भारतीय चित्रकला

भारतीय चित्रकला में भारतीय कला में एक बहुत लंबी परंपरा और इतिहास है। सबसे पुरानी भारतीय पेंटिंग्स पूर्व-ऐतिहासिक काल की रॉक पेंटिंग्स थीं, पेट्रोग्लीफ जैसे कि भीम्बेटका रॉक आश्रयों जैसे स्थानों में पाए जाते हैं, भिमेटका रॉक आश्रयों में पाए जाने वाले कुछ पाषाण युग रॉक चित्रों में लगभग 30,000 वर्ष पुराने हैं। भारत का बौद्ध साहित्य ग्रंथों के उदाहरणों से भरा हुआ है जो सेना के महलों और अभिजात वर्ग को पेंटिंग के साथ सजाए गए हैं, लेकिन अजंता गुफाओं की पेंटिंग्स कुछ जीवित जीवों में सबसे महत्वपूर्ण हैं। पांडुलिपियों में छोटे पैमाने पर पेंटिंग शायद इस अवधि में भी प्रचलित थी, हालांकि शुरुआती जीवित मध्ययुगीन काल से हैं। मुगल चित्रकला ने पुरानी भारतीय परंपराओं के साथ फारसी लघुचित्र के संलयन का प्रतिनिधित्व किया, और 17 वीं शताब्दी से इसकी शैली सभी धर्मों की भारतीय रियासतों में फैली हुई थी, प्रत्येक स्थानीय शैली विकसित कर रहा था। ब्रितानी राज के तहत ब्रिटिश ग्राहकों के लिए कंपनी पेंटिंग की गई थी, जिसने 1 9वीं शताब्दी से पश्चिमी लाइनों के साथ कला स्कूल भी पेश किए, जिससे आधुनिक भारतीय चित्रकला हुई, जो तेजी से अपनी भारतीय जड़ें लौट रही है।

भारतीय चित्र एक सौंदर्य निरंतरता प्रदान करते हैं जो प्रारंभिक सभ्यता से आज तक फैली हुई है। शुरुआत में अनिवार्य रूप से धार्मिक होने से, भारतीय चित्रकला वर्षों से विभिन्न संस्कृतियों और परंपराओं का संलयन बनने के लिए विकसित हुई है।

भारतीय चित्रकला के शदंगा
1 शताब्दी ईसा पूर्व शदंगा या भारतीय चित्रकारी के छः अंग, विकसित किए गए थे, कला के मुख्य सिद्धांतों को बिछाने वाले सिद्धांतों की एक श्रृंखला। वत्सयान, जो तीसरी शताब्दी ईस्वी के दौरान रहते थे, इन्हें अपने कामसूत्र में बताते हैं कि उन्हें अब भी और अधिक प्राचीन कार्यों से निकाला गया है।

इन ‘छः अंगों’ का अनुवाद निम्नानुसार किया गया है:

Rupabheda उपस्थिति का ज्ञान।
प्रमानम सही धारणा, माप और संरचना।
भव रूपों पर भावनाओं की क्रिया।
लवान्या योजना, कृपा, कलात्मक प्रतिनिधित्व का आवेग।
Sadrisyam Similitude।
ब्रश और रंगों का उपयोग करने के वर्निकिकंगा कलात्मक तरीके। (टैगोर।)
बौद्धों द्वारा चित्रकला के बाद के विकास से संकेत मिलता है कि इन ‘छः अंगों’ को भारतीय कलाकारों द्वारा अभ्यास में रखा गया था, और वे बुनियादी सिद्धांत हैं जिन पर उनकी कला की स्थापना की गई थी।

भारतीय चित्रकला के शैलियों
भारतीय चित्रों को व्यापक रूप से murals और लघुचित्र के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है। मुराल ठोस संरचनाओं की दीवारों पर निष्पादित बड़े काम हैं, जैसे अजंता गुफाओं और कैलाशनाथ मंदिर में। छोटे चित्रों को कागज और कपड़े जैसे विनाशकारी सामग्री पर पुस्तकों या एल्बमों के लिए बहुत ही छोटे पैमाने पर निष्पादित किया जाता है। बंगाल के पाल भारत में लघु चित्रकला के अग्रणी थे। मुगल काल के दौरान लघु चित्रकला की कला अपनी महिमा तक पहुंच गई। छोटी पेंटिंग्स की परंपरा बंडी, किशनगढ़, जयपुर, मारवार और मेवार जैसे चित्रकला के विभिन्न राजस्थानी स्कूलों के चित्रकारों द्वारा आगे की गई थी। रागमाला पेंटिंग्स भी इस स्कूल से संबंधित हैं, जैसा कि ब्रिटिश राज के तहत ब्रिटिश ग्राहकों के लिए कंपनी पेंटिंग का उत्पादन होता है।

