जर्मन में आंतरिक चित्र (पोर्ट्रेट डीइंटायर) या, जिमरबिल्ड (कक्ष चित्र), एक सचित्र शैली है जो यूरोप में 17 वीं शताब्दी के अंत में दिखाई दी और 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में एक महान प्रचलन का आनंद लिया। इसमें किसी भी व्यक्ति के बिना रहने की जगह का सावधानीपूर्वक, विस्तृत प्रतिनिधित्व शामिल है। इन चित्रों को आमतौर पर जल रंग के रूप में प्रस्तुत किया गया था और यदि थोड़ी रचनात्मकता की आवश्यकता होती है, तो महान तकनीकी महारत की आवश्यकता होती है। 20 वीं शताब्दी के मध्य तक, हालांकि इस तरह के दृश्य अभी भी बन रहे थे, फ़ोटोग्राफ़ी ने पेंटिंग की इस शैली को जानबूझकर पुरातनता के रूप में बदल दिया था।

आंतरिक चित्र शब्द का अर्थ चित्रकला की एक शैली को दर्शाता है जो कि ज्यादातर निजी – अंदरूनी के प्रतिनिधित्व से संबंधित है और बाइडेर्मियर के सांस्कृतिक युग में लगभग विशेष रूप से व्यापक था।

आंतरिक चित्र को इंग्लैंड में “वार्तालाप टुकड़ा” कहा जाता है के साथ भ्रमित नहीं होना चाहिए; एक शब्द जो किसी गतिविधि में लगे लोगों के समूह के साथ एक दृश्य को डिजाइन करता है और अक्सर बाहर रखा जाता है। सच्चा आंतरिक टुकड़ा केवल कमरे और सजावट को दर्शाता है, हालांकि पिछली गतिविधि को कमरे में लेखों के प्लेसमेंट द्वारा सुझाया जा सकता है।

चित्र, जल रंग और गाउचे के साथ-साथ विभिन्न मिश्रण तकनीकों में चित्र भी थे। वे अपेक्षाकृत छोटे थे, उनका औसत परिदृश्य आकार लगभग 32.5 × 22.5 सेमी था, ऊपर या नीचे बड़ा विचलन हुआ, लेकिन दुर्लभ थे। अधिकांश मामलों में दिए गए उदाहरणों में बॉक्स सेट का सिद्धांत है। ध्यान अक्सर केंद्र से बाईं ओर थोड़ा ऑफसेट था। ये कार्य शौकीनों के काम नहीं थे, लेकिन पेशेवर कलाकारों के, आंशिक रूप से विशेष “कमरे के चित्रकारों” द्वारा। कुछ समय के लिए शैली की सराहना करने का एक स्पष्ट उदाहरण नौ वाटरकलर्स की एक श्रृंखला है जो प्रसिद्ध वास्तु चित्रकार एडुआर्ड गार्टनर ने शाही परिवार द्वारा बर्लिन सिटी पैलेस में अंदरूनी निर्माण के लिए कमीशन किया था।

एक विशेष इंटीरियर की स्थिति को एक निश्चित समय में बड़ी सटीकता के साथ वर्णित किया गया था – फर्नीचर की उपस्थिति और स्थान, वॉलपेपर के रंग और पैटर्न, पर्दे और कालीन, कला के कार्यों के साथ कमरों के डिजाइन, रोजमर्रा की वस्तुओं या गहने। अंदरूनी के इस विस्तृत पुनरुत्पादन से पता चलता है कि समकालीन अपने निजी वातावरण की वस्तुओं के साथ कितनी गहनता से पेश आते हैं और साथ ही यह स्पष्ट करते हैं कि वे भी इस दस्तावेज़ को बनाना चाहते थे। लोगों को शायद ही कभी इन चित्रों में दिखाया गया था, और यदि ऐसा है, तो अपनी व्यक्तिगत विशेषताओं के साथ, लेकिन छोटे पैमाने पर और प्रत्येक कमरे के उद्देश्य के अनुरूप होने वाली गतिविधि में। इन सबसे ऊपर, व्यक्ति अपने निजी वातावरण के सटीक विवरण के माध्यम से अप्रत्यक्ष रूप से मौजूद था।

