गोथिक कला मध्ययुगीन कला की एक शैली थी जो 12 वीं शताब्दी ईस्वी में रोमनस्क्यू कला से उत्तरी फ्रांस में विकसित हुई, जो गोथिक वास्तुकला के समवर्ती विकास के कारण थी। यह पूरे पश्चिमी यूरोप और दक्षिणी और मध्य यूरोप में फैला हुआ है, इटली में कभी भी अधिक शास्त्रीय शैली नहीं दिखाई देती है। 14 वीं शताब्दी के अंत में, अंतर्राष्ट्रीय गोथिक की परिष्कृत अदालत शैली विकसित हुई, जो 15 वीं शताब्दी के अंत तक विकसित होती रही। कई क्षेत्रों में, विशेष रूप से जर्मनी में, लेट गोथिक कला 16 वीं शताब्दी में अच्छी तरह से जारी रही, पुनर्जागरण कला में शामिल होने से पहले। गॉथिक काल में प्राथमिक मीडिया में मूर्तिकला, पैनल पेंटिंग, सना हुआ ग्लास, फ्रेस्को और प्रबुद्ध पांडुलिपियां शामिल थीं। रोमनस्क्यू से गोथिक और गोथिक से पुनर्जागरण शैली में वास्तुकला में आसानी से पहचाने जाने योग्य बदलाव,

सबसे प्राचीन गॉथिक कला, कैथेड्रल और एब्बे की दीवारों पर स्मारकीय मूर्तिकला थी। ईसाई कला अक्सर प्रकृति में टाइपोलॉजिकल थी (मध्ययुगीन रूपक देखें), नए नियम और पुराने नियम की कहानियों को एक साथ दर्शाती है। संतों के जीवन को अक्सर चित्रित किया गया था। वर्जिन मैरी की छवियां बीजान्टिन प्रतिष्ठित रूप से एक अधिक मानवीय और स्नेही माँ के रूप में बदल गईं, अपने शिशु को पालना, उसके कूल्हे से बहना, और एक अच्छी तरह से पैदा हुई कुलीन शिष्टाचार महिला के परिष्कृत शिष्टाचार दिखाना।

इस अवधि के दौरान शहरों, विश्वविद्यालयों की नींव, व्यापार में वृद्धि, धन-आधारित अर्थव्यवस्था की स्थापना और बुर्जुआ वर्ग का निर्माण जो कला और आयोग के संरक्षण का खर्च वहन कर सके चित्रों और प्रबुद्ध पांडुलिपियों का प्रसार। बढ़ी हुई साक्षरता और धर्मनिरपेक्ष साहित्य के बढ़ते शरीर ने कला में धर्मनिरपेक्ष विषयों के प्रतिनिधित्व को प्रोत्साहित किया। शहरों की वृद्धि के साथ, ट्रेड गिल्ड का गठन किया गया था और कलाकारों को अक्सर एक चित्रकार के गिल्ड के सदस्य होने की आवश्यकता होती थी – परिणामस्वरूप, बेहतर रिकॉर्ड रखने के कारण, इस अवधि में किसी भी कलाकार को किसी भी पिछले नाम की तुलना में हमारे नाम से जाना जाता है; कुछ कलाकार तो इतने बोल्ड भी थे कि उनके नाम पर हस्ताक्षर करने लगे।

मूल
एबोट सुगर द्वारा निर्मित सेंट डेनिस के एबे चर्च में 12 वीं शताब्दी की शुरुआत में गॉथिक कला -le-de-France, फ्रांस में उभरी। शैली तेजी से वास्तुकला में अपनी उत्पत्ति से परे मूर्तिकला, दोनों स्मारकीय और आकार, कपड़ा कला, और पेंटिंग में व्यक्तिगत रूप से फैल गई, जिसने फ्रेस्को, सना हुआ ग्लास, प्रबुद्ध पांडुलिपि और पैनल पेंटिंग सहित विभिन्न रूपों को लिया। मठवासी आदेश, विशेष रूप से सिस्टरियन और कार्थुशियन, महत्वपूर्ण बिल्डर थे जिन्होंने शैली का प्रसार किया और पूरे यूरोप में इसके विशिष्ट संस्करण विकसित किए। वास्तुकला की क्षेत्रीय विविधताएं तब भी महत्वपूर्ण रहीं, जब 14 वीं शताब्दी के अंत तक, अंतर्राष्ट्रीय गोथिक के रूप में जाना जाने वाला एक सुसंगत सार्वभौमिक शैली विकसित हुई थी, जो 15 वीं शताब्दी के अंत तक और कई क्षेत्रों से परे जारी रही।

यद्यपि आज की तुलना में कहीं अधिक धर्मनिरपेक्ष गॉथिक कला थी, आज आमतौर पर धार्मिक कला की उत्तरजीविता दर धर्मनिरपेक्ष समकक्षों की तुलना में बेहतर रही है, इस अवधि में उत्पादित कला का एक बड़ा हिस्सा धार्मिक था, चाहे चर्च द्वारा या कमीशन द्वारा लता। गॉथिक कला अक्सर प्रकृति में टाइपोलॉजिकल थी, एक धारणा को दर्शाती है कि पुराने नियम की घटनाओं ने नए लोगों को पहले से पता लगाया था, और यह वास्तव में उनका मुख्य महत्व था।

Speculum Humanae Salvationis, और चर्चों की सजावट जैसे कामों में पुराने और नए नियम के दृश्यों को एक साथ दिखाया गया था। गॉथिक काल मैरियन भक्ति में एक महान पुनरुत्थान के साथ मेल खाता था, जिसमें दृश्य कलाओं ने प्रमुख भूमिका निभाई थी। वर्जिन मैरी की छवियां बीजान्टिन श्रेणीबद्ध प्रकारों से विकसित हुईं, वर्जिन के कोरोनेशन के माध्यम से, अधिक मानवीय और अंतरंग प्रकारों के लिए, और वर्जिन के जीवन के चक्र बहुत लोकप्रिय थे। इटली में Giotto, Fra Angelico और Pietro Lorenzetti, और अर्ली नेदरलैंडिश पेंटिंग जैसे कलाकारों ने यथार्थवाद और कला के लिए एक अधिक प्राकृतिक मानवता लाई। पश्चिमी कलाकारों, और उनके संरक्षक, अभिनव आइकानोग्राफी में बहुत अधिक विश्वास हो गया, और बहुत अधिक मौलिकता देखी गई है, हालांकि कॉपी किए गए फॉर्मूले अभी भी अधिकांश कलाकारों द्वारा उपयोग किए गए थे।