प्राचीन भारतीय कला ने 1 9 30 के दशक में बंगाल स्कूल ऑफ आर्ट का उदय देखा है, इसके बाद यूरोपीय और भारतीय शैलियों में कई प्रकार के प्रयोग हुए हैं। भारत की आजादी के बाद, जमीनी रॉय, एमएफ हुसैन, फ्रांसिस न्यूटन सूजा और वासुदेव एस गायतोंडे जैसे महत्वपूर्ण कलाकारों द्वारा विकसित कला के कई नए शैलियों। अर्थव्यवस्था की प्रगति के साथ कला के रूपों और शैलियों में भी कई बदलाव हुए। 1 99 0 के दशक में, भारतीय अर्थव्यवस्था को उदार बनाया गया और विश्व अर्थव्यवस्था में एकीकृत किया गया जिससे सांस्कृतिक सूचनाओं के भीतर और बिना मुक्त प्रवाह हो गया। कलाकारों में सुबोध गुप्ता, अतुल दोडिया, देवज्योति रे, बोस कृष्णमचारी और जितीश कहलट शामिल हैं जिनके काम अंतरराष्ट्रीय बाजारों में नीलामी के लिए गए थे। भारती दयाल ने पारंपरिक मिथिला चित्रकला को सबसे समकालीन तरीके से संभालने का चयन किया है और अपनी कल्पना के अभ्यास के माध्यम से अपनी शैली बनाई है, वे ताजा और असामान्य दिखाई देते हैं।

भित्ति चित्र
भारतीय मूर्तियों का इतिहास प्राचीन और प्रारंभिक मध्ययुगीन काल में, दूसरी शताब्दी ईसा पूर्व से 8 वीं – 10 वीं शताब्दी ईस्वी तक शुरू होता है। भारत के आसपास 20 से अधिक स्थानों को ज्ञात किया गया है जिसमें इस अवधि से मूर्तियां हैं, मुख्य रूप से प्राकृतिक गुफाएं और रॉक-कट कक्ष। इस समय की सबसे ज्यादा उपलब्धियां अजंता, बाग, सिट्टानावास, अर्मामालाई गुफा (तमिलनाडु), रावण छाया रॉक आश्रय, एलोरा गुफाओं में कैलासनाथ मंदिर की गुफाएं हैं।

इस अवधि के मुसलमान बौद्ध, जैन और हिंदू धर्मों के मुख्य रूप से धार्मिक विषयों को दर्शाते हैं। ऐसे स्थान भी हैं जहां जोगिमारा गुफा में प्राचीन रंगमंच कक्ष और 7 वीं शताब्दी ईस्वी – रावण छया रॉक आश्रय के संभावित शाही शिकार लॉज जैसे विशाल परिसर को सजाने के लिए पेंटिंग किए गए थे।

बड़े पैमाने पर दीवार चित्रकला का पैटर्न जिसने दृश्य पर हावी थी, 11 वीं और 12 वीं सदी के दौरान लघु चित्रों के आगमन को देखा। इस नई शैली ने पहली बार हथेली के पत्ते पांडुलिपियों पर चित्रित चित्रों के रूप में चित्रित किया। इन पांडुलिपियों की सामग्रियों में बौद्ध धर्म और जैन धर्म पर साहित्य शामिल था। पूर्वी भारत में, बौद्ध धर्म की कलात्मक और बौद्धिक गतिविधियों के प्रमुख केंद्र पाल साम्राज्य (बंगाल और बिहार) में स्थित नालंदा, ओदांतपुरी, विक्रमशिला और सोमरपुरा थे।

पूर्वी भारत चित्रकला
पूर्वी भारत में लघु चित्रकला 10 वीं शताब्दी में विकसित हुई थी। बुद्ध के जीवन से बौद्ध देवताओं और दृश्यों को दर्शाते हुए ये लघुचित्र हथेली के पत्ते के पांडुलिपियों के साथ-साथ उनके लकड़ी के कवर के पत्तों (लगभग 2.25 से 3 इंच) पर चित्रित किए गए थे। सबसे आम बौद्ध सचित्र पांडुलिपियों में ग्रस्त अस्थसासिका प्रजनपारामिता, पंचारक्ष, करंदवीयु और कालचक्र तंत्र शामिल हैं। सबसे पुराना लघु लघुचित्र महापाला (सी। 993) के छठे राजवंश वर्ष में स्थित अस्थसहासिका प्रजनपारामिता की पांडुलिपि में पाया जाता है, वर्तमान में कोलकाता के एशियाटिक सोसाइटी का कब्जा है। 12 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में यह शैली भारत से गायब हो गई।

पश्चिमी भारतीय लघु चित्रकारी
लघु चित्रकारी सुंदर हस्तनिर्मित चित्र हैं, जो काफी रंगीन हैं लेकिन आकार में छोटे हैं। इन चित्रों का मुख्य आकर्षण जटिल और नाजुक ब्रशवर्क है, जो उन्हें एक अनूठी पहचान देता है। रंग हस्तनिर्मित हैं, खनिजों, सब्जियों, कीमती पत्थरों, इंडिगो, शंख के गोले, शुद्ध सोने और चांदी से। 17 वीं शताब्दी के आसपास, पश्चिमी हिमालय में भारतीय लघुचित्र चित्रों का विकास शुरू हुआ

इन लघु चित्रों के विषय अधिकतर धार्मिक और साहित्यिक पांडुलिपियों के विषयों के संबंध में हैं। कई चित्र संस्कृत और लोक साहित्य से हैं। यह प्रेम कहानियों के विषय पर है। हिंदू धर्म के वैष्णव संप्रदाय से कुछ चित्र और कुछ जैन संप्रदाय से हैं। वैष्णव संप्रदाय की पेंटिंग्स भगवान कृष्ण और गोपी के जीवन के विभिन्न अवसरों के बारे में हैं। “गीता गोविंदा” की वैष्णव पेंटिंग्स भगवान कृष्ण के बारे में हैं। जैन संप्रदाय की चित्र जैन लॉर्ड्स और धार्मिक विषयों से संबंधित है।

