उच्च रोमांटिक संगीत

रोमांटिक संगीत लगभग संगीत के बीच एक संगीत-ऐतिहासिक काल है। 1830 और 1 9 10. साहित्य और चित्रकला, अर्थात्, व्यक्तिगतता, देशभक्ति, स्वतंत्रता की इच्छा, और लक्ष्य की लंबाई और पीछा, अपने लक्ष्य के बजाय अन्य कलाओं में रोमांस के समान था। संगीत का रोमांस साहित्य और कला के रोमांस के संबंध में अपेक्षाकृत देर से आया, और बहुत अधिक समय तक चला।

अवधि क्लासिकवाद से एक स्लाइडिंग संक्रमण के रूप में शुरू हुई, लेकिन इसके स्पष्ट उल्लंघन के रूप में भी। जहां यूसुफ हेडन के तहत क्लासिक्स, वुल्फगैंग अमेडियस मोजार्ट और अर्ली लुडविग वैन बीथोवेन ने ज्ञान, स्पष्टता, शांत और संतुलन के शास्त्रीय आदर्शों पर ध्यान केंद्रित किया, रोमांस अधिक भावनात्मक, गतिशील और मजबूत संगीत विरोधाभास था। यात्रा के उद्देश्य से कुछ और यात्रा की इच्छा अधिक महत्वपूर्ण थी। रिचर्ड वाग्नेर के उच्च प्रभुत्व, जिएसेपे वर्डी और जोहान्स ब्रह्म ने पात्रों पर हावी रहे। साथ ही, कई देशों और क्षेत्रों, विशेष रूप से रूस, चेक गणराज्य और स्कैंडिनेविया में राष्ट्रीय रोमांस तेजी से प्रभावशाली हो गया। यहां विभिन्न विचार थे कि किसी को लोक संगीत से प्रभावित होना चाहिए या देश से प्रेरित अपने स्वयं के संगीत लिखना चाहिए। रोमांटिकवाद के अंत में, संगीत रोमांटिक आदर्शों से दूर चला गया, और यथार्थवाद, कम भावनात्मक चाल और या तो अधिक neoclassical या impresionist शैली की ओर।

उच्च रोमांटिक अवधि
समय-समय पर और संगीत के विकास में उच्च रोमांटिक अवधि सबसे प्रभावशाली अवधि है। ओपेरा का एक महत्वपूर्ण विकास था, खासकर वाग्नेर के नाटकीय और वर्दीस सुन्दर ओपेरा के साथ। यहां तक ​​कि इन दो ओपेरा ने जर्मन और इतालवी ओपेरा को लगातार प्रभावशाली बना दिया, वहां कई फ्रांसीसी ओपेरा संगीतकार थे, जिन्होंने विशेष रूप से जॉर्जेस बिज़ेट और जुल्स मैसेनेट को देखा। इस अवधि के दौरान, नाटकीय और गंभीर ओपेरा दृढ़ता से वापस आ गया। ओपेरेटे के पास जैक्स ऑफेनबाक और जोहान स्ट्रॉस डी के साथ भी एक बड़ा विकास हुआ

वाल्सर तेजी से लोकप्रिय हो गया, लेकिन संगीत के मुकाबले संगीत के मुकाबले कुछ मामलों में राष्ट्रीय और राष्ट्रीय दोनों नृत्य अधिक ऑर्केस्ट्रल काम बन गए। उसी समय, बैले को अंत में रूस से मदद के साथ बढ़ावा मिला। सिम्फनीज़ लंबे समय से झटका लगा था, लेकिन विशेष रूप से जोहान्स ब्राह्म्स, एंटोन ब्रुकनर, एंटोनिन ड्वोरैक और पोजोट तज्कोव्स्की की लोकप्रियता पर वापस लाया गया था। राष्ट्रीय रोमांटिक काल विशेष रूप से रूस, चेक गणराज्य और नॉर्डिक क्षेत्र में स्पष्ट हो गया। ब्राह्मण ने खुद को कई शैलियों में कई अच्छी रचनाओं के साथ एक बहुमुखी के रूप में चिह्नित किया।

अवधि एक पीढ़ीगत परिवर्तन के साथ शुरू हुई। 1847 में मेंडेलसोहन की मृत्यु हो गई, 1848 में डोनीज़ेटी और 184 9 में चोपिन की मृत्यु हो गई। शूमन को 1850 में मानसिक समस्याएं मिलीं और 1856 में उनकी मृत्यु हो गई, जबकि मेयरबीर ने 1850 के बाद बहुत कम रचना की। नए संगीतकारों ने क्लासवाद के करीबी संबंध के बिना कई पीढ़ी के रूप में या तो तंत्रिका के खिलाफ या विद्रोह किया। इतने सारे शैलियों और इतने सारे देशों के विकास के साथ, संगीत पहले से बहुत कम नियंत्रित और बहुत कम पहलू बन गया।

वाल्सर और अन्य नृत्य
जोहान स्ट्रॉस ने 1825 में अपना ऑर्केस्ट्रा शुरू किया और वॉल्टज़ के लोकप्रियकरण में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। यह वह भी था जो वियनीज़ घाटी के रूप में जाना जाने वाला पीछे था। उनका आधुनिक वाल्ट्ज पूरे यूरोप में मारा, खासकर लंदन में 1838 में। वह 1840 में नॉर्वे आए, और वहां विनीज़ के लोकप्रिय बने। स्ट्रॉस, बड़े, हालांकि, अपने Radetzkymarsj को छोड़कर, प्रारंभिक अवधि में घर से संबंधित है। हालांकि, उनके दो बेटे जोहान स्ट्रॉस और जोसेफ स्ट्रॉस भी चुनावी संगीतकार थे। मार्श और पोल्स परिवार के सदस्यों में भी शामिल हो गए। विशेष रूप से, स्ट्रॉस ने 1867 को एक बहुत ही लोकप्रिय रोल ए डर स्कोएनन ब्लौएन डेन्यूब से हटा दिया। स्ट्रॉस डी ने रोल को कई नृत्य और टुकड़ों के चक्र के रूप में विकसित करना जारी रखा, उनके पिता और श्यूबर्ट ने उनके सामने कुछ किया। स्ट्रॉस डी ने भी व्यापक दीक्षा और समापन जोड़ा – और टुकड़ों के बीच संक्रमण – जिसने वॉल्टज़ को और अधिक समझदार दर्शकों के बीच और अधिक स्वीकार्य बनाने में मदद की।

जोस स्ट्रॉस अपने भाई एडुआर्ड के साथ अपने भाई जोहान स्ट्रॉस की रचना करने के लिए प्रमुख गाना बजानेवाले कंडक्टर के बाद बन गए। जोसेफ स्ट्रॉस वॉल्टज़ और सिम्फनी के संयोजन में रूचि रखते थे, और वह नए संगीत को आजमाने से डरते नहीं थे। अन्य चीजों के अलावा, उन्होंने अपने रोलिंग संगीत कार्यक्रमों में वाग्नेर के ओपेरा ट्रिस्टन और आइसोल्ड के टुकड़े शामिल किए थे, इसलिए ओपेरा स्थापित होने से पहले कई दर्शक कई गाने से परिचित थे।