आइकोलॉजी में परिवर्तन से आइकॉनोग्राफी प्रभावित हुई, वर्जिन की पुरानी मृत्यु पर मैरी गेनिंग ग्राउंड के चित्रण के साथ, और भक्ति प्रथाओं जैसे कि देवोटियो मॉडर्ना में, जिसने मसीह के नए उपचारों का उत्पादन किया जैसे कि सोरों के आदमी, पैसिफिक क्राइस्ट और पिएटा, जिसने वर्जिन के चित्रण में एक समानांतर आंदोलन में अपने मानवीय दुख और भेद्यता पर जोर दिया। यहां तक ​​कि अंतिम निर्णयों में भी मसीह को आमतौर पर अपने जुनून के घावों को दिखाने के लिए अपनी छाती को उजागर करते हुए दिखाया गया था। संतों को अधिक बार दिखाया गया था, और अल्टारपीस ने संतों को एक विशेष चर्च या दाता के लिए क्रूसीफिक्सन या उत्साहित वर्जिन और बाल पर उपस्थिति में प्रासंगिक दिखाया, या स्वयं केंद्रीय स्थान पर कब्जा कर लिया (यह आमतौर पर साइड-चैपल के लिए डिज़ाइन किए गए कार्यों के लिए)।

निस्र्पण
रोमनस्क चर्चों और मठों के सामने, यह सामान्य रूप से कहा जाता है, गॉथिक उगता है, जैसा कि इसके प्रतीक वास्तुशिल्प कार्य, प्रकाश से भरपूर विलक्षण कैथेड्रल और साथ ही एक महान ऊंचाई के साथ, ये इसके मुख्य तकनीकी योगदान हैं, जो उचित हैं Pseudo Dionisio Aeropagita के लेखन, हालांकि एक महत्वपूर्ण नागरिक वास्तुकला भी विकसित की गई थी। इसकी एक और विशेषता यह है कि अन्य प्लास्टिक कलाएं, जैसे कि पेंटिंग और मूर्तिकला, उनके अधीनता से वास्तुशिल्प समर्थन से स्वतंत्र होने लगीं।

हालांकि, निरंतरता के कई तत्व भी हैं: यह अभी भी एक मुख्य रूप से धार्मिक कला है; एक संस्था के रूप में मठ शायद ही औपचारिक विवरणों और नई आवश्यकताओं के अनुकूलन के अलावा भिन्न होता है, लेकिन इसके लेआउट में बदलाव मौजूद नहीं थे, और चर्चों की योजना, ज्यादातर कैथेड्रल, मुख्य रूप से पूर्व के सामने एक एप्स के साथ लैटिन क्रॉस के बने रहे, हालांकि यह जटिल या भिन्न था (तुलसी के पौधे, केंद्र में ट्रेसेप्ट की नियुक्ति, नौसेना, चैपल और एम्बुलेंस की जटिलता)। संदेह के बिना निरंतरता का मुख्य तत्व कालातीत गर्भाधान है: अधिकांश निर्माणों में शैलियाँ एक दूसरे का अनुसरण करती हैं और शताब्दियों की लय में विलीन हो जाती हैं, समकालीन यह जानते हुए भी कि वे ऐसा काम करते हैं जिसे वे समाप्त नहीं देखेंगे, न ही शायद बच्चों या पोते, लेकिन यह है कि इन इमारतों के निर्माण का अर्थ है कि मैं कई पीढ़ियों से काम करता हूं। उनमें से कई में, यहां तक ​​कि तकनीकी या आर्थिक चुनौती शुरू करने की साहस भी महत्वपूर्ण है, कभी-कभी राजनीतिक प्रतिद्वंद्विता के कारण, जो कि परियोजना शुरू होने पर पूरी तरह से योजना नहीं बनाई गई है, इसलिए यह ज्ञात नहीं है कि इसे कैसे पूरा किया जाए, यह मामला है सिएना और फ्लोरेंस के गिरजाघर।

प्रकाश
नए धार्मिक भवनों को एक ऐसे स्थान की परिभाषा की विशेषता है, जो उस समय के धार्मिक और प्रतीकात्मक मूल्यों को एक अनुभवात्मक और लगभग स्पष्ट तरीके से, वफादार लाना चाहता है। मानवतावादी ने मनुष्य को घोर अंधकार से मुक्त किया और उसे प्रकाश में आमंत्रित किया। यह तथ्य नियोप्लाटोनिक दार्शनिक धाराओं के प्रसार से संबंधित है, जो भगवान की अवधारणा और प्रकाश के क्षेत्र के बीच एक कड़ी स्थापित करते हैं। चूंकि नई निर्माण तकनीकों ने दीवारों को उद्घाटन के लाभ के लिए लगभग अनावश्यक बना दिया था, चर्चों का इंटीरियर प्रकाश से भर गया था, और प्रकाश नए गोथिक स्थान को आकार देगा। यह एक भौतिक प्रकाश होगा, जो चित्रों और मोज़ाइक में निहित नहीं है; सामान्य और विसरित प्रकाश, बिंदुओं में संकेंद्रित नहीं और निर्देशित किया जाता है जैसे कि यह एक फोकस था; उसी समय जब यह सना हुआ ग्लास और गुलाब की खिड़कियों के खेल के माध्यम से एक हल्का ट्रांसफ़िगर और रंगीन होता है, जो अंतरिक्ष को एक अवास्तविक और प्रतीकात्मक में बदल देता है। रंग महत्वपूर्ण रूप से महत्वपूर्ण हो जाएगा।

प्रकाश को देवत्व का उदात्तीकरण समझा जाता है। सिम्बोलोजी उस समय के कलाकारों पर हावी है, चार्ट्रेस स्कूल प्राकृतिक घटनाओं के सबसे अच्छे तत्व, सबसे कम भौतिक तत्व, शुद्ध रूप में निकटतम सन्निकटन पर प्रकाश डालता है।

