परिदृश्य चित्रकला

लैंडस्केप पेंटिंग, जिसे लैंडस्केप आर्ट के रूप में भी जाना जाता है, परिदृश्य की कला में चित्रण है – पहाड़, घाटियों, पेड़ों, नदियों और जंगलों जैसे प्राकृतिक दृश्य, विशेष रूप से जहां मुख्य विषय एक विस्तृत दृश्य है – इसके तत्वों के साथ एक सुसंगत रचना में व्यवस्थित किया गया है । अन्य कार्यों में, आंकड़ों के लिए लैंडस्केप पृष्ठभूमि अभी भी काम का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन सकती है। आकाश लगभग हमेशा दृश्य में शामिल होता है, और मौसम अक्सर रचना का एक तत्व होता है। एक विशिष्ट विषय के रूप में विस्तृत परिदृश्य सभी कलात्मक परंपराओं में नहीं पाए जाते हैं, और विकसित होते हैं जब पहले से ही अन्य विषयों का प्रतिनिधित्व करने की एक परिष्कृत परंपरा होती है।

पश्चिमी चित्रकला और चीनी कला से दो मुख्य परंपराएं वसंत, दोनों मामलों में एक हजार वर्षों में अच्छी तरह से वापस आ रही हैं। लैंडस्केप आर्ट में एक आध्यात्मिक तत्व की मान्यता पूर्व एशियाई कला में इसकी शुरुआत से, दाओवाद और अन्य दार्शनिक परंपराओं पर ड्राइंग से मौजूद है, लेकिन पश्चिम में केवल रोमांटिकतावाद के साथ स्पष्ट हो जाता है।

कला में लैंडस्केप के दृश्य पूरी तरह से काल्पनिक हो सकते हैं, या वास्तविकता से सटीकता की भिन्न डिग्री के साथ कॉपी किए जा सकते हैं। यदि किसी चित्र का प्राथमिक उद्देश्य किसी वास्तविक, विशिष्ट स्थान को चित्रित करना है, विशेष रूप से प्रमुख रूप से इमारतों सहित, तो इसे स्थलाकृतिक दृश्य कहा जाता है। इस तरह के विचार, पश्चिम में प्रिंट के रूप में बेहद आम हैं, जिन्हें अक्सर ललित कला परिदृश्य से हीन के रूप में देखा जाता है, हालांकि भेद हमेशा सार्थक नहीं होता है; इसी तरह के पूर्वाग्रहों का चीनी कला में अस्तित्व था, जहां साहित्यिक चित्रकला आमतौर पर काल्पनिक विचारों को दर्शाती थी, जबकि पेशेवर अदालत के कलाकारों ने वास्तविक विचारों को चित्रित किया, जिसमें अक्सर महल और शहर शामिल थे।

लैंडस्केप प्रकार:
जिस तरह से परिदृश्य के विषय का इलाज किया जाता है, उसके कारण तीन मौलिक प्रकारों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:

“कॉस्मिक” या “उदात्त” परिदृश्य, जिसमें प्रकृति को एक जंगली तरीके से प्रस्तुत किया जाता है, अपार परिदृश्य जो जरूरी नहीं कि वास्तव में मौजूदा स्थानों का प्रतिनिधित्व करते हैं, और जिसमें आदमी को खोया हुआ महसूस होता है। इस लाइन के भीतर “प्रकृतिवादी परिदृश्य” होगा जो एक भव्य, प्रचुर और जंगली प्रकृति को दर्शाता है, जिसमें तूफानों के साथ वायुमंडलीय घटनाएं दिखाई देती हैं। यह उत्तरी यूरोप के कलाकारों की खासियत है, खासकर जर्मन पेंटिंग, जैसे कि ड्यूर, एल्सहाइमर या फ्रेडरिक।

प्रकृति “मनुष्य पर हावी” है, जैसा कि फ्लेमिश या डच परिदृश्य के मामले में है। मनुष्य की उपस्थिति प्रकृति को खतरा नहीं लगती है। अक्सर यह एक “स्थलाकृतिक परिदृश्य” होने के साथ समाप्त होता है, जो आवश्यक रूप से एक सटीक और पहचानने योग्य स्थान का प्रतिनिधित्व करता है, सबसे विनम्र तरीके से प्रस्तुत प्रकृति के साथ। इस पंक्ति के भीतर पतिनिर, पीटर ब्रूघेल को सत्रहवीं शताब्दी के एल्डर या डच स्वामी का उल्लेख किया जा सकता है।

आदमी द्वारा प्रकृति “उपनिवेश”, जो इतालवी परिदृश्य की विशिष्ट है। वे राहत के खेतों, पहाड़ियों, घाटियों और मैदानों के घरों, चैनलों, सड़कों और अन्य मानव निर्माणों के साथ दिखाई देते हैं; प्रकृति अब एक खतरा नहीं है, लेकिन मनुष्य ने भी इसे अपना बना लिया है। इस प्रकार के परिदृश्य के भीतर “शास्त्रीय परिदृश्य” की बात की जा सकती है, जहां एक आदर्श, भव्य प्रकृति का प्रतिनिधित्व किया जाता है। प्रतिनिधित्व विश्वसनीय नहीं है, लेकिन प्रकृति को उदासीन करने और इसे सही रूप में प्रस्तुत करने के लिए पुन: प्रस्तुत किया गया है। इस प्रकार के परिदृश्य में, आमतौर पर एक कहानी छिपी होती है। यह सामयिक है रोमन वास्तुकला के तत्वों की उपस्थिति, एक पर्वत या एक पहाड़ी और एक जल विमान के साथ संयुक्त। इस प्रकार का “आदर्श परिदृश्य” एनीबेल कार्रेसी द्वारा बनाया गया था, इसके बाद डोमिनिनो और फ्रेंचमैन पोसपिन शामिल थे। सदियों से, इटली का परिदृश्य अकादमिक मॉडल था, यह इटली का देश भी था, जिसमें पूरे यूरोप से कलाकार आए थे।

एक अन्य दृष्टिकोण से, उस विषय को संदर्भित किया जाता है जिसका प्रतिनिधित्व किया जाता है और जिस तरह से इसका इलाज किया जाता है, उसके लिए इतना नहीं है, इसके बीच अंतर करना संभव है:

महासागरों, समुद्रों या समुद्र तटों को दिखाने वाली रचनाओं में मारिनास।
नदियों या नालों के साथ प्रवाहकीय रचनाएँ।

प्राकृतिक परिदृश्य मानव की उपस्थिति के बिना जंगलों, जंगलों, रेगिस्तानों, पेड़ों और क्षेत्र के अन्य राज्यों जैसे परिदृश्य का प्रतिनिधित्व करते हैं।
कॉस्ट्यूमब्रिस्टस लैंडस्केप वे हैं जो विशिष्ट स्थानों के रीति-रिवाजों और परंपराओं का प्रतीक हैं जैसे कि कोलम्बियाई शहरों के विशिष्ट परिदृश्य जो कि लोकप्रिय पेंटिंग में दर्शाए गए हैं।

