आधुनिक कला संग्रहालय (Moderna Museet) आधुनिक और समकालीन कला के लिए एक राज्य संग्रहालय है, जो प्राकृतिक सुंदरता की एक सेटिंग, स्केपशोलमेन द्वीप पर स्थित है। 1958 में खोला गया, इस इमारत को स्पेनिश वास्तुकार राफेल मोनेओ द्वारा डिजाइन किया गया था। 2009 में, संग्रहालय ने स्वीडन के दक्षिण में माल्मो में एक नई शाखा खोली, मॉडर्न म्यूसेट माल्मो।

मॉडर्न म्यूसेट एक राज्य संग्रहालय है जिसमें आधुनिक और समकालीन कला के लिए राष्ट्रीय जनादेश है। संग्रह यूरोप में अपनी तरह का सबसे आगे है। संग्रहालय लोगों और कला के लिए समाज और दुनिया में एक मजबूत नींव के साथ एक मिलन स्थल है। प्रदर्शनियों, संग्रह-आधारित परियोजनाओं और शैक्षिक गतिविधियों के अपने विश्व स्तरीय कार्यक्रम के साथ, मॉडर्न म्यूसेट की पर्याप्त स्थानीय उपस्थिति और अंतर्राष्ट्रीय पहुंच है। दुनिया भर के अन्य कला संस्थानों के साथ आदान-प्रदान व्यापक है।

स्टॉकहोम म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट संस्कृति मंत्रालय के तहत एक राज्य प्रशासनिक प्राधिकरण है, और इसके निर्देशों के अनुसार, 20 वीं और 21 वीं सदी की कला को उसके सभी रूपों में एकत्र करने, संरक्षित करने, प्रदर्शित करने और संचार करने का कार्य है। मॉडर्न म्यूसेट टूरिंग प्रदर्शनियों के रूप में स्वीडन के बाहर के संस्थानों के सहयोग से अंतरराष्ट्रीय संपर्कों को बढ़ावा देगा, और अंतरराष्ट्रीय कला द्विवार्षिक में स्वीडिश भागीदारी के लिए भी जिम्मेदार होगा। आधुनिक संग्रहालय भी एक केंद्रीय संग्रहालय है, जिसके क्षेत्र में राष्ट्रीय जिम्मेदारी है।

मॉडर्न म्यूसेट का उद्घाटन 9 मई, 1958 को स्केपशोलमेन के व्यायाम गृह में किया गया था। राष्ट्रीय संग्रहालय के अधीक्षक, ओट्टे स्कोल्ड ने अपने उद्घाटन भाषण में याद दिलाया कि 1908 की शुरुआत में राष्ट्रीय संग्रहालय में वर्तमान स्थानीय कला की समस्या को लिया गया था। गंभीरता से और इन संग्रहों के लिए एक नए भवन का विचार। अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, ओट्टे स्कोल्ड ने खुद के लिए संग्रहालय को महसूस किया और नया संग्रहालय बनाने की उनकी प्रतिबद्धता निर्णायक थी। अन्य लोगों के साथ, फ्रेंड्स ऑफ़ द मॉडर्न म्यूज़ियम, जिसकी स्थापना १९५३ में हुई थी, ने २०वीं सदी की कला के राष्ट्रीय संग्रहालय के संग्रह को अपना घर दिया। संग्रहालय के ड्राइविंग अधीक्षक पोंटस हल्टेन और ओले ग्रेनाथ निम्नलिखित दशकों में इन इरादों को आगे बढ़ाने के लिए अपने संपर्कों और पहलों के साथ आए।

14 फरवरी, 2004 को, उत्सव के साथ संग्रहालय भवन को फिर से खोल दिया गया। मरम्मत के अलावा, कुछ स्थानों में सुधार करने का अवसर लिया गया था, आंशिक रूप से आगंतुकों के लिए संग्रहालय के माध्यम से स्थानांतरित करना आसान बनाने के लिए, और आंशिक रूप से ऊपरी प्रवेश स्थान का अधिक पर्याप्त रूप से उपयोग करने के लिए। उसी समय, संग्रहालय के ग्राफिक प्रोफाइल को अपडेट किया गया था। फिर से खोलने पर एक और प्रमुख नई विशेषता संग्रहालय के मेजबानों की शुरूआत थी – वे लोग जिनके पास जीवन रक्षक से लेकर स्थायी और अस्थायी दोनों प्रदर्शनियों में कला के कार्यों के बारे में आगंतुकों को बताने में सक्षम होने के लिए विभिन्न प्रकार के कौशल हैं। नए मेजबानों को शुरू करने का कारण प्रवेश शुल्क समाप्त होने के बाद से आगंतुक संख्या में बड़ी वृद्धि को पूरा करना था।

१९०१ में आर्किटेक्ट जॉन स्मेडबर्ग ने गैसवेर्क्सगेटन २२ पर एक सुंदर बिजली संयंत्र की इमारत की स्थापना की। आजकल, इमारत को एक अधिक उपयुक्त संग्रहालय में बदलने का मिशन पुरस्कार विजेता वास्तुकार फर्म थाम एंड विडेगार्ड हैन्सन आर्किटेक्टर के पास गया। उन्होंने एक नया अनुबंध स्थापित करना चुना – ऐतिहासिक इमारत के लिए एक समकालीन जोड़। और इंटीरियर को पूरी तरह से नया स्थानिक क्रम दें।

मॉडर्ना मुसेट का जुनून लोगों के लिए कला की मध्यस्थता करना है। लोगों को गले लगाने, चुनौती देने और प्रेरित करने के लिए और हम कई लोगों के साथ बात करने की महत्वाकांक्षा से प्रेरित हैं। मॉडर्ना मुसेट समावेशी और विविधता का जश्न मनाने के लिए यह पहचान कर कि लोग अलग-अलग शुरुआती बिंदुओं से आते हैं। मॉडर्न म्यूसेट कला के चमत्कार को साझा करके व्यापक दर्शकों को शामिल करता है।

मॉडर्न म्यूसेट के पास अंतरराष्ट्रीय कलाकारों को ग्राउंडब्रेकिंग प्रदर्शनियों, प्रदर्शनों और अन्य प्रस्तुतियों के साथ-साथ अपने विश्व-प्रसिद्ध संग्रह के माध्यम से होस्ट करने का एक लंबा इतिहास है। बीसवीं शताब्दी से लेकर आज तक यूरोप के सबसे प्रमुख कला संग्रहों में से एक का अनुभव करें, जिसमें पिकासो, डाली, डर्कर्ट और मैटिस सहित कलाकारों द्वारा काम किया गया है।