ये चित्र “तादपतरा” पर बनाए गए थे जिसका अर्थ है हथेली के पेड़ का पत्ता, और पेपर। उस अवधि के दौरान पहले पांडुलिपियों को हथेली के पेड़ के पत्ते से और बाद में कागज से बनाया गया था।

इन चित्रों में सामने के चेहरे के साथ बहुत कम मानव पात्र हैं। अधिकांश मानव पात्रों को साइड प्रोफाइल के साथ देखा जाता है। बड़ी आंखें, नुकीली नाक और पतली कमर इन चित्रों की विशेषताएं हैं। मानव के त्वचा के रंग ब्राउन और मेले हैं। भगवान कृष्ण का त्वचा रंग नीला है। बाल और आंखों का रंग काला है। महिला पात्रों के लंबे बाल होते हैं। मानव पात्रों ने हाथ, नाक, गर्दन, बाल, कमर और एड़ियों पर आभूषण पहना है। पुरुष और महिलाएं पारंपरिक भारतीय पोशाक, चप्पलें और जूते पहनती हैं। पुरुष अपने सिर पर टर्बा पहनते हैं। इन चित्रों में पेड़, नदियों, फूलों, पक्षियों, भूमि, आकाश, घर, पारंपरिक कुर्सियां, कुशन, पर्दे, दीपक, और मानव पात्रों को चित्रित किया गया है।

इन चित्रों में ज्यादातर प्राकृतिक रंगों का उपयोग किया गया है। चित्रों को सजाने के लिए काले, लाल, सफेद, भूरा, नीले और पीले रंग के रंगों का उपयोग किया जाता है।

राजाओं, राजाओं के धूर्त, अमीर व्यापारियों, और उस समय के धार्मिक नेताओं ने इन लघु चित्रों के प्रमोटर थे।

इन तस्वीरों के चित्रकार स्थानीय समाज से थे। “वाचक” उस समय के प्रसिद्ध चित्रकार थे। चित्रकारों ने पांडुलिपि के विषय को इन चित्रों से जीने की कोशिश की ताकि पांडुलिपि के पाठक पढ़ने का आनंद उठा सकें।

चित्रकला के मालवा, दक्कन और जौनपुर स्कूल
पांडुलिपि चित्रण में एक नई प्रवृत्ति नासीर शाह (1500-1510) के शासनकाल के दौरान मंडु में चित्रित निमात्नाम की एक पांडुलिपि द्वारा निर्धारित की गई थी। यह स्वदेशी और संरक्षित फारसी शैली के संश्लेषण का प्रतिनिधित्व करता है, हालांकि यह बाद वाला था जो मंडु पांडुलिपियों पर हावी था। चित्रकला की एक और शैली थी जिसे लोदी खुलादार के नाम से जाना जाता था जो उत्तर भारत के सुल्तानत के प्रभुत्व में दिल्ली से जौनपुर तक फैल गया था।

लघु चित्रकला शैली, जो शुरुआत में बहमनी अदालत में विकसित हुई और बाद में अहमदनगर, बीजापुर और गोलकोंडा की अदालतों में लोकप्रिय रूप से चित्रकारी के दक्कन स्कूल के रूप में जाना जाता है। सबसे पुरानी जीवित चित्रों में से एक एक पांडुलिपि टैरिफ-ए-हुसैन शाही (सी .16565) के चित्रों के रूप में पाया जाता है, जो अब भरत इतिहासा समोधोध मंडला, पुणे में है। न्यूजूम चेस्टर बीटी लाइब्रेरी, डबलिन में रखे नुजुम-उल-उलम (विज्ञान के सितारे) (1570) की पांडुलिपि में लगभग 400 लघु चित्र पाए जाते हैं।

मुगल चित्रकला
मुगल चित्रकला भारतीय चित्रकला की एक विशेष शैली है, जो आम तौर पर पुस्तक पर चित्रों तक सीमित होती है और लघुचित्रों में होती है, और 16 वीं -19 वीं शताब्दी में मुगल साम्राज्य की अवधि के दौरान उभरा, विकसित और आकार ले लिया।

मुगल चित्र भारतीय, फारसी और इस्लामी शैलियों का एक अद्वितीय मिश्रण थे। चूंकि मुगल राजा शिकारी और विजेताओं के रूप में अपने कर्मों के दृश्य रिकॉर्ड चाहते थे, उनके कलाकार उनके साथ सैन्य अभियान या राज्य के मिशन पर थे, या पशु की हत्या के रूप में अपनी शक्ति दर्ज की थी, या उन्हें विवाह के महान राजवंश समारोहों में चित्रित किया था।

अकबर के शासनकाल (1556-1605) ने भारतीय लघु चित्रकला में एक नया युग शुरू किया। उन्होंने अपनी राजनीतिक शक्ति को समेकित करने के बाद, उन्होंने फतेहपुर सीकरी में एक नई राजधानी बनाई जहां उन्होंने भारत और फारस के कलाकारों को एकत्रित किया। वह पहले राजा थे जिन्होंने भारत में दो फारसी मास्टर कलाकारों, मीर सय्यद अली और अब्दुस समद की देखरेख में एक अटेलियर की स्थापना की थी। इससे पहले, दोनों ने काबुल में हुमायूं के संरक्षण के तहत सेवा की थी और 1555 में जब उन्होंने अपना सिंहासन वापस ले लिया था तब उनके साथ भारत आए थे। इनमें से सौ से अधिक चित्रकार नियोजित थे, जिनमें से अधिकांश गुजरात, ग्वालियर और कश्मीर से हिंदू थे, जिन्होंने एक पेंटिंग के एक नए स्कूल के लिए जन्म, जिसे मुगल स्कूल ऑफ लघु पेंटिंग्स के नाम से जाना जाता है।