तारकीय परिदृश्य या बादल परिदृश्य बादलों, जलवायु संरचनाओं और वायुमंडलीय स्थितियों का प्रतिनिधित्व करते हैं।
चंद्र परिदृश्य पृथ्वी पर चंद्रमा की दृष्टि के परिदृश्य दिखाते हैं।

शहरी परिदृश्य शहरों को दर्शाता है।
Hardscape या हार्ड लैंडस्केप, जिसमें जो दर्शाया गया है वह पक्की सड़कें और व्यवसायों या उद्योगों के बड़े परिसर जैसे क्षेत्र हैं।

हवाई या हवाई परिदृश्य, ऊपर से दिखाई देने वाली स्थलीय सतह, विशेष रूप से हवाई जहाज या अंतरिक्ष यान से। जब देखने का बिंदु बहुत नीचे की ओर सुनाया जाता है, तो आकाश की सराहना नहीं की जाती है। इस शैली को दूसरों के साथ जोड़ा जा सकता है, जैसे कि जॉर्जिया ओ’कीफ़े की क्लाउड ईथर कला में, नैन्सी ग्रेव्स के ईथरल चंद्र परिदृश्य या यवोन जैक्वेट के ईथर शहरी परिदृश्य।

स्वप्न का परिदृश्य, परिदृश्य के समान रचनाओं में (आमतौर पर वास्तविक या अमूर्त) जो मन के मनोविश्लेषणात्मक दृष्टिकोण को त्रि-आयामी अंतरिक्ष के रूप में व्यक्त करना चाहते हैं।

इतिहास
दुनिया भर में कला के शुरुआती रूप बहुत कम दर्शाते हैं, जिन्हें वास्तव में लैंडस्केप कहा जा सकता है, हालांकि ग्राउंड-लाइन्स और कभी-कभी पहाड़ों, पेड़ों या अन्य प्राकृतिक विशेषताओं के संकेत शामिल हैं। बिना मानव आकृतियों वाले सबसे पुराने “शुद्ध परिदृश्य” लगभग 1500 ईसा पूर्व के मिनोअन ग्रीस से फ्रिस्क हैं।

शिकार के दृश्य, विशेष रूप से प्राचीन मिस्र से नील डेल्टा के रीड बेड के संलग्न विस्टा में, जो जगह की एक मजबूत भावना दे सकते हैं, लेकिन समग्र परिदृश्य सेटिंग के बजाय व्यक्तिगत संयंत्र रूपों और मानव और पशु आंकड़ों पर जोर दिया गया है। ब्रिटिश संग्रहालय (अब 1350 ईसा पूर्व) में नेबामुन के मकबरे से निकले भित्तिचित्र एक प्रसिद्ध उदाहरण हैं।

एक पूरे परिदृश्य के सुसंगत चित्रण के लिए, परिप्रेक्ष्य के लिए किसी न किसी तरह की प्रणाली, या दूरी के लिए स्केलिंग की आवश्यकता होती है, और यह साहित्यिक साक्ष्य से लगता है कि प्राचीन ग्रीस में सबसे पहले हेलेनिस्टिक काल में विकसित किया गया था, हालांकि कोई भी बड़े पैमाने पर उदाहरण जीवित नहीं हैं। 1 शताब्दी ईसा पूर्व से अधिक प्राचीन रोमन परिदृश्य जीवित हैं, विशेष रूप से उन सजाने वाले कमरों के भित्तिचित्र जिन्हें पोम्पेई, हरकुलेनियम और अन्य जगहों और मोज़ाइक के पुरातात्विक स्थलों पर संरक्षित किया गया है।

शन शुई (“पहाड़-पानी”), या “शुद्ध” परिदृश्य की चीनी स्याही पेंटिंग परंपरा, जिसमें मानव जीवन का एकमात्र संकेत आमतौर पर एक ऋषि, या उसकी झोपड़ी की झलक है, विषयों को चित्रित करने के लिए परिष्कृत परिदृश्य पृष्ठभूमि का उपयोग करता है, और इस अवधि की परिदृश्य कला चीनी परंपरा के भीतर एक क्लासिक और बहुत अधिक नकल की स्थिति को बरकरार रखती है।

रोमन और चीनी दोनों परंपराएं आमतौर पर काल्पनिक परिदृश्य के भव्य पैनोरमा दिखाती हैं, जो आमतौर पर शानदार पहाड़ों की एक श्रृंखला के साथ समर्थित हैं – चीन में अक्सर झरने के साथ और रोम में अक्सर समुद्र, झीलों या नदियों सहित। इनका अक्सर उपयोग किया जाता था, जैसा कि उदाहरण में चित्रित किया गया है, आंकड़ों के साथ एक अग्रभूमि दृश्य और दूर के मनोरम विस्टा के बीच की खाई को पाटने के लिए, परिदृश्य कलाकारों के लिए एक निरंतर समस्या। चीनी शैली ने आमतौर पर केवल दूर का दृश्य दिखाया, या उस कठिनाई से बचने के लिए मृत जमीन या धुंध का इस्तेमाल किया।

पश्चिम और पूर्वी एशिया में लैंडस्केप पेंटिंग के बीच एक बड़ा विपरीत यह रहा है कि 19 वीं शताब्दी तक पश्चिम में यह शैलियों की स्वीकृत पदानुक्रम में निम्न स्थान पर था, पूर्वी एशिया में पारंपरिक चीनी पर्वत-जल स्याही पेंटिंग पारंपरिक रूप से सबसे अधिक थी। दृश्य कला का प्रतिष्ठित रूप। दोनों क्षेत्रों में सौंदर्यवादी सिद्धांतों ने कलाकार को सबसे अधिक कल्पना की आवश्यकता के लिए देखे गए कार्यों को सर्वोच्च दर्जा दिया। पश्चिम में यह इतिहास चित्रकला थी, लेकिन पूर्वी एशिया में यह काल्पनिक परिदृश्य था, जहां प्रसिद्ध चिकित्सक कम से कम सिद्धांत में, शौकिया साहित्यकार थे, जिनमें चीन और जापान दोनों के कई सम्राट शामिल थे। वे अक्सर ऐसे कवि भी होते थे जिनकी पंक्तियाँ और चित्र एक दूसरे को चित्रित करते थे।

हालांकि, पश्चिम में, इतिहास चित्रकला को एक व्यापक परिदृश्य पृष्ठभूमि की आवश्यकता थी, जहां उपयुक्त हो, इसलिए सिद्धांत पूरी तरह से परिदृश्य चित्रकला के विकास के खिलाफ काम नहीं करता था – कई शताब्दियों के लिए परिदृश्यों को नियमित रूप से छोटे से जोड़कर इतिहास चित्रकला की स्थिति में बढ़ावा दिया गया था आख्यान को आम तौर पर धार्मिक या पौराणिक बनाने के लिए आंकड़े।

पश्चिमी लैंडस्केप पेंटिंग:

मध्यकालीन परिदृश्य चित्रकला
परिदृश्य में प्रारंभिक पश्चिमी मध्ययुगीन कला में रुचि लगभग पूरी तरह से गायब हो जाती है, केवल उट्रेच Psterter जैसे लेट एंटिक कार्यों की प्रतियों में जीवित रखी जाती है; प्रारंभिक गोथिक संस्करण में इस स्रोत के अंतिम पुनरावर्तक, समग्र अंतरिक्ष की कोई भावना के साथ, संरचना में अंतराल को भरने वाले कुछ पेड़ों के लिए पहले व्यापक परिदृश्य को कम कर देता है। प्रकृति में रुचि के पुनरुद्धार ने शुरू में मुख्य रूप से हॉर्टस कॉनक्लस जैसे छोटे बागानों के चित्रण में या उनमे मिलेफ्लेर टेपेस्ट्रीस को दर्शाया। पैलेस ऑफ द पॉप्स में घने पेड़ों की पृष्ठभूमि के सामने काम करने या खेलने के आंकड़े के एस्किन, एविग्नन संभवतः एक सामान्य विषय के रूप में एक अद्वितीय अस्तित्व हैं। विला के लिविया जैसे रोमन घरों से बगीचों के कई भाग बच गए हैं।

14 वीं शताब्दी के दौरान गियोटो डी बोंडोन और उनके अनुयायियों ने अपने काम में प्रकृति को स्वीकार करना शुरू किया, तेजी से परिदृश्य के तत्वों को अपने चित्रों में आंकड़े की कार्रवाई के लिए पृष्ठभूमि सेटिंग के रूप में पेश किया। 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में, यूरोप में लैंडस्केप पेंटिंग को एक शैली के रूप में स्थापित किया गया था, मानव गतिविधि के लिए एक सेटिंग के रूप में, अक्सर एक धार्मिक विषय में व्यक्त किया जाता है, जैसे कि मिस्र में रेस्ट ऑफ द फ्लाइट, मैगी की यात्रा, या रेगिस्तान में सेंट जेरोम। लैंडस्केप के शुरुआती विकास में लक्जरी प्रबुद्ध पांडुलिपियां बहुत महत्वपूर्ण थीं, विशेष रूप से लैब्स ऑफ़ द मंथ्स की श्रृंखला जैसे कि ट्रेज़र रिचेस हेयर्स ड्यू ड्यूक डे बेरी, जो पारंपरिक रूप से तेजी से बड़े परिदृश्य सेटिंग्स में छोटे शैली के आंकड़े दिखाते थे। एक विशेष अग्रिम को कम प्रसिद्ध ट्यूरिन-मिलान आवर्स में दिखाया गया है, जो अब बड़े पैमाने पर आग से नष्ट हो गया है, जिसके विकास को बाकी की सदी के लिए अर्ली नॉर्थलैंडिश पेंटिंग में परिलक्षित किया गया था। “हैंड जी” के रूप में जाना जाने वाला कलाकार, शायद वान आइक बंधुओं में से एक है, विशेष रूप से प्रकाश के प्रभाव को पुन: उत्पन्न करने और अग्रभूमि से दूर के दृश्य तक एक प्राकृतिक-प्रतीत प्रगति में सफल रहा था। यह कुछ अन्य कलाकारों को एक सदी या उससे अधिक समय के लिए मुश्किल लग रहा था, अक्सर एक पैरापेट या खिड़की-दाढ़ के ऊपर से एक परिदृश्य पृष्ठभूमि दिखा कर समस्या को हल करना, जैसे कि काफी ऊंचाई से।

पुनर्जागरण परिदृश्य पेंटिंग
विभिन्न प्रकार की पेंटिंग के लिए लैंडस्केप पृष्ठभूमि 15 वीं शताब्दी के दौरान तेजी से प्रमुख और कुशल बन गई। 15 वीं शताब्दी के अंत के आसपास की अवधि में लियोनार्डो दा विंसी, अल्ब्रेक्ट ड्यूरर, फ्रा बार्टोलोमो और अन्य से शुद्ध परिदृश्य चित्र और जल रंग देखे गए, लेकिन पेंटिंग और प्रिंटमेकिंग में शुद्ध परिदृश्य विषय, अभी भी छोटे थे, पहले अल्ब्रेक्ट अल्टरडोरर और अन्य के उत्पादन में थे। 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में जर्मन डेन्यूब स्कूल। उसी समय नीदरलैंड में जोआचिम पातिनिर ने “विश्व परिदृश्य” को छोटे आंकड़ों के साथ नयनाभिराम परिदृश्य की एक शैली विकसित की और एक उच्च हवाई दृश्य का उपयोग किया, जो कि एक सदी तक प्रभावशाली रहा, जिसका इस्तेमाल और पीटर ब्रिगेल द एल्डर द्वारा पूरा किया गया। चित्रमय परिप्रेक्ष्य की एक संपूर्ण प्रणाली का इतालवी विकास अब पूरे यूरोप में जाना जाता था, जिसने बड़े और जटिल विचारों को बहुत प्रभावी ढंग से चित्रित किया।

इस युग में, परिदृश्य ने शहरी यूटोपिया और उभरती नीतियों को व्यक्त करने के लिए कार्य किया। अक्सर चित्रों में खिड़कियों के फ्रेम के माध्यम से “कथित”, जो आंतरिक दृश्यों का प्रतिनिधित्व करता था, कैनवास की पूरी सतह पर कब्जा करने तक, इसे तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका मिल रही थी। उसी समय, बाहर के धार्मिक दृश्यों के चरित्र “सिकुड़” रहे थे, जब तक कि वे केवल परिदृश्य के तत्वों (उदाहरण के लिए, नासरत के यीशु एक पहाड़ के लिए) के प्रतीक थे। लेकिन संश्लेषण में, परिदृश्य अभी भी इतिहास या चित्र के चित्र का ही हिस्सा था।

परिदृश्यों को आदर्श रूप दिया गया था, ज्यादातर शास्त्रीय कविता से खींचे गए एक देहाती आदर्श को दर्शाते हैं जो पहली बार जियोर्जियो और युवा टिटियन द्वारा पूरी तरह से व्यक्त किया गया था, और पहाड़ी जंगली इतालवी परिदृश्य के साथ सभी से ऊपर जुड़े रहे, जो उत्तरी यूरोप के कलाकारों द्वारा दर्शाया गया था, जिन्होंने कभी इटली का दौरा नहीं किया था, बस के रूप में चीन और जापान में सादे आवास साहित्यिक खड़ी पहाड़ों चित्रित। यद्यपि अक्सर युवा कलाकारों को इटली के प्रकाश का अनुभव करने के लिए इटली जाने के लिए प्रोत्साहित किया जाता था, कई उत्तरी यूरोपीय कलाकार यात्रा बनाने के लिए कभी भी परेशान किए बिना अपनी जीवित बिक्री इटालियन परिदृश्य बना सकते थे। वास्तव में, कुछ शैलियाँ इतनी लोकप्रिय थीं कि वे फ़ार्मुले बन गए जिन्हें बार-बार कॉपी किया जा सकता था।