कला की असाधारण शक्ति हमारी जीवनदायिनी है। कला अपने समय में उत्पन्न होती है और प्रतिबिंबित करती है। यह उन प्रश्नों को सक्षम बनाता है जो नए दृष्टिकोण उत्पन्न करते हैं; कलाकार एक बहुत बड़ी ताकत हैं और व्यापक रचनात्मकता को प्रोत्साहित करते हैं। मॉडर्न म्यूसेट चैंपियन कला क्योंकि यह नए रास्ते बनाता है और इतिहास और वर्तमान दोनों के एक चिंतनशील दृष्टिकोण को सक्षम बनाता है।

मॉडर्न म्यूसेट लोगों और कला के लिए एक उत्तेजक मंच था, जो एक जीवंत, खुला और गतिशील संग्रहालय है जो एक भावना के रूप में मौजूद है, जो दर्शकों को समान शर्तों पर कला का सामना करने के लिए उन्नत, आकर्षक और प्रत्यक्ष तरीके प्रदान करता है। मॉडर्ना म्यूसेट एक प्रेरक मंच बनकर नए विचारों के लिए प्रेरणा देता है, और जगह बनाता है जो विश्व स्तरीय कला को व्यापक दर्शकों के लिए सुलभ बनाता है। हमने दुनिया भर में कला संग्रहालयों के लिए नए मानक स्थापित किए हैं।

मॉडर्न म्यूसेट आधुनिक और समकालीन कला का संग्रह, संरक्षण, प्रदर्शन और मध्यस्थता करता है। मॉडर्न म्यूसेट उत्कृष्टता के उच्चतम मानकों के आधार पर हमारी सांस्कृतिक विरासत का प्रबंधन करता है और अनुसंधान उत्पन्न करता है जो उच्च गुणवत्ता वाले अंतरराष्ट्रीय सहयोग और मान्यता की ओर जाता है। मॉडर्न म्यूसेट हमारे क्षेत्र में एक अग्रणी संस्थान है और हम अपने ज्ञान को साझा करने में विश्वास करते हैं।

मॉडर्न म्यूसेट के संग्रह, शोध, प्रदर्शनियों, मध्यस्थता और संचार को एक दूसरे के पूरक और निषेचित करना चाहिए; ये गतिविधियाँ अकेले खड़ी नहीं हो सकतीं। मॉडर्न म्यूसेट खुद को उन संदर्भों के आधार पर परिभाषित करता है जिनमें हम शामिल हैं। अधिक से अधिक लोगों को सर्वोत्तम कला उपलब्ध कराने का हमारा उद्देश्य स्थायी प्रथाओं पर आधारित होना चाहिए जो पर्यावरणीय और सामाजिक प्रभावों को ध्यान में रखते हैं। मॉडर्ना मुसेट को प्रयोग करने, सीमाओं को आगे बढ़ाने और अपने कार्यों को प्रबंधित करने के तरीके में नए रास्ते अपनाने के साहस से प्रेरित होना चाहिए।

१३०,००० से अधिक कार्यों से युक्त एक कला संग्रह के साथ, मॉडर्न म्यूसेट (आधुनिक कला का संग्रहालय) आधुनिक और समकालीन कला के लिए स्वीडन का प्रमुख संग्रहालय है। मॉडर्न म्यूसेट के पास आधुनिक और समकालीन कला का यूरोप का बेहतरीन संग्रह है। संग्रह में 1900 के बाद से समकालीन पेंटिंग, मूर्तिकला, फोटोग्राफी और कला फिल्म शामिल हैं, और तस्वीरों के मामले में भी लगभग 1840 से।

20 वीं और 21 वीं सदी के प्रमुख कलाकारों द्वारा अस्थायी प्रदर्शनियों के साथ वारहोल, पिकासो और डाली जैसे कलाकारों द्वारा अंतरराष्ट्रीय कृतियों को मिलाकर, मॉडर्न म्यूसेट हमेशा बदलते कला अनुभव के लिए कई लौटने वाले आगंतुकों को आकर्षित करने का प्रबंधन करता है। मूल संग्रह में स्वीडिश और नॉर्डिक कला, 1950 और 60 के दशक की अमेरिकी कला और फ्रांसीसी-उन्मुख आधुनिकतावाद का वर्चस्व था, हालांकि, संग्रह को अधिक महिला कलाकारों को शामिल करने और सभी के कार्यों के साथ अधिक बहुमुखी संग्रह बनाने के लिए बढ़ाया गया है। दुनिया।

मॉडर्न म्यूसेट हर साल स्टॉकहोम और माल्मो दोनों में कई बड़ी प्रदर्शनियों की व्यवस्था करता है, कई मध्यम आकार की और छोटी प्रदर्शनियाँ। 2012 में, स्टॉकहोम में संग्रहालय में लगभग 500,000 आगंतुक थे और माल्मो में संग्रहालय में 100,000 से अधिक आगंतुक थे।

1958 में शुरू होने के बाद से, संग्रहालय कलाकारों के साथ घनिष्ठ संबंध के लिए जाना जाता है – उदाहरण के लिए, मार्सेल ड्यूचैम्प ने अपने जीवन के अंत में स्टॉकहोम में अपने कई कार्यों पर हस्ताक्षर किए, और एंडी वारहोल की यूरोप में अपनी पहली एकल संग्रहालय प्रदर्शनी थी। 1968 में मॉडर्ना मुसेट।

मॉडर्न म्यूसेट संग्रह में अब लगभग 6,000 पेंटिंग, मूर्तियां और प्रतिष्ठान, 25,000 जल रंग, चित्र और प्रिंट, 400 कला वीडियो और फिल्में और 100,000 तस्वीरें शामिल हैं। इस संग्रह में 20वीं और 21वीं सदी के स्वीडिश और अंतरराष्ट्रीय कलाकारों की पेंटिंग, मूर्तियां, इंस्टॉलेशन, फिल्में, वीडियो, ड्रॉइंग और प्रिंट और 1840 के दशक से लेकर आज तक की फोटोग्राफी शामिल है।

केंद्रित संग्रह पहल के लिए धन्यवाद, संग्रहालय ने अपने संग्रह की चौड़ाई और गहराई को सफलतापूर्वक बढ़ाया है। 1963 में वापस, हमारी इच्छाओं का संग्रहालय शुरू किया गया था, जिसने संग्रहालय को तुरंत एक प्रमुख यूरोपीय कला संस्थान में बदल दिया; गियाकोमो बल्ला, फ्रांसिस पिकाबिया, कर्ट श्विटर्स, जियोर्जियो डी चिरिको और कई अन्य लोगों द्वारा प्रतिष्ठित कार्यों के अधिग्रहण के लिए सरकार ने एसईके 5 मिलियन का योगदान दिया। कुछ दशक पहले, अभ्यास दोहराया गया था, लेकिन इस बार केवल महिला कलाकारों को ध्यान में रखते हुए – लुईस बुर्जुआ, डोरोथिया टैनिंग, जूडी शिकागो, सुसान हिलर और अन्य लोगों द्वारा काम किया गया था।