लघु चित्रकला के उस स्कूल के पहले प्रस्तुतियों में से एक हम्ज़ानामा श्रृंखला थी, जो कि अदालत के इतिहासकार बदायुनी के अनुसार 1567 में शुरू हुई थी और 1582 में पूरी हुई थी। पैगंबर के एक चाचा अमीर हमजा की कहानियां हमज़ानामा को सचित्र थीं मीर सय्यद अली द्वारा। हमज़ानामा की पेंटिंग्स बड़े आकार के हैं, 20 x 27 “और कपड़े पर चित्रित किए गए थे। वे फारसी सफवी शैली में हैं। शानदार लाल, नीले और हरे रंग के रंग प्रमुख हैं; गुलाबी, क्षीण चट्टानों और वनस्पति, विमान और खिलने वाले बेर और आड़ू के पेड़ फारस की याद दिलाते हैं। हालांकि, भारतीय कलाकारों को बाद में काम में दिखाई देता है, जब भारतीय कलाकारों को नियोजित किया जाता था।

उसके बाद, जहांगीर ने कलाकारों को चित्रों और दरबार दृश्यों को पेंट करने के लिए प्रोत्साहित किया। उनके सबसे प्रतिभावान चित्रकार चित्रकार उस्ताद मंसूर, अबुल हसन और बिश्ंदस थे।

शाहजहां (1627-1658) ने पेंटिंग के संरक्षण को जारी रखा। इस अवधि के कुछ प्रसिद्ध कलाकार मोहम्मद फैकीरुल्ला खान, मीर हाशिम, मुहम्मद नादिर, बिचिटर, चित्रमान, अनुपचतर, मनोहर और होनहर थे।

औरंगजेब को ललित कला के लिए कोई स्वाद नहीं था। संरक्षक कलाकारों की कमी के कारण डेक्कन में हैदराबाद और राजस्थान के हिंदू राज्यों में नए संरक्षकों की तलाश में स्थानांतरित हो गया।

राजपूत पेंटिंग
राजपूत चित्रकला, भारतीय चित्रकला की एक शैली, 18 वीं शताब्दी के दौरान, राजपूताना, भारत की शाही अदालतों में विकसित और विकसित हुई। प्रत्येक राजपूत साम्राज्य ने एक विशिष्ट शैली विकसित की, लेकिन कुछ सामान्य विशेषताओं के साथ। राजपूत चित्रों में कई विषयों, रामायण और महाभारत, कृष्णा के जीवन, सुंदर परिदृश्य और मनुष्यों जैसे महाकाव्य की घटनाएं दर्शाती हैं। लघुचित्र राजपूत चित्रकला का पसंदीदा माध्यम थे, लेकिन कई पांडुलिपियों में राजपूत चित्र भी शामिल थे, और महल की दीवारों, किलों के आंतरिक कक्ष, हवेली, विशेष रूप से, शेखावती के हवेली पर चित्र भी किए गए थे।

कुछ खनिज, पौधे के स्रोत, शंख के गोले से निकाले गए रंग, और यहां तक ​​कि कीमती पत्थरों, सोने और चांदी के प्रसंस्करण द्वारा व्युत्पन्न किए गए थे। वांछित रंगों की तैयारी एक लंबी प्रक्रिया थी, कभी-कभी हफ्तों लेती थी। इस्तेमाल ब्रश बहुत अच्छे थे।

मैसूर पेंटिंग
मैसूर चित्रकला शास्त्रीय दक्षिण भारतीय चित्रकला का एक महत्वपूर्ण रूप है जो कि कर्नाटक के मैसूर शहर में हुई थी। ये चित्र उनके लालित्य, म्यूट रंग और विस्तार पर ध्यान के लिए जाने जाते हैं। इनमें से अधिकांश चित्रों के लिए थीम हिन्दू देवताओं और देवियों और हिंदू पौराणिक कथाओं के दृश्य हैं। आधुनिक समय में, ये चित्र दक्षिण भारत में उत्सव के अवसरों के दौरान बहुत अधिक मांग के बाद स्मारिका बन गए हैं।

मैसूर चित्रकला बनाने की प्रक्रिया में कई चरणों शामिल हैं। पहले चरण में आधार पर छवि के प्रारंभिक स्केच बनाने का समावेश होता है। आधार में लकड़ी के आधार पर चिपकने वाले कारतूस पेपर होते हैं। जस्ता ऑक्साइड और अरबी गम से बने पेस्ट को “गेसो पेस्ट” कहा जाता है। एक पतली ब्रश की मदद से सभी आभूषणों और सिंहासन के हिस्सों या आर्क जो कुछ राहत प्राप्त करते हैं, वे नक्काशी के थोड़ा सा प्रभाव देने के लिए चित्रित होते हैं। इसे सूखने की अनुमति है। इस पतले सोने के पन्नी पर चिपकाया जाता है। बाकी ड्राइंग को पानी के रंगों का उपयोग करके चित्रित किया जाता है। केवल म्यूट रंगों का उपयोग किया जाता है।

