प्रारंभिक बारोक संगीत

यूरोपीय संगीत ऐतिहासिक महत्व में बारोक लगभग 1600 से लेकर 1750 तक की अवधि थी। प्रारंभ से, बारोक में संगीत पुनर्जागरण संगीत से दूर हो गया। होमफोनी (एक मुख्य स्वर) के गीत में पॉलीफोनी (एक साथ कई मेलोडी) को प्रतिस्थापित करने के लिए पाठ को हावी होने, ओपेरा, ऑरेटरीज, कैंटट्स और मोनोडी बनाने के लिए, मुखर संगीत तेजी से विकसित हुआ। बारोक में शुरुआती, मोडल स्केल ज्यादातर चर्च संगीत के साथ जुड़े थे जो टोनल संगीत के साथ आदान-प्रदान करते थे। इससे ध्वनि और अधिक उन्नत टुकड़ों को लिखने की क्षमता में बहुत अंतर आया।

गैर-पादरी वाद्ययंत्र के टुकड़े बारोक में एक नवाचार थे। उनके बीच, टक्काटा, जोड़ों, प्रलोभन, रिक्करर्स और कैप्रिसियो से कैनज़ोनेर, स्वीट्स, सोनाटास और कॉन्सर्टोस के बीच एक बड़ा बदलाव था। ऑर्केस्ट्रा बारोक में महत्वपूर्ण रूप से विकसित हुआ, और जैसे ही उपकरण हमेशा बेहतर हो गए, अधिक से अधिक शामिल किए गए। बैरोक को मारने वाले उपकरण में वायलिन, सेलो, क्रॉस्पी, क्लेरनेट, बेसून, ओबो, अंग्रेजी सींग और सींग, तुरही और ट्रंबोन के शुरुआती संस्करण शामिल हैं। मुखर और वाद्य संगीत में नई नौकाएं सामान्य बास का विकास थीं, एक उपकरण को लय रखने के पहले उदाहरणों में से एक था। जहां मुखर संगीत समलैंगिक था, वाद्य यंत्र संगीत पॉलीफोनिक बना रहा, और अक्सर काउंटरपॉइंट का उपयोग किया जाता था।

प्रारंभ में बारोक संगीत इतालवी संगीतकारों का प्रभुत्व था; क्लाउडियो मोंटेवेरी उनमें से सबसे प्रसिद्ध थे। आखिरकार डच, जर्मन, फ्रेंच और अंग्रेजी संगीतकार अधिक के साथ आए। प्रत्येक देश में संगीत संस्कृति समय-समय पर इतालवी संगीत का उपयोग करने, इसके द्वारा प्रेरित या अपने संगीत की देखभाल या देखभाल के बीच भिन्न होती है। ओपेरा, उदाहरण के लिए, इतालवी ओपेरा के कब्जे से पहले गेम गाकर जर्मनी में पहली बार प्रयास किया गया था। अंग्रेजी ओपेरा इतालवी ओपेरा और मास्क प्रदर्शन का मिश्रण था, और फ्रांसीसी ओपेरा को बैले और अपनी तकनीकों की विशेषता थी, लंबे समय से जीन-बैपटिस्ट लुली द्वारा पूरी तरह शासन किया गया था। हालांकि, वेनिस और नेपल्स में विकास के माध्यम से इतालवी ओपेरा अधिक लोकप्रिय और सार्वजनिक-अनुकूल बन गया।

वाद्य यंत्र भी अलग विकसित किया। इटली में, वायलिन बहुत लोकप्रिय हो गया, और सोनाटा का वाद्य यंत्र की विशेषताओं को प्रदर्शित करने के लिए बारीकी से आविष्कार किया गया था। सोनाटा की सफलता के लिए Arcangelo Corelli महत्वपूर्ण था। फ्रांस में, मार्क-एंटोनी चारपेंटेयर जैसे संगीतकारों ने फ्रेंच मेले और ऑरेटरीज बनाए, जबकि आश्चर्यचकित बच्चे एलिज़ाबेथ जैक्केट डे ला ग्वेरे ने चुनौतीपूर्ण सीम्बलोस्टिक्स लिखे। जर्मनी में, हेनरिक श्त्ज़ और जोहान हरमन Schein ने कई नई संगीत शैलियों की शुरुआत की। सैमुअल Scheidt, और बाद में जोहान Pachelbel और Dietrich Buxtehude अंग संगीत, दोनों भूगर्भीय मेलों और सांसारिक toccata और fantasies के साथ बड़ी सफलता थी।