संग्रह का केवल एक अंश ही प्रदर्शित किया जा सकता है। लेकिन यह हमें नई अंतर्दृष्टि और प्रदर्शनी में निरंतर परिवर्तन के माध्यम से मानक कला ऐतिहासिक कथा का पता लगाने और सुधार करने की अनुमति देता है। इसमें मॉडर्न म्यूसेट माल्मो शामिल है, 2009 में खुलने के बाद से संग्रह से कार्यों को चुनने और दिखाने के अपने अभिनव कोण के साथ।

दृश्य और बौद्धिक प्रयोगों के लिए एक बड़ा कला संग्रह सर्वोत्तम संभव प्रारंभिक बिंदु है। मॉडर्न म्यूसेट, एक खुले और जीवित संग्रहालय के रूप में, आधुनिकता के मानक इतिहास को लगातार नए तरीके से अपने संग्रह को फिर से बदलकर आधुनिकतावाद के मानक इतिहास को फिर से लिख रहा है। 2009 के बाद से, संग्रहालय में दो स्थान हैं, स्टॉकहोम और माल्मो, जहां संग्रह से कार्यों के अभिनव चयन उद्घाटन के बाद से नियमित रूप से प्रदर्शित किए गए हैं। हेनरी मैटिस की मोरक्कन लैंडस्केप (एकैन्थस), रॉबर्ट रौचेनबर्ग की मोनोग्राम, और ईवा हेस्से की बिना शीर्षक वाली कुछ प्रतिष्ठित कृतियाँ, लगभग हमेशा जाँच के लिए उपलब्ध हैं।

विस्फोट! – क्रिया के रूप में चित्रकारी
विस्फोट समृद्ध और जटिल पार निषेचन और पेंटिंग, प्रदर्शन और वैचारिक कला के सीमावर्ती क्षेत्रों की पड़ताल करता है। यह पेंटिंग के इस विस्तारित विचार को 1940 के अंत से लेकर आज तक की कार्रवाई के रूप में दर्शाता है। प्रदर्शनी में दुनिया के कई हिस्सों के लगभग 45 कलाकारों द्वारा विभिन्न माध्यमों में काम शामिल होगा जैसे कि महत्वपूर्ण जापानी गुटाई समूह, अन्य शोज़ो शिमामोटो, सदामासा मोटोनागा, सबुरो मुराकामी और काज़ुओ शिरागा के साथ-साथ एलन काप्रो, जैक्सन पोलक जैसे कलाकार। निकी डी सेंट फाल, यवेस क्लेन, एना मेंडिएटा, एलिसन नोल्स, रिवेन न्यूएन्सच्वांडर, योको ओनो और लॉरेंस वेनर।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, दुनिया के विभिन्न हिस्सों में कई चित्रकारों ने पेंटिंग की मौलिक मान्यताओं पर इस तरह से हमला करना शुरू कर दिया, जो एक ही बार में आक्रामक और चंचल दोनों थे। कई कलाकारों ने रचनात्मक कार्य को उतना ही महत्व दिया जितना उन्होंने उस पेंटिंग को दिया जो इससे उत्पन्न हुई थी। पेंटिंग और प्रदर्शन के बीच की इस सीमा पर, मौके या दर्शक को अक्सर काम के सह-निर्माता के रूप में भर्ती किया जाता था। पेंटिंग और कला के प्रति इस प्रयोगात्मक, वैचारिक दृष्टिकोण ने बाद में कई अन्य कलाकारों को प्रेरित किया। हाल के वर्षों में, प्रदर्शन कला में रुचि बढ़ी है, और इसके साथ ही इसकी जड़ों में रुचि बढ़ी है।

इग्नासी अबल्ली (1958)
इग्नासी अबल्ली के काम व्यक्तियों में एक दीवार के साथ गंदे पैरों के निशान की एक लंबी लाइन होती है। वे कलाकार द्वारा दीवार के खिलाफ झुके हुए और उसके खिलाफ एक पैर आराम से बनाए गए थे। यह काम एक तरह की कोरियोग्राफी के रूप में भी काम करता है, क्योंकि दर्शकों को दीवार के खिलाफ झुककर और सामान्य रूप से बेदाग, सफेद संग्रहालय की दीवार पर गंदे पैरों के निशान छोड़कर इसे पूरा करने के लिए आमंत्रित किया जाता है। Aballí अनुपस्थिति और गायब होने के मुद्दों, और समय पर कब्जा करने के विभिन्न तरीकों से भस्म हो जाता है। एक चित्रकार के रूप में उनकी पृष्ठभूमि के आधार पर उनका अभ्यास अक्सर वैचारिक होता है।

विलियम अनास्तासी (1933)
1970 के दशक की शुरुआत में, विलियम अनास्तासी ने न्यूयॉर्क मेट्रो में रहते हुए नेत्रहीन चित्रों की एक श्रृंखला पर काम करना शुरू किया। अक्सर, वह शतरंज खेलने के लिए जॉन केज जा रहे थे। अपनी गोद में अपना स्केचपैड और प्रत्येक हाथ में एक कलम के साथ, वह अपने बड़े इयरफ़ोन लगाएगा और ध्यान केंद्रित करने और ध्यान की स्थिति प्राप्त करने के लिए अपनी आँखें बंद कर लेगा। उसका शरीर ट्रेन के लर्च, स्टॉप और त्वरण के साथ हिल गया। सीस्मोग्राफ की तरह, अनास्तासी ने अपनी स्थिति में बदलाव दर्ज किए। ट्रेन की आवाजाही को दर्ज करने के लिए खुद को एक उपकरण बनाकर, उन्होंने चित्रों के अपने लेखकत्व को त्याग दिया। काम का शीर्षक वह समय है जब इसे बनाया गया था।

जेने एंटोनी (1964)
जेनाइन एंटोनी अपने बालों को लविंग केयर हेयर कलरेंट से गैलरी के फर्श को पेंट करने के लिए पेंट ब्रश के रूप में उपयोग करती हैं। एंटोनी उन दैनिक अनुष्ठानों की पड़ताल करते हैं जो हम अपने शरीर पर करते हैं। वह रोज़मर्रा की गतिविधियाँ करती हैं, जैसे खाना, नहाना और फर्श पोंछना, और कला के अनुष्ठानों की नकल करते हुए उन्हें मूर्तिकला प्रक्रियाओं में बदल देती हैं। वह अपने दाँत तराशती है और अपने बालों और पलकों से रंगती है। वह जिन सामग्रियों का उपयोग करती है वे हैं जो आम तौर पर शरीर पर समाज में इसे परिभाषित करने के लिए उपयोग की जाती हैं – साबुन, चरबी, चॉकलेट और बाल डाई। महिलाओं के लिए उनके विशेष महत्व का मतलब है कि दर्शकों के लिंग के आधार पर उनके कार्यों की अलग-अलग व्याख्या की जाती है, उनका दावा है।