गॉथिक वास्तुकार एक ऐसी संरचना का आयोजन करता है जो उसे तकनीक के उपयोग के माध्यम से, प्रकाश का उपयोग करने के लिए अनुमति देता है, ट्रांसफ़िगर्ड प्रकाश, जो इमारत के तत्वों को डीमैटरियलाइज़ करता है, ऊंचाई और भारहीनता की स्पष्ट संवेदनाओं को प्राप्त करता है।

आर्किटेक्चर
गॉथिक वास्तुकला की सबसे मूल नवीनता रोमनस्क वास्तुकला की विशिष्ट दीवारों की गायबता है। संरचना का वजन अब दीवारों द्वारा अवशोषित नहीं किया जाता है, लेकिन स्तंभों पर वितरित किया जाता है और इमारतों के बाहर रखे गए माध्यमिक संरचनाओं की एक श्रृंखला होती है। इस प्रकार, प्रकाश की दीवारें पैदा हुईं, जो शानदार खिड़कियों से ढँकी हुई थीं, जिसमें बाहर के तत्वों के एक जटिल नेटवर्क पर बलों को छोड़ने के लिए पत्राचार किया गया था। फ्लाइंग बट्रेस, पाइनाकल, अनलोडिंग मेहराब सभी संरचनात्मक तत्व हैं, जिसमें छत के पार्श्व जोर को जमीन तक समाहित और निर्देशित किया जाता है, जबकि खिड़कियों से बदली दीवारें महत्व खो देती हैं। गॉथिक वास्तुकारों की असाधारण क्षमता नई स्थिर संरचना में समाप्त नहीं होती है: इमारतें, चिनाई की दीवारों की सीमा से मुक्त, ऊर्ध्वाधर आवेग के साथ विकसित

इंग्लैंड में सिक्स-सेगमेंट वॉल्ट और फिर रेडियल या फैन वॉल्ट के साथ क्रॉस वॉल्ट का एक और विकास हुआ: ऐसे समाधान जिन्होंने बेहतर वजन वितरण की अनुमति दी। गॉथिक कैथेड्रल की कल्पना स्वर्ग के रूपक के रूप में की गई थी, इसलिए अंतिम निर्णय अक्सर इसके प्रवेश द्वार पर खुदी हुई थी।

स्वर्गीय गोथिक वास्तुकला
चौदहवीं और पंद्रहवीं शताब्दी में, गोथिक पिछली दो शताब्दियों के रूपों के संबंध में नई दिशाओं में विकसित हुआ।

XIV और XV शताब्दियों की इमारत को काफी ऊंचाई की एक केंद्रीय गुफा और दो बहुत निचले पार्श्व नौसेनाओं द्वारा विशेषता थी। इसका मतलब यह था कि प्रकाश पादरी के स्तर पर सभी से ऊपर केंद्रित था।

दूसरी ओर, देर से गॉथिक में, सबसे आम आंतरिक लेआउट हॉल चर्च के मॉडल का अनुसरण करता है, अर्थात, केंद्रीय एक की तुलना में समान ऊंचाई के पक्ष वाले गलियारे। इसका मतलब यह था कि प्रकाश अब ऊपर से नहीं आया था, लेकिन बगल की दीवारों से, सजातीय रूप से पूरे वातावरण को रोशन कर रहा था। पारंपरिक दिशात्मकता को भी संशोधित किया गया था, जो पिछली कुल्हाड़ियों के लिए अपनी मजबूत धारणा को खो देता है, एक पॉलीसेंट्रिक स्थानिकता के पक्ष में। अंतरिक्ष की यह नई दृष्टि पंद्रहवीं शताब्दी के अधिक सांसारिक और सांसारिक धार्मिकता से भी संबंधित रही है।

इस नई संवेदनशीलता का भूगोल शास्त्रीय गोथिक से अलग नक्शा प्रस्तुत करता है: सबसे नवीन क्षेत्र जर्मनी, बोहेमिया, पोलैंड, इंग्लैंड और अल्पाइन क्षेत्र थे।

इबेरियन प्रायद्वीप ने पंद्रहवीं से सोलहवीं शताब्दी तक कुछ बड़े कैथेड्रल का निर्माण देखा, जो पिछली शताब्दियों के फ्रांसीसी और जर्मन मॉडल से प्रेरित था। पुर्तगाल में एक स्वायत्त प्रवृत्ति के परिणामस्वरूप तथाकथित मैनुअलाइल कला का विकास हुआ।

चित्र
गॉथिक कहलाने वाली शैली में पेंटिंग गोथिक वास्तुकला और मूर्तिकला की उत्पत्ति के लगभग 50 साल बाद लगभग 1200 तक दिखाई नहीं दी। रोमनस्क्यू से गॉथिक में संक्रमण बहुत ही स्पष्ट है और बिल्कुल स्पष्ट ब्रेक पर नहीं है, और गॉथिक सजावटी विवरण को अक्सर आंकड़ों या रचनाओं की शैली में बहुत बदलाव देखने से पहले पेश किया जाता है। तब आंकड़े मुद्रा और चेहरे की अभिव्यक्ति में अधिक एनिमेटेड हो जाते हैं, दृश्यों की पृष्ठभूमि के संबंध में छोटे होते हैं, और चित्रात्मक स्थान में अधिक स्वतंत्र रूप से व्यवस्थित होते हैं, जहां कमरा होता है। यह संक्रमण पहले इंग्लैंड और फ्रांस में 1200 के आसपास, जर्मनी में 1220 के आसपास और इटली में 1300 के आसपास होता है। गोथिक काल के दौरान चार प्राथमिक मीडिया में पेंटिंग का अभ्यास किया गया था: फ़्रेस्कोस, पैनल पेंटिंग, पांडुलिपि रोशनी और सना हुआ ग्लास।

इटैलियन स्कूल (विशेष रूप से टस्कन और शायद रोमन) के लिए धन्यवाद, गॉथिक अवधि में पेंटिंग अन्य कलाओं की तुलना में काफी समय के अंतर से गुजरती थी, जो तीन से चार दशकों की देरी के साथ नवीकरण में आई थी। केवल तेरहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, जल्दी से चरणों को जलाने से, पेंटिंग ने पूरी तरह से खुद को नवीनीकृत किया, जो कि जियोटो के काम के लिए धन्यवाद था।

