कला का संश्लेषण (जर्मन: Gesamtkunstwerk) कला का एक काम है जो सभी या कई कला रूपों का उपयोग करता है या ऐसा करने का प्रयास करता है। Gesamtkunstwerk एक ऐसा काम है जो विभिन्न कलाओं जैसे संगीत, कविता, नृत्य / पैंटोमाइम, वास्तुकला और चित्रकला को जोड़ती है। संकलन मनमाना और चित्रण नहीं है: घटक आवश्यक रूप से एक दूसरे के पूरक हैं।

Gesamtkunstwerk, जिसका अर्थ है “कला का कुल कार्य”, “कला का आदर्श कार्य”, “सार्वभौमिक कलाकृति”, “कला का संश्लेषण”, “व्यापक कलाकृति”, “सर्व-कलाकारी कला का रूप” या “कुल कलाकृति”, देखें एक प्रकार की स्वायत्त कलाकृति जो एक साथ एकीकृत होती है और विभिन्न मीडिया या कलात्मक विषयों से संबंधित होती है, Gesamtkunstwerk में “सौंदर्य संरचना और वास्तविकता के बीच की सीमा को मिटाने की प्रवृत्ति” (ओडो मार्क्वार्ड) है। यह ईश्वरीय रचना का संदर्भ नहीं है, जैसा कि गोथिक और बैरोक के बीच कला में प्रथागत था, लेकिन यह इसकी वैधता का दावा करता है।

इस शब्द का पहली बार प्रयोग जर्मन लेखक और दार्शनिक के। एफ। ई। ट्रंधोर्फ़ ने 1827 में एक निबंध में किया था। हालाँकि, कला संलयन का संश्लेषण इतिहास में लंबे समय तक रहा है। जर्मन ओपेरा संगीतकार रिचर्ड वैग्नर ने दो 1849 निबंधों में इस शब्द का इस्तेमाल किया था, और यह शब्द विशेष रूप से उनके सौंदर्य आदर्शों से जुड़ा हुआ है।

इसकी टकसाल के बाद से, गेसमटकुंस्टर का उपयोग व्यापक रूप से नाटकीय, ललित कला और प्राकृतिक कलाओं में किया गया है, और सामान्य रूप से विभिन्न कलात्मक अभिव्यक्तियों का वर्णन करने के लिए जिसमें विभिन्न कलाओं के तत्व संयुक्त हैं। फिल्म कला और अन्य दृश्य-श्रव्य कला जैसे संगीत वीडियो या वीडियो गेम को “कुल कला का काम” के रूप में भी वर्णित किया गया है क्योंकि उनके थिएटर, संगीत, छवि, आदि के संयोजन के कारण वास्तुकला में इस शब्द का उपयोग एक इमारत का वर्णन करने के लिए किया जाता है जिसमें प्रत्येक भाग एक पूरे के भीतर दूसरों के पूरक के लिए बनाया गया है।

बीसवीं शताब्दी में, कुछ लेखकों ने इस शब्द को वास्तुकला के कुछ रूपों में लागू किया, जबकि अन्य ने इसे फिल्म और मास मीडिया पर लागू किया।

इस शब्द का उपयोग 20 वीं शताब्दी की शुरुआत से “सौंदर्य के वियना” से संबंधित कलाकारों द्वारा भी किया गया था, ताकि इसके सौंदर्य उद्देश्य का वर्णन किया जा सके।

इतिहास:
कला का प्राचीन संश्लेषण:
सिंथेसिस सोच और महामारी विज्ञान के दृष्टिकोण की परंपराएं प्राचीनता तक वापस पहुंचती हैं, खुद को विभिन्न प्रतीकात्मक भाषाओं में प्रकट करती हैं (शोधकर्ता मिस्र के चित्रलिपि की ओर इशारा करते हैं)। पहले से ही उस समय, शब्दों और छवियों के बीच की कड़ी का पता चला था – पिक्टोग्राम में, जो विभिन्न प्रकार की सामग्री और सामान्य अर्थों के अभिन्न संयोजन के रूप में आधुनिक दृश्य साहित्य के नाभिक थे।

ग्रीक संस्कृति में, गीत और संगीत को जोड़ना और पाठ को एक मधुर कविता के रूप में व्यवहार करना महत्वपूर्ण था, जिसे हमेशा माधुर्य और गायन के साथ जोड़ा जाना चाहिए। उदाहरण के लिए, साप्पो की सभी संरक्षित कविताओं में एक मधुर चरित्र है (ग्रीक मेलोस का अर्थ है राग जितना ही)।

रोमन संस्कृति में, कवि होरस ने अपने लेटर टू पिज़ास (पोएटिक आर्ट के रूप में जाना जाता है) में प्रसिद्ध वाक्यांश सचित्र पोएसिस (पेंटिंग की तरह लैटिन कविता) शामिल किया, जिसका उपयोग पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र में प्रेरणा के रूप में किया गया था, जैसे लियोनार्डो डॉ। अंकोसी संधि के लेखक के रूप में। चित्र।

गेसमटकुंस्टवर्क का विचार रोमांटिक युग में उभरता है। दार्शनिक फ्रेडरिक शिलिंग, उदाहरण के लिए, “मनुष्य के आवश्यक बनने” (ब्रूनो या चीजों के दिव्य और प्राकृतिक सिद्धांत, 1802) पर जोर दिया। इससे आत्मविश्वास में वृद्धि हुई, जिससे कलाकार के काम की प्रकृति के काम की बराबरी करना संभव हो गया। इस शब्द का प्रयोग सबसे पहले लेखक और दार्शनिक युसेबियस ट्रैन्डरॉर्फ ने अपने काम सौंदर्यशास्त्र या सिद्धांत विश्व और कला (1827) में किया है। 1849 में उन्होंने रिचर्ड वैगनर की किताब द आर्ट एंड द रिवोल्यूशन में फिर से लिखा। क्या वागनर को पता था कि ट्रैन्डोर्फ का काम एक खुला सवाल है।

मध्य युग कला का संश्लेषण:
प्राचीन प्रेरणा के अलावा, कला के समुदाय के प्रति संवेदनशीलता मध्य युग, विशेष रूप से उनकी ar moriendi (मरने की लैटिन कला) द्वारा दृश्य कला में एक विषय के रूप में (एक कथा और “साहित्यिक” तरीके से कैप्चर की गई) से पता चला था।

पारस्परिक अंतरविरोध का एक अन्य क्षेत्र मध्य युग में एक पांडुलिपि था। एपिक में खिलते हुए, पहले बेनेडिक्टिन मठों में, उनके विषय और कलात्मक गुणवत्ता की परवाह किए बिना, कॉमिक के सौंदर्यशास्त्र का वादा करते हैं।