तंजौर पेंटिंग
तंजौर पेंटिंग तमिलनाडु में तंजौर शहर के मूल निवासी शास्त्रीय दक्षिण भारतीय चित्रकला का एक महत्वपूर्ण रूप है। कला का स्वरूप 9वीं शताब्दी की शुरुआत में था, जो चोल शासकों का प्रभुत्व था, जिन्होंने कला और साहित्य को प्रोत्साहित किया था। ये चित्र उनके लालित्य, समृद्ध रंगों और विस्तार पर ध्यान देने के लिए जाने जाते हैं। इनमें से अधिकांश चित्रों के लिए थीम हिन्दू देवताओं और देवियों और हिंदू पौराणिक कथाओं के दृश्य हैं। आधुनिक समय में, ये चित्र दक्षिण भारत में उत्सव के अवसरों के दौरान बहुत अधिक मांग के बाद स्मारिका बन गए हैं।

तंजौर पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया में कई चरण शामिल हैं। पहले चरण में आधार पर छवि के प्रारंभिक स्केच बनाने का समावेश होता है। आधार में एक लकड़ी के आधार पर चिपका हुआ कपड़ा होता है। फिर चाक पाउडर या जस्ता ऑक्साइड पानी घुलनशील चिपकने वाला के साथ मिलाया जाता है और इसे आधार पर लागू किया जाता है। आधार को चिकना बनाने के लिए, कभी-कभी हल्के घर्षण का उपयोग किया जाता है। चित्र बनाने के बाद, गहने की सजावट और छवि में परिधान अर्द्ध कीमती पत्थरों के साथ किया जाता है। गहने को सजाने के लिए लेस या धागे का भी उपयोग किया जाता है। इसके ऊपर, सोने के फोइल चिपकाए जाते हैं। अंत में, रंगों में चित्रों में रंग जोड़ने के लिए रंगों का उपयोग किया जाता है।

कंगड़ा पेंटिंग
यह शैली 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में गुलर राज्य में हुई थी और महाराजा संसार चंद काटोच के शासनकाल के दौरान अपने चरम पर पहुंच गई थी।

मधुबनी पेंटिंग
मधुबनी चित्रकला चित्रकला की एक शैली है, बिहार राज्य के मिथिला क्षेत्र में प्रचलित है। थीम्स हिंदू देवताओं और पौराणिक कथाओं के आसपास घूमते हैं, शाही अदालत के दृश्यों और शादियों जैसे सामाजिक कार्यक्रमों के साथ। आम तौर पर कोई जगह खाली नहीं छोड़ी जाती है; अंतराल फूलों, जानवरों, पक्षियों, और यहां तक ​​कि ज्यामितीय डिजाइनों के चित्रों से भरे हुए हैं। इस चित्रों में, कलाकार चित्रों को आकर्षित करने के लिए उपयोग किए जाने वाले रंग को बनाने के लिए पत्तियों, जड़ी बूटियों और फूलों का उपयोग करते हैं।

पट्टचित्र
पट्टाचित्र भारत के पूर्वी क्षेत्र में पश्चिम बंगाल और ओडिशा की शास्त्रीय पेंटिंग को संदर्भित करता है। संस्कृत में ‘पट्टा’ का अर्थ है ‘शास्त्र’ या ‘कपड़ा’ और ‘चित्र’ का मतलब पेंटिंग्स है।

बंगाल Patachitra पश्चिम बंगाल की पेंटिंग को संदर्भित करता है। यह पश्चिम बंगाल की पारंपरिक और पौराणिक विरासत है। बंगाल पटचित्र को दुर्गा पट, चालचित्र, आदिवासी पटचित्र, मेदिनीपुर पटचित्र, कालीघाट पटचित्र और आदि जैसे कुछ अलग-अलग पहलुओं में बांटा गया है। बंगाल पटचित्र का विषय ज्यादातर पौराणिक, धार्मिक कहानियां, लोक कथा और सामाजिक है। कालीघाट पटचित्र, बंगाल पटचित्र की आखिरी परंपरा जैमिनी रॉय द्वारा विकसित की गई है। बंगाल पटचित्र के कलाकार को पटुआ कहा जाता है।