इस देरी के कारणों को संभवतः अलग-अलग मॉडलों से जोड़ा गया था जो पेंटिंग और मूर्तिकला थे: रोमनस्क्यू समय में मूर्तिकला पहले से ही नवीनीकृत हो गई थी, कुछ मामलों में फिर से खोज करना अभी भी क्लासिकिज़्म के मौजूदा काम करता है, जबकि मुख्य संदर्भ मॉडल को चित्रित करने के लिए हालांकि बीजान्टिन था स्कूल। चौथे धर्मयुद्ध (1204) के दौरान कॉन्स्टेंटिनोपल की विजय के साथ और पूर्व के लैटिन राज्यों के गठन के साथ, बीजान्टिन चित्रों और मोज़ेक कार्यों का प्रवाह और भी मोटा हो गया था।

तेरहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, निकोला पिसानो के समय में, मूर्तिकला और पेंटिंग के बीच कथात्मक आजीविका, प्रकृतिवादी प्रतिपादन और अभिव्यंजक बल के बीच का डिस्कनेक्ट अपने चरमोत्कर्ष पर पहुंच गया, जिसमें चित्रकारों द्वारा प्रस्तुत असाधारण नवाचारों के सामने निरंकुश चित्रकारों ने घृणा की। हालांकि, दो पीढ़ियों के भीतर, चित्रकार चरणों को जलाने, मॉडल और भाषा को नवीनीकृत करने में सक्षम थे, यहां तक ​​कि स्थानिकता, कथात्मक आजीविका, विश्वसनीय आंकड़े और प्रशंसनीय स्थापत्य या परिदृश्य सेटिंग्स को पुनर्प्राप्त करने के लिए सचित्र कला तक पहुंचते थे। निश्चित रूप से सस्ती लागत के कारण, व्यापक ग्राहक होने से नवीकरण में पेंटिंग का भी लाभ हुआ।

रोमनस्क पेंटिंग से, विशेष रूप से मध्य इटली में, पेंटेड प्लेटों के प्रसार को विरासत में मिला था, जो कि उनके पोर्टेबिलिटी के लिए मेंडिकेंट ऑर्डर द्वारा समर्थित था। मुख्य विषय कई नहीं थे:

आस्थावान लोगों की भावनाओं को जगाने के लिए चर्चों के नौसैनिकों के अंत में लटके हुए, क्रूस पर चढ़ाए गए;
बच्चे के साथ मैडोनस, एक्लेशिया के प्रतीक और एक माँ / बच्चे के रिश्ते के प्रतीक जो धर्म का मानवीकरण करते हैं;
संतों की प्रतिवेदनाएं, जिनमें सेंट फ्रांसिस ऑफ असीसी के आंकड़े से संबंधित नई प्रतीक चित्र बाहर खड़े हैं।
इतालवी तेरहवीं शताब्दी के आचार्यों में बर्लिंगहियरो बर्लिंगहिएरी और मार्गारिटोन डी’रेज़ो थे, दोनों अभी भी पूरी तरह से बीजान्टिन हैं, लेकिन जो आमतौर पर कुछ पश्चिमी चरित्र दिखाना शुरू करते हैं। बाद में गियुंटा पिसानो, बीजान्टिन कला की संभावनाओं की सीमा में आ गया, जो आम तौर पर “इतालवी” शैली के निर्माण को छूता था। गियोर्जियो वासारी के अनुसार, यह सीमा सबसे पहले, सिमाबु ने पार की थी, जो “मूर्ख और बहुत चुस्त और सामान्य ग्रीक तरीके से नहीं” से चले गए थे। अंत में, एक नए आधुनिक पश्चिमी शैली का निर्माण अस्सी के ऊपरी बेसिलिका के निर्माण स्थल में किया गया था, जिसमें प्रसिद्ध भित्तिचित्रों को गिओटो के लिए जिम्मेदार ठहराया गया था। हाल के अध्ययनों ने हालांकि इतालवी स्कूल के अभिनव दायरे को आंशिक रूप से कम कर दिया है,

Giotto स्कूल (टेड्डो गद्दी, Giottino, Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco, आदि) के अलावा, ड्यूकियो di Buoningna, Pietro और Ambrogio Lorenzetti और ​​सिमोन मार्टिनी जैसे मास्टर्स के साथ Sienese स्कूल का भी बहुत महत्व था। Pietro Cavallini, Jacopo Torriti और ​​अन्य के साथ रोमन स्कूल का महत्व भी हाल ही में है। बोलोग्ना से अधिक स्वतंत्र व्यक्तित्व बुओनामिको बफ़ेलमाकू या विटाले थे।

भित्तिचित्रों
दक्षिणी यूरोप में चर्च की दीवारों पर प्रारंभिक ईसाई और रोमनस्क्यू परंपराओं की निरंतरता के रूप में फ्रेस्को का उपयोग मुख्य सचित्र कथा शिल्प के रूप में किया जाता रहा। अस्तित्व की एक दुर्घटना ने डेनमार्क और स्वीडन को Biblia pauperum शैली में जीवित चर्च की दीवार चित्रों का सबसे बड़ा समूह दिया है, जो आमतौर पर हाल ही में निर्मित क्रॉस वाल्ट तक फैली हुई है। डेनमार्क और स्वीडन दोनों में, वे लगभग सभी सुधार के बाद अंग-भंग से आच्छादित थे जिन्होंने उन्हें संरक्षित किया है, लेकिन कुछ भी उनके निर्माण के बाद से अछूते नहीं रहे हैं। डेनमार्क के बेहतरीन उदाहरणों में मॉन के डेनिश द्वीप से एलमेलुंडे मास्टर हैं जिन्होंने फेनफजॉर्ड, क्लेडबी और एलमेलुंडे के चर्चों को सजाया। अल्बर्टस पिक्टर स्वीडन में काम करने की अवधि से यकीनन सबसे प्रसिद्ध फ्रेस्को कलाकार हैं।