1559 में एंटवर्प में प्रकाशन और कुल 48 प्रिंटों की दो श्रृंखलाओं में (छोटे परिदृश्य) एक गुमनाम कलाकार द्वारा चित्र के बाद एक छोटे कलाकार को मास्टर के रूप में संदर्भित किया गया था जो धार्मिक सामग्री के साथ काल्पनिक, दूर के दृश्यों से दूर जाने का संकेत देता था। पहचान योग्य देश सम्पदा और गाँवों के नज़दीकी रेंडरिंग की ओर विश्व परिदृश्य दैनिक गतिविधियों में लगे आंकड़ों से आबाद है। विश्व परिदृश्य के मनोरम दृश्य को छोड़कर और विनम्र, ग्रामीण और यहां तक ​​कि स्थलाकृतिक पर ध्यान केंद्रित करके, छोटे परिदृश्य ने 17 वीं शताब्दी में नीदरलैंड लैंडस्केप पेंटिंग के लिए मंच तैयार किया। लघु परिदृश्य के प्रकाशन के बाद, निम्न देशों में परिदृश्य कलाकार या तो विश्व परिदृश्य के साथ जारी रहे या छोटे परिदृश्य द्वारा प्रस्तुत नए मोड का पालन किया।

बारोक परिदृश्य पेंटिंग
बरोक युग की शुरुआत में, परिदृश्य अभी भी बहुत कम था। केवल जर्मन एडम एल्सहाइमर इतिहास के उपचार के लिए बाहर खड़ा है, आम तौर पर पवित्र, प्रामाणिक परिदृश्य के रूप में जिसमें वह अक्सर वायुमंडलीय प्रभावों, प्रकाश या सुबह और शाम के अध्ययन पर शानदार अध्ययन करता है।

यह बारोक में था कि परिदृश्य चित्रकला निश्चित रूप से यूरोप में एक शैली के रूप में स्थापित की गई थी, एकत्र करने के विकास के साथ, मानव गतिविधि के लिए एक व्याकुलता के रूप में। यह उत्तरी यूरोप की एक विशिष्ट घटना है जिसका श्रेय काफी हद तक प्रोटेस्टेंट सुधार और नीदरलैंड में पूंजीवाद के विकास को जाता है। बड़प्पन और पादरी, तब तक चित्रकारों के मुख्य ग्राहक, प्रासंगिकता खो गए, व्यापारी पूंजीपति द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है। इस की प्राथमिकताएं प्राचीन पुरातनता, पौराणिक कथाओं या पवित्र इतिहास के विषयों के साथ इतिहास के जटिल चित्रों तक नहीं गईं, न ही जटिल आरोपों की ओर, बल्कि उन्होंने सरल और दैनिक विषयों को प्राथमिकता दी, यही कारण है कि वे तब तक स्वतंत्रता तक पहुंच गए थे जब तक कि माध्यमिक नहीं अभी भी जीवन, परिदृश्य या शैली दृश्य की तरह शैलियों। ऐसी विशेषज्ञता थी कि प्रत्येक चित्रकार एक विशिष्ट प्रकार के परिदृश्य के लिए समर्पित था। इस प्रकार ऐसे चित्रकार थे जो अपने विषय को “निम्न देशों” के रूप में लेते थे, अर्थात्, वे भूमि जो समुद्र के स्तर से नीचे थी, उनकी नहरें, पुलर्स और पवन चक्कियों के साथ; इस आदमी वैन गोयन, जैकब रुइसडेल और मिन्डर्ट होबेमा में बाहर खड़ा था। जमे हुए तालाबों और स्केटर्स के साथ शीतकालीन प्रिंटों में विशेष हेंड्रिक एवरकैंप।

जबकि यूरोप के उत्तर में सभी प्रकार के शुद्ध परिदृश्य विकसित किए जा रहे थे, फिर भी दक्षिण में पेंटिंग के परिदृश्य के लिए एक धार्मिक, ऐतिहासिक या ऐतिहासिक किस्सा आवश्यक था। यह रमणीय चरित्र के «क्लासिक», «क्लासिकिस्ट» या «वीर» नामक एक परिदृश्य था, जो किसी भी ठोस के अनुरूप नहीं था जो वास्तव में अस्तित्व में था, लेकिन विभिन्न तत्वों (पेड़, खंडहर, वास्तुकला, पहाड़ों …) से बनाया गया था। पेंटिंग का शीर्षक और प्रकृति में खो गए छोटे-छोटे चरित्र कहानी की चाभी देते हैं जो पहली नज़र में केवल एक परिदृश्य लगता है। इस प्रकार का निर्माण रोमन-बोलोग्नीज़ क्लासिकिज़्म द्वारा किया गया था, और विशेष रूप से इसके चित्रकारों, एनीबेल कार्रेसी के सबसे उत्कृष्ट द्वारा, जिनकी उड़ान में मिस्र के पवित्र पात्रों को परिदृश्य से कम महत्व है जो उन्हें घेरता है।

17 वीं और 18 वीं शताब्दी की लैंडस्केप पेंटिंग
विदेशी लैंडस्केप दृश्यों की लोकप्रियता चित्रकार फ्रैंस पोस्ट की सफलता में देखी जा सकती है, जिन्होंने 1636-1644 में अपनी यात्रा के बाद अपने जीवन के बाकी हिस्से को ब्राजील के परिदृश्य में बिताया था। अन्य चित्रकार, जिन्होंने कभी आल्प्स को पार नहीं किया था, वे राइनलैंड के परिदृश्य को बेचकर पैसा कमा सकते थे, और फिर भी दूसरों को एक विशेष कमीशन के लिए फंतासी दृश्यों का निर्माण करने के लिए जैसे कि 1639 में कॉर्नेलिस डी मैन का स्मरनबर्ग का दृश्य।

रेपोस्सिर जैसे तत्वों का उपयोग करने वाले मौलिक सूत्र विकसित किए गए थे, जो आधुनिक फोटोग्राफी और पेंटिंग में प्रभावशाली हैं, विशेष रूप से पॉससिन और क्लाउड लॉरेन द्वारा, दोनों फ्रांसीसी कलाकार 17 वीं शताब्दी के रोम में रहते हैं और बड़े पैमाने पर शास्त्रीय विषय-वस्तु, या बाइबिल के दृश्यों को एक ही परिदृश्य में सेट करते हैं। अपने डच समकालीनों के विपरीत, इतालवी और फ्रांसीसी परिदृश्य कलाकार अभी भी अक्सर शास्त्रीय पौराणिक कथाओं या बाइबल से एक दृश्य का प्रतिनिधित्व करने के लिए छोटे चित्रों को शामिल करके इतिहास चित्रकला के रूप में शैलियों के पदानुक्रम के भीतर अपना वर्गीकरण रखना चाहते थे। साल्वाटर रोजा ने दक्षिणी इटली के देश, जिसे अक्सर बैंडिटी द्वारा आबाद किया जाता है, को दिखा कर अपने परिदृश्य के लिए सुरम्य उत्साह प्रदान किया।