हालांकि, कई स्थानीय नर्तकियों ने भी मारा था। चोपिन ने पोलैंड द्वारा प्रेरित मासुरक और पोल्स बनाये थे, और 1860 के दशक के उत्तरार्ध में और उससे परे, हंगरी नृत्य के साथ ब्राह्मण, शायद वायलिनिस्ट एडवार्ड रेमेनी के साथ संगीत कार्यक्रमों से प्रेरित थे। हंगरी नृत्य ब्राह्मणों के लिए आर्थिक रूप से आकर्षक बन गया। 1870 के एंटोनिन ड्वोरैक में उनके स्लाव नर्तक के साथ आया था। ब्राह्मणों के विपरीत, जो रेमेनी और हंगेरियन राजनीतिक शरणार्थियों के माध्यम से लोक संगीत से काफी प्रभावित थे, वह हैम्बर्ग में मिले, ड्वोरैक के स्लाव नर्तक अधिक कृत्रिम बन गए, यानी, उन्होंने उन्हें प्रेरणा के कुछ बाहरी स्रोतों के साथ लिखा।

बैले
फ्रांसीसी क्रांति और उसके बाद की उथल-पुथल के दौरान फ्रांस में बैले का सामना करना पड़ा था, जो या तो संगीतकारों को डराता था, कुलीनता या दोनों की क्षमता को कमजोर कर देता था। हालांकि, 1830 के दशक में रोमांस के उदय के दौरान बैले फिर से बढ़ी। रोमांटिक बैले में, ओपेरा में, अलौकिक महत्वपूर्ण था। इसका एक उदाहरण सिल्फ़िडेन था जहां नायक अपनी शादी से पहले एक परी के साथ प्यार में पड़ता है। विशेष रूप से, नर्तक मैरी टैगलिओनी और उनके पिता, कोरियोग्राफर फिलिपो, रोमांटिक शैली के विकास के लिए आवश्यक थे, आंशिक रूप से क्योंकि मैरी टैगलिओनी ने बैले में सामान्य से अधिक सरलता से सिल्विड खेला। इस अवधि के सबसे प्रसिद्ध बैले में से एक गिस्ले था, जिसमें एडॉल्फे एडम द्वारा संगीत था। यह अलौकिक प्राणियों द्वारा भी विशेषता है, इस मामले में विवाह करने वालों से पहले मरने वाले कुंवारी की आत्माएं।

बैले मुख्य रूप से नृत्य और कोरियोग्राफर पर केंद्रित था, और पुरुष नर्तकियों पर बहुत कम था, जिसका मतलब था कि बहुत कम पुरुष बैले नर्तक थे। इससे पश्चिमी यूरोप में बैले की लोकप्रियता के लिए छेड़छाड़ करने में मदद मिली। रूस में, जहां नृत्य, और विशेष रूप से पुरुष नृत्य, राष्ट्रीय पहचान का एक महत्वपूर्ण हिस्सा था, हालांकि, शुरुआत से बैले पुरुषों के पक्ष से नाटकीय नृत्य के लिए था। Marius Petipa की कोरियोग्राफी का संयोजन और Pjotr ​​Tsjajkovsky की रचनाओं बचाव हो गया। त्चैकोव्स्की संगीत नर्तकियों के लिए इतना अनुकूल था कि वह कोरियोग्राफर और नर्तकियों की छाया से संगीतकार प्राप्त करने में सफल रहे। पश्चिम में बैले की लोकप्रियता बढ़ाने में उनकी रचनाएं झील हंस (1876), टोर्नरोस (188 9) और न्यूट्रैकर (18 9 2) महत्वपूर्ण थीं। त्चैकोव्स्की ने अच्छी धुनों को खोजने में सफलता प्राप्त की जो विनम्र, रंगीन ऑर्केस्ट्रेशन के लिए आसान थे जो साहसिक कहानी और वायुमंडल से मेल खाते थे, और बैले नृत्य के आंदोलन के लिए बहुत अच्छी तरह से लड़े हुए संगीत। इसके अलावा, उन्होंने एक बहुत अधिक सिम्फोनिक बैले बनाया।

ओपेरा और ओपेरा
ओपेरा ग्रांड ओपेरा और ओपेरा कॉमिक के मिश्रण, ग्रैंड ओपेरा से ओपेरा लिरिक तक विकसित होने वाला था। यह मेयर बीयर की शैली के साथ बुरी तरह फिट है, और भले ही वह 1850 में अपेक्षाकृत उच्च सफलता प्राप्त कर रहा था, फिर भी उसकी शैली वैसे भी हो सकती थी। इसके बजाय, चार्ल्स गौनोद और जुल्स मैसेनेट इस ओपेरा शैली का प्रभुत्व रखते थे। हालांकि, ओपेरा को जल्द ही दो संगीतकारों का प्रभुत्व था जो फ्रांसीसी ओपेरा, अर्थात् वाग्नेर और वर्दी के पक्ष में खड़े थे। इसके अलावा, अन्य प्रतिभाशाली ओपेरा संगीतकार दिखाई दिए, जैसे लियो डेलीब्स और जॉर्जेस बिज़ेट, जिन्होंने ओपेरा में विदेशीता और यथार्थवाद को जोड़ा।

रिचर्ड वाग्नेर
हालांकि, वाग्नेर के लिए, 1848 के क्रांतिकारी वर्ष की राजनीतिक प्रतिबद्धता की विशेषता थी, और उन्हें क्रांतिकारी गतिविधियों के कारण निर्वासन में भाग लिया गया। वाग्नेर ने बीथोवेन की नौवीं सिम्फनी के भविष्य की कला समेत संगीत विश्लेषण भी लिखे, जहां उन्होंने कहा कि “अंतिम सिम्फनी पहले से ही लिखी गई है।” 1850 में, उन्होंने गुमनाम रूप से एक विरोधी सेमिटिक टुकड़ा लिखा, संगीत में जुडास जजमेंट, जिसमें उन्होंने आम तौर पर यहूदियों पर आरोप लगाया और विशेष रूप से रोमांटिक संगीत को पकड़ने के लिए मेयरबीर और मेंडेलसोहन का आरोप लगाया। यह अपने प्रतिस्पर्धियों के बारे में इतनी नकारात्मक नकारात्मक टिप्पणियों के लिए वैगनर की अनैच्छिक है। इस तथ्य के बावजूद कि वर्दी (नीचे चर्चा की गई) के पास वाग्नेर के बारे में कई राय थीं, वाग्नेर की डायरी की डायरी में नोट्स को छोड़कर, और वेगाड़ी के बारे में वेग्नी से केवल बहुत ही छोटी सी घटनाओं को छोड़कर कोई बयान नहीं मिला, जो वर्तमान समय में अधिक ज्ञात था और अधिक सूचीबद्ध।