रंगीन कांच
उत्तरी यूरोप में, सना हुआ ग्लास 15 वीं शताब्दी तक पेंटिंग का एक महत्वपूर्ण और प्रतिष्ठित रूप था, जब इसे पैनल पेंटिंग द्वारा दबा दिया गया। गॉथिक वास्तुकला ने बड़ी इमारतों में कांच की मात्रा में बहुत वृद्धि की, आंशिक रूप से कांच की विस्तृत विस्तार के लिए अनुमति देने के लिए, जैसा कि गुलाब की खिड़कियों में है। इस अवधि के शुरुआती दौर में मुख्य रूप से काले रंग और स्पष्ट या चमकीले रंग के ग्लास का उपयोग किया गया था, लेकिन 14 वीं शताब्दी की शुरुआत में चांदी के यौगिकों का उपयोग किया गया, जो तब कांच पर चित्रित किया गया था, जिसने रंग के कई रूपों की अनुमति दी, पर केंद्रित yellows, एक ही टुकड़े में स्पष्ट ग्लास के साथ उपयोग किया जाना है। अवधि के अंत तक डिजाइनों में तेजी से कांच के बड़े टुकड़ों का उपयोग किया गया था, जिन्हें चित्रित किया गया था, प्रमुख रंगों के रूप में पीले रंग के साथ, और अन्य रंगों में कांच के अपेक्षाकृत छोटे टुकड़े।

गॉथिक भवन प्रणालियों के तेजी से उभरने से बारहवीं और चौदहवीं शताब्दी के बीच चित्रकला का विकास हुआ। अधिकांश नए कैथेड्रल में कांच की सतहों को अब चिनाई में उन लोगों की तुलना में प्रबल किया जाता है और दीवारों को सजाने की आवश्यकता होती है इसलिए तेजी से सीमांत हो जाता है। यह इस कारण से है कि मोज़ेक और फ्रेस्को की प्राचीन और समेकित तकनीकों में अपरिहार्य गिरावट का सामना करना पड़ रहा है। यह गिरावट ग्लास पेंटिंग और पैनल पेंटिंग के समकालीन शोधन से मेल खाती है, जो पहले से ही रोमन समय में कुछ सफलता के साथ विकसित करना शुरू कर दिया था। इसकी प्रतीति किसी भी वास्तु की आवश्यकता के अधीन नहीं है और यह कलाकारों को पूर्ण स्वतंत्रता में व्यक्त करने की अनुमति देता है। कांच की पेंटिंग में कैथेड्रल की खिड़कियों और रोशनदानों पर लगाए जाने वाले रंगीन खिड़कियों के अहसास होते हैं।

चूंकि मध्य युग में बड़े स्लैब प्राप्त नहीं किए जा सकते थे, प्रत्येक खिड़की को एक साथ रखे गए कई टुकड़ों से बना होना था। इस कारण से, “एच” आकार के लीड स्ट्रिप्स से बने फ्रेम के माध्यम से एक साथ शामिल रंगीन चश्मे का उपयोग करने का निर्णय लिया गया था। पहले किए गए चित्र के बाद पहले चश्मे को लाल-गर्म धातु युक्तियों के साथ काटा जाता था, फिर विभिन्न टुकड़े लीड स्ट्रिप के दो पंखों के बीच फिट होते थे। कार्डबोर्ड द्वारा प्रदान किए गए डिजाइन को फिर से तैयार करने के लिए प्रत्येक पट्टी को आसन्न एक के लिए वेल्डेड किया गया था। पूरा अंत में एक लोहे के फ्रेम में डाला गया था और दीवार पर लगाया गया था। इस तकनीक ने महान प्रभाव की मूर्तियों को प्राप्त करना संभव बना दिया।

आंकड़ों को चित्रित करने के लिए उन रंगों का होना आवश्यक था जो सीधे ग्लास पर पकड़ सकते थे। फ्रांस में, ग्रिसल (इतालवी ग्रिसगेलिया में) का प्रयोग किया गया था, एक पदार्थ जो ग्लास पाउडर और फेरस ऑक्साइड्स के मिश्रण से प्राप्त किया गया था और पानी और जानवरों के गोंद के साथ मिलाया गया था। ग्रिसल का उपयोग बहुत सरल था: इसे सजाने के लिए कांच के विभिन्न टुकड़ों पर फैलाया गया था और, एक बार सूखने के बाद, उन्हें अपारदर्शी बनाने की ख़ासियत थी। फिर ग्रिसल को एक लकड़ी की स्टाइलस के साथ खरोंच किया गया था, जिससे नीचे ग्लास की पारदर्शिता को प्रकाश में लाया गया। पेंटिंग को ठीक करने के लिए व्यक्तिगत चश्मे को फिर से पकाना आवश्यक था ताकि ग्रिसल पिघलने और ग्लास के पेस्ट में ही मिल जाए। ऐसा करने पर पता चला कि यह रूपरेखा अपारदर्शी हो गई है,

चित्रकला के विषयों से निपटने का तरीका परिवर्तित ऐतिहासिक, सामाजिक और आर्थिक स्थिति से प्रभावित है। शहर का पूंजीपति वर्ग अब अधिक से अधिक समरसता की भावना से अनुप्राणित है और दुनिया और जीवन के बारे में इसकी दृष्टि में भी उल्लेखनीय बदलाव आता है।

पवित्र आख्यानों का एक प्रगतिशील अद्यतन है, जिसमें पवित्र ग्रंथों के पात्र समय के कपड़े पहने दिखाई देते हैं और स्थान मौजूदा स्थानों के अनुरूप होते हैं।

फ्रांस, इंग्लैंड, जर्मनी और नीदरलैंड के विपरीत, इटली में, फ्रेस्को, और आंशिक रूप से मोज़ेक के अलावा, बहुत व्यापक प्रसार होता रहा। धार्मिक प्रतीकों में, खिड़की अलौकिक, आध्यात्मिक प्रकाश के पारित होने की अनुमति देती है। सना हुआ ग्लास खिड़कियां याद आती हैं, ईसाई धर्मशास्त्र के अनुसार, सर्वनाश के स्वर्गीय यरूशलेम के वैभव। प्रकाश ईश्वर की आत्मा है और खिड़की दिव्य प्रकाश के साथ मैरीटैट चमक का प्रतीक है। अक्सर सना हुआ ग्लास खिड़कियों की संख्या का एक प्रतीकात्मक-धार्मिक मूल्य होता है: वे तीन (ट्रिनिटी) के समूह में होते हैं, चार (इवेंजेलिस्ट्स) में, सात के खंडों में (सात संस्कार, पवित्र आत्मा के सात उपहार, उत्पत्ति के अनुसार निर्माण के सात दिन)।