जॉन बालदेसरी (1931)
एक जमींदार का बेटा होने के कारण, जॉन बाल्डेसरी को कभी-कभी फ्लैटों को फिर से सजाना पड़ता था। वह दिखावा करता था कि वह एक पेंटिंग बना रहा है जब वह एक दीवार को पेंट करता है। इस सुखद वैचारिक अभ्यास ने उन्हें नीरस काम से निकलने में मदद की। वह एक प्रकार के चित्रकार और दूसरे प्रकार के चित्रकार के बीच अंतर के बारे में भी सोचने लगा। सिक्स कलरफुल इनसाइड जॉब्स में, बालदेसरी एक व्यक्ति को छह दिनों के लिए छह प्राथमिक और माध्यमिक रंगों में एक कमरे को फिर से रंगने देता है, यह सब ऊपर से फिल्माता है। पेंटिंग के घंटे फिल्म के मिनट बन जाते हैं। शीर्षक एक वाक्य है। इनसाइड जॉब एक ​​हॉलीवुड जासूसी नाटक का संकेत देता है। समय छह कार्यदिवसों से मेल खाता है। भगवान की तरह चित्रकार को सातवें दिन विश्राम मिलता है।

लिंडा बेंगलिस (1941)
लिंडा बेंगलिस के कार्यों की श्रृंखला में, पोर्स, पेंट को बड़े वत्स से डाला जाता है और फर्श पर सूखने के लिए छोड़ दिया जाता है। इस प्रकार, पेंट में एक कैनवास या पैनल के रूप में “समर्थन” के बिना एक मूर्तिकला, सूखे पेंट का चरित्र होता है। पोलक के विपरीत, पेंटिंग को दीवार पर नहीं लटकाया जाता है, बल्कि सीधे फर्श पर स्थापित किया जाता है। उनके चित्रकारी और मूर्तिकला गुणों के अलावा, बेंगलिस की रचनाएँ पोलक पर एक टिप्पणी भी हैं, जिसे 1970 में अमेरिकी पत्रिका लाइफ में प्रकाशित चित्रों में पोलॉक पेंटिंग की एक छोटी तस्वीर के साथ और बढ़ाया गया है।

ओले बोनियर (1925)
ओले बोनियर ने पहली बार 1947 में स्टॉकहोम में एक प्रसिद्ध समूह प्रदर्शनी में अपना काम दिखाया। दो साल बाद, 1949 में, उन्होंने प्लिंगलिंग काम बनाया, जो एक अमूर्त पेंटिंग और एक संगीत स्कोर दोनों है। इस सफेद पेंटिंग को एक इंद्रधनुषी ब्रह्मांड के रूप में देखा जा सकता है। इस ब्रह्मांड में उत्पन्न होने वाले बिंदुओं में अपरिमेय कक्षाएँ होती हैं, जो कभी-कभी आपस में टकराती हैं जिससे एक झुनझुनी ध्वनि उत्पन्न होती है। प्लिंगलिंग में इस बारे में कोई स्पष्ट निर्देश नहीं है कि इसे कैसे खेला जाना चाहिए, और हर बार प्रदर्शन करने पर परिणाम अलग होता है। बोनियर का काम प्रदर्शनकारी पेंटिंग का एक प्रारंभिक उदाहरण है, एक पेंटिंग के रूप में बनाया गया काम लेकिन इसमें ऐसे निर्देश शामिल हैं जिन्हें संगीत में बदला जा सकता है।

जॉर्ज ब्रेख्त (1926-2008)
वाटर याम एक कलाकार की किताब है जिसे जॉर्ज ब्रेख्त ने मूल रूप से 1963 में जॉर्ज मैकियुनस द्वारा डिजाइन किए गए बॉक्स में प्रकाशित किया था, जिन्होंने फ्लक्सस मेनिफेस्टो लिखा था। इस बॉक्स, जिसे कभी-कभी फ्लक्सबॉक्स या फ्लक्सकिट कहा जाता है, में विभिन्न आकारों के कार्ड होते हैं जो विभिन्न प्रकार की घटनाओं के लिए इवेंट स्कोर या फ्लक्स स्कोर होते हैं। स्कोर अक्सर मौके या संयोग के लिए जगह छोड़ देते हैं, उपयोगकर्ता या दर्शकों को मजबूर करते हैं यदि स्कोर सार्वजनिक रूप से किया जाता है, तो अपनी व्याख्या करने के लिए और इस प्रकार काम के सह-निर्माता बन जाते हैं। ब्रेख्त ने कहा कि उनके स्कोर यह सुनिश्चित करने के लिए थे कि “रोजमर्रा की जिंदगी का विवरण, वस्तुओं के यादृच्छिक नक्षत्र जो हमें घेरते हैं, किसी का ध्यान नहीं जाना बंद हो जाता है”।

टोनी कॉनराड (1940)
1960 के दशक में जब टोनी कॉनराड न्यूयॉर्क पहुंचे, तो उन्हें कला के दृश्य पर संदेह हुआ, लेकिन उन्होंने जीवंत फिल्म दृश्य की खोज की, इसे और अधिक दिलचस्प पाया क्योंकि यह कला संस्थानों से स्वतंत्र था। कॉनराड पेंटिंग में रोमांचक नए विकास के साथ फिल्म को जोड़ना चाहता था। उनकी एक रणनीति अल्ट्रा-लॉन्ग फिल्में बनाने की थी। एंडी वारहोल ने 24 घंटे तक चलने वाली फिल्में बनाई थीं। कॉनराड का काम येलो मूवी एक ऐसी फिल्म है जो 40 साल से चल रही है! विचार यह है कि सस्ता पेंट समय के साथ धीरे-धीरे रंग बदलता है। कॉनराड कहते हैं, “फिल्म” में हो रहे बदलाव को कोई नहीं माप सकता, लेकिन इसका कोई परिणाम नहीं है, क्योंकि यह आपकी अपनी कल्पना में हो रहा है।

ओविंद फाहलस्ट्रॉम (1928-1976)
yvind Fahlström एक बहुमुखी कलाकार थे जिन्होंने प्रयोगात्मक और कई विषयों में काम किया था। वह एक दृश्य कलाकार, लेखक, फिल्म निर्माता और संगीतकार थे। 1960 के दशक की शुरुआत में न्यूयॉर्क में पॉप आर्ट और कॉमिक बुक कल्चर के साथ उनकी मुलाकात का उनकी कला पर आमूलचूल प्रभाव पड़ा और उन्होंने बोर्ड गेम के रूप में परिवर्तनशील पेंटिंग बनाना शुरू कर दिया। खेल राजनीतिक, सामाजिक और आर्थिक शक्ति नक्षत्रों को चित्रित करने का उनका तरीका थे। दर्शकों को जानबूझकर नए संयोजन बनाने के लिए मार्करों और चित्रों के तत्वों को स्थानांतरित करने के लिए आमंत्रित किया जाता है।

