शैलियों का पदानुक्रम

शैलियों की एक पदानुक्रम किसी भी औपचारिकता है जो अपनी प्रतिष्ठा और सांस्कृतिक मूल्य के संदर्भ में विभिन्न शैलियों को एक कला के रूप में रैंक करती है। सबसे प्रसिद्ध पदानुक्रमों को सत्रहवीं शताब्दी और आधुनिक युग के बीच यूरोपीय अकादमियों द्वारा समर्थित किया गया है, और उनमें से पदानुक्रम है कि सचित्र शैलियों के लिए फ्रांसीसी अकादमी आयोजित की गई थी जिसने अकादमिक कला में एक केंद्रीय भूमिका निभाई थी।

चित्रकला के सौंदर्यशास्त्र पर बहस, जो पुनर्जागरण के बाद से निरंतरता प्राप्त करना जारी थी, रूपक के महत्व पर आधारित थी: रेखा और रंग जैसे चित्रात्मक तत्वों का उपयोग एक अंतिम विचार या एकरूपता को व्यक्त करने के लिए किया गया था। इस कारण कला में आदर्शवाद को अपनाया गया, ताकि प्राकृतिक रूपों का सामान्यीकरण हो सके, और बदले में कला के काम की एकता के अधीन हो सके। उद्देश्य प्रकृति की नकल के माध्यम से एक सार्वभौमिक सत्य को प्रसारित करना था।

आंद्रे फेलिबिएन, जो कि एक सम्मेलन के सम्मेलन में फ्रेंच क्लासिकिज्म के सिद्धांतकार हैं, चित्रात्मक विषयों द्वारा शास्त्रीय चित्रकला को संहिताबद्ध करते हैं: “इतिहास, चित्रांकन, परिदृश्य, समुद्र के किनारे, फूल और फल”। इतिहास चित्रकला को बड़ी शैली में माना जाता था और इसमें धार्मिक, पौराणिक, ऐतिहासिक, साहित्यिक या अलंकारिक विषयों के साथ चित्र शामिल होते थे। उन्होंने जीवन की कुछ व्याख्या को मूर्त रूप दिया या एक बौद्धिक या नैतिक संदेश दिया। प्राचीन पौराणिक कथाओं के देवी-देवताओं ने मानव मानस के विभिन्न पहलुओं का प्रतिनिधित्व किया, धार्मिक आंकड़े विभिन्न विचारों का प्रतिनिधित्व करते थे, और इतिहास, अन्य स्रोतों की तरह, एक द्वंद्वात्मक या विचारों के खेल का प्रतिनिधित्व करते थे। लंबे समय तक, विशेष रूप से फ्रांसीसी क्रांति के दौरान, इतिहास पेंटिंग अक्सर एक वीर पुरुष नग्न के प्रतिनिधित्व पर केंद्रित थी; हालांकि 19 वीं सदी में इसमें गिरावट आई।

उस पदानुक्रम के आधार पर, निम्न शैलियों को कम से कम कुल से वर्गीकृत किया जाता है:
इतिहास चित्रकला, ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण, धार्मिक, पौराणिक या अलौकिक विषयों सहित
शैली दृश्य (स्कैनेस डे शैली या पेटिट शैली): रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्यों का प्रतिनिधित्व।
पोर्ट्रेट पेंटिंग
जानवरों की पेंटिंग
स्थिर जीवन

अकादमी के अनुसार, नैतिक बल या कलात्मक कल्पना के बिना, चित्र, परिदृश्य और अभी भी जीवन अवर थे क्योंकि वे बाहरी वस्तुओं के सरल प्रतिनिधित्व थे। शैली की पेंटिंग-न तो शैली में आदर्श है, न ही विषय में ऊंचा है-अपने कौशल, सरलता और यहां तक ​​कि अपने हास्य के लिए प्रशंसा की गई थी, लेकिन यह महान कला के साथ कभी भी भ्रमित नहीं था। शैलियों के पदानुक्रम में प्रारूपों के पदानुक्रम के साथ एक पत्राचार भी था: इतिहास चित्रकला के लिए बड़ा प्रारूप, छोटे जीवन के लिए छोटा।