हालांकि, वाग्नेर का मुख्य बिंदु जर्मन विषयों के साथ जर्मन ओपेरा को याद करता था, क्योंकि वेब की हंटर की रोटी काफी हद तक प्रांतीय और अनिच्छुक हो गई थी। वाग्नेर फ्लाइंग डचमैन और तन्हाहुसर के साथ सफल हुए थे, और जब वे 1850 में वेमर में 1850 में लिखे गए थे, वैसे ही लिस्ज़ ने लोहेनग्रीन की स्थापना की, तो वह जल्द ही ओपेरा संगीतकार के रूप में लौट आए। लोहेनग्रीन एक सफलता थी और मध्यकालीन किंवदंतियों और जर्मन लोक के लिए वाग्नेर के भविष्य के आकर्षण की भविष्यवाणी की रोमांच, अक्सर नैतिक और प्रतीकात्मक। उद्घाटन में यह दर्शाता है कि जब नायकों में से एक ने दानों को हरा दिया, और कहानी हंगेरियन के खिलाफ युद्ध करने के बारे में भी है, जिन्होंने युद्धविराम तोड़ दिया था – हंगरी लिस्ज़ द्वारा निर्देशित।

Wagner 1848 में शुरू हुआ उसका मुख्य काम, निबेलंगेनिंग, चार भागों के एक ओपेरा चक्र क्या होगा। पहला भाग, रिंगुललेट, 1854 तक तैयार नहीं था, और अगले भाग, वाल्कीरिया दो साल बाद। उनमें से दोनों खोज मोटीव का उपयोग करते हैं, जो कि एक सुन्दर हिस्सा है जिसे समय-समय पर मनोदशा या व्यक्ति पर जोर देने के लिए दोहराया जाता है जो ओपेरा का विषय है। इस गीत को ऑर्केस्ट्रा में, गीत में या गाना बजानेवालों में दिखाई दे सकता है ताकि बिंदु को यथासंभव सर्वोत्तम तरीके से चित्रित किया जा सके। Wagner का खोज प्रारूप का उपयोग इस प्रकार बर्लियोज़ के विचार फिक्स को याद दिलाता है। अंतर यह है कि वाग्नेर एक ही ओपेरा के तहत उनमें से कई का उपयोग कर सकते थे जैसा कि उन्होंने ट्रिस्टन और आइसोल्ड के साथ किया था, और वह उन्हें अक्सर इतना उपयोग करता है कि उद्देश्य उन कार्यक्रमों को बनाते हैं जो कार्रवाई को अनावश्यक बताते हैं। संगीत क्रियाओं को आगे बढ़ाता है, और ओपेरा में एक साथ, विरोधाभासी और मजबूत भावनाएं पैदा कर सकता है। वाग्नेर का ओपेरास्टाइल मोजार्ट, बीथोवेन, चेरुबिनी, वेबर और वास्तव में मेयरबीर से भी प्रभावित था, जिसे वह इस प्रकार चमकते थे। इस तथ्य के बावजूद कि वाग्नेर पूर्व संगीतकारों, बीथोवेन और ग्लक को छोड़कर संदेह कर रहे थे, उनके पास अतीत के साथ घनिष्ठ संपर्क था।

संगीत रूप से, वाग्नेर के ओपेरा अक्सर जटिल रंगीन तार परिवर्तन होते हैं, जैसे ट्रिस्टन और आइसोल्ड में। डायटोनिक (साइन के बिना) और क्रोमैटिक (हस्ताक्षर के साथ) संगीत और स्थिर और अस्थिर मार्गों के बीच बस कम से कम तीन सौ साल का मिश्रण वाग्नेर के संगीत में बिल्डिंग ब्लॉक थे। यह अक्सर लंबाई और असंतुष्ट जरूरतों की भावना पैदा करता है। लक्ष्य के लिए लंबाई और सड़क रोमांटिक आदर्श थे जो वेबर से पहले से ही वाग्नेर ने बहुत उपयोग किया था। इसके अलावा, वाग्नेर भी ऑर्केस्ट्रा का उपयोग करके बेल कैंटो के साथ अंतिम समझौता करने में सफल रहे, इसलिए जागरूक रूप से ऑर्केस्ट्रा और गायक विरोधाभासी इंप्रेशन दे सकते थे। वाग्नेर का विचार पूर्ण ओपेरा था जहां गायन, ऑर्केस्ट्रा, स्टेजोग्राफी और नाटकों ने एक शक्तिशाली नाटकीय अभिव्यक्ति देने के लिए टक्कर लगी।

जिएसेपे वर्डी
वहां वाग्नेर ने रिएन्ज़ी के साथ 10 ओपेरा की रचना की, उन्होंने नाबुक्को के साथ अपनी सफलता के बाद वर्डी 26 लिखा, और जहां वेगनर मुख्य रूप से ऑर्केस्ट्रा के उपयोग के लिए सबसे प्रसिद्ध थे, और ज्यूसेपे वेर्डी अच्छी धुन लिखने की क्षमता के लिए सबसे प्रसिद्ध थे और उनमें चरित्र चरित्र, भावनाओं और स्थितियों को पकड़ें। मूल्य भी एक यथार्थवादी था, उसके कार्यों को अक्सर इस दुनिया से संबंधित होना चाहिए, न कि देवताओं और राक्षसों के साथ एक पौराणिक दुनिया। वर्गी भी वाग्नेर के विपरीत था, इस बात से चिंतित था कि ऑर्केस्ट्रेशन को गायकों को सशक्त नहीं करना चाहिए, बल्कि रंग और वातावरण जोड़ना चाहिए। वहां वाग्नेर ने अपने कई लिखित रूपों को अक्सर लिखा, अक्सर कई अलग-अलग स्रोतों के मिश्रण के साथ, वर्दी विलियम शेक्सपियर, फ्रेडरिक वॉन शिलर, लॉर्ड बायरन, विक्टर ह्यूगो, वोल्टायर और अलेक्जेंड्रे डुमास द्वारा छोटे ज्ञात नाटकों का चयन करने के इच्छुक थे।