सील फ्लोयर (1968)
सील फ्लोयर का मुख्य व्यवसाय प्रकाश, छाया और रंग है, और हम अपनी इंद्रियों के साथ दुनिया को कैसे देखते और व्याख्या करते हैं। आधुनिक तकनीक के विपुल उपयोग के साथ, वह विचार-आधारित रचनाएँ बनाती हैं जो स्पष्ट सादगी के साथ लालित्य को जोड़ती हैं। यहां, मॉनिटर स्क्रीन पूरी तरह से परस्पर बदलते रंगों से भरी हुई है। ये वास्तव में एक गिलास पानी के क्लोज-अप हैं, जिसमें विभिन्न रंगद्रव्य वाले ब्रश डुबोए जाते हैं। रंगद्रव्य वीडियो प्रौद्योगिकी के मूल रंगों के अनुरूप हैं। इस प्रकार, फ्लोयर एनालॉग और डिजिटल रंग को एक साथ लाता है।

पिनोट गैलिज़ियो (1902-1964)
1959 में, औद्योगिक चित्रकला के लिए पिनोट गैलिज़ियो का घोषणापत्र प्रकाशित हुआ था। औद्योगिक कला को यांत्रिक रूप से उत्पादित किया जाना था और सभी के लिए उपलब्ध कराया जाना था। कला लोगों के बीच बननी थी, या बिल्कुल नहीं। विचार यह था कि हजारों किलोमीटर के कैनवास का बड़े पैमाने पर उत्पादन किया जाएगा और फिर उन्हें बुर्जुआ कला से मुक्त करने के लिए वितरित किया जाएगा, जिसने वित्तीय अटकलों को जन्म दिया था और वर्ग विभाजन को बनाए रखने में योगदान दिया था। मात्रा और गुणवत्ता एक ही चीज बन जाएगी, इस प्रकार कलाकृति की स्थिति एक लक्जरी वस्तु के रूप में समाप्त हो जाएगी। गैलिज़ियो कट्टरपंथी वामपंथी कला आंदोलन का एक संस्थापक सदस्य भी था, जिसे स्थितिवाद के रूप में जाना जाता है, जो कला को पूंजीवाद की एक बुतपरस्त वस्तु के रूप में अपनी भूमिका से मुक्त करना चाहता था।

कै गुओ-कियांग (1957)
काई गुओ-कियांग हवा में चित्र बनाने के लिए बारूद और आतिशबाजी का उपयोग करता है। कभी-कभी ये काम कुछ सेकंड तक चलते हैं, कभी-कभी विस्फोट कागज या कैनवास पर निशान छोड़ जाते हैं। १९८९ से, गुओ-कियांग जमीन पर सीधे “अलौकिक लोगों के लिए परियोजनाएं” स्मारकीय विस्फोटक कार्य कर रहा है, ताकि उन्हें अन्य ग्रहों से देखा जा सके। 1998 में, गुओ-कियांग ने मॉडर्न म्यूसेट और वासा संग्रहालय के बीच जमे हुए पानी पर एक परियोजना को अंजाम दिया: फ़्यूज़ और बारूद के निशान ने दो द्वीपों के बीच के पानी को एक पल के लिए बना दिया, जैसे बाइबिल में लाल सागर, जब मूसा यहूदियों को वादा किए गए देश में ले गए।

सदाहरु होरियो (1939)
सदाहरू होरियो ने 1966 में गुटाई के साथ पहली बार अपना काम दिखाया। सालाना 100 से अधिक प्रदर्शनियों और प्रदर्शनों के साथ, उन्होंने जोर देकर कहा कि प्रदर्शनियां एक अलग स्थिति नहीं बल्कि जीवन का विस्तार हैं, और यह कि दिन-प्रतिदिन की गतिविधियाँ मूल रूप से एक प्रदर्शन हैं . प्रत्येक क्षण अलग और अपूरणीय है। होरियो एक बच्चे के खुलेपन के साथ पल की संभावनाओं के लिए खुद को समर्पित करता है। एक निरंतर अनुष्ठान में, वह अपने आस-पास की रोजमर्रा की वस्तुओं को हर दिन पेंट से ढक देता है। रंगों को चुनने से बचने के लिए, वह बॉक्स में पेंट के क्रम से चिपके रहते हैं, और इस तरह किसी भी व्यक्तिगत निशान से बचते हैं। यह चित्रकारी अनुष्ठान किसी के द्वारा भी लिया जा सकता है और अनंत काल तक कायम रखा जा सकता है।

यवेस क्लेन (1928-1962)
यवेस क्लेन के लिए, नीला रंग शून्यता, आकाश और समुद्र – अमूर्त का प्रतिनिधित्व करता है। उनके लगभग सभी काम उनके सिग्नेचर कलर, इंटरनेशनल क्लेन ब्लू में मोनोक्रोम हैं। उन्होंने एक विशेष बाइंडर का इस्तेमाल किया जो रंगद्रव्य की चमक और तीव्र चरित्र को प्रभावित नहीं करता है। क्लेन की एंथ्रोपोमेट्री एक दर्शक के साथ बनाई गई पेंटिंग हैं, जैसे प्रदर्शन। मॉडल सीधे एक-दूसरे के शरीर पर पेंट करते थे और खुद को कैनवास के खिलाफ दबाते थे, या जीवित ब्रश की तरह एक-दूसरे को खींचते थे। कहा जाता है कि क्लेन को हिरोशिमा में एक पत्थर को परमाणु बम द्वारा जलाए गए इंसान की छाया के साथ शरीर के प्रत्यक्ष छाप के रूप में पेंटिंग का विचार मिला। इस नजारे ने उनके अग्नि चित्रों को भी प्रेरित किया होगा।

अकीरा कानायामा
अकीरा कानायामा गुटाई समूह की सचिव थीं। उन्होंने मजाक में कहा कि इस पद में इतना काम शामिल था कि उनके पास पेंट करने का समय नहीं था और इसके बजाय रिमोट से नियंत्रित टॉय कार को उनके लिए पेंट करने दिया। परिणामी कार्य (1957) को जैक्सन पोलक की ड्रिप पेंटिंग के खिलाफ एक आलोचना के रूप में देखा जा सकता है, जिसके साथ वे कुछ समानता रखते हैं। कनायामा में, पेंट के साथ अपनी भावनाओं को व्यक्त करने वाले पुरुष प्रतिभा को एक खिलौना कार द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है जो कागज के चारों ओर बेतरतीब ढंग से ज़ूम करता है, पेंट का निशान छोड़ देता है, या, जैसे कि काम के पैरों के निशान, जहां कलाकार के तलवों ने कागज पर पटरियों को छोड़ दिया है। इस प्रकार कनायामा ने काम की गुणवत्ता और सरलता के लिए कलाकार की व्यक्तिगत प्रासंगिकता को चुनौती दी।