एक बहुमुखी कलाकार मध्य युग में दिखाई दिया, अपनी कल्पना से कई लोगों को आलिंगन और एकजुट किया – एक महिला, बेनेडिक्टाइन और बेनिंग के रहस्यवादी हिल्डेगार्ड: कवि, चित्रकार, संगीतकार, एक धर्मशास्त्री (महिला-धर्मविज्ञानी) और दार्शनिक (और एक फाइटोथेरेपिस्ट प्राकृतिक चिकित्सा का अभ्यास करने वाले) और एक रसोइया जो मान लेता है कि 20 वीं शताब्दी को जैविक खाद्य कहा जाता है)।

कला का पुनर्जागरण संश्लेषण:
पुनर्जागरण की कल्पना में दिलचस्पी थी, जिसे उन्होंने कल्पना के रूप में माना, लेकिन अनुभूति भी। कला के संश्लेषण की सैद्धांतिक नींव (जैसा कि स्वच्छंदतावाद द्वारा संदर्भित किया गया है) फ्लोरेंटाइन नियोप्लाज्मवाद के दर्शन और सौंदर्यशास्त्र द्वारा दिए गए थे, विशेष रूप से प्लेटो की दावत और प्लेटिनम धर्मशास्त्र पर व्यापक टिप्पणियों में मार्सिलियो फिकिनो। पुनर्जन्म का प्रतीक भी पुनरुद्धार का विषय था। जियान फ्रांसेस्को पिको डेला मिरांडोला ने अपने निबंध ऑन इमेजिनेशन में, उन्होंने प्रतीकात्मक चित्रों को सुंदर और युवाओं को ऊपर लाने में मददगार बताया। इस भावना में प्रतीकों के कई शब्द प्रकाशित किए गए हैं।

मुद्रण के आविष्कार के लिए धन्यवाद, किताबें पहले से ही मुद्रित थीं, और उन्होंने ग्राफिक्स (आमतौर पर वुडकट्स) का उपयोग करते हुए एक समृद्ध टाइपोग्राफिक सेटिंग (पांडुलिपियों की मध्ययुगीन परंपरा के लिए) प्राप्त की, जिसे कला संश्लेषण की भावना में पाठक की धारणा की आवश्यकता थी। इस तरह के चरित्र, उदाहरण के लिए, सांता क्लॉज़ के सांता क्लॉज़ थे, जो उत्कीर्णक थे, एक प्रकार की प्रतीक पुस्तक के रूप में। वॉल्यूम, जिसमें पाठ को एक अलग ग्राफिक सामग्री के रूप में माना गया था, वह भी लोकप्रिय हो गया; वे दृश्य साहित्य के केंद्रक थे।

एक कड़ाई से समझे जाने वाले कलात्मक संश्लेषण की खोज, हालांकि, पुनर्जागरण कालवाद द्वारा बाधित किया गया था, जिसमें से प्रत्येक कला की स्वायत्तता पर जोर दिया गया था।

कला का बैरोक संश्लेषण:
इसने बैरोक काल तक समुदाय के बारे में सोच को पूरी तरह से विकसित किया, सार्वभौमिक ज्ञान और सभी कलाओं की आध्यात्मिक और औपचारिक एकता की मांग की। प्रतीकों के बारोक शब्दकोशों ने अपने सभी आध्यात्मिक और भौतिक अभिव्यक्तियों की एकता के रूप में समझा – प्रतीक द्वारा “कब्जा कर लिया” एकता। Cesare Ripa और उनकी आइकोलॉजी का विशेष महत्व था – एक विस्तृत, वुडकट्स के साथ सचित्र, एक प्रतीकात्मक तरीके से कवर की गई धारणाओं का शब्दकोश: एक प्रतीकात्मक छवि और उस पर एक विवेचनात्मक टिप्पणी के रूप में। बारोक युग में, प्रकृति और संस्कृति के बीच अन्योन्याश्रयता भी सामने आई थी। इससे बारोक सौंदर्यशास्त्र पर प्रभाव पड़ा।

एक निबंध में पोल ​​सर्ब्यूस्की, धारणा की एकरूपता को पहचानने की भावना में एली के फायदे और नुकसान पर, उन्होंने स्वरों के भावनात्मक आयाम का विश्लेषण किया, और व्यापक ग्रंथ में दीई जेंटियम ने प्राचीन और ईसाई परंपरा को मिलाकर सांस्कृतिक मिथकों का एक शब्दकोश दिया। ।

बैरोक कला के भीतर, कला के संश्लेषण की पूर्ति साहित्य और ललित कला की सीमा रेखा से एक शैली के रूप में एक प्रतीक बन गई है। साहित्य और दृश्य कला की सीमा रेखा से संपूर्ण रूप से व्यवहारिक रूप से व्यवहार किए जाने वाले लगातार काम और किताबें भी थीं, पाठ की काल्पनिक रचना के साथ टाइपोग्राफिक पक्ष से एक “पेंटिंग” के रूप में व्यवहार किया गया था। पाठ एक राजदंड, एक पेड़, एक बड़ा गिलास, आदि के आकार पर लिया गया था। बैरोक, इस हद तक, दृश्य साहित्य के रसीला फूल की अवधि है। पोलैंड में, इस तरह के रूप कभी-कभार साहित्य में होते थे, और उदाहरण क्रॉस-आकार के ग्रंथ, उदाहरण, सितारे, एक ओबिलिस्क या गंभीर स्मारक हैं।

पूरी तरह से, हालांकि, कला के एक समुदाय के सपने को ओपेरा द्वारा, बारोक युग में निर्मित शैली, वास्तव में संश्लेषण की खोज, संगीत का संयोजन (ध्वनि नींव बनाना), साहित्य (लिब्रेटो गाया जाता है), थिएटर द्वारा साकार किया जाता है। (मंचन) और पेंटिंग (जिसमें से यह मंच डिजाइन खींचता है)। ओपेरा का गठन फ्लोरेंटाइन कैमरता सर्कल में किया गया था (सैद्धांतिक पृष्ठभूमि नए सौंदर्यवादी सोच को पुनर्जागरण ग्रंथ डाइलोगा म्यूजिक एंटिका ई मॉडर्न में ग्रैब्रिकिंग ग्रंथ रेनेसा विंसेन्ज़ो गैलीली द्वारा वेनिस में विकसित की गई थी, और उसकी पहली कृति क्लाउडियो मोंटेवेर्डी द्वारा दी गई थी। (1607 में प्रजातियों की शुरुआत के रूप में उनका ऑर्फ़ियस प्रीमियर हुआ)।

बैरोक दूरदर्शी, विभिन्न सामग्रियों और धारणा के क्षेत्रों को मिलाकर व्यावहारिक रूप से कला के संश्लेषण की अवधारणा को पूरा करने की अनुमति दी गई।