देर से बार में विशेष वाद्य संगीत का एक बड़ा विकास था। जोहान सेबेस्टियन बाख के तहत, दोनों टोक्का, संयुक्त और, कुछ हद तक, कल्पना ने एक महत्वपूर्ण विकास और लोकप्रियता दी। जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल ने विशेष रूप से ओपेरा और ऑरेटरीज विकसित किए, जॉर्ज फिलिप टेलीमैन ने कॉन्सर्ट, कॉमिक ओपेरा और कई अन्य विषयों का विकास किया, एंटोनियो विवाल्डी और टॉमसो अल्बिनोनी सोनेट और एकल संगीत कार्यक्रम के आगे के विकास के लिए महत्वपूर्ण थे, जीन-फिलिप रामेउ ने विकसित किया फ्रांस और इटली में ओपेरा और डोमेनिको स्कारलाट्टी और फ्रैंकोइस कूपरिन, टेलीमैन के साथ, बारोक के बाद की गैलेन्ट शैली की नींव रखी। गैलेंट शैली और क्लासिकवाद ने बारोक जटिल शैली के खिलाफ विद्रोह किया, और सरल बास चलने और अधिक सांसारिक फोकस के साथ समलैंगिक संगीत चाहता था।

प्रारंभिक बारोक (1600-1630) का संगीत
प्रारंभिक बारोक ने कई संगीत परिवर्तनों का अनुभव किया। पुनर्जागरण से संक्रमण एक homophonic गीत शैली पर ध्यान केंद्रित के साथ जल्दी हुआ जहां आप आसानी से गीत सुन सकते थे। यह तब भी था जब ओपेरा बनाया गया था, इस प्रकार गायन और रंगमंच पहले एक साथ बंधे थे। इस अवधि के दौरान, ओपेरा मुख्य रूप से कुलीनता के लिए था, जबकि अगली बारोक अवधि में यह ज्यादातर लोगों के लिए अधिक से अधिक बार किया जाता था। ओपेरा ऑरेटोरियम आया था के कुछ ही समय बाद। यह ओपेरा की तरह लग रहा था, लेकिन बहुत कम नाटकीय विशेषताएं थी। एक तीसरी गीत शैली कैनटाटा थी, जो मुख्य रूप से एक बारोक प्राणी भी थी। इसमें मूल रूप से नाटक नहीं थे, लेकिन एकल कलाकारों के साथ एक गाना बजानेवालों और टुकड़ों के बीच कुछ स्पष्टीकरण था।

प्रारंभिक बैरकों और पुनर्जागरण के बीच एक और महत्वपूर्ण अंतर यह भी था कि बारोक ने वाद्य संगीत के उद्भव और संगीत पहलुओं में संगीतकारों की संख्या में वृद्धि शुरू की। इसने फिर से संगीत में बड़े बदलाव किए, जिसमें सामान्य बास के निर्माण, विशेष स्थानों में कुछ तारों के साथ एक सुधारित बास हॉल और मोडल से टोनल संगीत में संक्रमण शामिल था। नीदरलैंड और जर्मनी में अंग संगीत भी पुनर्जागरण से स्पष्ट रूप से विकसित हुआ। बारोक संगीत ने इस प्रकार उपकरणों, संगीतकारों और ऑर्केस्ट्रस पर अधिक मांगें रखीं। क्रोमैटिक्स, हार्मोनिक्स, काउंटरपॉइंट और पुनर्जागरण संगीत के अलावा विभिन्न तकनीकों के संबंध में यह पिछले संगीत की तुलना में अधिक उन्नत था।

उपकरण अनिवार्य रूप से पुनर्जागरण के दौरान की तरह थे, लेकिन उनमें से कई, वायलिन की तरह, अधिक महत्वपूर्ण हो गए। उपकरणों की विशिष्ट ध्वनि को भी ध्यान में रखा गया था, ताकि आप इस बात के आधार पर धुन लिखना चाहें कि उपकरण कैसे आवाज उठाता है और मूड या घटनाओं को चित्रित करने के लिए उपकरण की विशिष्ट ध्वनि का उपयोग करता है। इसके अलावा, संगीत भी रणनीति और पंक्तियों के साथ ताल में तेजी से लिखा गया था, ताकि एक और अधिक अनुमान लगाया जा सके।

प्रारंभिक उपकरण उपकरण
जबकि वायलिन लंबे समय से आसपास रहा था, यह 1600 के दशक की शुरुआत में था कि इसका उपयोग “गंभीर” संगीत में ओपेरा और बैले में किया जाता था। इस तरह यह इस खेल के साथ प्रतिस्पर्धा करता था जिसे अब तक प्राथमिकता दी गई थी। खेल एक परिवार से संबंधित था जिसमें बास वायलिन और डबल बास वायलिन भी शामिल था। उत्तरार्द्ध दो आज के डबल बास के पूर्ववर्ती हो सकते हैं। सख्त परिवार के अन्य उपकरणों में फ्रांसीसी पोचेते, बिना किसी प्रकार के “जेब फिक्शन” शामिल थे और शुरुआत में ड्रेलीयर का इस्तेमाल किया जाता था।

कई स्ट्रिंग वाद्य यंत्र होते थे, आमतौर पर विविधता में, जैसे वीर, ल्यूट, मंडोलिन और बहन। उड़ाने वाले यंत्रों में, ट्रंबोन के पूर्ववर्ती सैकबट का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था। लूट मुख्य रूप से फ्रेंच संगीत के लिए आरक्षित था, जबकि सिद्धांत इटली में और अधिक जगह ले लिया।