पॉल मैकार्थी
ब्लैक एंड व्हाइट टेप्स 1970 के दशक के 13 शुरुआती प्रदर्शनों का संकलन है। यह चयन विषयों के नवोदित विकास, क्रूर शारीरिकता और प्रदर्शन व्यक्तित्व को दर्शाता है जो उनके कार्य को दर्शाने के लिए आया है। हरमन निट्स्च और विएना एक्शनिस्टों की तरह, पॉल मैकार्थी नियंत्रण के नुकसान की खोज करते हैं, लेकिन अनुष्ठान तत्वों के बिना और हॉलीवुड की सतहीता और भौतिक बहुतायत के सीधे लिंक के साथ। निट्स्च और मैकार्थी दोनों के लिए सामान्य यह है कि तरल रूप (पेंट) सीधे एक कैनवास तक सीमित नहीं है, बल्कि इस तरह से फैलता है कि शरीर के तरल पदार्थ के समान होता है जो अचानक और भयावह रूप से सभी जगह दिखाई देता है।

एना मेंडिएटा
1970 के दशक की शुरुआत में, एना मेंडिएटा ने मुख्य रूप से रक्त, पृथ्वी, अग्नि और पानी से सिल्हूट और “पृथ्वी-शरीर की मूर्तियां” बनाना शुरू किया। अपने शरीर को अपने उपकरण के रूप में इस्तेमाल करते हुए, उन्होंने प्रकृति पर मानव छाप छोड़ी। उनके प्रदर्शन को फिल्म में प्रलेखित किया गया था। एना मेंडिएटा भूमि-कला और शरीर-कला के दो समकालीन आंदोलनों को संयोजित करने वाली पहली थीं, जिसके परिणामस्वरूप जीवन, मृत्यु, स्थान और अपनेपन के विषयों को शामिल किया गया था। मेंडिएटा का रक्त, बारूद, पृथ्वी और आग का कर्मकांडीय उपयोग भी सैनटेरिया के क्यूबा धर्म से जुड़ा हुआ है। तेरह साल की उम्र में, मेंडिएटा को क्यूबा से यूएसए भेजा गया था, जहाँ उसकी परवरिश अनाथालयों में हुई थी। पहचान की उसकी खोज और अपनेपन की भावना मेंडियेटा की संपूर्ण कला को प्रभावित करती है।

सबुरो मुराकामी
सबुरो मुराकामी गुटाई समूह के सह-संस्थापक थे और इसके सबसे महत्वपूर्ण सदस्यों में से एक थे। उन्होंने समूह की बाहरी प्रदर्शनियों की अवधारणा तैयार की और प्रदर्शन कृत्यों का निर्माण किया जिसमें उन्होंने अपनी सीमाओं को स्थानांतरित करके पेंटिंग को चुनौती दी और यह पता लगाया कि क्या शैली कैनवास पर पेंट से परे जा सकती है। सिक्स होल्स का काम पेंटिंग के खिलाफ एक शाब्दिक और सैद्धांतिक झटका है। कलाकार ने अपने शरीर के विभिन्न हिस्सों का उपयोग करते हुए, एक फ्रेम पर फैले भूरे रंग के कागज की कई परतों के माध्यम से छेद बनाए हैं। उनके प्रयोगों का परिणाम नए प्रकार के “पेंटिंग” थे, जो प्रदर्शन और वस्तु के बीच संबंधों को फिर से बातचीत करने का पहला कलात्मक प्रयास था।

रिवेन न्युएन्सच्वांडर
रिवेन न्युएन्सच्वांडर अपनी कला को “ईथर भौतिकवाद” कहते हैं। वह समय बीतने, जीवन की नाजुकता और मानवीय संबंधों को व्यक्त करने के लिए रोजमर्रा की सामग्री का उपयोग करती है, अक्सर अंतिम परिणाम निर्धारित करने के लिए मौका और व्याख्यात्मक प्रक्रियाओं की अनुमति देती है, जैसे कि जब उसने दो रसोइयों को खरीदारी की सूची के आधार पर भोजन बनाने के लिए कहा। एक सुपरमार्केट का फर्श। सेकेंडरी स्टोरीज़ (2006) के काम में, टिशू पेपर के चमकीले रंग के घेरे पंखे के साथ एक आंतरिक छत के ऊपर बने होते हैं। कभी-कभी, वे बेतरतीब ढंग से फर्श पर गिर जाते हैं, जिससे पेंट की बूंदों जैसे नए पैटर्न बन जाते हैं।

हरमन निट्स्चो
वियना एक्शनिस्ट्स के नाटकीय और आक्रामक पेंटिंग प्रदर्शन और शरीर कला ने कला को अनुष्ठानों और धर्म के साथ जोड़ा। कई मायनों में, हरमन निट्स्च की रचनाएँ शास्त्रीय नाटकों की तरह हैं, जिसमें उनके रेचन के लिए प्रयास, पीड़ा के माध्यम से उपचार शुद्धि का एक रूप है। वे इस तथ्य का विरोध करते हैं कि आधुनिक पश्चिमी मनुष्य अब तक उन कर्मकांडों से दूर हो गया है जो अपने शुद्धिकरण और पुनर्योजी प्रभाव से परमानंद का कारण बने। इन विचारों के अनुसार, हम महान आनंद का अनुभव तब तक नहीं कर सकते जब तक कि हम दर्द, शोक और भय का अनुभव भी न कर लें। विएना एक्शनिस्ट्स की प्रथाओं को ऑस्ट्रियाई अभिव्यक्तिवादी परंपरा के हिस्से के रूप में देखा जा सकता है, जिसमें कैथोलिकवाद, मनोविश्लेषण और बुर्जुआ, पदानुक्रमित सामाजिक व्यवस्था के खिलाफ विद्रोह के तत्व शामिल हैं।

निकी डे सेंट फ़ैल्स
1960 के दशक की शुरुआत में, Niki de Saint Phalle ने अपनी शूटिंग पिक्चर्स (Tirs) के साथ पुरुष-प्रधान कला दृश्य को उसकी नींव तक हिला दिया। इन कार्यों में, उसने लकड़ी के बोर्ड पर प्लास्टर की मोटी परतों के साथ पेंट कंटेनरों को ढक दिया। फिर उसने दूर से उन पर राइफल तान दी; जब गोली कंटेनरों में लगी, तो प्लास्टर पर पेंट बेतरतीब ढंग से निकल गया। शूटिंग का कार्य एक अत्यधिक जानबूझकर किया गया कार्य बन गया जिसे एक प्रदर्शन के रूप में भी देखा जा सकता है। इस कृत्य के बारे में बताते हुए, निकी डी सेंट फाले ने कहा कि वह सभी पुरुषों, उसके भाई, समाज, चर्च और स्कूल पर शूटिंग कर रही थी।