कला का ज्ञान संश्लेषण:
अपवाद ओपेरा था, न कि पूरा (अक्सर मुखर प्रदर्शन तक ही सीमित), लेकिन वोल्फगैंग अमेडियस मोज़ार्ट द्वारा बनाया गया। उनके दो सबसे पूर्ण काम करता है – डॉन जियोवानी और द मैजिक फ्लूट – संगीत, पाठ, कहानी और कल्पना के खेल का एक सामंजस्यपूर्ण संयोजन बनाते हैं।

कलाओं का स्वच्छंदतावाद संश्लेषण:
पुराने सपनों के नवीकरण की अवधि और कला के संश्लेषण के साथ एक नया आकर्षण बन गया है, इस तरह से पुरानी सोच को नवीनीकृत करना, और बारोक के स्वामी (जैसे शेक्सपियर), रोमांटिकतावाद तक भी पहुंचना। उन्होंने हेगेल के सौंदर्यशास्त्र पर व्याख्यान को भी प्रेरित किया, जिन्होंने कला को एक कामुक रूप में पूर्ण की अभिव्यक्ति के रूप में माना, कला में प्रतीकात्मक रूपों के लिए समर्पित व्यापक प्रतिबिंब, “कला का रोमांटिक रूप” और विशेष प्रकार की कला।

स्वच्छंदतावाद के दार्शनिक और सौंदर्यवादी विचार ने अक्सर मनुष्य और प्रकृति की आध्यात्मिक एकता पर ध्यान केंद्रित किया है, जिसमें संस्कृति और प्रकृति शामिल हैं, और मानव व्यक्ति और भगवान की निकटता, कला की एक परियोजना को चित्रित करती है जो प्रतीकात्मक रूप से इन समृद्धि को प्रभावित करती है: जीन पॉल पॉटर, फ्रेडरिक श्लेमीमेकर ने इसके बारे में लिखा, चित्रकार ओटो रोंगे (चित्रकार का मित्र प्रतीकात्मक रूप से परिदृश्य का प्रतिनिधित्व करता है), भी विचारक कार्ल ट्रैंडरॉफ़ (1782-1863), जिन्होंने गेसमटक्स्टवर्स्क की अवधारणा को विकसित किया (सार्वभौमिक कला या “कुल” के कार्यों को – एक सुसंगत रूप में समझा गया) विभिन्न कलाओं का संयोजन: कविता, संगीत, चित्रकला, नृत्य)। हर जगह कला को एक सजातीय भाषा के रूप में माना जाता है, सामग्री की विविधता के बावजूद, एक होने का खुलासा – एक “कुल काम” (Gesamtkunstwerk)।

नाटकों के संश्लेषण को पूरा करना प्रबुद्धता और रूमानियत की सीमा रेखा से लेखकों द्वारा दिया गया था: जोहान वोल्फगैंग गोएथे (फस्ट की त्रासदी में) और, विशेष रूप से, बहुमुखी विलियम ब्लेक (रहस्यवादी, कवि, चित्रकार और ग्राफिक कलाकार, सामंजस्यपूर्ण रूप से)

परिपक्व रोमांटिकतावाद में, कल्पना और सामग्री के समुदाय की अवधारणा को घोषित किया गया और पूरा किया गया, अन्य कलाओं की प्रेरणा के लिए अपना काम खोल दिया: चित्रकार यूजीन डेलाक्रोइक्स और पोलिश संगीतकार फ्राइडरिक चोपिन। अन्य पोलिश स्वच्छंदतावादी भी नाटकों के संश्लेषण को आकार देते हैं: जूलियस सलोवेकी (विशेष रूप से कविता और चित्रकार और संगीत प्रभाव की दूरदर्शी एकता) और साइप्रियन नॉरविद (एक बहुमुखी कलाकार के रूप में: कवि, चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन – “जादूगर” के रूप में, “जादूगर”) खुद कहा जाता है)।

नाटकों के संश्लेषण की भावना में महान दृश्यों में इस युग में समृद्ध शैली नाटक थी, या अधिक विशेष रूप से युग मुहावरे के लिए शैली – एक रोमांटिक नाटक। कैलंडर, और विशेष रूप से शेक्सपियर सहित बैरोक के रोमांटिक रिसेप्शन (इसे अभी भी एक युग के रूप में नहीं कहा जाता है), एक दूरदर्शी के रूप में पढ़ा जाता है जो कलात्मक स्वतंत्रता सिखाता है, कला की विभिन्न शैलियों और सामग्रियों को जोड़ता है, इसकी आकृति में एक महान भूमिका थी। रोमांटिक नाटक का सैद्धांतिक आधार विक्टर ह्यूगो द्वारा तैयार किया गया था। एक गोथियन फ़ॉस्ट, संगीत प्रभाव से भरा और, विशेष रूप से भाग II में, लगभग “फिल्म” ने कला के संश्लेषण को समकालिक दृष्टि और पूर्ति दी। रोमांटिकतावाद में अभी भी, इन विशेषताओं ने ऑपरेटिव अनुकूलन को उजागर किया है चार्ल्स गनॉड (फॉस्ट) और हेक्टर बर्लियोज़ (फॉस्ट डेमनेशन) ने दिया। पोलिश रोमांटिक ड्रामा के भीतर, डेज़ी (विशेष रूप से भाग II में) में एडम मिकिविक्ज़ और नाटकों में जूलियस सलोवेकी (सबसे आखिरी में पूरी तरह से – सैमुअल ज़ॉर्बॉस्की) समकालिक दृश्य देते हैं।

रोमांटिक ओपेरा ने मूल को नवीनीकृत किया, बारोक में आकार, शैली की परंपरा एक सिंकरेट्रिक रूप के रूप में (गैटेनो डोनिज़ेटी और लुमर्मूर से jaucja, मोडेस्ट मुसोर्स्की और बोरिअन गोडुनोव ने गुनोद और बर्लियोज़ का उल्लेख किया), और शेक्सपियर पर आधारित सभी ग्यूसेप वर्डी और ओपेरा। मैकबेथ और ओटेलो)। फ्रांस में, शैली का एक रूप, अनजाने में (इस तरह के सौंदर्य जागरूकता के बिना) बारोक का जिक्र करते हुए, एक भव्य ओपरा बन गया, जिसका प्रतिनिधि गियाकोमो मेयरबीर था। अक्सर, हालांकि, रोमांटिक ओपेरा शैली के सार को खोने, शानदार मुखर भागों के आसपास बहुत अधिक ध्यान केंद्रित किया गया था।