कमरे की तस्वीरों को आमतौर पर कुछ अवसरों पर व्यक्तिगत उपहार के रूप में कमीशन किया जाता था। प्रिसियन प्रिंसेस एलिजाबेथ ने अपने माता-पिता को अपनी बर्लिन नर्सरी की एक तस्वीर दी थी, जब वह डार्मस्टाट में गई थी। और हेसे-डार्मस्टाड के ग्रैंड ड्यूक लुडविग द्वितीय के अध्ययन का एक जलरंग उनकी मृत्यु के बाद एक प्रति था और मरणोपरांत उन्हें दे दिया गया था। पत्तियों को संभवतः पारित किया गया था, कम से कम सार्वजनिक रूप से जारी नहीं किया गया था और बेचा नहीं गया था। उन्हें एक साथ एल्बम में रखा गया था – एक रोजगार जो तब समाज में महिलाओं के साथ लोकप्रिय था – और उन्हें घर के माहौल में देखा। उनके भावनात्मक महत्व के अलावा, ये एंथोलॉजी कला की समझ, शैक्षिक स्तर और उनके मालिकों की सामाजिक स्थिति की छवियां भी थीं।

प्रारंभिक आंतरिक चित्र
इंटीरियर 17 वीं शताब्दी में डचों के चित्रों में, 16 वीं शताब्दी में जर्मन और प्रारंभिक नीदरलैंड के ग्राफिक कार्यों में लंबे समय से मौजूद था, जिसका उपयोग सामने और अंतरंग चित्रों में एक पृष्ठभूमि के रूप में किया गया था। 17 वीं शताब्दी में हॉलैंड की अंदरूनी छवि राष्ट्रीय कला की प्रारंभिक शैली बन गई।

यूरोपीय मध्य युग के दिनों में, न केवल रोमनस्क और गोथिक चर्चों और कैथेड्रल के अंदरूनी हिस्सों पर ध्यान दिया गया था, बल्कि निजी आवासों पर भी ध्यान दिया गया था। मठवासी और धर्मनिरपेक्ष अंदरूनी (रोमनस्क और गोथिक) तप और न्यूनतम फर्नीचर में भिन्न होते हैं। लेकिन फिर भी नियुक्ति द्वारा परिसर का पुनर्वितरण है – रसोई, हॉल, भोजन कक्ष, मालिकों के लिए बेडरूम, अतिथि कमरे और उनके बेडरूम, नौकरों, शस्त्रागार, अभिभावकों के लिए आवास। मध्ययुगीन अंदरूनी या उनके कोनों की एक सीमित संख्या समकालीन लघुचित्रों में परिलक्षित होती है, देर से जेंटाइल के चित्रों में, प्रारंभिक डच चित्रकला के कार्यों में, बाद में लंबे समय तक राष्ट्रीय मध्य युग के अनुभव पर भरोसा किया गया था। अंदरूनी की छवि धीरे-धीरे योजनाबद्ध छवि से विकसित हुई

शुरुआती डच चित्रकला की उत्कृष्ट कृति नवविवाहित अर्नोल्फिनी के काम का चित्र था, जान वैन आइक (1434, नेशनल गैलरी (लंदन))। कलाकार ने बर्गर हाउस के इंटीरियर में शादी की शपथ का एक क्षण प्रस्तुत किया, जहां उन्होंने एक इतालवी व्यापारी से शादी की, जो लंबे समय तक नीदरलैंड में बस गया था। जान वैन आईक ने नववरवधू की उम्र और चरित्र में अंतर को छुपाने के बिना, सामान्य चित्र की सीमाओं का भी विस्तार करने का साहस किया, अब बिल्कुल असामान्य कपड़ों को पुन: पेश किया। न्यूलीवेड कमरे में हैं, जो खिड़की से एक नरम, झिलमिलाती रोशनी से रोशन है। एक मध्ययुगीन परंपरा के बाद, जान वैन आईक ने कमरे में कई चीजें रखीं, जिनका व्यावहारिक और प्रतीकात्मक महत्व दोनों था: एक जली हुई मोमबत्ती – एक शादी का संकेत, खिड़की पर एक नारंगी – खुशी का एक संकेत, एक कमरा कुत्ता – निष्ठा, एक घृणा या हार्नेस का रूपक – एक हस्ताक्षर पवित्रता और इतने पर। लेकिन घरेलू चीजों की छवि की विशिष्टता दर्शकों को वास्तविकता और रोजमर्रा की जिंदगी में चीजों के संबंधों को वापस करती है, शासकों की पवित्रता, सुविधा, कल्याण और आराम की आकांक्षाएं, इस तरह के निहित और सुखद घरों में नीदरलैंड, और ऐसा शोर और खानाबदोश इटालियंस के लिए सामान्य नहीं है जो तब खानाबदोश वर्ग पर भी महलों को बदल सकते हैं। इतालवी अंदरूनी लोगों की असुविधा और असंगति ने तब डच और जर्मन यात्रियों से शिकायत की।