17 वीं शताब्दी के डच गोल्डन एज ​​पेंटिंग ने लैंडस्केप पेंटिंग की नाटकीय वृद्धि देखी, जिसमें कई कलाकारों ने विशेष रूप से प्रकाश और मौसम को चित्रित करने के लिए अत्यंत सूक्ष्म यथार्थवादी तकनीकों का विकास किया। विभिन्न शैलियों और अवधियों, और समुद्री और जानवरों की पेंटिंग की उपजातियां, साथ ही साथ इतालवी परिदृश्य की एक अलग शैली है। अधिकांश डच परिदृश्य अपेक्षाकृत छोटे थे, लेकिन फ्लेमिश बारोक पेंटिंग में परिदृश्य, अभी भी आमतौर पर लोगों को परेशान करते हैं, अक्सर बहुत बड़े थे, उन सभी कार्यों की श्रृंखला में जो पीटर पॉल रूबेन्स ने अपने घरों के लिए चित्रित किए थे। लैंडस्केप प्रिंट भी लोकप्रिय थे, जिनमें से रेम्ब्रांट और हरक्यूलिस सेगर्स के प्रयोगात्मक कार्यों को आमतौर पर सबसे अच्छा माना जाता था।

डच ने छोटे घरों के लिए छोटे चित्र बनाने का काम किया। अवधि आविष्कारों में नामित कुछ डच परिदृश्य विशिष्टताओं में बतालजे, या युद्ध-दृश्य शामिल हैं; मैनस्किजेंटजे, या चांदनी दृश्य; Bosjes, या वुडलैंड दृश्य; बोएदरजीत, या खेत का दृश्य और डोर्पजे या गाँव का दृश्य। हालांकि एक विशिष्ट शैली के रूप में उस समय का नाम नहीं दिया गया था, रोमन खंडहरों की लोकप्रियता ने अवधि के कई डच परिदृश्य चित्रकारों को प्रेरित किया कि वे अपने क्षेत्र के खंडहरों को चित्रित करें, जैसे कि मठों और चर्चों को बील्डेनस्टॉर्म के बाद बर्बाद कर दिया गया।

इंग्लैंड में, परिदृश्य शुरू में ज्यादातर पोर्ट्रेट के लिए पृष्ठभूमि होते थे, आमतौर पर एक ज़मींदार के पार्क या सम्पदा का सुझाव देते थे, हालांकि ज्यादातर लंदन में एक कलाकार द्वारा चित्रित किया गया था जो कभी भी अपने सितार के रोलिंग एकड़ में नहीं गया था। अंग्रेजी परंपरा की स्थापना इंग्लैंड में काम करने वाले एंथोनी वैन डाइक और अन्य ज्यादातर फ्लेमिश कलाकारों ने की थी, लेकिन 18 वीं शताब्दी में क्लाउड लॉरेन के कामों को उत्सुकता से इकट्ठा किया गया और न केवल परिदृश्य के चित्रों को प्रभावित किया, बल्कि क्षमता ब्राउन और अन्य के अंग्रेजी परिदृश्य उद्यान।

18 वीं शताब्दी भी स्थलाकृतिक प्रिंट के लिए एक महान आयु थी, कम या ज्यादा सटीक रूप से वास्तविक दृश्य का चित्रण इस तरह से किया गया जैसा कि लैंडस्केप पेंटिंग ने शायद ही कभी किया हो। शुरू में ये ज्यादातर एक इमारत पर केंद्रित थे, लेकिन सदी के दौरान, रोमांटिक आंदोलन की वृद्धि के साथ शुद्ध परिदृश्य अधिक आम थे। स्थलाकृतिक प्रिंट, जिसे अक्सर फंसाया जाता था और एक दीवार पर लटका दिया जाता था, 20 वीं शताब्दी में एक बहुत लोकप्रिय माध्यम बना रहा, लेकिन अक्सर इसे एक कल्पित परिदृश्य की तुलना में कला के निचले रूप में वर्गीकृत किया गया।

कागज़ पर वाटर कलर में परिदृश्य एक विशिष्ट विशिष्टता बन गया, जो कि इंग्लैंड में सबसे ऊपर था, जहां प्रतिभाशाली कलाकारों की एक विशेष परंपरा जो केवल या लगभग पूरी तरह से चित्रित परिदृश्य जल रंग विकसित हुई, जैसा कि अन्य देशों में नहीं था। ये बहुत बार वास्तविक विचार थे, हालांकि कभी-कभी कलात्मक प्रभाव के लिए रचनाओं को समायोजित किया जाता था। पेंटिंग अपेक्षाकृत सस्ते में बेची गई, लेकिन उत्पादन करने के लिए बहुत तेज थे। ये पेशेवर “सेनाओं के शौकीनों” को प्रशिक्षित करके अपनी आय में वृद्धि कर सकते थे, जिन्होंने चित्रकारी भी की।

19 वीं और 20 वीं शताब्दी की लैंडस्केप पेंटिंग
रोमांटिक आंदोलन ने परिदृश्य कला, और दूरस्थ और जंगली परिदृश्य में मौजूदा रुचि को तेज किया, जो पहले परिदृश्य कला में एक आवर्ती तत्व था, अब और अधिक प्रमुख हो गया। जर्मन कैस्पर डेविड फ्रेडरिक की एक विशिष्ट शैली थी, जो उनके डेनिश प्रशिक्षण से प्रभावित थी, जहां डच 17 वीं शताब्दी के उदाहरण पर एक अलग राष्ट्रीय शैली का विकास हुआ था। इसमें उन्होंने एक अर्ध रहस्यमय रहस्यवाद जोड़ा। लैंडस्केप पेंटिंग विकसित करने के लिए फ्रांसीसी चित्रकार धीमे थे, लेकिन लगभग 1830 के दशक में जीन-बैप्टिस्ट-केमिली कोरट और बारबाइज़न स्कूल के अन्य चित्रकारों ने एक फ्रांसीसी परिदृश्य परंपरा स्थापित की, जो एक सदी तक यूरोप में सबसे प्रभावशाली बन जाएगी, जिसमें प्रभाववादी और पोस्ट- पहली बार सभी प्रकार की पेंटिंग में परिदृश्य शैली को सामान्य शैलीगत नवाचार का मुख्य स्रोत बनाते हुए प्रभाववादी।

सब कुछ जरूरी परिदृश्य की ओर जाता है, परिदृश्य पेंटिंग उन्नीसवीं सदी की महान कलात्मक रचना थी। लोग “यह मानने में सक्षम थे कि प्राकृतिक सौंदर्य और परिदृश्य चित्रकला की सराहना हमारी आध्यात्मिक गतिविधि का एक सामान्य और स्थायी हिस्सा है। परिदृश्य की जटिलता को एक विचार में बदलने के अंतर्निहित यूरोपीय तरीके चार मौलिक दृष्टिकोण थे: वर्णनात्मक प्रतीकों की स्वीकृति, द्वारा। प्रकृति के तथ्यों के बारे में जिज्ञासा, कल्पनाओं के निर्माण से प्रकृति में गहरी जड़ों के सपनों को कम करने और सौहार्द और व्यवस्था के सुनहरे युग में विश्वास द्वारा, जिसे पुनर्प्राप्त किया जा सकता था।