विशेष महत्व के स्वर्गीय रोमांटिक संगीतकार रिचर्ड वैगनर थे, जिन्होंने संगीत नाटक (ओपेरा से अलग) की अवधारणा के सिद्धांतों में सूत्रपात किया था। उनकी रचनाएँ (जैसे ट्रिस्टन और इसोल्ड, निबेलुंग रिंग की टेट्रालॉजी), इन मान्यताओं से बनी, एक रचनात्मक दृश्य कार्य के भीतर विभिन्न कलाओं की सामग्री के सामंजस्य की बैरोक-रोमांटिक अवधारणा की एक नई पूर्ति थी। वेग्नर ने “कुल कार्य” को पहले के सिद्धांतकारों द्वारा लागू किया – गेसमटकुंस्टवर्क। उन्होंने खुद अपने कामों के लिए एक कविता लिखी।

वैगनर और गेसमटकुंस्टवर्क:
ओपेरा सुधार के कुछ तत्व, अधिक “शास्त्रीय” फॉर्मूला की मांग करते हुए, 18 वीं शताब्दी के अंत में शुरू हो गए थे। ओपेरा सेरिया, और दा कैपो आरिया के लम्बे वर्चस्व के बाद, गायकों के संबंध में लिबरेटिस्ट और संगीतकार को आगे बढ़ाने के लिए एक आंदोलन शुरू हुआ, और नाटक को अधिक गहन और कम नैतिक ध्यान देने के लिए। यह आंदोलन, “सुधार ओपेरा” मुख्य रूप से क्रिस्टोफ़ विलिबल्ड ग्लुक और रानियरी डी ‘कैलाबिगी के साथ जुड़ा हुआ है। Calzabigi के साथ Gluck के सहयोग से निर्मित ओपेरा में थीम कार्ल मारिया वॉन वेबर के ओपेरा में जारी है, जब तक वैगनर, इतालवी बेल सैंटो परंपरा और फ्रेंच “तमाशा ओपेरा” दोनों को खारिज नहीं करते, संगीत, नाटक, नाटकीय प्रभाव के इस संघ को विकसित किया। और कभी-कभी नाचो।

हालांकि ये रुझान कला के एक विशिष्ट दर्शन की प्रतिक्रिया के बजाय, सौभाग्य से विकसित हुए थे; वैगनर, जिन्होंने ग्लुक के सुधारों को पहचाना और वेबर के कार्यों की प्रशंसा की, 1840 के दशक के उत्तरार्ध में उनके मौलिक सामाजिक और राजनीतिक विचारों के हिस्से के रूप में, उनके विचार को समेकित करना चाहते थे। वैगनर से पहले, अन्य जिन्होंने कला के मिलन के बारे में विचार व्यक्त किए थे, जो कि जर्मन रोमैंटिक्स के बीच एक परिचित विषय था, जैसा कि ट्रैंडनॉर्फ के निबंध के शीर्षक से स्पष्ट है, जिसमें सबसे पहले यह शब्द आया, “सौंदर्यशास्त्र, या दर्शनशास्त्र का सिद्धांत” । कला के संश्लेषण पर लिखने वाले अन्य लोगों में गॉटफ्राइड लेसिंग, लुडविग टाईक और नोवालिस शामिल थे। कार्ल मारिया वॉन वेबर की उत्साही समीक्षा ई.टी.ए. हॉफमैन के ओपेरा अंडरीन (1816) ने इसे ‘अपने आप में एक कला कार्य पूरा करने के रूप में स्वीकार किया, जिसमें संबंधित और सहयोगी कलाओं का आंशिक योगदान एक साथ होता है, गायब हो जाता है, और गायब हो जाता है, किसी तरह एक नई दुनिया का निर्माण करता है।’

वैग्नर ने अपने 1849 के निबंध “आर्ट एंड रेवोल्यूशन” और “द आर्टवर्क ऑफ द फ्यूचर” में केवल दो अवसरों पर ‘गेसमटकुंस्टवर्क’ (जिसका अर्थ उन्होंने ‘गेसमक्टकुंस्टवर्क’ लिखा था) था, जहां वह अपने सभी कार्यों को एकीकृत करने के अपने आदर्श की बात करते हैं। थिएटर के माध्यम से कला। उन्होंने इन निबंधों में ‘भविष्य की घाघ कलाकृति’ और ‘एकीकृत नाटक’ जैसी कई समान अभिव्यक्तियों का भी इस्तेमाल किया और अक्सर ‘गेसमटकुंस्ट’ का उल्लेख किया। कला का ऐसा काम लोक कथा का सबसे स्पष्ट और सबसे गहरा अभिव्यक्ति होना था, हालांकि इसके राष्ट्रवादी विशिष्टों से एक सार्वभौमिक मानवतावादी कथा के लिए सार।

वैगनर ने अटारी त्रासदी को “महान गेसमटकुंस्टवर्क” कहा। उसके बाद द आर्ट ऑफ द फ्यूचर में, उसके तुरंत बाद, वैगनर ने इस शब्द के अर्थ का विस्तार किया। एक अभिन्न, विविध कला कार्य के अपने संकल्पना में, जिसका विस्तार से वर्णन उन्होंने अपनी व्यापक पुस्तक ओपेरा और नाटक में किया था और बाद में दूसरों द्वारा एक संगीत नाटक के रूप में संबोधित किया गया, वैगनर ने एक सामान्य उद्देश्य, नाटक के लिए व्यक्तिगत “बहन कला” को गौण किया। उनके दृष्टिकोण से, श्रम के बढ़ते विभाजन (उदाहरण के लिए नाटकीय विभाजनों के अलगाव में) और समाज में अहंकारी अलगाव को समाप्त किया जाना चाहिए। उसी समय, एक रोल मॉडल और दुश्मन के रूप में, उन्होंने फ्रांसीसी भव्य ओपेरा की कल्पना की, जिसमें सभी मंच कलाएं अपने नवीनतम तकनीकी स्टैंड पर पहले से ही एकजुट थीं। वैगनर ने इस विश्वास से शुरू किया कि ओपेरा गलत तरीके से चल रहा था अगर यह संगीत को पूरी तरह से सेट करता है और अन्य सभी तत्वों को, सभी नाटक के ऊपर।

वैगनर के भाई-बहन एक ही समय में अभिनेता, गायक और नर्तक थे, जो 1850 के बाद थिएटर के व्यवसायों की विशेषज्ञता के कारण संभव नहीं था। दूसरे तरीके से, इस सार्वभौमिकता को बहाल किया जाना चाहिए: कलाकारों के काम में समान काम के माध्यम से अपने लेखक की सेवा में कला। वैगनर ने “सभी कलाकारों के सहयोगी” की बात की। उन्होंने जर्मन रोमैंटिक्स के सौंदर्यवादी विचारों के साथ-साथ राजनीतिक और सौंदर्यवादी प्रवचनों से शुरू किया जो 1840 के आसपास पेरिस में विभिन्न क्रांतियों के मद्देनजर वायरल हुए थे और सौंदर्यशास्त्र के माध्यम से एक सामाजिक स्वप्न को साकार करने की उम्मीद करते थे:

“कला का महान कार्य, जिसे कला के सभी शैलियों को गले लगाना चाहिए, इसलिए उपभोग करने के लिए, जैसा कि यह था, इन प्रजातियों में से प्रत्येक का अर्थ है सभी के सामूहिक उद्देश्य की प्राप्ति के पक्ष में, अर्थात्, बिना शर्त, तत्काल प्रस्ताव। पूर्ण मानव स्वभाव के रूप में, – कला के इस महान कार्य को वह व्यक्ति के मनमाने ढंग से संभव कार्य के रूप में नहीं बल्कि भविष्य के पुरुषों के अनिवार्य रूप से बोधगम्य सामान्य कार्य के रूप में पहचानता है।

वैगनर ने महसूस किया कि एशेकिलस की ग्रीक त्रासदी कुल कलात्मक संश्लेषण के अब तक के सबसे बेहतरीन (हालांकि अभी भी त्रुटिपूर्ण) उदाहरण हैं, लेकिन यह संश्लेषण बाद में यूरिपिड्स द्वारा दूषित हो गया था। वैगनर ने महसूस किया कि वर्तमान दिन (यानी 1850) तक मानव इतिहास के बाकी हिस्सों के दौरान, कला आगे और आगे बढ़ गई थी, जिसके परिणामस्वरूप ग्रैंड ओपेरा के रूप में इस तरह के “राक्षसी” थे। वैगनर ने महसूस किया कि इस तरह के कार्यों ने ब्रावुरा गायन, सनसनीखेज मंच प्रभाव और अर्थहीन भूखंडों को मनाया। “कला और क्रांति” में वैगनर ने ग्रीक त्रासदी के संदर्भ में ‘गेसमटकुंस्टवर्क’ शब्द लागू किया। “द आर्ट-वर्क ऑफ द फ्यूचर” में वह इसका उपयोग अपने स्वयं के लिए लागू करने के लिए करता है, जैसा कि अभी तक अवास्तविक, आदर्श।

अपनी व्यापक पुस्तक ओपेरा और नाटक (1851 में पूरा) में वे इन विचारों को और आगे ले जाते हैं, जिसमें उनके संघ के विचार और नाटक के बारे में विस्तार से वर्णन किया गया है (जिसे बाद में वैगनर शब्द की अस्वीकृति के बावजूद संगीत नाटक कहा गया), जिसमें व्यक्तिगत कलाओं को गौण किया गया था एक सामान्य उद्देश्य के लिए।

वैगनर का अपना ओपेरा चक्र डेर रिंग देस निबेलुन्गेन, और विशेष रूप से इसके घटक दास रेनगोल्ड और डाई वॉक्यूअर शायद सबसे नजदीकी का प्रतिनिधित्व करते हैं, या कोई और, इन आदर्शों को साकार करने के लिए आया था; वह इस चरण के बाद खुद अपनी सख्ती से आराम करने और अधिक ‘ऑपरेटिव’ लिखने के लिए था।

वैगनर ने मंच पर दर्शक का ध्यान केंद्रित करने के लिए, प्रकाश व्यवस्था, ध्वनि प्रभाव या सीटों की व्यवस्था जैसे पर्यावरणीय तत्वों को बहुत महत्व दिया, इस प्रकार नाटक में उनकी पूरी तल्लीनता प्राप्त हुई। ये विचार उस समय क्रांतिकारी थे, लेकिन जल्द ही उन्हें आधुनिक ओपेरा द्वारा ग्रहण किया गया।

Gesamtkunstwerk संगीत:
शब्द gesamtkunstwerk संगीत ने रंगमंच के आदर्श को इंगित किया जिसमें संगीत, नाटक, नृत्यकला, कविता और आलंकारिक कलाएं परिवर्तित होती हैं, ताकि विभिन्न कलाओं का एक परिपूर्ण संश्लेषण प्राप्त किया जा सके। इसके अलावा, एक ओर यह कुल काम लोगों की आत्मा की सबसे गहरी अभिव्यक्ति का गठन करेगा, दूसरी ओर इसे सार्वभौमिकता के क्षेत्र में पेश किया जाएगा। इस गर्भाधान का सर्वोच्च उदाहरण बेयरुथ, अटारी और विशेष रूप से एस्किलेन त्रासदी के रचनाकार के लिए था, जबकि बाद में, यूरिपिड्स से ऑपरेटिव परंपरा तक, विशेष रूप से इटली में, गेसमेकुनस्टवर्क का आदर्श एक प्रगतिशील गिरावट से गुजरता था; वैगनर की मंशा कला के कुल काम को फिर से स्थापित करने और इसे एक आदर्श और निश्चित कलात्मक स्वरूप के रूप में स्थापित करने की थी। वैग्नर के कुछ समय बाद, वास्तव में, अलेक्सांद्र स्क्रजबिन ने अपने प्रोमेथियस या पोम ऑफ फायर की कल्पना की, जो एक भव्य कलात्मक सिनास्टेशिया था, जिसके लिए उन्होंने एक ऐसा वाद्य यंत्र भी डिजाइन किया था, जो प्रत्येक नोट से जुड़े रंग के एक बीम से जुड़ा होता था, जिससे हॉल में बाढ़ आ जाती थी। एक परियोजना, यह, अपने समय से इतना आगे, कि इसे महसूस करना संभव नहीं था।

Gesamtkunstwerk के आदर्श को विस्टेवस सेशन के आलंकारिक कलाकारों द्वारा उकेरा गया है जिसमें गुस्ताव क्लिम्ट शामिल हैं जो विभिन्न कलाओं के एक आदर्श संलयन के मद्देनजर डिजाइन, मूर्तिकला, पेंट और सजावट करते हैं।

Gesamtkunstwerk वास्तुकला:
कुछ वास्तुशिल्प लेखकों ने गेसमटकुंस्टवर्क शब्द का उपयोग उन परिस्थितियों को इंगित करने के लिए किया है जहां एक वास्तुकार इमारत की समग्रता के डिजाइन और / या देखरेख के लिए ज़िम्मेदार है: शेल, सामान, सामान और परिदृश्य। यह दावा करना मुश्किल है कि जब गेसमटकुंस्टवर्क की धारणा को पहली बार एक इमारत और इसकी सामग्री के दृष्टिकोण से नियोजित किया गया था (हालांकि 20 वीं शताब्दी के अंत तक इस संदर्भ में इस शब्द का स्वयं उपयोग नहीं किया गया था); पहले से ही पुनर्जागरण के दौरान, माइकल एंजेलो जैसे कलाकारों ने वास्तुकला, इंटीरियर डिजाइन, मूर्तिकला, पेंटिंग और यहां तक ​​कि इंजीनियरिंग के बीच अपने कार्यों में कोई सख्त विभाजन नहीं देखा। यह इतिहासकार रॉबर्ट एल डेलेवॉय द्वारा तर्क दिया गया है कि आर्ट नोव्यू एक अनिवार्य रूप से सजावटी प्रवृत्ति का प्रतिनिधित्व करता है जो इस प्रकार खुद को वास्तुशिल्प Gesamtkunstwerk के विचार के लिए उधार देता है। लेकिन यह समान रूप से संभव है कि यह सामाजिक सिद्धांतों से पैदा हुआ था जो उद्योगवाद के उदय के डर से पैदा हुआ था।