जैक्सन पोलक
1947 में जब जैक्सन पोलक को सफलता मिली, तो उन्होंने पेंटिंग के एक बिल्कुल नए और क्रांतिकारी तरीके को अपना लिया था। बड़े कैनवस को सीधे फर्श पर रखते हुए, उन्होंने ब्रश और स्टिक्स को लिक्विड पेंट के बर्तनों में डुबोया और इसे कैनवास पर टपकने दिया, क्योंकि वे इसके चारों ओर घूमते थे, जबकि ज़ोरदार बीबॉप या अन्य जैज़ संगीत सुनते थे। उन्होंने कहा, यह विधि, मूल अमेरिकी भारतीय रीति-रिवाजों से संबंधित थी, जो रंगीन रेत से बने थे जो सुंदर पैटर्न में बिखरे हुए थे। पोलॉक के लिए पेंटिंग का कार्य उतना ही महत्वपूर्ण था जितना कि तैयार कार्य। उनके पेंटिंग के तरीके को एक्शन पेंटिंग कहा जाता था, और उन्हें मौलिक अमूर्त अभिव्यक्तिवादी में से एक माना जाता है।

रॉबर्ट रोसचेनबर्ग, निकी डी सेंट फल्लस
मई 1961 में, कला में प्रदर्शनी आंदोलन एक पार्टी के साथ खोला गया। Niki de Saint Phalle ने एक थिएटर बैकड्रॉप में पेंट से भरे बैगों के असंख्य जोड़े थे, जिसके ऊपर उन्होंने एक प्लास्टिक शीट और एक कालीन रखा, जिससे एक डांस फ्लोर बनाया गया। जब मेहमान नाचने लगे, तो बैग फट गए, जिससे एक अमूर्त पेंटिंग बन गई। पार्टी के बाद, रॉबर्ट रोसचेनबर्ग और बिली क्लुवर (कला और प्रौद्योगिकी में प्रयोगों के संस्थापक, ईएटी) केवल शेष अतिथि थे। पेंटिंग अभी भी मंच पर पड़ी थी। वे इसे बाहर ले गए, और रोसचेनबर्ग ने सुझाव दिया कि वे काम में सुधार कर सकते हैं, और शायद इसे सड़क पर फैलाकर एक कैब चालक का ध्यान आकर्षित कर सकते हैं। कैब के रुकने से पहले कई गुजरने वाली कारों ने कैनवास पर टायर की पटरियां छोड़ दीं।

कैरोली श्नीमैन
कैरोली श्नीमैन प्रदर्शन और नारीवादी कला की अग्रणी हैं। 1960 के दशक की शुरुआत में, उन्होंने अपने शरीर को कलात्मक सामग्री के रूप में इस्तेमाल किया और “बॉडी आर्ट” के साथ काम करने वाली पहली अमेरिकी कलाकार थीं। आई बॉडी में वह न्यूड, पेंट, ग्रीस और चाक में लिपटी हुई नजर आती हैं। पेंटिंग को कैनवास से अपने शरीर में स्थानांतरित करते हुए, श्नीमैन समकालीन महिला भूमिका और महिला शरीर के लिए कला में प्रचलित दृष्टिकोण को चित्रित करने और देखने के लिए एक वस्तु के रूप में चुनौती देता है। कठोर होने के लिए उनकी आलोचना की गई है, लेकिन उनके शानदार कार्यों का हमेशा एक उद्देश्य होता है। अपने चित्रों के विषय और वस्तु दोनों के रूप में, वह महिला शरीर और कामुकता पर शक्ति को पुनः प्राप्त करती है। प्रदर्शन के अलावा, श्नीमैन असेंबल, फिल्म, वीडियो और इंस्टॉलेशन बनाता है।

ग्रहण – अंधेरे युग में कला
ग्रहण, सूर्य का काला पड़ना, समाज में एक ऐसी स्थिति का वर्णन करता है जहां ज्ञानोदय के कई आदर्शों को त्याग दिया गया प्रतीत होता है – और एक कलात्मक दृष्टिकोण। अंतरराष्ट्रीय समकालीन कला की इस प्रदर्शनी में शामिल कलाकार व्यावहारिक रूप से ज्ञानवर्धक संस्कृति में विश्वास की कमी साझा करते हैं; इसलिए शीर्षक में रूपक।

कलाकारों ने अपने मीडिया के रूप में स्थापना, मूर्तिकला, प्रदर्शन, वीडियो प्रक्षेपण और पेंटिंग का उपयोग अंधेरे या तर्कहीन विषयों का पता लगाने और तैयार करने के लिए किया। उनमें से कई के पास जीवन की बेरुखी का एक विशेष अर्थ है, जिसके परिणामस्वरूप हास्य की एक ताज़ा भावना होती है। मानव जाति की स्थिति से संबंधित अस्तित्वगत मुद्दे प्रारंभिक बिंदु हैं। प्रदर्शनी दो मुख्य ट्रैक का अनुसरण करती है: एक उदास, रहस्यमय और संक्षिप्त, दूसरा अधिक अराजक और बोझिल।

ग्रहण आज कला के बारे में एक कथन और प्रश्न दोनों है। यदि 90 के दशक में कलाकार वास्तविकता के साथ व्यस्त थे, उदाहरण के लिए, एक रुख जिसे व्यक्त किया जा सकता था, उदाहरण के लिए, वृत्तचित्र रणनीतियों और संबंधपरक सौंदर्यशास्त्र में, कई कलाकार आज अटकलों में अधिक रुचि रखते हैं, समझ से बाहर को प्रतिबिंबित करने में। यह कहना अटपटा लग सकता है कि हम एक अंधकारमय युग में जी रहे हैं। लेकिन 11 सितंबर के बाद, राजनीतिक उथल-पुथल के दौर में, हम असहिष्णुता में वृद्धि देख रहे हैं। प्रदर्शनी में कला पर प्रकाश डाला गया है जो एक सरल तरीके से राजनीतिक नहीं है, लेकिन गलत बात कहने के अपने अधिकार पर जोर देती है, कला जो प्रयोग करने के लिए कल्पना के लाइसेंस का उपयोग करती है।

माइकल बोर्रेमंस
बेल्जियम के कलाकार माइकल बोरेमैन्स (बी. 1963, गेन्ट में रहने वाले), जो अपने चित्रों और चित्रों के लिए सबसे ज्यादा जाने जाते हैं, को उनकी विशिष्ट नव-अतियथार्थवादी शैली में कई कार्यों के साथ चित्रित किया गया है। विषय वे लोग हैं जो एक सीपिया-टोंड अतीत में हैं, जो किसी गूढ़ कार्य पर एकाग्रता में झुके हुए हैं। कार्यों के शीर्षक अनिश्चितता के मूड में जोड़ते हैं कि हम किस तरह के दृश्यों को देख रहे हैं, जैसे द एडवांटेज, एक जवान आदमी को स्ट्रेटजैकेट में दिखा रहा है।