रोमांटिक युग में, परिदृश्य भावनाओं और व्यक्तिपरक अनुभवों का एक अभिनेता या निर्माता बन जाता है। सुरम्य और उदात्त तब परिदृश्य को देखने के दो तरीके के रूप में दिखाई देते हैं। इतिहास के पहले पर्यटक गाइड स्थलों और उनके परिदृश्य के बारे में एक लोकप्रिय स्मृति बनाने के लिए इन बिंदुओं को इकट्ठा करते हैं। इंग्लिश जॉन कांस्टेबल ने रास्ता खोला, जो औद्योगिक क्रांति से प्रभावित नहीं, ग्रामीण इंग्लैंड के परिदृश्य को चित्रित करने के लिए समर्पित था, जिसमें उन स्थानों को भी शामिल किया गया था, जो बचपन से उन्हें जानते थे, जैसे कि डेधम घाटी। उन्होंने इसे छोटे स्ट्रोक में रंग अपघटन की तकनीक के साथ किया जो इसे प्रभाववाद का अग्रदूत बनाता है; उन्होंने वायुमंडलीय घटनाओं, विशेष रूप से बादलों का अध्ययन किया। 1824 के पेरिस सैलून में उनके कार्यों की प्रदर्शनी डेल्क्रॉइक्स के साथ शुरू होने वाले फ्रांसीसी कलाकारों के बीच बहुत सफल रही। अंग्रेज विलियम टर्नर, उनके समकालीन लेकिन एक लंबे कलात्मक जीवन के साथ, आधुनिकता को प्रतिबिंबित करते हैं, जैसा कि उनके सबसे प्रसिद्ध काम में है: वर्षा, भाप और गति, जिसमें वास्तव में एक नया विषय दिखाई दिया, रेलमार्ग, और मेडेनहेड का पुल, एक विलक्षण। उस समय इंजीनियरिंग की। टर्नर के साथ परिदृश्य के रूप रंग के भंवरों में घुल गए जिन्होंने पेंटिंग में हमेशा प्रतिबिंबित होने की अनुमति नहीं दी।

जर्मनी में, ब्लेचेन ने पारंपरिक परिदृश्य समानता, इतालवी को प्रतिबिंबित करना जारी रखा, लेकिन पिछले समय से बहुत अलग तरीके से। उन्होंने एक इटली प्रस्तुत किया जो बहुत सुरम्य नहीं था, रमणीय नहीं था, जिसकी आलोचना की गई थी। फिलिप ओटो रोंगे और जर्मन रोमांटिक पेंटिंग के दो सबसे उत्कृष्ट कलाकार कैस्पर डेविड फ्रेडरिक ने अपने देश के परिदृश्य के लिए खुद को समर्पित किया। एक जनवादी भावना से प्रेरित होकर, उन्होंने धार्मिक चित्रों को बनाने की कोशिश की, लेकिन इस तरह के विषय के साथ दृश्यों का प्रतिनिधित्व नहीं किया, लेकिन इस तरह से परिदृश्य की महानता को दर्शाते हुए कि वे धर्मनिष्ठता में चले गए।

«शास्त्रीय परिदृश्य» से यथार्थवादी परिदृश्य तक का मार्ग कैमिल कोरोट द्वारा दिया गया है, जिन्होंने ब्लेचेन या टर्नर की तरह, इटली में अपने गठन का चरण पारित किया। उसके साथ परिदृश्य का इलाज करने का एक और तरीका शुरू हुआ, जो कि रोमेंटिक्स से अलग था। जैसा कि उन्होंने बारबिजोन स्कूल और बाद में, प्रभाववाद के बाद किया था, उन्होंने उस परिदृश्य को रोमैंटिक्स से बहुत अलग भूमिका दी। उन्होंने इसे प्रकाश और रंग के संदर्भ में एक सावधानीपूर्वक और सापेक्ष तरीके से देखा, जिसका उद्देश्य एक पर्यवेक्षक की धारणा के प्रति वफादार प्रतिनिधित्व करना था। यह निष्ठा, जो अनुभव की जाती है, उदाहरण के लिए, “जीवंत” तरीके से विरोधाभास और स्पर्श करती है।

अपने पूर्ववर्तियों के काम के लिए पश्च-प्रभाववादी विंसेंट वैन गॉग के जुनून ने उन्हें वर्ष 1888 से प्रोवेनकल परिदृश्य को चित्रित करने के लिए प्रेरित किया। उनका काम, गहन रंगों का, जिसमें आंकड़े विकृत और घुमावदार हैं, यथार्थवाद से दूर जा रहे हैं। अभिव्यक्तिवादी प्रवृत्ति की एक मिसाल है।

उत्तरी अमेरिका में चित्रकला के राष्ट्रीय स्कूल काफी हद तक भूस्खलन के माध्यम से उत्पन्न हुए, जिन्होंने पृथ्वी को चित्रित किया। संयुक्त राज्य अमेरिका में, महान पैनोरमा के चित्रकार, फ्रेडरिक एडविन चर्च ने व्यापक रचनाएँ कीं जो अमेरिकी महाद्वीप की महानता और विशालता का प्रतीक हैं (नियाग्रा फॉल्स, 1857)। हडसन नदी स्कूल, उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, संभवतः सबसे प्रसिद्ध स्वदेशी अभिव्यक्ति है। उनके चित्रकारों ने विशाल आकार के कार्यों का निर्माण किया जो उन्हें प्रेरित करने वाले परिदृश्यों के महाकाव्य दायरे को पकड़ने की कोशिश कर रहे थे। थॉमस कोल का काम, जिन्हें आम तौर पर स्कूल के संस्थापक के रूप में मान्यता प्राप्त है, में यूरोपीय परिदृश्य चित्रकला के दार्शनिक आदर्शों के साथ बहुत कुछ है, आध्यात्मिक लाभों में एक प्रकार का धर्मनिरपेक्ष विश्वास जो सौंदर्य के चिंतन से प्राप्त किया जा सकता है। प्राकृतिक। हडसन रिवर स्कूल के बाद के कुछ कलाकारों, जैसे अल्बर्ट बीरस्टेड ने एक रोमांटिक प्रकृति के कामों का निर्माण किया, जिसमें प्रकृति की कठोर, और भी भयानक, शक्तियों पर जोर दिया गया।