हालाँकि पूर्ण आंतरिक के साक्ष्य जो गेसमटकुंस्टवर्क की अवधारणा को टाइप करते हैं, 1890 से कुछ समय पहले देखे जा सकते हैं। एक वास्तु आयोग के हर पहलू को नियंत्रित करने के लिए 18 वीं और 19 वीं शताब्दी में वास्तुकारों के बीच रुझान बढ़ रहा था। संरचना के लिए जिम्मेदार होने के साथ-साथ उन्होंने इंटीरियर वर्क के हर पहलू को डिजाइनिंग (या कम से कम वेटिंग) शामिल करने के लिए अपनी भूमिका का विस्तार करने की कोशिश की। इसमें न केवल आंतरिक वास्तुशिल्प विशेषताओं को शामिल किया गया था, बल्कि इसे फर्नीचर, कालीन, वॉलपेपर, कपड़े, प्रकाश जुड़नार और दरवाजे-हैंडल के डिजाइन तक बढ़ाया गया था। रॉबर्ट एडम और ऑगस्टस वेल्बी पुगिन इस प्रवृत्ति के उदाहरण हैं जो ओवर-ऑल हार्मोनाइजिंग प्रभाव पैदा करते हैं जो कुछ मामलों में टेबल सिल्वर, चाइना और कांच के बने पदार्थ की पसंद या डिज़ाइन तक विस्तारित हो सकते हैं।

वास्तुशिल्प Gesamtkunstwerk की अवधारणा के लिए एक विशिष्ट आधुनिक दृष्टिकोण बॉहॉस स्कूल के साथ उभरा, पहली बार 1919 में वाल्टर ग्रोपियस द्वारा वीमर में स्थापित किया गया था। डिजाइन, कला और शिल्प कौशल (वास्तुकला में विशेष स्कूल को 1927 तक एक अलग पाठ्यक्रम के रूप में पेश नहीं किया गया था जब तक कि यह डेसौ में स्थानांतरित नहीं हुआ था)। ग्रोपियस ने तर्क दिया कि कलाकारों और वास्तुकारों को भी शिल्पकार होना चाहिए, कि उन्हें विभिन्न सामग्रियों और कलात्मक माध्यमों के साथ काम करने का अनुभव होना चाहिए, जिसमें औद्योगिक डिजाइन, कपड़े डिजाइन और थिएटर और संगीत शामिल हैं। हालांकि, ग्रोपियस ने एक हाथ के काम के रूप में एक इमारत और इसके डिजाइन के हर पहलू को जरूरी नहीं देखा।

इयान गिलेस्पी द्वारा स्थापित कनाडाई विकास निगम वेस्टबैंक, शहरी विकास के लिए कंपनी के दृष्टिकोण और दर्शन के पीछे संस्थापक विचार के रूप में गेसमटकुंस्टवर्क का उपयोग करता है।

संश्लेषणवाद आधुनिकतावाद का प्रतीक:
रिचर्ड वैगनर की कला के “कुल” कार्य की दृष्टि से प्रभावित होकर, चार्ल्स बौडेलेर ने संगीत को सबसे व्यक्तिगत और मायावी अनुभवों और छापों को व्यक्त करने वाली कविता के लिए एक मॉडल के रूप में माना। ऐसा प्रतीकात्मक महत्व संगीतकारों को दिया गया था, क्योंकि यह उसका था – शब्द की तुलना में अधिक प्रभावी ढंग से, और यहां तक ​​कि छवि (तब भी यथार्थवादी) – जो भावनाओं को उत्तेजित करती थी और अंतर्ज्ञान को ट्रिगर करती थी। प्रसिद्ध सॉनेट बॉडेलेयर कॉरस्पॉन्डेंस (पोलिश अनुवादों में इसे समकक्षों या इकोस को दिया गया था, हालांकि शीर्षक का अर्थ केवल कॉरस्पोंडेंस है, ‘म्यूचुअल इंटरैक्शन’ के अर्थ में) ईविल के फूल से 1857 में, जल्द ही वापसी का एक हिस्सा बन गया। सौंदर्यशास्त्र के क्षेत्र में एक शब्द के रूप में corespondances des कला। बौडेलेयर ने इस सॉनेट को मनुष्य और प्रकृति की आध्यात्मिक आत्मीयता को दर्शाया, जिसे “प्रतीकों का जंगल” कहा जाता है। प्रकृति की इस रोमांटिक दृष्टि से, कवि ने प्रतीक की एक नई अवधारणा को आकर्षित किया, जैसा कि अर्थों के एक पहचानने योग्य शब्द का कण नहीं है, लेकिन एक गहरी व्यक्तिगत और समझ से बाहर दृष्टि है। बौडेलेयर ने प्रतीकात्मकता को सौंदर्यशास्त्र और एक कलात्मक दिशा के रूप में प्रेरित किया, जो कला की समृद्धि के लिए खुल गया और एक महान समकालिक दृष्टि की ओर बढ़ रहा था। इसी तरह से आर्थर रिम्बाउड ने लिखा है, जो उनके काव्य और काव्य गद्य में व्यक्त किया गया है, और क्रमिक रूप से सोनोफ्लू सॉनेट (ध्वनि और छवि के बीच की समानताएं प्रकट करता है)।

नए प्रतीकवाद की प्रेरणा से, साहित्य और कला में युग के रूप में आधुनिकतावाद अक्सर कला के संश्लेषण के लिए पहुंचे। वे रचनात्मक रूप से संगीतकार गुस्ताव महलर (उनके दर्शन-समृद्ध सिम्फनीज में) और अलेक्सांद्रा स्क्रिपियन (प्रदर्शन के भीतर ध्वनि और रंग का संयोजन – “लाइट पियानो” की प्रसिद्ध अवधारणा) विकसित कर रहे थे। यंग पोलैंड के कलाकारों में, एक कवि, चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन स्टैनिस्लाव वैस्पियास्की सबसे बहुमुखी कला समुदाय का एहसास करते हैं – विशेष रूप से नोक लिस्टेडोवा, वेस्ले और दूरदर्शी अक्रोपोलिस के नाटकों में। नाटकों का संश्लेषण भी तेदुस्स मिचिस्की द्वारा किया गया है – जिसमें चित्रकार और लगभग “फिल्म” के साथ-साथ पनाह – बेसिलिस टेफानु की त्रासदी ‘