अकादमी के अनुसार, चित्रकार को ईश्वर का अनुकरण करना चाहिए, जिसका सबसे सही काम मनुष्य है, और मानव आकृतियों के समूहों को दिखाता है और इतिहास और कल्पित विषयों को चुना है। “यह होना चाहिए,” फेलिबियन लिखते हैं, “इतिहासकारों की तरह, महान घटनाओं का प्रतिनिधित्व करते हैं, या कवियों की तरह, ऐसे विषय जो कृपया करेंगे, और इससे भी अधिक ऊंचे स्तर पर चढ़ना, महापुरुषों के गुणों और सबसे अधिक रहस्य वाले रहस्यों के घूंघट के नीचे छिपने में सक्षम होंगे। ।

इस शब्द का प्रयोग ज्यादातर चित्रकला के क्षेत्र में किया जाता है, और उच्च पुनर्जागरण के बाद से, उस समय तक चित्रकला ने कला के उच्चतम रूप के रूप में खुद को माना था। मध्यकालीन कला में ऐसा नहीं था और समाज के कला-आयोग क्षेत्रों को इस दृष्टिकोण को पूरी तरह से स्वीकार करने में काफी समय लगा। राफेल कार्टून 16 वीं शताब्दी में कला के सबसे महंगे रूप टेपेस्ट्री की निरंतर स्थिति का एक स्पष्ट उदाहरण है। प्रारंभिक मध्ययुगीन काल में धातु के काम के भव्य टुकड़े आमतौर पर सबसे उच्च माना जाता था, और मूल्यवान सामग्री कम से कम 17 वीं शताब्दी तक कला की प्रशंसा में एक महत्वपूर्ण घटक बनी रही। 19 वीं सदी तक सबसे असाधारण objéts d’art अधिक महंगा रहा, दोनों नए और कला बाजार में, लेकिन कुछ चित्रों की तुलना में। शास्त्रीय लेखन, जो व्यक्तिगत कलाकारों के सर्वोच्च कौशल को महत्व देता था, साथ ही साथ कला में विकास ने पुनर्जागरण कलाकार को अपने कौशल और आविष्कार को प्रदर्शित करने की अनुमति दी, जो आमतौर पर मध्य युग में अधिक संभव था।

साहित्य में, महाकाव्य को सर्वोच्च रूप माना जाता था, जो जॉन मिल्टन के अपने जीवन में सैमुअल जॉनसन द्वारा व्यक्त किए गए कारण के लिए था: “आलोचकों की सामान्य सहमति से, प्रतिभा की पहली प्रशंसा एक महाकाव्य कविता के लेखक के कारण होती है, जैसा कि यह है उन सभी शक्तियों के संयोजन की आवश्यकता है जो अन्य रचनाओं के लिए पर्याप्त रूप से पर्याप्त हैं। ” नाटक के लिए एक समान रैंकिंग के साथ, नीचे गीतिक कविता और हास्य कविता आई। उपन्यास को पदानुक्रम में एक दृढ़ स्थान स्थापित करने में लंबा समय लगा, 19 वीं शताब्दी में समाप्त हुए रूपों के किसी भी व्यवस्थित पदानुक्रम में केवल विश्वास के रूप में ऐसा करने से।

संगीत में, शब्दों की सेटिंग को केवल वाद्य कार्यों की तुलना में एक उच्च दर्जा दिया गया था, कम से कम जब तक कि बारोक अवधि तक, और ओपेरा ने लंबे समय तक बेहतर स्थिति बनाए रखी। कार्यों की स्थिति भी बड़ी ताकतों के लिए शामिल खिलाड़ियों और गायकों की संख्या के साथ भिन्न होती है, जो निश्चित रूप से लिखना अधिक कठिन होता है और प्रदर्शन करने के लिए अधिक महंगा होता है, उच्च दर्जा दिया जाता है। कॉमेडी के किसी भी तत्व ने एक काम की स्थिति को कम कर दिया, हालांकि, अन्य कला रूपों की तरह, अक्सर इसकी लोकप्रियता बढ़ रही है।

व्याख्या:
अकादमिक अवधारणा के अनुसार, “शैली” पेंटिंग्स सबसे निचले स्तर पर खड़ी थीं, क्योंकि वे केवल नैतिकता और संपादन के प्रयास के बिना, कथात्मक, अद्भुत कला थी। यह शैली चित्रकला, शैली और डिजाइन में एकदम सही है, केवल कौशल, सरलता और यहां तक ​​कि हास्य के लिए वरदान है, लेकिन कभी भी उच्च कला नहीं मानी गई।