नए संयुक्त प्रांतों का राष्ट्रवाद डच 17 वीं शताब्दी की लैंडस्केप पेंटिंग की लोकप्रियता का कारक था और 19 वीं शताब्दी में, जैसा कि अन्य राष्ट्रों ने पेंटिंग के विशिष्ट राष्ट्रीय विद्यालयों को विकसित करने का प्रयास किया, परिदृश्य के परिदृश्य की विशेष प्रकृति को व्यक्त करने का प्रयास। मातृभूमि एक सामान्य प्रवृत्ति बन गई। रूस में, जैसा कि अमेरिका में है, चित्रों का विशाल आकार अपने आप में एक राष्ट्रवादी वक्तव्य था।

संयुक्त राज्य अमेरिका में, हडसन रिवर स्कूल, जो 19 वीं शताब्दी के मध्य में प्रमुख था, संभवतः परिदृश्य कला में सबसे प्रसिद्ध देशी विकास है। इन चित्रकारों ने विशाल पैमाने के कामों का निर्माण किया, जिन्होंने उन्हें प्रेरित करने वाले परिदृश्यों के महाकाव्य दायरे को पकड़ने का प्रयास किया। थॉमस कोल का काम, स्कूल के आम तौर पर स्वीकृत संस्थापक, यूरोपीय परिदृश्य चित्रों के दार्शनिक आदर्शों के साथ बहुत कुछ है – प्राकृतिक सौंदर्य के चिंतन से प्राप्त आध्यात्मिक लाभों में एक प्रकार का धर्मनिरपेक्ष विश्वास। बाद के कुछ हडसन रिवर स्कूल के कलाकारों, जैसे अल्बर्ट बिएरस्टाट ने कम आराम देने वाले कामों का निर्माण किया, जिन्होंने प्रकृति की कच्ची शक्ति पर भी अधिक जोर दिया (रोमांटिक अतिशयोक्ति के साथ)। कनाडाई परिदृश्य कला का सबसे अच्छा उदाहरण 1920 के दशक में प्रमुख सात के समूह के कार्यों में पाया जा सकता है।

अटलांटिक कनाडा के तटों को उपनिवेश करने वाले खोजकर्ता, प्रकृतिवादी, नाविकों, व्यापारियों ने अपने नक्शे और चित्रों में प्रलेखित, कभी-कभी वैज्ञानिक, कभी-कभी शानदार या असाधारण के रूप में देखा।

हालांकि प्रथम विश्व युद्ध के बाद की अवधि में निश्चित रूप से कम प्रमुख, कई महत्वपूर्ण कलाकारों ने अभी भी चार्ल्स ई। बर्छफ़ील्ड, नील वेलिवर, एलेक्स काट्ज़, मिल्टन एवरी, पीटर डॉग, एंड्रयू विएथ, डेविड हॉकनी और सिडनी द्वारा चित्रित शैलियों की विस्तृत विविधता में परिदृश्य चित्रित किए हैं नोलन।

समकालीन परिदृश्य पेंटिंग
समकालीन लैंडस्केप पेंटिंग ने शैलियों के अस्तित्व को भंग कर दिया, लेकिन विभिन्न अवांट-गार्डे “आईएमएस” के भीतर हम उन चित्रों को अलग कर सकते हैं जिनमें प्रतिनिधित्व एक परिदृश्य है, हमेशा लेखक की अपनी शैली के साथ। “आधुनिक चित्रकला के जनक” सेज़ने, ने चित्रों की एक पूरी श्रृंखला को सैंटे-विक्टॉइयर पर्वत को समर्पित किया। Derain, Dufy, Vlaminck and Marquet ने परिदृश्यों को चित्रित किया फ़ॉविस्टास, और ब्रूस, जो क्यूबिज़्म के संस्थापकों में से एक हैं, बार-बार L’Estaque के परिदृश्य की कोशिश की। सदी की शुरुआत में वियना में, इस तरह के काम आधुनिकतावादी गुस्ताव क्लिम्ट और अभिव्यक्तिवादी एगॉन शिएले द्वारा निर्मित किए गए थे।

अभिव्यक्तिवादियों ने अपनी भावनाओं और रंगीन संवेदनाओं को परिदृश्य के माध्यम से भी प्रसारित किया, जैसा कि एरच हेकेल या कार्ल श्मिट-रोट्लफ ने डांगस्ट के मछली पकड़ने के गांव में चित्रित अपने चित्रों में किया था।

अमूर्तता के विभिन्न रूपों ने परिदृश्य के महत्व को समाप्त कर दिया, यथार्थवाद और प्रतिनिधित्व के दायरे को सीमित कर दिया। हालांकि, शब्द “अमूर्त लैंडस्केप पेंटिंग” का उपयोग अक्सर कई गैर-लाक्षणिक चित्रकारों (बाज़ीन, ले मोल या मानसीयर) के संबंध में किया जाता है। सिसिलियन परिदृश्य ने सामाजिक अभिव्यक्तिवादी चित्रकार रेनाटो गुट्टूसो के काम को प्रेरित किया।

हाल के वर्षों में, अर्जेंटीना के कलाकार हेल्मुट डिट्श प्रकृति के चरम बिंदुओं से प्रेरित चित्रों के साथ बाहर खड़े थे। उनके काम को विविड रियलिज्म कहा जाता है, यह दावा करते हुए कि डिट्च की पेंटिंग किसी भी चित्रात्मक, प्राकृतिक या यथार्थवादी गर्भाधान के अधीन नहीं है, लेकिन प्रकृति के महत्वपूर्ण और रहस्यमय अनुभव से पैदा हुई है।

ओरिएंट परिदृश्य पेंटिंग:

चीन लैंडस्केप पेंटिंग
लैंडस्केप पेंटिंग को “दुनिया की कला में चीन का सबसे बड़ा योगदान” कहा गया है, और चीनी संस्कृति में ताओवादी (दाओवादी) परंपरा का अपना विशेष चरित्र है। विलियम वॉटसन का कहना है कि “यह कहा गया है कि चीनी चित्रकला में परिदृश्य कला की भूमिका पश्चिम में नग्न से मेल खाती है, अपने आप में एक विषय के रूप में, लेकिन दृष्टि और भावना की अनंत बारीकियों का वाहन बना।”

हान वंश के बाद से शिकार, खेती या जानवरों को दर्शाने वाले विषयों को देखने के लिए तेजी से परिष्कृत परिदृश्य पृष्ठभूमि हैं, जो ज्यादातर कब्रों में पत्थर या मिट्टी से राहत देने वाले उदाहरणों के साथ हैं, जो पेंटिंग में प्रचलित शैलियों का पालन करने के लिए प्रकल्पित हैं, पूर्ण कब्जा किए बिना कोई संदेह नहीं है। मूल चित्रों का प्रभाव। 10 वीं शताब्दी से पहले प्रसिद्ध चित्रकारों (जिनमें से कई साहित्य में दर्ज हैं) द्वारा प्रतिष्ठित कार्यों की बाद की प्रतियों की सटीक स्थिति स्पष्ट नहीं है। एक उदाहरण इंपीरियल संग्रह से 8 वीं शताब्दी की एक प्रसिद्ध पेंटिंग है, जिसका शीर्षक शू में यात्रा करने वाला सम्राट मिंग हुआंग है। यह बाद के चित्रों के विशिष्ट प्रकार के ऊर्ध्वाधर पहाड़ों के माध्यम से सवारी को दर्शाता है, लेकिन पूरे रंग में है “एक समग्र पैटर्न का निर्माण जो लगभग फारसी है”, जो स्पष्ट रूप से एक लोकप्रिय और फैशनेबल अदालत शैली थी।