जर्मन ग्राफिक्स के स्वामी द्वारा आंतरिक की कई छवियां बनाई गईं। उनमें से, धार्मिक दृश्यों के रूप में (“अनाउंसमेंट”, “स्ट्रेचिंग”), साथ ही साथ संस्थापक पिता की छवि (“सेल में सेंट जेरोम”)। सेल में सेंट जेरोनिम की छवि व्यावहारिक रूप से विहित और तार्किक रूप से मध्ययुगीन स्वामी से उत्थान और रीतिवाद की उम्र के स्वामी के रूप में परिवर्तित हो गई, जहां उनमें से प्रत्येक ने धर्मशास्त्री की कोशिका की अपनी व्याख्या प्रस्तुत की।

धर्मनिरपेक्ष कहानियों में, अवकाश के समय के दौरान लोगों की दुर्लभ छवियों पर ध्यान आकर्षित किया जाता है (इज़्रेल वैन मीकेनम जूनियर। (1440-1503), “द डांस इन राउंडअबाउट”) या अपनी स्वयं की कार्यशालाओं में कारीगरों की छवियों के उत्कीर्णन का एक चक्र। (एनग्रेवर यॉस्ट अम्मान, “ब्रूअर”, “” टॅकच किलिमार “,” प्रिंटिंग हाउस “,” फार्मेसी “,” हेयरड्रेसिंग सैलून “,” स्टूडियो सना हुआ ग्लास “) अंदरूनी लोग लोगों की घरेलू स्थितियों से अलग नहीं होते – और वे नहीं होंगे एक लंबे समय के लिए अभी तक अलग है। लेकिन स्वामी स्वतंत्र रूप से उस समय के समकालीन फर्नीचर, घरेलू सामान, मशीन टूल्स, उपकरणों और कपड़ों की ख़ासियत को दोहराते हैं। कारीगरों के साथ उत्कीर्णन के चक्र में, यह इन शिल्पों की विशेषता है जो तकनीकी द्वारा विशेषता है। सुविधाएँ, विशिष्ट सुविधाएँ और यहाँ तक कि तकनीक की सुविधाएँ।

17 वीं शताब्दी का आंतरिक चित्र
इस तरह का दृश्य पहली बार 17 वीं शताब्दी के अंत के पास दिखाई देता है। उस समय, इरादा पूरी तरह से वर्णनात्मक था। वे आमतौर पर एक आर्ट गैलरी, व्यक्तिगत पुस्तकालय या जिज्ञासा के कैबिनेट की सामग्री को दिखाने के लिए किए गए थे। पहले ज्ञात उदाहरणों में से एक लंदन में सैमुअल पेप्स की लाइब्रेरी को दर्शाया गया है, 1693 से डेटिंग। वे आज भी शोधकर्ताओं और सज्जाकारों द्वारा मूल्यवान हैं। पेप्सिस के मामले में, यह देखा जा सकता है, पहली बार, उस समय का एक विद्वान अपनी पुस्तकों को एक किताबों की अलमारी (उस समय एक नवाचार) में व्यवस्थित करता है, एक व्याख्यान का उपयोग करता है, अपने आराम के लिए कुशन रखता है, नक्शे लटकाता है, आदि।

नीदरलैंड की कला तार्किक रूप से उन सभी क्षेत्रों की कला में विकसित हुई है जो 15 वीं और 16 वीं शताब्दी में ऐतिहासिक नीदरलैंड के क्षेत्र का हिस्सा थे, जब वे फ्लैंडर्स के साथ मिलकर एक ही राज्य-राजनीतिक गठन के सदस्य थे। 17 वीं शताब्दी से एक राज्य और कलात्मक विभाजन था, जिसके परिणामस्वरूप दो राष्ट्रीय कलात्मक स्कूल, मूल में अद्वितीय, लेकिन चरित्र में भिन्न थे। कलात्मक अंतर में विश्वास संबंधी मतभेदों ने भी योगदान दिया। नीदरलैंड्स और फ्लैंडर्स के दक्षिण कैथोलिक धर्म के केंद्र में रहे, जहां धार्मिक कला में 17 वीं शताब्दी में एक नया फूल था। बारोक शैली में। हॉलैंड मुख्य रूप से एक प्रोटेस्टेंट राज्य बन गया है जिसमें संस्कृति में यथार्थवादी मार्गदर्शक और बारोक शैली के सीमित उपयोग हैं।