वर्दी की बड़ी सफलता तब हुई जब वह राजनीति और बुसेतो शहर से सेवानिवृत्त हुए। वहां उनके पास त्रिकोणीय रिगोलेटो लिखने का समय था, जो कि विक्टर ह्यूगो, इल ट्रोवाटोर के एक टुकड़े के आधार पर स्पेनिश नाटककार एंटोनियो गार्सिया गुतिरेज़ के एक टुकड़े और ला ट्रेविटा के आधार पर, अलेक्जेंड्रे डुमास डी के टुकड़े के आधार पर लिखने का समय था। मुख्य पात्रों और अग्रणी मूड के व्यक्तित्व पर जोर देने के लिए हर कोई संगीत के उपयोग के साथ पारंपरिक घंटी कैंटो ओपेरा को मिलाकर सफल होता है। इसका मतलब था कि संगीत और गीत शैली भूमिकाओं का एक प्रतीक बन गया। साथ ही, उन्होंने पिछली घटनाओं के दर्शकों को याद दिलाने के उद्देश्यों का भी उपयोग किया। इसने वेगनेर के खोज मोटीव के साथ वर्डी की शुरुआत की, लेकिन वाग्नेर के सिद्धांतों के विपरीत, वर्दी के लिए इरादे आगे बढ़ने या संघर्ष या विभिन्न उद्देश्यों को बनाने के लिए नहीं थे, बल्कि कार्रवाई को एकसाथ बांधने के लिए और अधिक। वर्दीस के आदर्श भी कुछ भी नए नहीं थे, उदाहरण के लिए, डोनीज़ेटी का इस्तेमाल पहले ही 1835 में किया जा चुका था। वर्दी के ओपेरा रॉसीनी और डोनीज़ेटी के बेल कैंटो ओपेरा से भी दूर नहीं हैं, और उन्होंने रॉसीनी के ओपेरा मानकों से भी उधार लिया।

वर्दी अपने ओपेरा में समृद्ध होने के बाद, उन्होंने नवीनतम ओपेरा, ग्रैंड ओपेरा से उधार लेने की तकनीक, कॉमिक भूमिकाएं और विदेशी विषयों और ध्वनि छवियों (एडा) पेश करने के साथ अधिक परिश्रम किया। पिछले दो ओपेरा वर्डी लिखे गए शेक्सपियर ओपेरा, ओटेलो और फाल्स्टफ दोनों, मैकबेथ के पहले संस्करण का विस्तार करते हैं, दोनों दुखद (ओटेलो) और हास्य (फाल्स्टाफ) ओपेरा में उत्कृष्ट उदाहरण हैं। उत्तरार्द्ध वर्दी की एकमात्र कॉमेडी थी, और उनके पास वाग्नेर की कुछ विशेषताएं भी थीं, अन्य चीजों के साथ, क्योंकि इसमें कैंटो ओपेरा को राष्ट्रपति पद में मेष के साथ बुलाए जाने के बजाय लोगों और परिस्थितियों का नाटकीय लक्षण है।

अन्य ओपेरा और ओपेरेटा संगीतकार
फ्रांसीसी ओपेरा संगीतकारों के प्रति अधिक प्रतिभाशाली थे। जॉर्जेस बिज़ेट ने सिलोन (आज का श्रीलंका) (पर्ल फिश) और सेविले (कारमेन) से विदेशी टुकड़े लिखे। केमिली सेंट-सैन्स ने सैमसन को एक दलिला (बाइबल ओपेरा) और लेओ डेलीब्स ने लक्मे बनाया, जिसमें भारत में शामिल कार्रवाई हुई। इनमें से, कारमेन ने तत्काल और पूर्ववर्ती सफलता के संदर्भ में और कार्रवाई के यथार्थवाद को देखते हुए दोनों को प्रतिष्ठित किया। कारम का कामुक और उदार जीवन उसके साथ एक जिप्सी लड़का और इस प्रकार समाज के बाहर हर तरह से जुड़ा हुआ है। रूस और चेक गणराज्य में ओपेरा भी थे, इसके लिए राष्ट्रवाद देखें।

नेपोलियन III सत्ता में आने के बाद, गंभीर ओपेरा की बारीकी से निगरानी की गई, जबकि कॉमिक ओपेरा, ओपेरा बफफ, और अधिक मुक्त हो गया। यह विशेष रूप से ओपेरेटा द्वारा प्रयोग किया जाता था, यानी ओपेरा पारंपरिक ओपेरा कॉमिक की तुलना में कहीं अधिक भाषण के साथ होता है। हास्य और व्यंग्यात्मक ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण संगीतकार जैक्स ऑफ़ेनबाक था। ऑफेनबैक की सफलता अंडरवर्ल्ड में ऑर्फीस के साथ आई, जहां ऑर्फीस (टेनोर) वास्तव में किसी और के साथ प्यार करता था, लेकिन एक गलती के साथ एवरडीइक (सोप्रानो) से शादी कर ली और उससे शादी की क्योंकि वह “सार्वजनिक राय” (मेज़ो सोप्रानो) से डरता था। वह अपनी मृत्यु की व्यवस्था करता है क्योंकि प्लूटो उसके साथ प्यार करता है, और खुशी से रहता है – कुछ ऐसा जो कि एवरीडिक भी प्लूटो के साथ पति के साथ मौत की पंक्ति में बनाता है – जब तक जनता की राय उसे बचाने के लिए नहीं होती है। ऑफेनबैक में भी अच्छे संगीत के लिए कान था, जिसमें डिकैडेंट एक गैलप (एक प्रकार का नृत्य) नृत्य कर रहा था, जहां संगीत को बाद में अनजाने में जोड़ा जा सकता है। साथ ही, अपने ओपेरा, जो ओपेरा के मजाक उड़ाते हैं, ने 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में, समकालीन समकालीन संख्याओं, बोल्सरोस, फेंगोंगो, क्वाड्रिल और रोलर्स से कर सकते हैं – कैन-कैन और गैलप के अलावा।

इस खेल के बाद ऑफेनबैक की लोकप्रियता नाटकीय रूप से बढ़ी, और सुंदर हेलेना और ला वी पेरिसियन के साथ उन्होंने कई देशों में अन्य ओपेरेटा संगीतकारों और कॉमेडी ओपेरा संगीतकारों को भी प्रेरित किया। उनमें से एक जोहान स्ट्रॉस की थी जिसने 1874 में बैट्स के साथ बड़ी सफलता हासिल की और बाद में एचएमएस पीनाफ़ोर्न में आर्थर सुलिवान और डब्ल्यूएस गिल्बर्ट और उसके बाद कॉमिक ओपेरा की एक श्रृंखला थी। इसका मतलब था कि 1600 के उत्तरार्ध में हेनरी पर्ससेल के बाद से पहली बार संगीत गायन करने में अंग्रेजी (और अंग्रेजी में जन्मे) संगीतकार महत्वपूर्ण थे।