पांडुलिपियों और मुद्रण
प्रबुद्ध पांडुलिपियां गॉथिक पेंटिंग के सबसे पूर्ण रिकॉर्ड का प्रतिनिधित्व करती हैं, उन जगहों पर शैलियों का रिकॉर्ड प्रदान करती हैं जहां कोई भी स्मारक काम नहीं बचा है। 13 वीं शताब्दी के मध्य में फ्रेंच गॉथिक चित्र के साथ सबसे पहले पूर्ण पांडुलिपियां। कई ऐसे प्रबुद्ध पांडुलिपियाँ शाही ग्रंथ थे, हालाँकि भजन में चित्र भी शामिल थे; सेंट लुइस के पेरिसियन सोल्टर, 1253 से 1270 के बीच, 78 पूर्ण पृष्ठ रोशनदानों में तड़का पेंट और सोने की पत्ती की विशेषता है।

13 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान, स्क्राइब ने हंसी के लिए प्रार्थना पुस्तकें बनाना शुरू किया, जिन्हें अक्सर दिन के निर्धारित समय पर उनके उपयोग के कारण घंटों की पुस्तकों के रूप में जाना जाता था। सबसे पहला ज्ञात उदाहरण ऑक्सफोर्ड के पास एक छोटे से गाँव में रहने वाले एक अज्ञात लेवोमैन के बारे में लिखा है जो लगभग 1240 में हुआ था। नोबेलिटी ने अक्सर ऐसे ग्रंथ खरीदे, जो सजावटी चित्रों के लिए अच्छी तरह से भुगतान करते थे; इनमें से सबसे प्रसिद्ध रचनाकारों में से जीन प्यूसेले हैं, जिनके घंटों का जीन किंग डी चतुर्थ को किंग चार्ल्स IV ने अपनी रानी, ​​जीन डी’वरेक्स के लिए एक उपहार के रूप में कमीशन किया था। इस तरह के कार्यों में मौजूद फ्रांसीसी गोथिक के तत्वों में अलंकृत और विस्तृत आंकड़ों के साथ समय की वास्तुकला की याद ताजा करते सजावटी पृष्ठ का उपयोग शामिल है।

14 वीं शताब्दी के मध्य से, पाठ और चित्र दोनों के साथ ब्लॉकबुक, जो कि वुडकट के रूप में कटा हुआ है, निम्न देशों में पल्ली पुरोहितों द्वारा सस्ती लगती हैं, जहां वे सबसे लोकप्रिय थे। सदी के अंत तक, चित्रण के साथ छपी किताबें, जो अब भी ज्यादातर धार्मिक विषयों पर हैं, तेजी से समृद्ध मध्य वर्ग के लिए सुलभ हो रही थीं, जैसा कि इज़राइल वैन मेकेनम और मास्टर ईएस जैसे प्रिंटमेकर्स द्वारा काफी उच्च गुणवत्ता के उत्कीर्णन थे। 15 वीं शताब्दी में, सस्ते प्रिंट की शुरूआत, ज्यादातर लकड़ी के कटोरे में, किसानों के लिए भी घर पर भक्तिपूर्ण चित्र बनाना संभव बना दिया। बाजार के निचले हिस्से में छोटी, अक्सर अकड़कर रंगी हुई ये छवियां हजारों में बिकती थीं, लेकिन अब बेहद दुर्लभ हैं, ज्यादातर दीवारों पर चिपका दी गई हैं।

अल्टारपीस और पैनल पेंटिंग
15 वीं और 16 वीं शताब्दी तक कैनवास पर तेल के साथ पेंटिंग लोकप्रिय नहीं हुई और पुनर्जागरण कला की पहचान थी। उत्तरी यूरोप में प्रारंभिक नीदरलैंड पेंटिंग का महत्वपूर्ण और अभिनव स्कूल अनिवार्य रूप से गॉथिक शैली में है, लेकिन इसे उत्तरी पुनर्जागरण के हिस्से के रूप में भी माना जा सकता है, क्योंकि क्लासिकल में रुचि के इतालवी पुनरुत्थान से पहले एक लंबा विलंब हुआ था। उत्तर की दिशा। रॉबर्ट कैंपिन और जान वैन आइक जैसे चित्रकारों ने माइनरली विस्तृत कामों को बनाने के लिए ऑइल पेंटिंग की तकनीक का उपयोग किया, परिप्रेक्ष्य में सही, जहां स्पष्ट रूप से यथार्थवाद को बड़े पैमाने पर जटिल प्रतीकवाद के साथ जोड़ा गया था, जो अब वास्तविक रूप से शामिल हो सकते हैं, जो कि छोटे में काम करता है।

उत्तरी यूरोप के सबसे अमीर शहरों से आरंभिक नीदरलैंड की चित्रकला में, तेल चित्रकला में एक नए मिनट के यथार्थवाद को सूक्ष्म और जटिल धर्मशास्त्रीय गठजोड़ के साथ जोड़ा गया था, जो धार्मिक दृश्यों की अत्यधिक विस्तृत सेटिंग्स के माध्यम से सटीक रूप से व्यक्त किया गया था। रॉबर्ट कैंपिन के मेरोड अल्टारपीस (1420), और वाशिंगटन वैन आइकॉन अनाउंसमेंट या चांसलर रोलिन के मैडोना (दोनों 1430 के दशक में, जन वैन आईक द्वारा) इसके उदाहरण हैं। धनी, छोटे पैनल चित्रों के लिए, यहां तक ​​कि तेल चित्रकला में पॉलिप्टीक भी तेजी से लोकप्रिय हो रहे थे, अक्सर डोनर पोर्ट्रेट के साथ-साथ दिखाते हैं, हालांकि अक्सर वर्जिन या संतों की तुलना में बहुत छोटे होते हैं। ये आमतौर पर घर में प्रदर्शित किए जाते थे।

मूर्ति
गॉथिक मूर्तिकला को उस भूमिका से स्थानांतरित किया गया था जिसे रोमनस्क्यू अवधि के दौरान दिया गया था, अर्थात्, वास्तुकला को सजाने के लिए और तथाकथित पत्थर के बिबल्स को बनाकर वफादार को शिक्षित करने के लिए।

धीरे-धीरे स्थापत्य निर्माण में मूर्तियों की व्यवस्था अधिक जटिल और दर्शनीय हो गई। मूर्तिकला के सबसे महत्वपूर्ण एपिसोड रोमनस्क्यू समय के रूप में थे, कैथेड्रल के पोर्टल, जहां आमतौर पर पुराने नियम और नए नियम के पात्रों का प्रतिनिधित्व किया जाता है।