आधुनिक जीवन – आधुनिक घटनाओं, शिष्टाचार, कपड़े, उपस्थिति – को उच्च शैली के साथ असंगत माना जाता था, और केवल एक आदर्श अतीत एक उपयुक्त, महान और प्रासंगिक विषय के रूप में काम कर सकता था। (तदनुसार, साधारण शरीर, भी, केवल चित्रण की वस्तु के रूप में काम नहीं करता था, आदर्श शरीर को प्राचीन वस्तुओं में चित्रित किया गया था)।

अकादमिक कला के सिद्धांतकारों का मानना ​​था कि यह पदानुक्रम उचित था, क्योंकि इसमें प्रत्येक विधा के लिए नैतिक प्रभाव की अंतर्निहित संभावना परिलक्षित होती थी। इसलिए, उदाहरण के लिए, एक कलाकार एक ऐतिहासिक कैनवास के माध्यम से एक अधिक प्रभावी नैतिकता प्रदान करेगा, फिर एक चित्र या शैली की पेंटिंग, परिदृश्य या स्थिर जीवन की तुलना में। इसके अलावा, पुरातनता और पुनर्जागरण के स्वामी मानते थे कि कला का उच्चतम रूप मानव आकृति की छवि है। इस प्रकार, एक परिदृश्य या अभी भी जीवन, जहां एक व्यक्ति को चित्रित नहीं किया गया था, वास्तव में शैली का अधिक “कम” रूप है। अंत में, शैक्षणिक पदानुक्रम की प्रणाली प्रत्येक कैनवस के संभावित मूल्य को दर्शाती है: एक बड़ी ऐतिहासिक पेंटिंग एक राज्य के आदेश के लिए सबसे उपयुक्त और सुविधाजनक शैली है, फिर एक चित्र, एक घरेलू शैली और एक परिदृश्य – और अभी भी जीवन आमतौर पर हैं उथले और व्यक्तिगत अंदरूनी के लिए किया जाता है।

कारण:
आंद्रेई अलेक्सांद्रोविच कारेव लिखते हैं: “ज्ञानोदय की परिस्थितियों में नए समय की संस्कृति के गुण के रूप में चित्रकला की शैली की विविधता एक निश्चित सीमा तक, एक निश्चित सीमा तक, ज्ञानवर्धक ज्ञान के प्रति गंभीरता और समान बहुआयामी अनुभूति के अनुरूप थी। दुनिया में। सामान्य रूप से सार्वभौमिकता की हानि के बिना विशेषज्ञता की वृद्धि इस समय की एक अनमोल विशेषता है, जिसने एक साथ छोटे और बड़े, विशेष और सार्वभौमिक, और अंत में मानव और परमात्मा को देखना संभव बना दिया। ” इस या उस वस्तु पर अद्वितीय दृष्टिकोण ब्रह्मांड की सामान्य छवि के विपरीत नहीं था, हालांकि यह सीधे उस पर अपील नहीं करता था, जैसा कि वह बारोक युग में था। अस्तित्व की बहुलता में रुचि को ध्यान से बदल दिया जाता है। इसके अलग-अलग पहलुओं, जिनकी एक स्वतंत्र सुंदरता है और, तदनुसार, मूल्य। [रूसी] कला अकादमी मदद नहीं कर सकती है लेकिन इस प्रक्रिया पर प्रतिक्रिया कर सकती है और, उभरने की प्रतीक्षा किए बिना। ग्राहकों के वातावरण में उपयुक्त अनुरोधों, एक के बाद एक कक्षाओं को खोला, जिसमें उन्होंने एक विशेष शैली में काम की विशेषताएं सिखाईं ”

प्रभाव:
इतालवी और रोमन कला की परंपराओं पर आधारित इस श्रेणीबद्ध प्रणाली को इतालवी पुनर्जागरण के दौरान अभिव्यक्त किया गया था, अकादमियों द्वारा पुरस्कार और छात्रवृत्ति प्रदान करने के लिए एक आधार के रूप में इस्तेमाल किया गया था, साथ ही साथ सार्वजनिक प्रदर्शनियों (सैलून) में घूमने की प्रणाली भी थी। कला के कार्यों के अनुमानित मूल्य पर भी इसका महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा।