17 वीं शताब्दी की शुरुआत में, हॉलैंड ने आत्म-पुष्टि और जीवंतता के कई वर्षों का अनुभव किया। क्योंकि स्पेन के शक्तिशाली साम्राज्य से स्वतंत्रता के लिए संघर्ष सफलतापूर्वक समाप्त हो गया। युवा राज्य की मान्यता पर एक लंबा काम था, जो पश्चिमी यूरोप के राजनीतिक मानचित्र पर दिखाई दिया। निवासियों और राष्ट्रीय कला दोनों के व्यवहार में आत्म-निर्भरता और हंसमुखता निहित थी, जो कैथोलिक इटली से गए धार्मिक प्रतिबंधों से सक्रिय रूप से वंचित थी। प्रोटेस्टेंटिज़्म का वर्चस्व, जिसने कैथोलिक मॉडल की धार्मिक पेंटिंग को नहीं पहचाना और आइकोनोक्लाज़म के चरण को पार कर लिया, जिससे धार्मिक चित्रों के आदेशों में महत्वपूर्ण कमी आई। और, इसके विपरीत, यह विधाओं में धर्मनिरपेक्ष विषयों के एक विस्फोटक प्रसार का नेतृत्व करेगा। यह हॉलैंड की कला में था कि असाधारण शक्ति और विकास ने एक चित्र, परिदृश्य, रोजमर्रा की शैली, अभी भी जीवन, एक शैली के रूप में इंटीरियर का अधिग्रहण किया, जिसे इटली या फ्रांस में समकालीन कला के प्रसिद्ध केंद्रों द्वारा भी नहीं जाना गया था।

डच कलाकारों को अपने और विदेशी आवास के अंदरूनी हिस्सों को चित्रित करने में खुशी होती है। प्रसिद्ध जन वर्मर की लगभग सभी रचनाएँ मधुर, बर्गर अंदरूनी में प्रस्तुत की जाती हैं। आंकड़ों के साथ अंदरूनी के असामान्य स्वामी थे जेन स्टेन, पीटर डे होह, जेरार्ड टेरबोरह। इकोनाक्लाज़म के वर्षों के बाद, पीटर सैन्रेमद, एंटनी डी लोरमे द्वारा चित्रित चर्चों के तपस्वी अंदरूनी भाग। सूरज से जलाए गए इमैनुएल डी विट्टे के चित्रों में गर्म भावनाएं हैं और विवरण के साथ नहीं बरबाद। पीटर कॉड, कॉर्नेलिस बेग, मिचेल वैन म्य्कर, एड्रियन वैन गैस्बेक, कॉर्नेलिस बेल्ट द्वारा गरीब बुनकरों, कलाकारों, बैराइट्स, नोटरी, छोटे कारीगरों, फोर्ज ब्लैकस्मिथ के अर्ध-किसान घरों को रिकॉर्ड किया गया था। रचनाओं का हिस्सा इंटीरियर के अनिवार्य कोने के साथ था – यह “अपने कार्यालय में वैज्ञानिक” है। रेम्ब्रांट, सोलोमन कोनिंक, बार्टोलोमस मैटन, कॉन्स्टेंटाइन नेटशेर, डॉमिनिक वैन टोल ने एक वयस्क या ग्रे चरित्र के साथ या तो एक धर्मविज्ञानी के रूप में या एक ज्योतिषी के रूप में (पुस्तकों के साथ, एक ग्लोब) अपने स्वयं के वेरिएंट बनाए। डच स्वामी के चित्रों में अंदरूनी एक व्यक्ति के जन्म से लेकर मृत्यु तक या “शारीरिक रचना पाठ” (उन सभी लोगों द्वारा दौरा किया जाता है), जो 17 वीं शताब्दी की डच कला की एक विशेष शैली है।

17 वीं शताब्दी की डच कला 17 वीं शताब्दी में यूरोप की कलात्मक स्थिति में एक अजीब घटना बन गई। नीदरलैंड द्वारा स्थापित कलाकारों द्वारा, यूरोप के अन्य यूरोपीय कलात्मक स्कूलों के कलाकार जाएंगे।