एक मौलिक मार्ग यह तथ्य है कि गॉथिक काल में मूर्तियां अब पूरी तरह से वास्तुशिल्प अंतरिक्ष (एक पोर्टल या एक राजधानी …) के जाम में शामिल नहीं हुईं, लेकिन वे केवल खुद को स्वतंत्र होने के खिलाफ झुकना शुरू कर दिया। विभिन्न लोड-असर तत्व। इस प्रकार पहले चौतरफा प्रतिमाएँ दिखाई दीं, हालांकि उसी का एक स्वतंत्र और अलग-थलग उपयोग अभी भी बोधगम्य नहीं था। यह हो सकता है कि बुतपरस्ती के खिलाफ लड़ाई की विरासत, जिसने देवत्व के रूप में दौर में मूर्तियों की पूजा की, अभी भी अव्यक्त थी, हालांकि इतालवी पुनर्जागरण तक, मूर्तियों को हमेशा दीवारों के खिलाफ, niches में, आर्किटेक्चर के तहत या caryatids और telamons के रूप में रखा गया था। ।

शैलीगत दृष्टिकोण से, गॉथिक मूर्तिकला की नवीन विशेषताएं वास्तुकला में पेश किए गए लोगों की तुलना में कम स्पष्ट हैं, लेकिन कला के इतिहास में बाद के विकास के परिणामों में कोई कम समृद्ध नहीं है। यदि एक तरफ यह आंकड़ा लंबाई में काफी बढ़ा है और मॉडल पूरी तरह से नए गेम जैसे सदाचार और कभी-कभी अनुचित चिलमन पर रहता है, तो दूसरी ओर वह शरीर के आंदोलन, चेहरे के भाव, व्यक्तिगत फिजियोग्निज़्म के प्रशंसनीय प्रतिनिधित्व के साथ वापस आ गया, एक के साथ प्रकृतिवाद पर कलाकार का ध्यान पिछले युगों में कभी नहीं जाना गया, सबसे अच्छे उदाहरणों की तुलना में (जैसा कि 1250 के आसपास रिम्स के कैथेड्रल के पोर्टल में, या निकोला पिसानो के कार्यों में) रोमन चित्रांकन की तुलना में आता है। यह सब कुछ अधिक महत्वपूर्ण है क्योंकि यह कुछ दशकों से चित्रमय क्षेत्र में समान उपलब्धियों से पहले है।

क्लासिकिज्म की तुलना में, हालांकि, एक अलग अभिव्यंजक बेचैनी को ध्यान में रखा जाना चाहिए, रूपों और चिलमन की एक निश्चित कोणीयता, काइरोस्कोरो प्रभाव का एक बेचैन उपयोग।

स्मारकीय मूर्तिकला
गॉथिक अवधि को अनिवार्य रूप से गॉथिक वास्तुकला द्वारा परिभाषित किया गया है, और यह पूरी तरह से मूर्तिकला में शैली के विकास के साथ पूरी तरह से फिट नहीं है। बड़े चर्चों के पहलुओं, विशेष रूप से दरवाजों के आस-पास, बड़े-बड़े झाँकियाँ बनी रहती थीं, लेकिन उनके साथ फैली हुई मूर्तियों की पंक्तियाँ भी।

चार्टरेस कैथेड्रल में पश्चिमी (शाही) पोर्टल पर मूर्तियां (सी। 1145) एक सुंदर लेकिन अतिरंजित स्तंभ बढ़ाव दिखाती हैं, लेकिन 1215-20 से दक्षिण ट्रांसेप्ट पोर्टल पर, अधिक प्राकृतिक शैली और पीछे की दीवार से बढ़ती टुकड़ी दिखाते हैं। , और शास्त्रीय परंपरा के बारे में कुछ जागरूकता। ये रुझान कुछ साल बाद रिम्स कैथेड्रल के पश्चिम पोर्टल में जारी किए गए, जहां आंकड़े लगभग दौर में हैं, जैसा कि सामान्य रूप से गोथिक पूरे यूरोप में फैल गया था। बामबर्ग कैथेड्रल में संभवतः 13 वीं शताब्दी की मूर्तिकला का सबसे बड़ा संयोजन है, जिसका समापन 1240 में बामबर्ग राइडर के साथ हुआ, जो 6 वीं शताब्दी के बाद से पश्चिमी कला में पहली आदमकद प्रतिमा है।

इटली में निकोला पिसानो (1258-78) और उनके बेटे गियोवन्नी ने एक शैली विकसित की, जिसे प्रायः प्रोटो-पुनर्जागरण कहा जाता है, रोमन सरकोफेगी से असंदिग्ध प्रभाव और नग्नता की सहानुभूति से निपटने सहित परिष्कृत और भीड़ वाली रचनाएं, उनके लुगदी पर राहत पैनल में। सिएना कैथेड्रल (1265–68), पेरुगिया में फोंटाना मैगिओर, और 1301 के पिस्तोइया में जियोवानी के पल्पिट।

शास्त्रीय शैली का एक और पुनरुत्थान 1400 के आसपास बरगंडी और फ़्लैंडर्स में क्लॉज़ स्लटर और उनके अनुयायियों के अंतर्राष्ट्रीय गॉथिक कार्यों में देखा जाता है। उत्तर में लेट गोथिक मूर्तिकला जारी रहा, जिसमें बहुत बड़ी लकड़ी के नक्काशीदार अल्टारपीस के साथ फैशन के लिए तेजी से गुणी नक्काशी और बड़ी संख्या में उत्तेजित थे। अभिव्यंजक आंकड़े; सबसे अधिक जीवित उदाहरण जर्मनी में हैं, बहुत ज्यादा इकोस्क्लासम के बाद। टिलमैन रिमेन्सशाइनर, वीट स्टोस और अन्य ने 16 वीं शताब्दी में शैली को अच्छी तरह से जारी रखा, धीरे-धीरे इतालवी पुनर्जागरण प्रभावों को अवशोषित किया।