ओरिशा पट्टाचित्र की परंपरा भगवान जगन्नाथ की पूजा से निकटता से जुड़ी हुई है। छठी शताब्दी ईस्वी के खंडदागिरी और उदयगिरी और सीताभिनजी murals की गुफाओं पर पेंटिंग के खंडित साक्ष्य के अलावा, ओडिशा की सबसे पुरानी स्वदेशी चित्र चित्रकारों द्वारा चित्रित पट्टाचित्र हैं (चित्रकारों को चित्रकार कहा जाता है)। वैष्णव संप्रदाय के चारों ओर उड़िया पेंटिंग केंद्रों का विषय। पट्टाचत्र संस्कृति की शुरुआत के बाद से भगवान जगन्नाथ जो भगवान कृष्ण का अवतार थे प्रेरणा का प्रमुख स्रोत थे। पट्टा चित्र का विषय ज्यादातर पौराणिक, धार्मिक कहानियां और लोक कथा है। थीम्स मुख्य रूप से भगवान जगन्नाथ और राधा-कृष्ण, जगन्नाथ, बलभद्र और सुभद्रा के विभिन्न “वेस”, मंदिर गतिविधियों, जयदेव के ‘गीता गोविंदा’, काम कुजारा नबा गुंजारा, रामायण, महाभारत के आधार पर विष्णु के दस अवतार हैं। देवताओं और देवी-देवताओं की व्यक्तिगत चित्रों को भी चित्रित किया जा रहा है। चित्रकार सब्जियों और खनिज रंगों का उपयोग कारखाने के लिए पोस्टर रंगों के बिना किए जाते हैं। वे अपने स्वयं के रंग तैयार करते हैं। एक बहुत ही खतरनाक प्रक्रिया में पाउडरिंग, उबलते और फ़िल्टरिंग द्वारा शंख-गोले से सफेद रंग बनाया जाता है। इसके लिए बहुत धैर्य की आवश्यकता है। लेकिन यह प्रक्रिया रंग के प्रतिभा और premanence देता है। एक खनिज रंग ‘हिंगुला’ लाल रंग के लिए प्रयोग किया जाता है। पीले रंग के पत्थर के तत्वों के राजा ‘हरिताल’, ‘रामराज’ नीले रंग के लिए एक प्रकार का इंडिगो इस्तेमाल किया जा रहा है। नारियल के गोले जलने से तैयार शुद्ध दीपक-काला या काले का उपयोग किया जाता है। इन ‘चित्रकारों’ द्वारा उपयोग किए जाने वाले ब्रश भी स्वदेशी होते हैं और घरेलू जानवरों के बाल होते हैं। एक बांस छड़ी के अंत से बंधे बाल का एक समूह ब्रश बना देता है। यह वास्तव में आश्चर्य की बात है कि ये चित्रकार इस तरह के परिशुद्धता की रेखाएं कैसे लाते हैं और इन कच्चे ब्रश की मदद से खत्म करते हैं। उडिया चित्रकला की पुरानी परंपरा अभी भी पुरी, रघुराजपुर, परालाखेमुंडी, चिकीटी और सोनपुर में चित्रकारों (पारंपरिक चित्रकार) के कुशल हाथों में बनी हुई है।

बंगाल स्कूल
बंगाल स्कूल ऑफ आर्ट कला की एक प्रभावशाली शैली थी जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में ब्रिटिश राज के दौरान भारत में विकसित हुई थी। यह भारतीय राष्ट्रवाद से जुड़ा था, लेकिन कई ब्रिटिश कला प्रशासकों द्वारा भी उन्हें बढ़ावा दिया और समर्थित किया गया था।

बंगाल स्कूल एक अवंत गार्डे और राष्ट्रवादी आंदोलन के रूप में उभरा, जो पहले भारत में प्रचारित शैक्षिक कला शैलियों के खिलाफ प्रतिक्रिया करता था, दोनों भारतीय कलाकारों जैसे रवि वर्मा और ब्रिटिश कला स्कूलों में। पश्चिम में भारतीय आध्यात्मिक विचारों के व्यापक प्रभाव के बाद, ब्रिटिश कला शिक्षक अर्नेस्ट बिनफील्ड हवेल ने छात्रों को मुगल लघुचित्रों की नकल करने के लिए प्रोत्साहित करके कलकत्ता स्कूल ऑफ आर्ट में शिक्षण विधियों में सुधार करने का प्रयास किया। इसने अत्यधिक विवाद पैदा किया, जिसके कारण स्थानीय प्रेस से छात्रों और शिकायतों की हड़ताल हुई, जिसमें राष्ट्रवादियों ने भी इसे एक प्रगतिशील कदम माना। हवेली को कवि रवींद्रनाथ टैगोर के एक भतीजे कलाकार अबानिंद्रनाथ टैगोर द्वारा समर्थित किया गया था। टैगोर ने मुगल कला से प्रभावित कई कामों को चित्रित किया, एक शैली है कि वह और हवेल पश्चिम के “भौतिकवाद” के विरोध में भारत के विशिष्ट आध्यात्मिक गुणों के अभिव्यक्तिपूर्ण मानते थे। अबानिंद्रनाथ टैगोर की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग, भारत माता (मदर इंडिया) ने एक युवा महिला को चित्रित किया, जिसमें हिंदू देवताओं के तरीके में चार हथियारों के साथ चित्रित किया गया, जिसमें वस्तुओं की भारत की राष्ट्रीय आकांक्षाओं का प्रतीक है। बाद में टैगोर ने कला के एक पैन-एशियाई मॉडल के निर्माण की आकांक्षा के हिस्से के रूप में सुदूर पूर्वी कलाकारों के साथ संबंध विकसित करने का प्रयास किया। इस इंडो-फ़ारएस्टर्न मॉडल से जुड़े लोगों में नंदलाल बोस, मुकुल डे, कलीपाड़ा घोषाल, बेनोड बेहारी मुखर्जी, विनायक शिवराम मासोजी, बीसी सान्याल, बीहर राममानोहर सिन्हा, और बाद में उनके छात्र ए रामचंद्रन, तन युआन चेमेली, रमनंद बंदोपाध्याय और कुछ शामिल थे। अन्य शामिल हैं।

भारतीय कला दृश्य पर बंगाल स्कूल का प्रभाव धीरे-धीरे आधुनिकतावादी विचारों के प्रसार के साथ कम हो रहा है। इस आंदोलन में केजी सुब्रमण्यन की भूमिका महत्वपूर्ण है। आज बांकुरा की रेडनोवा आर्ट एकेडमी, भारत कलाकार अब्रिलल द्वारा स्थापित कला योग्य अकादमी भी है।