यह 18 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही तक नहीं था कि एक अलग इरादे के साथ एक नए प्रकार के इंटीरियर पोर्ट्रेट ने अपनी उपस्थिति बनाई। यह प्रकार पहले वास्तुशिल्प फर्मों में उत्पन्न हुआ था और उनके ग्राहकों के लाभ के लिए किया गया था। महान आर्किटेक्ट जैसे जेम्स एडम और उनके भाई रॉबर्ट एडम ऑफ स्कॉटलैंड और फ्रांकोइस-जोसेफ बेलांगेर भावी ग्राहकों को लुभाने के लिए अपनी पिछली परियोजनाओं के जलरक्षकों का निष्पादन करेंगे। इसने अपने स्वयं के कमरों के चित्रों को चित्रित करने, पश्चाताप के लिए संरक्षित करने और संरक्षित करने के लिए धनी और बड़प्पन के बीच एक सनक पैदा की। इन चित्रों को अक्सर एल्बमों में संकलित किया जाता था। यह उन्माद इंग्लैंड में विशेष रूप से प्रचलित था। वहां से, यह पूरे यूरोप में व्यापक रूप से फैल गया।

Biedermeier की एक विशेषता थी सादगी और विनय का विकास – एक नैतिक दृष्टिकोण के रूप में नहीं, बल्कि एक शैली के प्रश्न के रूप में। सोने के अतिप्रवाह के रूपों और प्रचुर मात्रा में आवेदन के बजाय, सरल, औपचारिक रूप से कम की गई वस्तुओं और सरल लेकिन उत्कृष्ट रूप से तैयार की गई सामग्रियों को सौंदर्य गुणवत्ता का प्रमाण माना जाता था। यह विशेष रूप से मामूली विनय महंगा था। बड़प्पन और तेजी से अमीर पूंजीपति इसे वहन कर सकते हैं – और उनके पास चित्रों में दर्ज की गई उपलब्धियां थीं।

18 वीं शताब्दी में अवधि
कुछ समय के लिए 18 वीं शताब्दी की कला। फ्रांस में, दो मुख्य अवधियों में विभाजित थे – रोकोको और क्लासिकिज़्म (या 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के नवशास्त्रवाद) या राजा जो अनुत्पादक थे। यह सरल दृष्टिकोण, जो फ्रांस की कला में प्रबल है, बल्कि योजनाबद्ध है और ऐतिहासिक पैटर्न और वास्तविकता में उनकी छाप पर भरोसा नहीं करता है। सरलीकृत दृष्टिकोण ने वास्तविक परिवर्तनों को नजरअंदाज कर दिया, अन्य घटनाओं पर जोर देने के साथ, एंटीफ्यूडल संघर्ष की गर्मी और क्रांतिकारी क्लासिकवाद के रूप में ऐसी अवधि के महत्व को धक्का दिया, पश्चिमी यूरोपीय कला की एक अनूठी घटना।

विचारों और शैलियों के परिवर्तनों के संघर्ष की वास्तविक तस्वीर बहुत अधिक जटिल, गंदे, बहु-मंच थी।

18 वीं शताब्दी का पहला दशक। – यह अकादमिक क्लासिकवाद है, बहुत अजीब और “बारोक” क्लासिकवाद के समान है।
शैलीगत निर्देश पूर्व-कोको की अवधि से पहले थे, कमजोर स्प्राउट्स जिनमें से कई अलग-अलग स्वामी के काम के माध्यम से टूट गए, जरूरी नहीं कि फ्रेंच (डचमैन निकोलस बेरचेम, वेनिस से इतालवी रोसाल्बा कैरियर)
रोकोको (जो 17 वीं शताब्दी के अकादमिक क्लासिकवाद और सदी के अंत के नवशास्त्रवाद के बीच शासन करता था)।
रोकोको के साथ समानांतर और समकालिक रूप से प्रबुद्धता विकसित हुई और व्यावहारिक रूप से 1789-1793 बायेनियम की एंटीफ्यूडल क्रांति तैयार की गई।
18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का शास्त्रीयतावाद। भावुकता के साथ सह-अस्तित्व में, अल्पकालिक क्रांतिकारी क्लासिकवाद और फ्रांस (नेपोलियन और उनके मार्शल समर्थकों) साम्राज्य की कला पर लगाया गया।
क्लासिकिज़्म (और साम्राज्य) 1830 और 1850 तक चला और रोमांटिकतावाद के साथ जुड़ गया।
लगभग सभी अवधियों में, ऐतिहासिक पेंटिंग, एक प्रेसिडेंशियल जॉनर के रूप में घोषित की गई, अपने प्रमुख पदों को खो दिया, पोट्रेट जॉनर की उपज। व्यावहारिक रूप से सदी के सभी ज्ञात कलाकारों के लिए, फ्रांस और इटली के रोकोको समर्थक, चित्रकार थे, और चित्र विचारों के संघर्ष के केंद्र में था, व्यावहारिक रूप से कलात्मक खोज के लिए नेतृत्व किया। ।