फ्रेंच अकादमी में ग्रैंड और पेटिट्स प्रिक्स प्रतियोगिता क्रमशः दो दिशाओं में हुई थी। इस प्रकार, सर्वोच्च पुरस्कार को ऐतिहासिक शैली में काम करने के लिए एक प्राथमिकता दी गई – एक अभ्यास जो छात्रों के बीच बहुत असंतोष का कारण बना। इस अनम्य पदानुक्रम ने प्रसिद्ध कलाकारों के बीच बहुत असंतोष पैदा किया, जिसके कारण अंततः अकादमियों के अधिकार को कम करके आंका गया। इसके अलावा, प्रतिष्ठा के लिए, कुछ चित्रकारों ने भव्य ऐतिहासिक चित्रों को लिखने का प्रयास किया, जो बिल्कुल नहीं निकला। अगर कलाकार में ऐतिहासिक चित्रकार के बजाय एक चित्रकार होता, तो असफलता उसके आघात का कारण बन सकती थी।

पोर्ट्रेट:
उत्सुकता से, इस पदानुक्रम में चित्र का उत्पीड़ित स्थान। 1791 के सैलून की समीक्षा में यह पढ़ना संभव था: “ऐतिहासिक चित्रकार, जिसे अपने सभी पहलुओं में प्रकृति का अनुकरण करना चाहिए, पोर्ट्रेट लिखने में सक्षम होना चाहिए। हालांकि, एक चित्र को एक स्वतंत्र शैली नहीं माना जा सकता है।”

क्लासिकवाद के सबसे प्रभावशाली सिद्धांतकारों में से एक, कथमर डे केंसी ने चित्र शैली को इतना कम माना कि उन्होंने इस पर विशेष ध्यान भी नहीं दिया: “चित्र पर विचार करने से आपको जो आनंद मिलता है उससे अधिक सीमित कुछ भी नहीं है। यदि आप फेंक देते हैं। उस रुचि को जो चित्रकार को व्यक्तिगत या सार्वजनिक स्नेह और कलाकार की प्रतिभा प्रदान करता है, तो यह स्पष्ट है कि मन और कल्पना लगभग इस तरह की नकल में शामिल नहीं हैं। ”चित्र से प्राप्त आनंद की तुलना सौंदर्य आनंद से नहीं की जा सकती। जिसकी उपलब्धि ललित कला का लक्ष्य है। चित्र दिखाता है कि वास्तव में क्या मौजूद है, जबकि “महान कला, जो है उसकी मदद से, उसे चित्रित करना चाहिए जो वास्तव में मौजूद नहीं है, उसे आदर्श दिखाना चाहिए।”

आलोचकों ने, हालांकि, एक ऐतिहासिक चित्र के अस्तित्व की अनिवार्यता को स्वीकार किया, जो कि उनके गहन विश्वास में, केवल एक ऐतिहासिक चित्रकार द्वारा बनाया जा सकता है। “यह वे ऐतिहासिक चित्रकार हैं, जो वास्तविक चित्र लिख सकते हैं।” ऐतिहासिक चित्रों के बारे में अक्सर प्रदर्शनियों की समीक्षाओं में लिखा जाता है, कभी-कभी उन्हें ऐतिहासिक तस्वीर के तुरंत बाद माना जाता है। व्यक्तियों के चित्रों के बारे में (जो हर साल अधिक से अधिक हो गया) का उल्लेख करना पसंद नहीं करते हैं या बस उन्हें उनके नामों से सूचीबद्ध करते हैं, बिना टिप्पणी किए। चित्र को ऐतिहासिक चित्र के पूरक के रूप में समझना बहुत आम था। यह न केवल कथमर डे केंसी के क्लासिकवाद के प्रसिद्ध अनुयायियों, डेलेस्क्लुज़ द्वारा लिखा गया था, बल्कि अगली पीढ़ी के आलोचकों द्वारा भी लिखा गया था, जिनके सौंदर्यवादी विचार अधिक लचीले थे