सिंफ़नीज़
सिम्फनीज 1850 के आस-पास एक असामान्यता बनने लगी थी, जो संगीत छात्रों के लिए काफी हद तक आरक्षित थी। उदाहरण के लिए, पेरिस में प्रमुख कॉन्सर्ट हॉल का इस्तेमाल हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन के शास्त्रीय सिम्फनीज़ और मेंडेलसोहन और श्यूमन के प्रारंभिक रोमांस के लिए किया जाता था। संगीत कार्यक्रमों की व्यवस्था करने वाले पासडेलोप को अंततः फ्रांसीसी संगीत के छात्रों गौंडोंड और सेंट सैन्स सिम्फनीज़ खेलने के लिए राजी किया गया था, लेकिन बैच को फिर से खोजने के बाद वह वापस चला गया और हैंडल हमेशा लोकप्रिय था। साथ ही, फ्रांसीसी लिज़स्ट की सिम्फोनिक कविताओं में 1848 से 1857 तक संगीत का एक नया रूप दिखाई दिया। ये दर्शन, साहित्य या चित्रकला द्वारा वर्णित ऑर्केस्ट्रस के लिए एकल काम थे। यह बर्लियोज़ के साथ कार्यक्रम संगीत था, लेकिन कथा से अधिक वर्णनात्मक था। लिज़स्ट एक ग्राउंडब्रैकिंग सद्भाव में और ऑर्केस्ट्रल प्रभावों के साथ सफल हुआ जो 1 9वीं शताब्दी के बाकी हिस्सों की विशेषता थी। कामों की सिम्फनी का प्रतिनिधित्व, अन्य बातों के साथ, सोनेट रूप के रूप में किया जाता है।

शैली के रूप में सिम्फनी दृढ़ता से वापस आ गया जब जोहान्स ब्राह्मण आधुनिक संगीत और पुरानी सिम्फनी पारित स्वाद के बीच जिद्दी स्थिति से दूर हो गए। उन्होंने पिछड़े सिम्फनी लिखकर दोनों को गठबंधन करना चुना, जो एक ही समय में आधुनिक थे। ब्राह्मण श्यूमन द्वारा प्रेरित थे, और इस प्रकार वे लिस्ट्ट और बर्लियोज़ के विरोध में शास्त्रीय शाखा से संबंधित थे। हालांकि, ब्रह्म्स ने संगीत लिखा था, वैसे भी वेगनर के ट्रिस्टन और आइसोल्ड से प्रभावित थे, इस तथ्य के बावजूद कि वे वाग्नेर के संगीत के लिए बहुत कम थे। इसका मतलब है कि उनकी सिम्फनी न तो पूरी तरह से और न ही पूरी तरह से प्रोग्रामेटिक थी, लेकिन शैली में पूर्ण होने के करीब थी। इस तथ्य पर भी जोर दिया जाता है कि ब्राह्मण भी बीथोवेन की 5 वीं सिम्फनी से काफी प्रभावित थे। यह फाइनल में बीथोवेन की 9वीं सिम्फनी से भी प्रेरित था। यह ज्यादातर डायटोनिक और सुन्दर था, लेकिन उनकी आवाजों में रंगीन रेखाएं थीं। सिम्फनी 1860 के दशक में लिखी गई थी, लेकिन 1876 तक प्रकाशित नहीं हुई थी।

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सभी ब्राह्मण सिम्फनीज़ क्या दिखाते थे कि वे बिना किसी प्रकार के प्रोग्राम संगीत के आकार में सख्ती से पूर्ण संगीत थे। बीथोवेन की तरह, ब्राह्मणों ने भाषण के स्वर में रोमांटिक होना चुना, फिर भी पहले भाग के सोनाटा रूप, दूसरे भाग में लार्गो और फिर तीसरे भाग में एक शेरज़ो का सम्मान दिखाया। फिर भी, ब्राह्मण समकालीन संगीत से भी चिंतित और प्रभावित थे, इस प्रकार इन तरीकों से एकजुट हो गए।

जब 1860 के दशक में ब्राह्मणों ने अपनी सिम्फनी बना ली, तो वह अकेले नहीं थे, एंटोन ब्रुकनर ने 1865 में पहली बार नौ सिम्फनी भी लिखीं। हालांकि, वह अक्सर उन्हें फिर से लिखते थे, और उन्होंने ब्राह्म्स के साथ पहले ही काफी हराया नहीं था। ब्रुकनर ब्राह्म्स के विपरीत, कहीं अधिक वैगनर-अनुकूल थे, और उन्होंने ब्राह्मणों की तुलना में प्रोग्राम संगीत की दिशा में कहीं अधिक रचना की थी। हालांकि, ब्रुकनर बीथोवेन और विशेष रूप से 9वीं सिम्फनी से भी चिंतित थे।

त्सचकोव्स्की ने सिम्फनी भी लिखीं, और उनका पहला 1867 में आया था। “शक्तिशाली पांच” के विपरीत जो रूसी राष्ट्रीय संगीत को फिर से खोजना चाहते थे (आगे चर्चा की गई), त्सकोकोव्स्की पश्चिमी उन्मुख थी। यह केवल चौथी सिम्फनी के समय था कि Tsjovkovsky सिम्फनी मोर्चा मारा। तब वह पहले से ही बैले के टुकड़े और पियानो संगीत कार्यक्रमों में सफलता मिली थी। 1878 से त्सचेकोव्स्की सिम्फनी नंबर 4 एक सफलता बन गया, आंशिक रूप से क्योंकि उसके पास औपचारिकताएं थीं, और आंशिक रूप से क्योंकि वह मजबूत हार्मोनिक उपकरणों का उपयोग करने में सफल रहे। हालांकि, उनकी अनगिनत मैनफ्रेड सिम्फनी सबसे प्रसिद्ध है।

फ्रांस में सिम्फनी भी लिखे गए थे। 1871 में सीज़र फ्रैंक, केमिली सेंट-सैन्स और कई अन्य संगीतकारों ने फ्रांसीसी संगीत को बढ़ावा देने का फैसला किया। “Ars Gallia” आदर्श वाक्य के तहत, फ्रैंक, जो काफी हद तक एक प्रभावशाली आयोजक रहा था, लिखना शुरू कर दिया। सबसे पहले यह सिम्फोनिक कविता थी, लेकिन उच्च रूपांतरण के अंत में उन्होंने सिम्फनी लिखना शुरू कर दिया। उनकी सिम्फनी ने अपनी उदासीनता के कारण कुछ हिस्सों से इस्तीफा दे दिया, बल्कि इसलिए कि उन्होंने चार वाक्यों को अलग-अलग के इलाज के बजाय थीम को एक दर से दूसरे स्थान पर ले लिया। इसके अलावा, फ्रैंक, जो जोहान सेबेस्टियन बाच से तुलना की गई थी, उनके कार्यों में काउंटरपॉइंट का उपयोग करने में भी अच्छा था।

राष्ट्रीय रोमांटिकवाद
यूरोप में विभिन्न स्थानों पर, संगीत में राष्ट्रीय रोमांटिक चाल की एक मजबूत लहर दिखाई दी। कारण अधिक हो सकते हैं, उदाहरण के लिए, कोई भी लोकप्रिय समाचार पत्रों को टोनसेट करना चाहता है जो देशों की बढ़ती संख्या में एकत्र हुए थे, देश की मूर्खतापूर्ण संगीत शैली ढूंढें या गीत और संगीत में देश को चिल्लाएं। उच्च प्रभुत्व में, यह विशेष रूप से रूस, चेक गणराज्य और स्कैंडिनेविथैट में राष्ट्रीय रोमांस में दिखाई दिया था, जबकि थोड़ी देर के लिए यह जर्मन संगीत में मौजूद था, अगर प्रत्यक्ष नहीं है। फ्रांस में, हालांकि, संगीतकारों का एक समूह फ्रैंक और डेलीब्स जैसे संगीतकारों का विरोध कर रहा था, जो बीथोवेन और वाग्नेर जैसे जर्मनों से प्रेरित थे। ये अपने परिसर में एक फ्रेंच संगीत लिखेंगे। संगीतकारों में से एक कैमिली सेंट-सैन्स था, जो सी-मोल में अपने अंग सिम्फनी के रूप में अपने गंभीर टुकड़ों के लिए जाना जाता है, और हास्य जानवरों के कार्निवल के रूप में जाना जाता है, जहां कछुए ऑफेनबाक के नरक गलियारे के एक बहुत ही चौंकाने वाले संस्करण में आता है।