रोकोको पेंटिंग में इंटीरियर
पेरिस में 18 वीं शताब्दी की शुरुआत को रोकोको शैली के जन्म से चिह्नित किया गया था। चित्रकला में एक नई शैली के निर्माण में शामिल थे कलाकार, फ्रेंचमैन एंटोनी वत्सु और इतालवी से वेनिस रोसाल्बा कैरियर, अमीर और संरक्षक पेड्रो क्रोज़ द्वारा सक्रिय रूप से समर्थित। जर्मेन बोफ़रान इंटीरियर डिजाइनरों के बीच पहला महत्वपूर्ण व्यक्ति बन गया, जिसने कई होटलों (फ्रेंच अभिजात वर्ग के निजी शहरी सम्पदा) के महल की सजावट में रोकोको की शुरुआत की। होटल सुबिज़ का ओवल हॉल एक नई शैली का एक मॉडल बन गया है – शास्त्रीय टेक्टोनिक्स और स्तंभों के पायलटों की अस्वीकृति के साथ, धनुषाकार खिड़कियां, वनस्पति सजावट के साथ, जो चित्र-आवेषण पर अटक गए और छत तक चले गए। साधारण इमारतों को लकड़ी के पैनलों से बदल दिया जाता है, चित्रों और दर्पणों को अजीब घुमावदार गहने, प्रकाश और मकर में बुना जाता है। अंदरूनी की एक महत्वपूर्ण विशेषता हल्के और आरामदायक फर्नीचर हैं, जिसने रसीला और भारी बारोक फर्नीचर को दबा दिया है।

कला, जैसे कि, कुलीन बनी हुई है और समाज के विशेषाधिकार प्राप्त राज्यों की जरूरतों को पूरा करती है। रोकोको की कला (अपनी तुच्छता के साथ, आनंद, चुलबुलेपन का पंथ) मौजूद है, जैसे कि अभिजात वर्ग को खुश करने के लिए और आसानी से अवकाश में मनोरंजन करते हैं। यह जर्मेन बोफ़रान सहित कई अत्यंत प्रतिभाशाली कलाकारों द्वारा रोकोको की शैलियों को संबोधित करने के लिए नहीं, तो फ़ैशन पृष्ठों में से एक बना रहेगा। गॉथिक युग के बाद पहली बार, अंदरूनी ने आदेश को अस्वीकार कर दिया, इसे वनस्पति या लहराती सजावट के साथ बदल दिया। फैशन में सुधार, मरम्मत, और अन्य शैलियों में परिसर के पुनर्विकास ने रोकोको के अंदरूनी के संरक्षण में योगदान नहीं दिया। उनके महत्वपूर्ण कलात्मक मूल्य की धारणा बाद में आएगी। यह 19 वीं शताब्दी में था, जब वे 20 वीं शताब्दी के चित्रों और तस्वीरों में, पानी के रंग की श्रृंखला (हाऊ एडवर्ड पेट्रोविच द्वारा चित्रित, ग्रेट गैचीना पैलेस के अंदरूनी भाग) में दर्ज किए जाएंगे। यूके की चट्टानों में रोकोको-दुर्लभता का काफी कलात्मक मूल्य विक्टोरिया और अल्बर्ट म्यूजियम (नॉरफ़ॉक नवाज़ म्यूज़िक हॉल) के इतिहासकारों को नॉरफ़ॉक नूअस पैलेस की अनूठी सजावट की ओर ले जाता है, जहां यह अतीत का एक महत्वपूर्ण प्रदर्शन बन जाएगा।