पुनर्जागरण कला:
पांडित्य उदारवादी कलाओं में से एक के रूप में चित्रकला की स्वीकृति प्राप्त करने के लिए संघर्ष से बाहर निकला, और फिर वास्तुकला और मूर्तिकला के साथ उनके भीतर एक समान या श्रेष्ठ स्थिति स्थापित करने के लिए विवाद। लियोन बत्तीस्टा अल्बर्टी, लियोनार्डो दा विंची और जियोर्जियो वासारी जैसे कलाकार-सिद्धांतकारों द्वारा इन मामलों को बहुत महत्व दिया गया था। मूर्तिकारों के खिलाफ, लियोनार्डो ने तर्क दिया कि त्रि-आयामी का भ्रम पैदा करने के लिए आवश्यक बौद्धिक प्रयास ने चित्रकारों की कला को मूर्तिकार से बेहतर बना दिया, जो केवल दिखावे की रिकॉर्डिंग से कर सकते थे। 1441 के अपने डी पिक्टुरा (“पेंटिंग के बारे में”) में, अल्बर्टी ने तर्क दिया कि मल्टी-फिगर हिस्ट्री पेंटिंग कला का सबसे बड़ा रूप था, जो सबसे कठिन था, जिसे अन्य सभी की महारत की आवश्यकता थी, क्योंकि यह इतिहास का एक दृश्य रूप था। , और क्योंकि इसमें दर्शक को स्थानांतरित करने की सबसे बड़ी क्षमता थी। उन्होंने इशारों और अभिव्यक्ति द्वारा आंकड़ों के बीच बातचीत को चित्रित करने की क्षमता पर जोर दिया।

प्रारंभिक और उच्च पुनर्जागरण के सिद्धांतकारों ने प्रकृति का प्रतिनिधित्व करने के महत्व को कम से कम स्वीकार किया, कम से कम माइकल एंजेलो के लेखन के बाद, जो कि नियोप्लाटोनवाद से बहुत प्रभावित थे। जियान पाओलो लोमाज़ो और फेडरिको ज़ुकेरी (दोनों भी चित्रकार) जैसे मंचीय सिद्धांतकारों के समय तक यह एक प्राथमिकता से कम नहीं था। दोनों ने सुंदरता को “कुछ ऐसा है जो भगवान के दिमाग से सीधे मनुष्य के दिमाग में डाला गया था, और किसी भी भावना-छापों से स्वतंत्र अस्तित्व में था”, एक दृश्य जो यथार्थवाद के आधार पर कार्यों की स्थिति को और कम करने के लिए बाध्य है। अभ्यास में पदानुक्रम को मध्ययुगीन और शास्त्रीय विचार के साथ या तो तोड़ने का प्रतिनिधित्व किया, धार्मिक कला के रूप में एक ही वर्ग में धर्मनिरपेक्ष इतिहास की पेंटिंग को छोड़कर, और स्थिर प्रतिष्ठित धार्मिक विषयों और कथात्मक चित्रा दृश्यों के बीच अंतर करने के लिए (हमेशा स्पष्ट रूप से नहीं) भेद करने के लिए। ऊंचा दर्जा। सजावट के विचारों को भी पदानुक्रम में खिलाया गया; कॉमिक, सोर्डिड या केवल तुच्छ विषयों या उपचार को ऊंचा और नैतिक लोगों की तुलना में कम स्थान दिया गया है।

पुनर्जागरण परिदृश्य के दौरान, शैली के दृश्य और अभी भी जीवन की स्थापना शायद ही कभी हुई शैलियों के रूप में होती है, इसलिए विभिन्न प्रकार की पेंटिंग की स्थिति या महत्व की चर्चा मुख्य रूप से इतिहास के विषयों से संबंधित थी जैसे कि चित्र, प्रारंभिक रूप से छोटे और स्पष्ट, और प्रतिष्ठित चित्र-प्रकार धार्मिक और पौराणिक विषय। अधिकांश कलाकारों के लिए एक चित्र में यथार्थवाद के लिए कुछ प्रतिबद्धता आवश्यक थी; कुछ लोग माइकल एंजेलो के उच्च पद पर आसीन हो सकते हैं, जिन्होंने अपने मेडिसी चैपल की मूर्तियों में मेडिसी की वास्तविक उपस्थिति को काफी हद तक नजरअंदाज कर दिया है, माना जाता है कि एक हजार वर्षों में किसी को भी अंतर नहीं पता होगा (एक मुंहतोड़ गेंसबोरो का भी उपयोग करने के लिए कहा जाता है,) कम समय सीमा के साथ)।