रूस
मिखाइल ग्लिंका ने 1830 के दशक में हिट करने से पहले रूस ने कुछ संगीतकारों का उत्पादन किया था। उनके पहले ओपेरा, त्सार के लिए एक जीवन, त्सार और सरकार को चिल्लाने के अलावा रूसी सुविधाओं को स्पष्ट करता था। संगीत का प्रयोग कभी-कभी मोडल पैमाने पर किया जाता था, जो बड़े पैमाने पर पश्चिम में प्रमुख और नाबालिग पैमाने द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, लेकिन अभी भी रूस में उपयोग में है। हालांकि, उनके अन्य ओपेरा, रसेलान और लुडमिला (1842) हेल्टन स्केल, क्रोमैटिक्स, विसंगतियों और लोक गीतों की विविधताओं का उपयोग करते थे, जिनके पास एक वास्तविक राष्ट्रीय फोकस था, जहां त्सार का जीवन अधिक अस्पष्ट था।

ग्लिंकस ओपेरा ने पश्चिम को मारा क्योंकि वह इतना विशिष्ट रूसी था, लेकिन उसके बाद आने वाले रूसी संगीतकार दो मुख्य श्रेणियों में गिर गए: जिन्होंने अधिक आधुनिक और पश्चिमी संगीत शैली (तजाजकोव्स्की) की तलाश की और जो लोग अपने लिए रूसी संगीत का अध्ययन करना चाहते थे भाग (अक्सर “पांच” या “शक्तिशाली मुट्ठी भर” कहा जाता है)। त्चैकोव्स्की का संगीत इतना पश्चिमी था कि यह अलग-अलग उपसमूहों से संबंधित था, रूसी के लिए पांच संगीतकारों की खोज इतनी महत्वपूर्ण थी कि उनके कार्यों पर चर्चा की जाती है, ज्यादातर ज्यादातर ओपेरा और सिम्फनी के मामले में।

Tsjaijkovsky बैले और सिम्फनी का पहले ही उल्लेख किया जा चुका है, लेकिन उन्होंने ओपेन वनजिन और स्पैर डेम जैसे ओपेरा भी लिखे थे। इनमें से, पूर्व स्पष्ट रूप से ज्ञात हो गया, और बाद में इसे एक ऐसी स्थिति मिली है जो रूसी राष्ट्रीय ओपेरा की याद दिलाती है। चेचन्या के सबसे मशहूर कार्यों में से एक 1812 ओवरचर है, जो एक पारंपरिक काम है, एक पारंपरिक व्यभिचारक के रूप में, एक ओपेरा से जुड़ा हुआ है। यह शुतुरमुर्ग, नेपोलियन बोनापार्ट पर रूसियों की जीत का जश्न मनाते हुए, रूसी कोसाक्स, लोक धुनों और मारसैलियों के खिलाफ तारामहियों के संदर्भों से भरा है। उत्तरार्द्ध इस तथ्य के बावजूद कि 1812 के बाद शारहम लंबे समय से लिखा गया था और नेपोलियन बोनापार्ट ने 1805 में मार्सेलालिस को मना कर दिया था।

पांच में मिलिज बालाकीरेव, अलेक्जेंडर बोरोडिन, सेसर कुई, मामूली मुसोरस्की और निकोलज रिमस्की-कोर्साकोव शामिल थे। पांच रूसी संगीत पर जर्मन और इतालवी प्रभाव के विरोधियों थे, लेकिन वे बर्लियोज़ और लिस्ट्ट के संगीत पर भी कब्जा कर रहे थे। कुई ने अपने संस्मरणों में लिखा था कि वे मोजार्ट और मेंडेलसोहन के सम्मान के बिना, उनकी आलोचना में युवा और क्रूर थे, श्यूमन के प्रतिरोध के साथ, लिस्ट्ट और बर्लियोज़ के उत्साह और चोपिन और ग्लिंका की देवी।

पांच संगीतकारों में से, न तो कुई और न ही बालाकीरेव के बाद की रचना के लिए अधिक महत्व था। बोरोडिन ने अपने संगीत में कोकेशियान और केंद्रीय एशियाई विषयों का इस्तेमाल किया, खासकर ओपेरा फर्स्ट इगोर (पूरा नहीं हुआ) में, और उनके सिम्फनी में, मध्य एशिया के चरणों पर उनकी सिम्फोनिक कविताओं का उल्लेख नहीं किया। हालांकि, वह एक व्यस्त व्यक्ति था (वह रसायन शास्त्र का प्रोफेसर था) और लिखने के लिए थोड़ा समय था। उनके दो सिम्फनी भी विशेष थे क्योंकि उन्होंने बीथोवेन से बहुत छोटे ऋणों के साथ लिखा था, और इसलिए अधिकांश अन्य सिम्फनी संगीतकारों की तुलना में अतीत से बहुत कम प्रभावित थे।

Musorgskij एक यूक्रेनी पृष्ठभूमि थी, लेकिन सेंट पीटर्सबर्ग में अपने अधिकांश जीवन में बने रहे, और विदेशों में कभी नहीं छोड़ा। उनके दो सबसे प्रसिद्ध काम सिम्फोनिक कविता हैं ब्लॉक्सबर्ग में एक रात (1867, उनकी मृत्यु के बाद प्रदर्शन) और एक प्रदर्शनी में पियानो टुकड़ा चित्र (1874)। कार्यक्रम संगीत के अलावा, Musorgsky के संगीत को रोमांस की तुलना में अधिक यथार्थवाद के रूप में जाना जा सकता है, यद्यपि विदेशी के लिए एक आकर्षण के साथ। इस प्रकार, उनके संगीत, जैसे सैलांबो ओपेरा, आपको कारमेन की याद दिला सकते हैं। इसके अलावा, Musorgsky का मानना ​​था कि संगीत और कला मानव अंत में अपने आप में अंत होने की बजाय मदद करनी चाहिए। जहां भी महत्वपूर्ण हो, संगीत के नियम हमेशा बदलना और तोड़ना चाहिए। अलेक्जेंडर पुष्किन के एक टुकड़े के आधार पर ओपेरा बोरिस गोडुनोव ने रूसी भाषण पैटर्न का अनुकरण करते समय भाषण के लिए मुसोरस्की के आकर्षण पर जोर दिया। बोरोडिन और तजाजकोव्स्की के यूजीन वनजिन के पहले इगोर के साथ, बोरिस गोडुनोव सबसे अधिक खेले जाने वाले रूसी ओपेरा हैं।