अनरी साला
Borremans के चित्रों में गूढ़ गुण Anri Sala (b। 1974, बर्लिन में रहने वाले) वीडियो कार्यों में एक पत्राचार है, जिसे अक्सर अर्ध-अंधेरे में शूट किया जाता है। अपने एक काम में, घोस्टगेम्स, दो लोग एक खेल में शामिल हैं जो अंधेरे में एक समुद्र तट हो सकता है, जहां वे प्रतिद्वंद्वी के पैरों के बीच क्रॉल करने के लिए, या दबाव, केकड़ों को लुभाने के लिए टॉर्च बीम का उपयोग करते हैं – जिससे एक गोल स्कोरिंग होता है . छवियों में जानकारी की कमी सवालों का सुझाव देती है और इंद्रियों को तेज करती है।

नथाली जुरबर्ग
नथाली जुरबर्ग (बी। 1978, बर्लिन में रहने वाले) मॉडलिंग क्ले से बने आंकड़ों के एक विचित्र ब्रह्मांड में सेट किए गए वीडियो कार्यों का निर्माण करते हैं। फिल्मों का प्रारूप बच्चों के टीवी जैसा है, लेकिन पात्र – अक्सर परेशान करने वाली मोटापे से ग्रस्त महिलाएं – क्रूर हमलों में शामिल होती हैं। Djurberg वर्तमान में मिलान में Fondazione Prada में एक एकल प्रदर्शनी में चित्रित किया गया है।

डाना शुट्ज़ो
डाना शुट्ज़’ (बी। 1976, न्यूयॉर्क में रहने वाले) चित्र भी एक अजीब, संभवतः पोस्ट-एपोकैलिकप्टिक, दुनिया को अजीबोगरीब बचे लोगों द्वारा बसाते हैं, जैसे कि ‘ऑटो-कैनिबल्स’ जो एक-दूसरे पर सर्जरी करते हैं, ‘गुरुत्वाकर्षण कट्टरपंथियों’ ‘ या वे जो केवल ‘यीशु में’ हैं। औपचारिक रूप से, वह कला इतिहास में विभिन्न शैलियों के बीच सहजता से नेविगेट करती है। उनकी पेंटिंग अक्सर उन विचारों पर आधारित होती हैं जो पेंटिंग के लिए चुनौतियों, जाहिरा तौर पर असंभव विषयों के रूप में काम करते हैं।

एलेन गैलाघेर
एलेन गैलाघेर (बी। 1965, रॉटरडैम और न्यूयॉर्क में रहने वाले) अफ्रीकी-अमेरिकी पाठकों के उद्देश्य से पुराने विज्ञापन चित्रों से बने ऐतिहासिक और पौराणिक पात्रों को मिलाते हैं। जल एक्स्टैटिक श्रृंखला से उसके कुछ जल रंग भी चित्रित किए गए हैं। श्रृंखला पनडुब्बी मनुष्यों के बारे में एक मिथक पर आधारित है – एक विशेष प्रजाति जो गर्भवती दासों से विकसित हुई थी जो दास व्यापार के अटलांटिक मार्ग पर डूब गए थे।

टॉम मैकार्थी
टॉम मैकार्थी (बी। 1969, लंदन में रह रहे हैं) आईएनएस – इंटरनेशनल नेक्रोनॉटिकल सोसाइटी के महासचिव हैं, जो 20 वीं शताब्दी के शुरुआती कलाकारों के समूहों पर एक पेस्टिच है। आईएनएस को एक रिपोर्ट के साथ चित्रित किया गया है – सभी एजेंटों को कॉल करना – ऑस्ट्रिया में समूह की बैठकों में से एक से, इस विचार को कायम रखते हुए कि कला में विध्वंसक संदेश शामिल हैं जो राजनीतिक डायनामाइट हैं। मैकार्थी द्वारा एक नया, साइट-विशिष्ट ऑडियो कार्य स्वीडिश में ऑडियोगाइड में प्रस्तुत किया जाएगा जो आम तौर पर संग्रह के माध्यम से आगंतुकों का मार्गदर्शन करने के लिए उपयोग किया जाता है।

लुकास अजेमियन
लुकास अजेमियन (बी। 1975, न्यूयॉर्क में रहने वाले) कोडित संदेशों के वाहक के रूप में कला के लिए काम करते हैं। अपने भाई, जैज़ संगीतकार जेसन अजेमियन के साथ, वह स्केपशोलमेन पर चर्च में एक प्रदर्शन बनाता है जिसे वीडियो फिल्माया जाएगा और प्रदर्शनी में दिखाया जाएगा; वे १९७१ से ब्लैक सब्बाथ क्लासिक इनटू द वॉयड बजाते हैं, पीछे की ओर, दस-आदमी ऑर्केस्ट्रा के साथ, मिथकों के संदर्भ में दावा करते हैं कि यह छिपे हुए, शैतानी संदेशों को प्रकट करेगा।

माइक नेल्सन
माइक नेल्सन (बी। 1967, लंदन में रहने वाले) भी एक समूह के साथ सहयोग करते हैं – उनके मामले में, काल्पनिक बाइकर गिरोह द एम्नेसियाक्स, जिसमें भूलने की बीमारी के साथ खाड़ी युद्ध के दिग्गज शामिल हैं। सदस्य “मदद” नेल्सन ऐसे कार्यों का निर्माण करते हैं जो उनकी यादों का पुनर्निर्माण करते हैं, जैसे कि एम्नेसियाक श्राइन – एक बड़ी स्थानिक स्थापना जिसे मॉडर्न म्यूसेट संग्रह के लिए फ्रेंड्स ऑफ़ मॉडर्न म्यूसेट से 50 वीं वर्षगांठ उपहार के रूप में वित्त पोषण के साथ हासिल किया गया था।

पॉल मैकार्थी
अपने प्रदर्शन-आधारित वीडियो कार्यों में, पॉल मैककार्थी (बी। 1945, लॉस एंजिल्स में रहने वाले) पिता के आंकड़े चित्रित करते हैं जो खतरनाक और दयनीय दोनों हैं; एक गुड़िया का सिर अल्फ्रेड ई। न्यूमैन या एक खूनी, स्नेही समुद्री डाकू जैसा दिखता है, एक प्रकार की डिज्नी वर्ल्ड में जो कि आपस में चलती है। 2006 में मॉडर्न म्यूसेट में अपने पूर्वव्यापी संबंध के संबंध में पॉल मैककार्थी के साथ मैग्नस ऑफ पीटर्सेंस का सहयोग एक ऐसी घटना थी जिसने एक्लिप्स की अवधारणा को प्रेरित किया।