प्रासंगिक आधुनिकतावाद
सांविधिक आधुनिकतावाद शब्द जिसे शिव कुमार प्रदर्शनी की सूची में इस्तेमाल करते हैं, संतिनिकतन कलाकारों ने कला की समझ में एक औपनिवेशिक महत्वपूर्ण उपकरण के रूप में उभरा है।

आधुनिकता के पॉल गिल्रॉय की काउंटर संस्कृति और तानी बारलो के औपनिवेशिक आधुनिकता सहित कई शर्तों का उपयोग गैर-यूरोपीय संदर्भों में उभरे वैकल्पिक वैकल्पिकता के वर्णन के लिए किया गया है। प्रोफेसर गैल का तर्क है कि ‘प्रासंगिक आधुनिकतावाद’ एक अधिक उपयुक्त शब्द है क्योंकि “औपनिवेशिक आधुनिकता में औपनिवेशिक अल्पसंख्यक स्थितियों में से कई लोगों को इनकार करने में असमर्थता को समायोजित नहीं करता है। शांतिनिकेतन के कलाकार शिक्षकों ने अधीनस्थता से इनकार करने से आधुनिकता का एक प्रतिबिंब शामिल किया, जिसने नस्लीय और सांस्कृतिक अनिवार्यता को सही करने की मांग की जो शाही पश्चिमी आधुनिकता और आधुनिकता को चलाता और दिखाता है। उन यूरोपीय आधुनिकताओं, जो एक विजयी ब्रिटिश औपनिवेशिक शक्ति के माध्यम से प्रक्षेपित हुए, राष्ट्रवादी प्रतिक्रियाओं को उकसाया, समान रूप से समस्याग्रस्त जब उन्होंने समान अनिवार्यताओं को शामिल किया। ”

आर शिव कुमार के मुताबिक “शांतिनिकेतन कलाकार पहले व्यक्तियों में से एक थे जिन्होंने आधुनिकतावाद के आधुनिक विचार और इतिहासकार स्वदेशी दोनों को चुनकर आधुनिकतावाद के इस विचार को चुनौती दी और एक संदर्भ संवेदनशील आधुनिकतावाद बनाने की कोशिश की।” वह शांतिनिकेतन स्वामी के काम का अध्ययन कर रहे थे और 80 के दशक के बाद से कला के दृष्टिकोण के बारे में सोच रहे थे। शिव कुमार के मुताबिक, बंगाल स्कूल ऑफ आर्ट के तहत नंदलाल बोस, रवींद्रनाथ टैगोर, राम किन्कर बाईज और बेनोड बेहारी मुखर्जी को कम करने का अभ्यास था। ऐसा इसलिए हुआ क्योंकि प्रारंभिक लेखकों को कला शैली पर उनकी शैलियों, विश्वव्यापी, और दृष्टिकोण के बजाय शिक्षुता की वंशावली द्वारा निर्देशित किया गया था।

साहित्यिक आलोचक रंजीत होस्कोट ने समकालीन कलाकार अतुल डोडिया के कार्यों की समीक्षा करते हुए लिखा, “एक साहित्यिक चक्कर के माध्यम से संतिंकेटन के संपर्क में, कला इतिहासकार आर शिव कुमार ने” प्रासंगिक आधुनिकता “को विकसित करने के ऐतिहासिक परिस्थितियों में डोडिया की आंखें खोलीं 1 9 30 के दशक में पूर्वी भारत में और वैश्विक अवसाद के अशांत दशकों के दौरान ’40 के दशक में, गांधीवादी मुक्ति संघर्ष, टैगोरियन सांस्कृतिक पुनर्जागरण और द्वितीय विश्व युद्ध। ”

हाल के अतीत में प्रासंगिक आधुनिकता ने अध्ययन के अन्य संबंधित क्षेत्रों में विशेष रूप से वास्तुकला में इसका उपयोग पाया है।

वर्नाक्युलर इंडियन पेंटिंग
वर्नाक्युलर आर्ट एक कला जीवित (समकालीन कला) है, जो अतीत (मिट्टी, परंपराओं और धर्म) पर आधारित है और परिभाषित समूहों द्वारा बनाई गई है। वर्नाकुलर कला इस समूह की सामूहिक स्मृति पर आधारित है।

वर्नाक्युलर इंडियन पेंटिंग के उदाहरण:

जनजातीय चित्रकारी:
भील पेंटिंग
वारली पेंटिंग
गोंड पेंटिंग
संथाल पेंटिंग
सोरा पेंटिंग
Kurumba पेंटिंग

ग्रामीण चित्रकारी:
पट्टाचित्र चित्रकला
मधुबनी पेंटिंग
कलामकारी चित्रकला
कोलम पेंटिंग
कलाम पेंटिंग
मंडाना पेंटिंग्स

आधुनिक भारतीय चित्रकारी
औपनिवेशिक युग के दौरान, पश्चिमी प्रभावों ने भारतीय कला पर प्रभाव डालना शुरू कर दिया। कुछ कलाकारों ने एक शैली विकसित की जिसने भारतीय विषयों को चित्रित करने के लिए रचना, परिप्रेक्ष्य और यथार्थवाद के पश्चिमी विचारों का उपयोग किया। जामिनी रॉय की तरह, दूसरों ने जानबूझकर लोक कला से प्रेरणा ली। भारती दयाल ने पारंपरिक मिथिला चित्रकारी को सबसे समकालीन तरीके से संभालने का चयन किया है और दोनों के लिए मिश्रित बहुत सारी कल्पनाओं के साथ यथार्थवाद और उनके काम में अमूर्तता दोनों का उपयोग किया है। उनके काम में संतुलन, सद्भाव और अनुग्रह की एक निर्दोष भावना।