निकोलज रिमस्की-कोर्साकोव उन पांचों में से एक थे जिन्होंने संगीत शिक्षा की थी, विडंबना यह है कि वह 1871 में प्रोफेसर बने और उन्हें अपने छात्रों से एक कदम आगे बढ़ना पड़ा। यहां तक ​​कि पांच भी संगीत शिक्षा के बारे में संदेह थे क्योंकि यह पश्चिमी उन्मुख था, यह ठीक रिमस्की-कोर्साकोव की शिक्षा थी जिसने कई तरह के रूसी संगीत को बचाया, और कहीं और उन्होंने अपने संगीत अस्तित्व को सुनिश्चित करने के लिए ग्लिंका, Musorgskij और Borodin संपादित किया। रूस और पश्चिमी यूरोप दोनों में कंडक्टर के रूप में, वह इन क्षेत्रों में अपने संगीत का निर्यात करने में भी सफल रहे। रिमस्की-कोर्साकोव ने ओपेरा लिखा, लेकिन उनमें से कोई भी बोरोदीन, त्सोजोव्कोव्स्की और मुसोरस्की के कामों के रूप में ज्यादा ध्यान नहीं मिला। रिमस्की-कोर्साकोव की ताकत यह थी कि वह ऑर्केस्ट्रा में सभी उपकरणों को चला सकता था और इसलिए ऑर्केस्ट्रेशन में बहुत अच्छा था। उनकी Capriccio espagnol और Scheherazade विशेष रूप से मशहूर हो गया, विडंबना यह है कि एक के पास फ्रेंच शीर्षक और स्पेनिश प्रेरणा है और दूसरे का नाम 1001 रात में मुख्य चरित्र के नाम पर रखा गया है।

चेक गणतंत्र
चेक संगीतकारों को मैनहेम स्कूल के तहत चिह्नित किया गया था, लेकिन फिर ज्यादातर जर्मन संगीत से जुड़े थे। हालांकि, 1 9वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, एक राष्ट्रवादी लहर मुख्य रूप से बेड्रिच स्मेतन और एंटोनिन ड्वोरैक द्वारा नेतृत्व की गई।

सबसे पहले स्मेटाना था। उन्हें चेक संगीत के संस्थापक माना जाता है। स्मेतन को चेक गणराज्य के लिए आजादी के साथ चिंतित था, और साथ ही संगीत के साथ भी व्यस्त था। प्राहा एक महत्वपूर्ण संगीत केंद्र था, और वह बर्लियोज़, लिस्ट्ट और रॉबर्ट और क्लारा श्यूमन दोनों से मिले, जिन्होंने सभी को बहुत प्रभावित किया। गॉथेनबर्ग में रहने के बाद वह बोहेमिया लौट आया। यही वह जगह थी जहां उन्होंने अपना दूसरा ओपेरा, द सोल्ड ब्राइड (1866) लिखा, एक कॉमिक ओपेरा जिसमें कई राष्ट्रीय रोमांटिक चाल हैं। बाद में अपने स्लाविक नृत्यों में ड्वोरैक की तरह, स्मेतन ने लोक संगीत से सीधे प्रेरणा देने के बजाय लोक धुनों को लिखने और नृत्य करने का फैसला किया।

इस चुनाव की पृष्ठभूमि प्रोटोकॉलिक राजनेताओं के साथ एक चर्चा हो सकती है, जिन्होंने सोचा था कि एक गंभीर ओपेरा ने चेक लोक धुनों के आधार पर आसानी से लिखना संभव बना दिया था, लेकिन चेक चरित्र के साथ कॉमिक ओपेरा लिखना असंभव था। स्मेतन ने तर्क दिया कि यह विभिन्न धुनों के एक पोटपुरी में समाप्त होगा। बेची गई दुल्हन की सफलता के बावजूद, स्मेतन अपने स्टाइल से अपने अन्य ओपेरा में चले गए। उन्होंने गंभीर ओपेरा की कोशिश की, और पिछले चार ओपेरा में शैली बेची गई दुल्हन और एक दूसरे से अलग थी। स्मेटाना मा vlast (“माई होमलैंड”) एक सिम्फोनिक कविता चक्र था जिसमें विशेष रूप से, दूसरी दर, Vltava (जर्मन में मरो मोल्दो) एक बड़ी सफलता थी।

जहां स्मेतन को लिज़स्ट और प्रोग्राम संगीत से प्रेरित किया गया था, ड्वोरैक एक और ब्राह्मण जैसे पूर्ण संगीतकार थे। वह जल्दी से वाग्नेर के आकर्षण से बरामद हुआ, और ब्राह्मणों से प्रेरित कई सिम्फनी जारी किए। माना जाता है कि पहली चार सिम्फनी ड्वोरैक की मौत के लिए अज्ञात थीं, लेकिन आखिरी पांच तेजी से खेले जा रहे थे। हालांकि, जहां ब्राह्मणों को पुराने फैशन और लौटने का आरोप लगाया गया था, ड्वोरैक एक और आगे दिखने वाला और अभिनव सिम्फोनिस्ट था। हालांकि, Dvořák, ब्राह्मण की तरह लालसा और रहस्यमय नहीं था, बल्कि playful और ताजा संगीतकार। सिम्फोनिक्स के रूप में उनकी संभवतः सबसे बड़ी सफलता, उच्च सर्वज्ञता के ओवरटाइम में आई, जब उन्होंने अपनी सिम्फनी संख्या 9, द न्यू वर्ल्ड से लिखा, संयुक्त राज्य अमेरिका की यात्रा से प्रेरित, लेकिन चेक संगीत भी मिला। इसके अलावा, उनके स्टैबैट मेटर और उनकी रिकीम बड़ी सफलताओं में थे, और एच-मॉल में ए-मोल और सेल कॉन्सर्ट में उनके वायलिन संगीत कार्यक्रम यूरोप में भी बहुत लोकप्रिय थे।

नॉर्डिक देश
नॉर्डिक देशों, और विशेष रूप से नॉर्वे, राष्ट्रीय रोमांस से प्रभावित थे। उत्तरी यूरोप के कई संगीतकारों ने अपने देश के संगीत को या तो लोक संगीत के आधार पर परिभाषित किया, जैसा कि रूस में किया गया था, या इसे प्राग में किया गया था। यह विशेष रूप से स्कैंडिनेवियाई देशों था जो खुद को उच्च कन्वर्ट में चिह्नित करते थे। फिनलैंड के जीन सिबेलियस पहली बार डेनमार्क से कार्ल नील्सन के साथ, सेनोमेटिक्स में आए थे।