कला के संश्लेषण और कला के पत्राचार की परिभाषाओं को अक्सर एक दूसरे के स्थान पर उपयोग किया जाता है, जबकि वे कला के उद्देश्यों और क्षेत्रों में भिन्न होते हैं जिसमें वे मुख्य रूप से प्रकट होते थे।

प्रथम विश्व युद्ध के बाद, कैलीग्राम्स (1918) के संग्रह में कवि गिलियूम अपोलिनायर ने दृश्य कविता के पूरे चरित्र (जैसे काम मेंडोलिन, लौंग और बांस) को देते हुए पाठ को नि: शुल्क ग्राफिक रचना के रूप में माना। कलाओं को संश्लेषित करने की कोशिश में, फ्यूचरिज्म भी अक्सर प्रयोग किया जाता है।

कल्पना की एक नई प्रशंसा, अतियथार्थवाद द्वारा दी गई थी, जो कुछ प्रोग्रामेटिक रूप से संघों के मुक्त क्षेत्र और विभिन्न कलाओं की सामग्री के संयोजन के लिए खुली थी। सिद्धांतवादी, आंद्रे ब्रेटन, ने मैनिफेस्टो ऑफ़ सोरियलिज़्म (1924) को मुक्त और फैंटमसैगोरिक कला का एक कार्यक्रम दिया। इन मान्यताओं के कलात्मक अहसास अधिक विनम्र थे। 1928 से लुइस बुएनुएल, एक अंडालूसी डॉग द्वारा अपवाद वाली मूक फिल्म थी – एक अस्पष्ट प्रतीकात्मक अर्थ, विशेष रूप से कामुक के साथ कठोर छवियों (एक उस्तरा के साथ आंख काटने का प्रसिद्ध दृश्य) का मतिभ्रम; लेकिन यह मुख्य रूप से अवचेतन का एक अध्ययन था। हालांकि, बाद की कला के लिए एक प्रेरणा के रूप में अतियथार्थवाद के विचार का महत्व महान है – यह कलाकार की रचनात्मक स्वतंत्रता के लिए सहमति (बैरोक और रोमांटिकता की भावना से) है।

इंटरवार अवधि में, भविष्यवादी कवि और चित्रकार, टाइटस कैज़ेवेस्की ने अपने काम को एक तरह से दृश्य कविता के करीब ले लिया – ये कविताएँ हैं पोज़ना और डोम, कविता इलेक्ट्रिक विज़न। टॉम कैज़ीवेस्की पास्तेराओल्की ने तेदुसेज़ माकोव्स्की के चित्र द्वारा पुराने ग्राफिक्स में काव्यात्मक और शैलीबद्ध पाठ के संयोजन से कला के संश्लेषण के प्रभाव को प्राप्त किया। कला के संश्लेषण के सबसे करीब दो बहुमुखी कलाकार हैं: विटकिसी और ब्रूनो शूल्ज़, दोनों रचनात्मक गतिविधियों की हद तक और काम की सामग्री को आकार देने के मामले में। विटकिसी का शुद्ध रूप सिद्धांत भी एक संकलित कला का एक प्रोजेक्ट था जो व्यक्त करता है (जैसा कि उन्होंने लिखा है) “आध्यात्मिक भावनाओं”, सौंदर्य और अस्तित्व के आयाम के संयोजन, और एक क्लींजिंग कैथार्सिस का गठन। विटक्विइक्ज़ ने अपने तेल चित्रों को एक साहित्यिक-दूरदर्शी आयाम (टेम्पटिंग सेंट एंटोनी) की अवधि से दिया, जबकि उनके नाटकों में उन्होंने तनाव, परिष्कृत रचना से भरे तनावों को चित्रित किया, जिसमें पेंटिंग और फिल्म (कुर्का सोडना, मटका, सोनाटा बील्ज़ेबूब) शामिल हैं। शुल्ज़ ने ग्राफिक्स के कामुक कथानक (Xi idga idwochwalcza) के आधार पर एक रूपरेखा तैयार की, और गद्य को अभिव्यक्ति के रूप में समृद्ध रूप से निर्मित छवियों के रूप में व्यक्त किया गया।

कला की उत्तर आधुनिकता संश्लेषण:
नया साहित्य कला के संश्लेषण के विचार को दर्शाता है, अक्सर प्रयोग के अवसर पर। जान लेचो, चित्रकला और संगीत के प्रति हमेशा संवेदनशील रहने वाले कवि, वांडा लैंडोव्स्का (अपने अंतिम खंड, मार्बल और रोज़, 1954 से) के लिए सर्बानंद की कविता, उन्होंने शीर्षक, सर्बांडे के अनुसार लगभग संगीत के रूप में वर्णित किया, जिसकी लय एक हार्पसीकोर्ड लघु से मिलती-जुलती है। जारोस्लाव इवाज़क्विविक्ज़ अभी भी विटकिस के समर्पित टुकड़े एन ईवनिंग टू अब्दोन (1922) में अंतरद्वार की अवधि में एक स्वप्नदोष, एक विशिष्ट संगीत ताल और छवियों की परतों की एक विशदता जैसी एक मनोदशा कहानी का निर्माण करते हैं। वर्षों बाद, मनोवैज्ञानिक कथा, चित्रित चित्रों और संगीत के लेटमोटिव रूपांकनों (वेगनर की रचनाओं का उपयोग करते हुए) के संश्लेषण की तरह, उन्होंने ड्रीम्स की मात्रा से सपनों की कहानी का निर्माण किया। गार्डन। सेरेनीटे (1974)। कविता और गद्य की देर से मात्रा में, टाट्रा एल्बम (1975) ने लयबद्ध गद्य में लिखी गई नीबो नामक एक कविता प्रकाशित की, शुरू में टिप्पणी की कि यह “सोनाटा रूप को यथासंभव शब्द में जगह देने का प्रयास है – – काम है इसलिए संगीत रूप सोनाटा का एक साहित्यिक रूपांतरण है।

समकालीन संस्कृति में, कला के प्रोग्रामेटिक संश्लेषण को संगीतकार ओलिवियर मेसिएन द्वारा आकार दिया गया था (समकालिक कल्पना के साथ संपन्न, “रंगीन सुनवाई”, रंगों और ध्वनियों को जोड़ना), विशेष रूप से असीसी के ओपेरा सेंट फ्रांसिस और मार्टेनोट तरंगों का उपयोग करके इलेक्ट्रॉनिक संगीत। Krzysztof Penderecki द्वारा विभिन्न सामग्रियों को भी ऑपरेटिव कार्यों में जोड़ा जाता है, सबसे अधिक पूरी तरह से sacra rappresentazione (ओपेरा की एक शैली विविधता) स्वर्ग में खो गया, सीधे बैरोक-रोमांटिक शैलीगत परंपरा तक पहुंच गया।