कई चित्र बेहद चापलूसी वाले थे, जिन्हें आदर्शवाद के साथ-साथ व्यंग्यकार के घमंड के लिए अपील के द्वारा उचित ठहराया जा सकता था; सिद्धांतकार अर्मेनिनी ने 1587 में दावा किया कि “उत्कृष्ट कलाकारों द्वारा चित्रों को बेहतर शैली [मेनियर] और दूसरों की तुलना में अधिक पूर्णता के साथ चित्रित किया जाता है, लेकिन अधिक बार नहीं कि वे कम समानताएं हैं”। दूसरी ओर, शिष्टाचार से और उनके माता-पिता, मुकदमा करने वालों या दरबारियों की संख्या ने शिकायत की कि चित्रकार पूरी तरह से सितार की वास्तविकता के साथ न्याय करने में विफल रहे।

1563 की काउंसिल ऑफ ट्रेंट की कला पर फरमानों के बाद कैथोलिक चर्च द्वारा धार्मिक प्रयासों में अलंकृत करने का सवाल उठाया गया। बाइबिल की घटनाओं का चित्रण करने वाले चित्र जैसे कि धनी इतालवी इतालवी लोगों के घरों में घटित हो रहे थे, और जल्द ही बंद हो गया। सदी के अंत में कारवागियो की चुनौती तक, धार्मिक कला पूरी तरह से आदर्श बन गई।

17 वीं और 18 वीं सदी की कला:
17 वीं शताब्दी में लैंडस्केप, शैली चित्रकला, पशु चित्रकला और फिर भी जीवन की नई शैली अपने आप में आ गई, जिसमें प्रोटेस्टेंट देशों में धार्मिक चित्रकला की आभासी समाप्ति, और समृद्ध मध्य वर्ग के लिए तस्वीर खरीदने का विस्तार था। यद्यपि सभी उन्नत यूरोपीय देशों में इसी तरह के विकास हुए, वे डच गोल्डन एज ​​पेंटिंग और फ्लेमिश बारोक पेंटिंग के विशाल उत्पादक स्कूलों में सबसे स्पष्ट थे। हालाँकि कोई भी सिद्धांतकार नई शैलियों के चैंपियन नहीं बने, और डच सैद्धांतिक लेखन की अपेक्षाकृत कम मात्रा, केरेल वैन मंडेर, सैमुअल डर्केज़ वैन होगस्ट्रैटन, जेरार्ड डी लैरेसी और अन्य लोगों द्वारा इतालवी विचारों को फिर से प्रस्तुत करने के लिए अधिकतर सामग्री थी, ताकि उनके लेखन को देख सकें। वास्तव में उनके दिन में डच कला के साथ विचित्र रूप से विचरण किया जा रहा था।

पदानुक्रम को ज्यादातर कलाकारों द्वारा स्वीकार किया गया था, और यहां तक ​​कि जॉन स्टीन, कारेल दुजार्दिन और वर्मियर जैसे शैली के विशेषज्ञों ने कुछ इतिहास चित्रों का उत्पादन किया, जिन्हें कमीशन मिलने पर बेहतर भुगतान किया गया था, लेकिन सामान्य रूप से बेचने के लिए बहुत मुश्किल था। रेम्ब्रांट के पिछले इतिहास आयोग, द कॉन्ड्यूस ऑफ क्लाउडियस सिविलिस (1661) का दुखी इतिहास, दोनों के रूप के प्रति उनकी प्रतिबद्धता और दर्शकों को खोजने में उनकी कठिनाइयों के बारे में बताता है। फ़्लैंडर्स में, साथ ही साथ बड़ी मात्रा में शुद्ध शैली काम करती है, एक प्रमुख शैली तत्व के साथ इतिहास चित्रों की ओर रुझान था, चाहे जानवर, परिदृश्य या अभी भी जीवन हो। अक्सर विभिन्न तत्वों को अलग-अलग कलाकारों द्वारा चित्रित किया गया था; रुबेंस और फ्रैंस स्नीडर्स अक्सर इस तरह से सहयोग करते हैं।