पत्थर या अलबास्टर में जीवन-आकार के मकबरे धनी के लिए लोकप्रिय हो गए, और भव्य बहु-स्तरीय कब्रें विकसित हुईं, वेरोना के स्कैलिगर टॉम्बस के साथ इतने बड़े कि उन्हें चर्च के बाहर ले जाना पड़ा। 15 वीं शताब्दी तक नॉटिंघम एलाबस्टर वेदी राहत का निर्यात करने वाला एक उद्योग था, जो कि आर्थिक रूप से पारिश्रमिक के लिए यूरोप के बहुत से पैनलों के समूहों में था, जो पत्थर की राखियां नहीं खरीद सकते थे।

पोर्टेबल मूर्तिकला
मुख्य रूप से बिछाने और अक्सर महिला बाजार के लिए छोटी नक्काशी, पेरिस और कुछ अन्य केंद्रों में एक महत्वपूर्ण उद्योग बन गई। आइवरी के प्रकारों में छोटे भक्तिपूर्ण पॉलिप्टीकल्स, एकल आंकड़े, विशेष रूप से वर्जिन, मिरर-केस, कॉम्ब्स, और रोमांस से दृश्यों के साथ विस्तृत कास्केट शामिल थे, जो सगाई के रूप में उपयोग किए जाते हैं। बहुत धनी ने असाधारण रूप से जड़े हुए और घिसे हुए धातु के काम को इकट्ठा किया, दोनों धर्मनिरपेक्ष और धार्मिक, जैसे कि ड्यूक डे बेरी की पवित्र कांटेदार संप्रदाय, जब तक वे पैसे की कमी से भाग नहीं गए, जब तक कि वे फिर से नकदी के साथ पिघल नहीं गए।

वास्तुशिल्प आभूषण से स्वतंत्र गोथिक मूर्तियां मुख्य रूप से घर के लिए भक्ति की वस्तुओं के रूप में या स्थानीय चर्चों के लिए दान के रूप में बनाई गई थीं, हालांकि हाथीदांत, हड्डी और लकड़ी में छोटी राहतें धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों विषयों को कवर करती हैं, और चर्च और घरेलू उपयोग के लिए थीं। ऐसी मूर्तियां शहरी कारीगरों का काम थीं, और तीन आयामी छोटी मूर्तियों के लिए सबसे विशिष्ट विषय अकेले वर्जिन मैरी या बच्चे के साथ है। पेरिस हाथी दांत कार्यशालाओं का मुख्य केंद्र था, और अधिकांश उत्तरी यूरोप को निर्यात किया गया था, हालांकि इटली में भी काफी उत्पादन हुआ था।

इन स्वतंत्र मूर्तियों का एक उदाहरण सेंट डेनिस के एबे चर्च के संग्रह में से है; सिल्वर-गिल्ट वर्जिन और चाइल्ड 1339 से मिलती है और इसमें मैरी एक बहती हुई चूत में लिपटी हुई शिशु आकृति दिखती है। क्लोक की सादगी और बच्चे के युवा दोनों अन्य मूर्तियां हैं जो उत्तरी यूरोप में 14 वीं शताब्दी और 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में मिली थीं। इस तरह की मूर्ति 12 वीं और 13 वीं शताब्दी के अंत में एक पूर्व और कठोर शैली में विकसित हुई, जो अब भी आंशिक रूप से रोमनस्क्यू से एक स्थानिक और प्रकृतिवादी अनुभव से विकसित होती है। अन्य फ्रांसीसी गोथिक मूर्तिकला विषयों में उस समय के लोकप्रिय साहित्य के आंकड़े और दृश्य शामिल थे। परेशानियों की कविता से कल्पना विशेष रूप से महिलाओं द्वारा उपयोग के लिए दर्पण-मामलों और छोटे बक्से के कारीगरों के बीच लोकप्रिय थी।

तीर्थयात्राओं के स्मारकों, जैसे कि मिट्टी या सीसा बैज, पदक और छवियों के साथ लगाए गए ampullae भी लोकप्रिय और सस्ते थे। उनके धर्मनिरपेक्ष समतुल्य, झूठे बैज, सामंती और राजनीतिक वफादारी या गठबंधन के संकेत थे जो इंग्लैंड में कमीने सामंतवाद के तहत एक सामाजिक खतरे के रूप में माना जाता है। सस्ते रूपों को कभी-कभी मुफ्त में दिया जाता था, जैसा कि 1483 में इंग्लैंड के राजा रिचर्ड तृतीय द्वारा ऑर्डर किए गए 13,000 बैज के साथ, उनके बेटे एडवर्ड ऑफ वेल्स के रूप में एडवर्ड के रूप में एक सफेद सूअर के प्रतीक के साथ फस्टियन कपड़े में इंग्लैंड के राजकुमार ने दिया था, जिसे एक बड़ी संख्या दी गई थी। उस समय जनसंख्या। डंस्टेबल स्वान ज्वेल, जो पूरी तरह से एनामेल्ड गोल्ड में राउंड के रूप में तैयार किया गया है, एक अधिक विशिष्ट संस्करण है, जो दानकर्ता के बहुत करीबी या महत्वपूर्ण व्यक्ति को दिया जाता है।

कला और कलाकार का सामाजिक विचार
ऊन और कपड़े के व्यापार का उत्कर्ष, यूरोप से उत्तर से दक्षिण (फ़्लोरेन्स, जेनोआ और वेनिस से लेकर शैम्पेन और फ़्लैंडर्स तक, जो मदीना डेल कैम्पो को भूले बिना) पार करते हैं, मेलों और व्यापार मार्गों से जुड़ा हुआ है, एक कला विलक्षण का जन्म होता है: टेपेस्ट्री फैब्रिक, जिसकी सामाजिक प्रतिष्ठा बहुत महत्वपूर्ण थी। उनके लेखकों के लिए नहीं, जो केवल कारीगरों के विचार से आगे नहीं गए, बल्कि उनके मालिकों के लिए। औद्योगिक कलाओं और जिन्हें आज हम ललित कला मानते हैं, उनके बीच स्पष्ट अलगाव नहीं है, वही मास्टर बिल्डरों, चित्रकारों और मूर्तिकारों के बारे में कहा जा सकता है कि यद्यपि हम उनमें से कई का नाम रखते हैं, वे एक भी व्यायाम करने में विफल नहीं हुए। विले और यांत्रिक ट्रेडों, उदार व्यवसायों की तुलना में भी नहीं।