यह डेनमार्क में था कि “नॉर्डिक टोन” का विचार पहली बार 1800 के दशक के मध्य में दिखाई दिया था। यह विशेष रूप से नील्स विल्हेम गेड और जेन्स पीटर एमिलियस हार्टमैन थे जिन्होंने इस विकास को शुरू किया था। इनमें से, सिम्फोनिस्ट गेड का नॉर्डिक देशों पर सबसे बड़ा प्रभाव पड़ा, जबकि मंच संगीतकार हार्टमैन अपनी रचना में अधिक नॉर्डिक थे, शायद यह कि, यूरोप में गडे अधिक मान्यता प्राप्त हो गया। स्वीडन में यह विशेष रूप से फ्रांज बर्वाल्डविच का प्रभुत्व था। उन्होंने चैंबर संगीत और ओपेरा दोनों को लिखा, लेकिन गैड के रूप में वह अपने सिम्फनी के लिए सबसे प्रसिद्ध है। ब्रेवाल्ड की सिम्फनी ब्रेक और लय के सक्रिय उपयोग के साथ बहुत मूल थीं। दुर्भाग्य से उनके लिए, स्टॉकहोम इतने आधुनिक संगीत के लिए तैयार नहीं था जैसा कि उन्होंने लिखा था, और वह अपने संगीत में नहीं रहते थे।

नॉर्वे में, तीन स्कैंडिनेवियाई देशों के एकमात्र गैर-स्वतंत्र, सार्वजनिक संगीत जीवन कम से कम 1765 के बाद अस्तित्व में था जब बर्गन में संगीत कंपनी “हार्मनी” की स्थापना हुई थी। यह इसे दुनिया की सबसे पुरानी संगीत कंपनियों में से एक बनाता है। क्रिश्चियनिया (आज के ओस्लो) में, लिसेम 1810 में एक विकल्प के रूप में दिखाई दिया, जिसने अधिक प्रतिस्पर्धा और व्यावसायिकता पैदा की। जब 1 9वीं शताब्दी की शुरुआत में नार्वेजियन संगीतकार दिखाई दिए, तो उन्हें राष्ट्रीय विचारों और 1814 में ईड्सवॉल घटनाओं द्वारा स्थानांतरित किया गया, और इसलिए, बहुत ही शुरुआती दिनों में, राष्ट्रीय रोमांटिक स्वर का एक रूप था। ओले बुल, जिन्होंने जल्द ही हार्मनी में खेला, माइलर्गुटेन के साथ सह-संचालन किया, एक कठिन खिलाड़ी जो लोक संगीत में विशेष रूप से अच्छा था। भागीदारी ने पूरे नॉर्वे में लोकप्रिय संगीत लोकप्रिय बनाया। आखिरकार कई आशाजनक संगीतकार प्रकट हुए, जैसे हलवडन केजेरल्फ और रिचर्ड नॉर्डराक, लेकिन विशेष रूप से 1800 के दशक के उत्तरार्ध में, नॉर्वे एडवर्ड ग्रिग, जोहान स्वीवेन्सन और क्रिश्चियन सिंडिंग के साथ दिखाई दिया, जिसमें से ग्रेट नॉर्वे में और विशेष रूप से दोनों में एक विशेष कक्षा में था नॉर्डिक देश।

यदि गेड, हार्टमैन या बेरवाल्ड में नॉर्डिक या स्कैंडिनेवियाई की खोज थी, तो ग्रिग स्कैंडिनेवियाई लेकिन नार्वेजियन नहीं था।एडवर्ड ग्रिग बड़े आकार में अच्छा नहीं था, लेकिन रोमांस, मोवर और पियानो के टुकड़ों जैसे छोटे रचनाओं पर निर्भर था। इस प्रकार वह गेड और बेरवाल्ड का विरोध था। उदाहरण के लिए, ग्रिग में कोई सिम्फनी नहीं है, और यहां तक ​​कि बेटे भी हैं जिनमें से कुछ हैं। ग्रिग के संगीत की एक अन्य विशेषता यह थी कि जब वह राष्ट्रीय स्वर ढूंढने और बहुत से लोक धुनों को प्रेरित करने के लिए स्रोत पर गया तो वह स्रोत पर गया। साथ ही, उन्होंने लोगों के संगीत को व्यक्तिगत स्पर्श दिया ताकि देश की सीमाओं से भी आगे पहुंचना आसान हो। ग्रेग के रोम शैली में सबसे अच्छे हैं। इस तथ्य के बावजूद कि ग्रिग को लघु कलाकार माना जाता था, उनका ऑर्केस्ट्रल काम सबसे मशहूर, खासकर पीयर गिनट सूट में था, जिसमें मॉर्निंग मूड, द डोवेगब्बेंस हॉल और अनीता के गीत जैसे पहले गीत और सोलविग ‘दूसरे में गाना है। होल्बर्ग के समय से और ए-मॉल में पियानो संगीत कार्यक्रम में एक बड़ी अंतरराष्ट्रीय अपील है। ग्रिग को लॉन्गियर ने 1 9वीं शताब्दी में सबसे व्यक्तिगत संगीतकारों में से एक के रूप में दिखाया था।

अन्य संगीत
उनके सिम्फनी और सिम्फोनिक कविता के अलावा, सीज़र फ्रैंक ने भी बहुत सारे संगीत का काम किया था, जिसे कुछ हद तक फैशन से बाहर कर दिया गया था, जैसे कि चैंबर संगीत, उन्मुख, फंतासी, फ्यूज, गाना बजानेवालों संगीत और अंग संगीत। बाद में उन्होंने फ्रांसीसी संगीत और जोहान सेबेस्टियन बाच से दोनों को उधार लिया, जो मेंडेलसोहन के प्रयासों के बाद, तेजी से लोकप्रिय हो गए। फ़्रैंक को आधुनिक पियानो क्विंट्स, स्ट्रिंग क्वार्टेट्स और वायलिन बेटों सहित आधुनिक फ्रेंच कक्ष संगीत के संस्थापक माना जाता था – आकार में सभी चक्रीय।

गैब्रियल फोरे मूल रूप से फ़्रैंक के वाग्नेर और जर्मन-प्रेरित शैली के लिए एक एंटीथेसिस था। उन्होंने प्रमुख कोनेस्टोन के रूप में आदेश और बाधा का प्रतिनिधित्व किया। फोरे सेंट-सैन्स के छात्र थे। फोरे ने गौंडंड को भी प्रेरित किया, जहां धुनों को आसान और बिना किसी टुकड़े टुकड़े किए। आखिरकार उन्होंने संगीत शैलियों पर एक बड़े दल के साथ ध्यान केंद्रित किया, जिसे शायद उनके रिकिम के नाम से जाना जाता है। अंत में, फोरे संगीत रूप में तेजी से लोकप्रिय हो गए, और थोड़ी-थोड़ी सुन्दरताएं अक्सर एक साथ जुड़ी हुई थीं, उस समय तक वाग्नेर से कोई भी उस समय आ सकता है।

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