19 वीं शताब्दी में अपोजी
आंतरिक चित्र का पहला ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण उदाहरण 1812 में मलमिसन में महारानी जोसेफिन द्वारा स्थापित एक छोटी आर्ट गैलरी का प्रतिनिधित्व करता है। अगस्टे-सिमोन गार्नेरे के इस जलरंग में, हम उसकी वीणा, कला संग्रह और उसकी शॉल देख सकते हैं, जिसे एक कुर्सी पर छोड़ा गया है। । इस प्रकार एक नया तत्व प्रकट होता है: सजावट के मनोवैज्ञानिक तत्व और एक मानवीय उपस्थिति। एक मालिक की भावनाओं और विचारों को महसूस कर सकता है। इस अर्थ में, पेंटिंग वास्तव में “चित्र” बन गई हैं।

उन्नीसवीं शताब्दी इन चित्रात्मक अभ्यावेदन का एक प्रचलन अनुभव करेगी, जिसे कई कारकों द्वारा समझाया गया है। उच्च सामाजिक वर्गों में, घटना घर के लिए आराम, अंतरंगता, परिवार के रूप में दिए गए बढ़ते महत्व के साथ मेल खाती है। सिक्का फ़ंक्शन अधिक से अधिक विशिष्ट होते जा रहे हैं: उदाहरण के लिए, भोजन कक्ष अवधारणा अब मानक 6 है। दूसरी ओर, नए मध्य वर्गों का विकास, अभिजात वर्ग के स्वाद की नकल करने के लिए उत्सुक, आंदोलन को बढ़ाता है: सदी के अग्रिम के रूप में, फर्नीचर अधिक किफायती हो जाता है, श्रृंखला में इसे बनाने वाली औद्योगिक प्रौद्योगिकियों के लिए धन्यवाद, की एक विस्तृत विविधता में चुनाव। अंत में, सजावटी मोड को जल्दी से नवीनीकृत किया जाता है, पिछली शैलियों को फिर से दर्शाया गया है: नव-गोथिक, नव-शास्त्रीय, नव-लुई XV, आदि। इसलिए घर के मालिकों को अपने इंटीरियर के विचारों को याद रखने, ऑफ़र करने या उन्हें जीतने के लिए आदेश देना सामान्य है। ।

19 वीं शताब्दी में इन चित्रों की विशाल लोकप्रियता को कई कारकों द्वारा समझाया जा सकता है। नोव्यू-रीचे और पूंजीपति वर्ग के बीच, घर को आराम, अंतरंगता और परिवार के रूप में बहुत महत्व दिया गया था। इस अवधि में एक विशेषज्ञता भी देखी गई (जैसे अलग भोजन कक्ष) जो कभी केवल बहुत धनी के लिए जाना जाता था। ये नए “मध्यम-वर्ग” भी अभिजात वर्ग के स्वाद की नकल करने के लिए उत्सुक थे और औद्योगीकरण ने फर्नीचर की एक बहुत व्यापक विविधता को आसानी से सस्ती बना दिया। अंत में, सजावटी शैलियों को लगातार बदला और पुनर्जीवित किया जा रहा था, इसलिए आंतरिक चित्र किसी की यादों को संरक्षित करने और उन्हें अगली पीढ़ी तक पहुंचाने का एक तरीका थे।

महारानी विक्टोरिया को इन चित्रों का बहुत शौक था क्योंकि उन्होंने उसे अपने प्यार भरे पारिवारिक जीवन और घर की सुख-सुविधाओं के बारे में जनता को जानकारी देने की अनुमति दी थी। इस तरह यूरोप के शाही परिवारों में इसका क्रेज फैल गया। भव्य रूप से सजाए गए महलों की संख्या के कारण उनके पास (द विंटर पैलेस, सार्सोकेय सेलो, गैचीना पैलेस, पीटरहॉफ पैलेस, पावलोव्स्क पैलेस …), ज़ार आंतरिक उत्कीर्णन के सबसे उत्साही आयुक्तों में से थे। वस्तुतः उनके सभी कमरे (अधिकांश निजी को छोड़कर) कम से कम एक बार प्रदान किए गए थे; कुछ कई बार। ये जल रंग उनकी शैली में सबसे अच्छे माने जाते हैं।