एक मोनोक्रोम परिदृश्य शैली के लिए निर्णायक बदलाव, लगभग आंकड़े से रहित, वांग वेई (699-759) को जिम्मेदार ठहराया गया है, जो एक कवि के रूप में भी प्रसिद्ध हैं; उनके कार्यों की ज्यादातर प्रतियां ही बची हैं। 10 वीं शताब्दी के बाद से मूल चित्रों की बढ़ती संख्या जीवित है, और सोंग राजवंश (960–1279) के सबसे अच्छे काम दक्षिणी स्कूल में सबसे अधिक माना जाता है जो वर्तमान समय में एक निर्बाध परंपरा रही है। चीनी सम्मेलन ने शौकिया विद्वान-सज्जन के चित्रों को महत्व दिया, अक्सर एक कवि और साथ ही पेशेवरों द्वारा उत्पादित उन पर, हालांकि स्थिति इससे अधिक जटिल थी। यदि वे किसी भी आंकड़े को शामिल करते हैं, तो वे बहुत बार ऐसे व्यक्ति, या ऋषि, पहाड़ों पर विचार करते हैं। प्रसिद्ध रचनाओं में लाल “प्रशंसा मुहरों” की संख्या जमा है, और अक्सर बाद के मालिकों द्वारा जोड़ी गई कविताएं – कियानलॉन्ग सम्राट (1711–1799) पहले के सम्राटों का अनुसरण करते हुए, अपनी खुद की कविताओं का विपुल जोड़ थे।

शन शुई परंपरा का उद्देश्य वास्तविक स्थानों का प्रतिनिधित्व करना कभी नहीं था, यहां तक ​​कि उनके नाम पर भी, जैसा कि आठ दृश्य के सम्मेलन में था। A different style, produced by workshops of professional court artists, painted official views of Imperial tours and ceremonies, with the primary emphasis on highly detailed scenes of crowded cities and grand ceremonials from a high viewpoint. These were painted on scrolls of enormous length in bright colour.

Chinese sculpture also achieves the difficult feat of creating effective landscapes in three dimensions. There is a long tradition of the appreciation of “viewing stones” – naturally formed boulders, typically limestone from the banks of mountain rivers that has been eroded into fantastic shapes, were transported to the courtyards and gardens of the literati. Probably associated with these is the tradition of carving much smaller boulders of jade or some other semi-precious stone into the shape of a mountain, including tiny figures of monks or sages. Chinese gardens also developed a highly sophisticated aesthetic much earlier than those in the West; the karensansui or Japanese dry garden of Zen Buddhism takes the garden even closer to being a work of sculpture, representing a highly abstracted landscape.

Japan landscape painting
Japanese art initially adapted Chinese styles to reflect their interest in narrative themes in art, with scenes set in landscapes mixing with those showing palace or city scenes using the same high view point, cutting away roofs as necessary. These appeared in the very long yamato-e scrolls of scenes illustrating the Tale of Genji and other subjects, mostly from the 12th and 13th centuries. The concept of the gentleman-amateur painter had little resonance in feudal Japan, where artists were generally professionals with a strong bond to their master and his school, rather than the classic artists from the distant past, from which Chinese painters tended to draw their inspiration. Painting was initially fully coloured, often brightly so, and the landscape never overwhelms the figures who are often rather over-sized.

Many more pure landscape subjects survive from the 15th century onwards; several key artists are Zen Buddhist clergy, and worked in a monochrome style with greater emphasis on brush strokes in the Chinese manner. Some schools adopted a less refined style, with smaller views giving greater emphasis to the foreground. A type of image that had an enduring appeal for Japanese artists, and came to be called the “Japanese style”, is in fact first found in China. This combines one or more large birds, animals or trees in the foreground, typically to one side in a horizontal composition, with a wider landscape beyond, often only covering portions of the background. Later versions of this style often dispensed with a landscape background altogether.

The ukiyo-e style that developed from the 16th century onwards, first in painting and then in coloured woodblock prints that were cheap and widely available, initially concentrated on the human figure, individually and in groups. But from the late 18th century landscape ukiyo-e developed under Hokusai and Hiroshige to become much the best known type of Japanese landscape art.

Landscape painting techniques
Most early landscapes are clearly imaginary, although from very early on townscape views are clearly intended to represent actual cities, with varying degrees of accuracy. Various techniques were used to simulate the randomness of natural forms in invented compositions: the medieval advice of Cennino Cennini to copy ragged crags from small rough rocks was apparently followed by both Poussin and Thomas Gainsborough, while Degas copied cloud forms from a crumpled handkerchief held up against the light. The system of Alexander Cozens used random ink blots to give the basic shape of an invented landscape, to be elaborated by the artist.

The distinctive background view across Lake Geneva to the Le Môle peak in The Miraculous Draught of Fishes by Konrad Witz (1444) is often cited as the first Western rural landscape to show a specific scene. The landscape studies by Dürer clearly represent actual scenes, which can be identified in many cases, and were at least partly made on the spot; the drawings by Fra Bartolomeo also seem clearly sketched from nature. Dürer’s finished works seem generally to use invented landscapes, although the spectacular bird’s-eye view in his engraving Nemesis shows an actual view in the Alps, with additional elements. Several landscapists are known to have made drawings and watercolour sketches from nature, but the evidence for early oil painting being done outside is limited. The Pre-Raphaelite Brotherhood made special efforts in this direction, but it was not until the introduction of ready-mixed oil paints in tubes in the 1870s, followed by the portable “box easel”, that painting en plein air became widely practiced.

A curtain of mountains at the back of the landscape is standard in wide Roman views and even more so in Chinese landscapes. Relatively little space is given to the sky in early works in either tradition; the Chinese often used mist or clouds between mountains, and also sometimes show clouds in the sky far earlier than Western artists, who initially mainly use clouds as supports or covers for divine figures or heaven. Both panel paintings and miniatures in manuscripts usually had a patterned or gold “sky” or background above the horizon until about 1400, but frescos by Giotto and other Italian artists had long shown plain blue skies. The single surviving altarpiece from Melchior Broederlam, completed for Champmol in 1399, has a gold sky populated not only by God and angels, but also a flying bird. A coastal scene in the Turin-Milan Hours has a sky overcast with carefully observed clouds. In woodcuts a large blank space can cause the paper to sag during printing, so Dürer and other artists often include clouds or squiggles representing birds to avoid this.

The monochrome Chinese tradition has used ink on silk or paper since its inception, with a great emphasis on the individual brushstroke to define the ts’un or “wrinkles” in mountain-sides, and the other features of the landscape. Western watercolour is a more tonal medium, even with underdrawing visible.