विशेष व्यक्तित्व बारोल परंपरा से बहुमुखी रोलांड टॉपर था, और विशेष रूप से, अतियथार्थवाद (वह ब्रेटन को व्यक्तिगत रूप से जानता था), एक ग्राफिक कलाकार, नाटककार और कहानीकार अपने काम को प्राप्त करने वाले, फिल्म के साथ सहयोग भी कर रहे हैं (कैसानोवा फ़ेलिनी के लिए जादू लालटेन)।

रिकॉर्डिंग और दृश्य आंदोलन की तकनीक के रूप में आधुनिक काल के दौरान बनाई गई फिल्म, और समय और कला के साथ, ध्वनि और रंग की शुद्धता के भीतर संदेश की तकनीकी परिपक्वता प्राप्त होते ही एक समकालिक दृष्टि का निर्माण कर सकता था। यह 50-60 वर्षों में हुआ। बीसवी सदी। उन्होंने फिल्म के महानतम दृश्यों का निर्माण किया, फेडरिको फेलिनी – चित्रकार की कल्पना (और कलात्मक प्रतिभा) के निर्देशक, और भी संवेदनशील रूप से संवेदनशील। उन्होंने पूरे काम के दौरान नाटकों का एक संश्लेषण बनाया, चयनित दृश्यों में परिणत – भूतों के गियुलिएट्टा की फिल्मों में (सूजी, नायक के पड़ोसी के घर में कामुक और ऑरगैनिक एपिसोड), सैट्रीकॉन (सार्वजनिक घर के माध्यम से समलैंगिक प्रेमियों का चलना), रोम (चर्च फैशन शो), कैसानोवा (टॉपोर की परियोजना का जादूगर, वैगनर के संगीत एपिसोड जर्मन द्वारा साउंड कोरल), महिलाओं का शहर (नायक की पत्नी, वेर्डीव्स्का ला लेविटा से स्नेप्राज़ा आरिया में गाते हुए), और जहाज नौकायन (संगीत) है समुद्र में और डूबते हुए गायक की राख के बिखरने में वर्डी)।

लुचिनो विस्कोनी (जो ओपेरा और निर्देशित ओपेरा प्रदर्शन) को फिल्मों में तेंदुए और गोधूलि के देवताओं द्वारा एक समान शैली का खुलासा किया गया था, लेकिन विशेष रूप से वैगनर लुडविग के नायक संगीत में (जिसका नायक संगीतकार का पागल संरक्षक था – किंग लुडविग बवेरियन)। नाटकों का संश्लेषण केन रसेल द्वारा लिया गया है, उनकी फिल्मों की संतृप्त संगीतकारों के संगीत के साथ संतृप्ति भी है, जिसका उपयोग कड़ाई से दूरदर्शी दृश्यों (संगीत के प्रेमी – ताचिकोवस्की, महलर के बारे में) में किया जाता है, और डेविल्स में बारोक की एक क्रूर और नाटकीय दृष्टि दे रहे हैं। युग। Russell made the Tommy film in 1975, which is a baroque, vivid adaptation of the musical – the synthesis of arts has entered the circle of mass culture. In turn, in the films of Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), the synthesis of the arts is created by direct quotations from the works of painting, connected with the music of the great masters. A similar synthesis was obtained by Werner Herzog, associating the “pictorial” filmed landscape and sound (Glass Heart – with psychedelic rock music, Fitzcarraldo – with opera music).

In the exhibition “The Hang to Gesamtkunstwerk” by Harald Szeemann, which was shown in 1983 in the Kunsthaus Zürich, in the Museum of the 20th Century in Vienna and the beginning of 1984 also in Berlin Charlottenburg , various works of art were presented to the public: among others the Merzbau of Kurt Schwitters, the Goetheanum in Dornach, the cathedrals (like Sagrada Família) by Antonio Gaudi, the Monte Verità near Ascona, the Vittoriale degli italiani on Lake Garda. The exhibition has brought together European utopias since 1800 that do not want to limit themselves to a purely aesthetic meaning but have in mind a transformation of social reality into a renewed society.

More recently, the term Gesamtkunstwerk overlaps with that of (synthetic) intermediality. Whether works of art that address different senses at the same time, are free compositions in the sense of multimedia or mixed media, or whether they meet the requirement of unification into a Gesamtkunstwerk, is a matter of interpretation. Happening, Fluxus, Performance, Experimental Theater and other phenomena are also interpreted as variations of the idea of the Gesamtkunstwerk.

A separate opera is occupied by an opera, which is an adaptation of the opera, but only when the director does not aim at realism, but draws the artistic consequences of meeting many plays within one work. That’s what Ingmar Bergman (Mozart’s The Magic Flute) and Andrzej Żuławski (Borys Godunov according to Mussorgsky) did. It is close to the European musical film, which deviates from the tradition of a realistically shaped musical – it is Jacques Demy and Parasolki of Cherbourg with Catherine Deneuve in the lead role and Legrand’s music, the film is sung entirely, but also full of tastefully colored frames.

Within the scope of painting and sculptures after World War II, the synthesis of the arts was revealed, moreover, often through the syncretism of form, and finally the departure from the finished, finished by the artist, works to show the creative process using the material of various arts. Such conceptual art as, related to it, performance improvising, showing art as a process – they use a variety of materials: painting, literary, but especially multimedia technology (especially video). Yes, with the use of electronic devices and digital technology, the old, centuries-long idea of the synthesis of arts takes shape.

Within the mass culture, the phenomenon emerging from, the simplest, synthesis of the material within the perception is a comic book. The more interesting and often sophisticated and artistically outstanding, practical manifestation of the synthesis of arts is a video clip – a phenomenon common in the popular musical culture, and based on the association of image and sound. Interpreting, or rather visualizing, a song, a music video hangs around the outline of the plot, puts on the performer the role of acting, gives meaning to the scenery, costumes, or even make-up characters. The assembly (usually its fast rhythm) is of special importance, as well as special visual effects obtained by computer. The whole resulting from this is a synthesis of arts. Pioneer achievements in this regard had the band Queen (in the video for the song “Save Me” animation was used for the first time). The original music videos were recorded by Madonna (“Music”, also “Hung Up” and “Sorry” – from the album Confessions on a Dance Floor). The master of this form was Michael Jackson, whose music video for the title song of the album Thriller is considered a masterpiece.