चित्रों का आकार, और बहुत बार जिन कीमतों का उन्हें एहसास हुआ, इस अवधि में पदानुक्रम में उनकी स्थिति को दर्शाता है। रोमांटिक अवधि तक आवश्यक रूप से छोटे परिदृश्यों को धार्मिक पौराणिक कथाओं या धार्मिक आकृतियों को जोड़कर बढ़ाया जा सकता था, इसके साथ एक परिदृश्य बना …, एक अभ्यास जो कि जोचिम के फ्लेमिश विश्व परिदृश्यों में लैंडस्केप पेंटिंग की शुरुआत में वापस चला गया। 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में पातिनिर। फ्लेमिश बारोक पेंटिंग आखिरी स्कूल था जो अक्सर बड़े आकार में सबसे कम शैलियों को चित्रित करता था, लेकिन आमतौर पर आंकड़ा विषयों के साथ संयुक्त होता था।

1770 और 1780 के दशक के अपने प्रवचनों में ब्रिटिश चित्रकार सर जोशुआ रेनॉल्ड्स ने इस आधार पर जीवन की पदानुक्रम में निम्नतम स्थिति के लिए तर्क को दोहराया कि यह केंद्रीय रूपों में चित्रकार की पहुंच, मन के सामान्यीकरण के उन उत्पादों के साथ हस्तक्षेप करता है। शक्तियों। मानव शरीर पर केन्द्रित इतिहास के चित्रांकन के शिखर सम्मेलन में: शरीर के रूपों के साथ परिचितता ने चित्रकार के मन की अनुमति दी, मानव रूप के असंख्य उदाहरणों की तुलना करके, उन विशिष्ट या केंद्रीय विशेषताओं से, जो शरीर के सार का प्रतिनिधित्व करते हैं। या आदर्श।

हालांकि रेनॉल्ड्स शैलियों के प्राकृतिक क्रम के बारे में फेलिबियन के साथ सहमत थे, उन्होंने कहा कि चित्रकला की किसी भी शैली से एक महत्वपूर्ण कार्य प्रतिभा के हाथ के तहत पैदा किया जा सकता है: “चाहे वह मानव आकृति हो, एक जानवर, या यहां तक ​​कि निर्जीव वस्तुएं हों, वहां हालांकि, दिखने में कुछ भी नहीं है, लेकिन प्रतिभा के चित्रकार के हाथों में गरिमा बढ़ाई जा सकती है, भावनाओं को व्यक्त किया जा सकता है और भावनाएं पैदा की जा सकती हैं। विर्जिल के बारे में क्या कहा गया था, कि उन्होंने गोबर को जमीन पर हवा में फेंक दिया था। गरिमा, टिटियन पर लागू की जा सकती है; जो कुछ भी उसने छुआ, हालांकि स्वाभाविक रूप से मतलब है, और आदतन परिचित है, एक तरह के जादू से उसने भव्यता और महत्व के साथ निवेश किया। ”

हालांकि यूरोपीय अकादमियों ने आमतौर पर इस पदानुक्रम पर सख्ती से जोर दिया, उनके शासनकाल में, कई कलाकार नई शैलियों का आविष्कार करने में सक्षम थे, जिन्होंने निचले विषयों को इतिहास चित्रकला के महत्व के लिए उठाया था। रेनॉल्ड्स ने खुद को यह चित्रण शैली का आविष्कार करके हासिल किया, जिसे ग्रैंड मनेर कहा जाता था, जहां उन्होंने अपने पात्रों को पौराणिक पात्रों की तुलना करके चापलूसी की। जीन-एंटोनी वेटेउ ने एक शैली का आविष्कार किया जिसे फाइट्स गैलेंटेस कहा जाता था, जहां वह अर्काडियन सेटिंग में होने वाले अदालती मनोरंजन के दृश्य दिखाएगा; इनमें अक्सर एक काव्यात्मक और अलौकिक गुण होते थे, जो उन्हें समृद्ध करने के लिए माने जाते थे।

क्लाउड लॉरेन ने आदर्श परिदृश्य नामक एक शैली का अभ्यास किया, जहां एक रचना प्रकृति पर आधारित होगी और एक बाइबिल या ऐतिहासिक विषय के लिए एक सेटिंग के रूप में शास्त्रीय खंडहर के साथ बिंदीदार होगी। यह कलात्मक रूप से परिदृश्य और इतिहास पेंटिंग को मिलाता है, जिससे पूर्व को वैधता मिलती है। यह ऐतिहासिक परिदृश्य का पर्याय है, जिसे अकाडेमी फ्रैंकेइस में आधिकारिक मान्यता प्राप्त हुई जब शैली के लिए एक प्रिक्स डी रोम 1817 में स्थापित किया गया था। अंत में, जीन-बैप्टिस्ट-सिमोन चारडिन अभी भी जीवन चित्रों को बनाने में सक्षम थे जिन्हें माना जाता था। आकर्षण और सौंदर्य के रूप में सबसे अच्छा उपनिवेशिक विषयों के साथ रखा जाना है। हालांकि, इस पदानुक्रम के बारे में जानते हुए, चारदिन ने लगभग 1730 में अपने काम के आंकड़ों को शामिल करना शुरू किया, जिसमें मुख्यतः महिलाएं और बच्चे थे।