1 9 47 में आजादी के समय तक, भारत में कला के कई स्कूलों ने आधुनिक तकनीकों और विचारों तक पहुंच प्रदान की। इन कलाकारों को प्रदर्शित करने के लिए गैलरी स्थापित की गई थीं। आधुनिक भारतीय कला आमतौर पर पश्चिमी शैलियों का प्रभाव दिखाती है, लेकिन अक्सर भारतीय विषयों और छवियों से प्रेरित होती है। प्रमुख कलाकारों को शुरुआत में भारतीय डायस्पोरा में अंतरराष्ट्रीय मान्यता हासिल करना शुरू हो रहा है, लेकिन गैर-भारतीय दर्शकों के बीच भी।

1 9 47 में भारत स्वतंत्र होने के कुछ ही समय बाद स्थापित प्रगतिशील कलाकार समूह, औपनिवेशिक युग के बाद भारत को व्यक्त करने के नए तरीकों को स्थापित करने का इरादा रखता था। संस्थापक छह प्रतिष्ठित कलाकार थे – केएच आरा, एसके बकरे, एचए गेड, एमएफ हुसैन, एसएच रजा और एफएन सूजा, हालांकि समूह को 1 9 56 में भंग कर दिया गया था, यह भारतीय कला के मुहावरे को बदलने में गहरा प्रभावशाली था। 1 9 50 के दशक में लगभग सभी भारत के प्रमुख कलाकार समूह से जुड़े थे। आजकल जाने वाले कुछ लोग बाल चब्दा, मनीशी डे, वीएस गायतोंडे, कृष्ण खन्ना, राम कुमार, तैयब मेहता, बेहोहर राममानोहर सिन्हा और अकबर पदमसी हैं। जहर दासगुप्त, प्रोकश कर्मकर, जॉन विल्किन्स और बिजन चौधरी जैसे अन्य प्रसिद्ध चित्रकारों ने भारत की कला संस्कृति को समृद्ध किया। वे आधुनिक भारतीय कला का प्रतीक बन गए हैं। प्रो। राय आनंद कृष्ण जैसे कला इतिहासकारों ने आधुनिक कलाकारों के उन कार्यों को भी संदर्भित किया है जो भारतीय आचारों को प्रतिबिंबित करते हैं।

साथ ही, अंग्रेजी कला के साथ-साथ स्थानीय भाषा में भारतीय कला के बारे में भाषण में वृद्धि ने कला स्कूलों में कला को समझने के तरीके को विनियमित किया। गंभीर दृष्टिकोण कठोर हो गया, गीता कपूर, आर जैसे आलोचकों। शिव कुमार ने भारत में समकालीन कला अभ्यास को फिर से सोचने में योगदान दिया। उनकी आवाज़ें न केवल भारत में बल्कि दुनिया भर में भारतीय कला का प्रतिनिधित्व करती हैं। महत्वपूर्ण प्रदर्शनियों के क्यूरेटर, आधुनिकता और भारतीय कला को फिर से परिभाषित करने के रूप में आलोचकों की भी एक महत्वपूर्ण भूमिका थी।

1 99 0 के दशक के शुरू से ही भारतीय कला को देश के आर्थिक उदारीकरण के साथ बढ़ावा मिला। विभिन्न क्षेत्रों के कलाकारों ने अब काम की विभिन्न शैलियों को लाने शुरू कर दिया। उदारीकरण के बाद भारतीय कला न केवल अकादमिक परम्पराओं की सीमाओं के भीतर बल्कि इसके बाहर भी काम करती है। इस चरण में, कलाकारों ने भी नई अवधारणाएं पेश की हैं जो अब तक भारतीय कला में नहीं देखी गई हैं। देवज्योति रे ने स्यूडोरेलाइज्म नामक कला की एक नई शैली पेश की है। स्यूडोरेलिस्ट आर्ट एक मूल कला शैली है जिसे पूरी तरह से भारतीय मिट्टी पर विकसित किया गया है। छद्मवादवाद अमूर्तता की भारतीय अवधारणा को ध्यान में रखता है और भारतीय जीवन के नियमित दृश्यों को एक शानदार छवियों में बदलने के लिए इसका उपयोग करता है।

उदारीकरण के बाद भारत में, कई कलाकारों ने खुद को अंतरराष्ट्रीय कला बाजार में स्थापित किया है जैसे कि अनिश कपूर और चिंतन जिनके विशाल कलाकृतियों ने अपने आकार के लिए ध्यान आकर्षित किया है। भारतीय कलाकृतियों को प्रदर्शित करने के लिए संयुक्त राज्य अमेरिका और यूरोप में कई कला घरों और दीर्घाओं को भी खोला गया है। कुछ कलाकार जैसे कि चिमन डांगी (चित्रकार, प्रिंटमेकर) भूपत दुडी, सुबोध गुप्ता, प्यू सरकार, वागरम चौधरी, अमिताव सेनगुप्ता और कई अन्य ने दुनिया भर में जादू किया है। घोष एक प्रतिभाशाली चित्रकार है, और त्रिवेणी आर्ट गैलरी, नई दिल्ली में काफी सक्रिय है।