवश्यक नहीं है।

गैस्पर हाउस, ज़होरा, 1 99 2 एक निवास है कि ग्राहक स्वतंत्र होना चाहता था। ऊंची दीवारें संलग्न जगह बनाती हैं और घर और आंगन में उपयोग किए जाने वाले पत्थर के फर्श आंतरिक और बाहरी की निरंतरता दिखाते हैं। दीवारों का सफेद रंग भवन की सादगी और एकता का खुलासा करता है। संरचना की विशेषता लगातार क्षैतिज घर बनाने के लिए लाइन बनाती है, इसलिए इमारत के माध्यम से क्षैतिज रूप से प्राकृतिक प्रकाश परियोजनाएं होती हैं।

साहित्यिक minimalism
साहित्यिक minimalism एक अर्थव्यवस्था द्वारा शब्दों और सतह के विवरण पर ध्यान केंद्रित द्वारा विशेषता है। Minimalist लेखकों adverbs eschew और संदर्भ को निर्देश देने के लिए संदर्भ की अनुमति पसंद करते हैं। पाठकों से लेखक से दिशानिर्देशों के प्रति प्रतिक्रिया करने के बजाय कहानी बनाने में सक्रिय भूमिका निभाने की उम्मीद है, “पक्षों का चयन” करने के लिए, oblique संकेतों और innuendo के आधार पर।

जेम्स एम कैन और जिम थॉम्पसन जैसे लेखकों के कुछ 1 9 40 के दशक के अपराध कथाओं ने काफी प्रभावशाली प्रभाव डालने के लिए एक छेड़छाड़ की, वास्तविक तथ्य गद्य शैली को अपनाया; कुछ इस गद्य शैली को minimalism के रूप में वर्गीकृत करते हैं। [वीज़ल शब्द]

1 9 60 के दशक और 1 9 70 के दशक की शुरुआत (जॉन बार्थ, रॉबर्ट कूवर और विलियम एच गॉस) की मेटाफिक्शन प्रवृत्ति के जवाब में साहित्यिक minimalism का एक और झगड़ा हुआ। इन लेखकों को भी गद्य के साथ छोड़ दिया गया था और उनके विषय से मनोवैज्ञानिक दूरी रखी गई थी।

न्यूनतम लेखन लेखकों, या जिन्हें उनके लेखन करियर की कुछ अवधि के दौरान minimalism के साथ पहचाना जाता है, में निम्न शामिल हैं: रेमंड कार्वर, एन बीट्टी, ब्रेट ईस्टन एलिस, चार्ल्स बुकोव्स्की, अर्नेस्ट हेमिंगवे, केजे स्टीवंस, एमी हेमपेल, बॉबी एन मेसन, टोबीस वोल्फ , ग्रेस पाली, सैंड्रा सिस्नेरोस, मैरी रॉबिसन, फ्रेडरिक बार्टेलमे, रिचर्ड फोर्ड, पैट्रिक हॉलैंड, कॉर्मैक मैककार्थी और एलिसिया एरियन।

अमेरिकी कवियों जैसे स्टीफन क्रेन, विलियम कार्लोस विलियम्स, प्रारंभिक एज्रा पाउंड, रॉबर्ट क्रीली, रॉबर्ट ग्रेनेयर और अराम सरोयान को कभी-कभी उनकी न्यूनतम शैली के साथ पहचाना जाता है। शब्द “minimalism” कभी-कभी कविता शैली, हाइकू के सबसे छोटे से जुड़ा हुआ है, जो जापान में पैदा हुआ था, लेकिन निक वर्जीलियो, रेमंड रोज़ेलिप और जॉर्ज स्वीडन जैसे कवियों द्वारा अंग्रेजी साहित्य में पालतू रहा है।

आयरिश लेखक सैमुअल बेकेट अपने नाबालिग लेखक जॉन फॉस के रूप में अपने न्यूनतम नाटक और गद्य के लिए जाने जाते हैं।

अपने उपन्यास द इज़ी चेन में, इवान दारा में संगीत न्यूनता की शैली में लिखे गए एक 60-पेज खंड शामिल हैं, विशेष रूप से संगीतकार स्टीव रीच द्वारा प्रेरित। उपन्यास के मुख्य चरित्र के मनोवैज्ञानिक राज्य (आंदोलन) का प्रतिनिधित्व करने का इरादा रखते हुए, अनुभाग की पाठ की लगातार पंक्तियां दोहराए जाने वाले और विकासशील वाक्यांशों पर बनाई गई हैं।

न्यूनतम संगीत
शब्द “न्यूनतम संगीत” 1 9 70 के आसपास माइकल न्यमान द्वारा minimalism की अवधारणा से लिया गया था, जिसे पहले दृश्य कलाओं पर लागू किया गया था। अधिक सटीक रूप से, यह द स्पेक्ट्रेटर में 1 9 68 की समीक्षा में था कि नैनमैन ने पहली बार इस शब्द का इस्तेमाल डेनिश संगीतकार हेनिंग क्रिस्सेन द्वारा दस मिनट की पियानो रचना का वर्णन करने के लिए किया था, साथ ही चार्लोट मूरमन और नाम जून पैक द्वारा खेले जाने वाले कई अन्य अज्ञात टुकड़ों के साथ लंदन में समकालीन कला संस्थान।