निम्नलिखित ऐतिहासिक खंडों में, छवियों ने कुछ समय के लिए अपने निजी स्मृति मूल्य को बनाए रखा, लेकिन सौंदर्यवादी विचारों और व्यक्तिगत आदतों में परिवर्तन के माध्यम से अपना अर्थ खो दिया। इस विशेष तरीके से अपनी खुद की चार दीवारों को दस्तावेज करने की इच्छा अब पहले की तरह प्रचलित नहीं थी। जो कोई भी अभी भी “आधुनिक” फोटोग्राफी के माध्यम का उपयोग करना चाहता है। अपनी रचना से अधिक दूरी पर, हालांकि, Biedermeier कमरे के चित्र फिर से सांस्कृतिक इतिहास पर विशेष जानकारी के महत्वपूर्ण स्रोत बन गए।

बीसवीं सदी में पुनरुत्थान
बीसवीं सदी और आज में, कुछ कलाकारों ने इस परंपरा को बनाए रखा है। कलाकार आज पानी के रंग या तेल में, ऑर्डर पर काम करते हुए, आंतरिक चित्रांकन की कला को बनाए रखते हैं। गृहस्वामी अपने घरों के विचारों को याद करते हैं, उन्हें याद करते हैं, उन्हें पेशकश करने के लिए या अपने बच्चों के लिए उन्हें वसीयत करने के लिए, किसी प्रिय स्थान पर रहने या रहने की खुशी के लिए एक वसीयतनामा के रूप में। सज्जाकार इस कला का उपयोग उन परियोजनाओं के लिए भी करते हैं जिन्हें वे एक विशेष वातावरण देना चाहते हैं।

विशेष कलाकार
ऐसे समय में जब हर सुसंस्कृत युवती ने जलरंगों को चित्रित करना सीखा, बहुतों ने अपने स्वयं के कमरों या उन स्थानों को चित्रित किया जहाँ उन्हें अपना पाठ पढ़ाया गया था। बचे हुए उदाहरणों में से अधिकांश गुमनाम हैं और शायद ही कभी उच्च गुणवत्ता के हैं, लेकिन उनके पास अक्सर एक आकर्षण होता है जो तकनीकी विशेषज्ञता में उनकी कमी की भरपाई करता है।

हालांकि, अभिजात वर्ग के कुछ सदस्यों में पेशेवर के रूप में वास्तविक प्रतिभा थी। उदाहरण के लिए, पोलिश काउंट आर्टुर पोटोकी ने व्यापक रूप से यात्रा की, होटल के कमरों और अन्य स्थानों पर जहां वह रुके थे, रोम से लंदन तक के जलमार्गों की पेंटिंग की।

फिर भी, लगभग सभी उच्चतम-गुणवत्ता वाले कार्यों को पेशेवरों द्वारा जल रंग में असाधारण गुण और परिप्रेक्ष्य की महारत के साथ उत्पादित किया गया था … विशेष रूप से शंक्वाकार परिप्रेक्ष्य, दो या तीन लुप्त होने वाले बिंदुओं के साथ, जो आधुनिक आंखों के लिए एक eerily फोटोग्राफिक प्रभाव पैदा करता है।

केवल कुछ अपवादों के साथ, जैसे कि जीन-बैप्टिस्ट इसाबे और फ्रांस के यूजेन लामी, वास्तुकार जॉन नैश और फर्नीचर बनाने वाले थॉमस शेरेटन (दोनों इंग्लैंड), कुछ कलाकार जो इन चित्रों के साथ विशेष रूप से निपटाते हैं, आज भी परिचित हैं। कुछ उल्लेखनीय कलाकारों में, जिन्होंने उनका निर्माण किया, पहले उल्लेख नहीं किया गया:

इंग्लैंड में: विलियम हेनरी हंट, मैरी एलेन बेस्ट, विलियम हेनरी पायने।
फ्रांस में: चार्ल्स पेरीसेर, एड्रियन दौज़ेट्स।
जर्मनी में: फर्डिनेंड रोथबार्ट, रुडोल्फ वॉन अल्ट, एडुआर्ड गार्टनर।
रूस में: एडुअर्ड हौ, वसीली सदोवनिकोव, कोन्स्टेंटिन उखटॉम्स्की, ग्रिगोरी चेरनेत्सोव, निकानोर चेर्नेत्सोव (उनके भाई), अलेक्जेंडर ब्रूलोव, कार्ल ब्रुलोव (उनके भाई), प्योत्र सोकोलोव, ऑरेस्ट किप्रेंस्की, एलेक्सी वेनेत्सियानोव।
पोलैंड में, अलेक्जेंडर ग्रिल्व्स्की।