19 वी सदी:
स्वच्छंदतावाद ने परिदृश्य चित्रकला की स्थिति में बहुत वृद्धि की, ब्रिटिश कला में शुरुआत की और धीरे-धीरे शैली चित्रकला की, जिसने फ्रांस में शैली ट्रबलडौर के उपाख्यानों में इतिहास चित्रकला को प्रभावित करना शुरू किया और कहीं और समान रुझान। उनके नए महत्व को दर्शाने के लिए परिदृश्य में आकार बढ़ता गया, अक्सर मेल पेंटिंग इतिहास, विशेष रूप से अमेरिकी हडसन रिवर स्कूल और रूसी पेंटिंग में। जानवरों की पेंटिंग भी आकार और गरिमा में वृद्धि हुई, लेकिन पूर्ण लंबाई वाला चित्र, यहां तक ​​कि रॉयल्टी भी ज्यादातर बड़े सार्वजनिक भवनों के लिए आरक्षित हो गई।

19 वीं शताब्दी के मध्य तक, महिलाएं इतिहास के चित्रों को चित्रित करने में काफी हद तक असमर्थ थीं क्योंकि उन्हें अपनी शालीनता की रक्षा के लिए कलात्मक प्रशिक्षण की अंतिम प्रक्रिया में भाग लेने की अनुमति नहीं थी। वे राहत, प्रिंट, कास्ट और ओल्ड मास्टर्स से काम कर सकते थे, लेकिन नग्न मॉडल से नहीं। इसके बजाय उन्हें चित्रांकन, परिदृश्य और शैली जैसे निचले चित्रकला रूपों में भाग लेने के लिए प्रोत्साहित किया गया। इन्हें अधिक स्त्रैण माना जाता था, जिसमें वे मन की बजाय आंख से अपील करते थे।

19 वीं शताब्दी के अंत के दौरान, चित्रकारों और आलोचकों ने एकेडेमी फ्रैंकेइस के कई नियमों के खिलाफ विद्रोह करना शुरू कर दिया, जिसमें इतिहास की पेंटिंग को दर्जा दिया गया था, जिसे मुख्य रूप से एक प्रकार के सार्वजनिक निकायों द्वारा खरीदा जाना शुरू हुआ था या निजी खरीदारों के रूप में। पदानुक्रम को कम करने से पसंदीदा विषय। ब्रिटेन में प्री-राफेललाइट आंदोलन ने मिश्रित सफलता के साथ इतिहास की पेंटिंग को फिर से जीवंत करने की कोशिश की; अन्य आंदोलनों ने इसी तरह के प्रयास किए। कई पूर्व-राफेलाइट्स ने अपने करियर को समाप्त कर दिया, मुख्य रूप से अन्य विषयों को चित्रित किया। नए कलात्मक आंदोलनों में यथार्थवादी और प्रभाववादी शामिल थे, जिनमें से प्रत्येक ने वर्तमान क्षण और दैनिक जीवन को आंख के द्वारा चित्रित करने की कोशिश की, और ऐतिहासिक महत्व से अनाकर्षक था; रियलिस्ट अक्सर शैली चित्रकला और फिर भी जीवन का चयन करते हैं, जबकि प्रभाववादियों को अक्सर परिदृश्य पर ध्यान देना होगा।

इस समय, निम्न शैली के वंशज, विशेष रूप से, जीवन से चित्र और दृश्यों को प्राप्त करते हैं, जबकि ज्यादातर मामलों में अकादमिक ऐतिहासिक पेंटिंग उबाऊ और बिन बुलाए लगती है। उभरते नए कलात्मक रुझान – यथार्थवाद, और बाद में प्रभाववाद, रोजमर्रा की जिंदगी और वर्तमान क्षण को चित्रित करने में रुचि रखते थे।