स्काल्मेमेन, जिसे 700 के दशक में यूरोप में आने के बाद से विकसित किया गया था, अगले नौ सौ वर्षों में एक अखिल-टर्म और बास संस्करण प्राप्त हुआ। Skalmeien एक डबल ब्लेड उपकरण था, और इस प्रकार क्लेरनेट की तुलना में ओबो से अधिक संबंधित है। यह 1600 के दशक के मध्य में आए बारोक बॉब के लिए शुरुआती बिंदु था। इसके अलावा, टुकड़े के सींग, जस्ता, क्रॉसफ्लो और ब्लॉक बांसुरी दोनों का इस्तेमाल किया गया था। पक्का और टैब्स जैसे पर्क्यूशन यंत्र भी इस्तेमाल किए गए थे। सबसे अधिक उपयोग किए जाने वाले संस्थानों में से एक, विशेष रूप से बास आवाज में, मध्यम आकार के कमरे के लिए छोटे कमरे और सेम्बोलो के संकेत थे। पाइपलाइनों का उपयोग करके बड़े कमरे मुख्य रूप से चर्च थे।

संगीत विकास
पुनर्जागरण से बारोक संगीत तक संक्रमण पश्चिमी संगीत के प्रमुख उल्लंघनों में से एक था। गीत, प्राइमा प्रैटिका की पारंपरिक शैली, अंतःस्थापित मेलोडी लाइनों के साथ पुनर्जागरण (कई मेलोडीज़) के मुखर पॉलीफोनी थी। नई शैली, सेकेंड प्रैटिका ने एकलवाद, स्पष्ट पाठ, मेलोडी और बास लाइन और अभिव्यक्तिपूर्ण सद्भाव में रूचि के बीच अंतर किया। हालांकि, पॉलीफोनी से होमफोनी में संक्रमण गीत में महत्वपूर्ण था, लेकिन वाद्य संगीत में नहीं, जहां बारोक में पूरे पॉलीफोनी महत्वपूर्ण थे।

पहले और दूसरे प्रथाओं के बीच भेद 1605 और 1607 के बीच क्लाउडियो मोंटेवेर्डी और उनके भाई Giulio Cesare द्वारा 1600 से मोंटेवेर्दी के “अनावश्यक” उल्लंघन पर शासन और विसंगति के उल्लंघन के उल्लंघन के जवाब में परिभाषित किया गया था। मोंटेवेर्डी का जवाब यह था कि पहली शैली में यह संगीत था जो टेक्स्ट पर हावी था, जबकि दूसरी तरफ यह दूसरी तरफ था। मोंटेवर्डी को पता था कि दूसरे अभ्यास ने पहले स्थान नहीं बदला था, लेकिन यह एक विकल्प था।

प्रारंभिक बारोक में सबसे महत्वपूर्ण परिचयों में से एक सामान्य बास था। सामान्य बास एक बास आवाज थी जो अक्सर दो उपकरणों, जैसे कि सेम्बोलो और सेलो द्वारा खेला जाता था। सामान्य बास के लिए लिस्टिंग समय-समय पर खेला जा सकता है, लेकिन तारों के बीच मुफ्त मेलोडिक सुधार था। एक सामान्य बास जो जगह पर बने रहे, इसने संगीत उपकरणों के लिए अधिक सुधार प्रदान किया।

Tonality भी महत्वपूर्ण था। मध्ययुगीन चर्च संगीत के आधार पर पुनर्जागरण का व्यापक रूप से मोडल पैमाने द्वारा उपयोग किया गया था। हालांकि, संगीत में बारोक का विकास इतना मांग कर रहा था कि मोडल पैमाने ही पर्याप्त नहीं था। 1600 के कुछ ही समय बाद, संक्रमण टोनल संगीत में आया, जो विसंगति सहित अधिक सुन्दर स्वतंत्रता के लिए खोला गया।

प्रारंभिक बारोक में हुई एक अन्य संगीत घटनात्मक प्रभावशाली सिद्धांत था, यह विचार कि संगीत भावनाओं को फिर से बना सकता है। यहां, कुछ प्रेमों को स्टाइलिज्ड किया गया था, ताकि साहसी, ऊंचे ढेर और उच्च गति ने आनंदित किया, जबकि उदासी गहरी पड़ी थी। धीरे-धीरे गति और सुस्तता, अक्सर विसंगतियों और अन्य भावनाओं के साथ, मेलोडी, गति, वाद्ययंत्र और टोनलेली के संयोजन द्वारा प्रतीक थे। यह विशेष रूप से मोंटेवेर्डी था जिसने इसे अपने ओपेरा और मैड्रिग्स में विकसित किया था।

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16 वीं शताब्दी के मध्य में रोमांस का उपयोग वेनिस में अच्छी तरह से किया गया था, लेकिन यह विशेष रूप से बारोक की शुरुआत में था, जिसमें जियोवानी गेब्रियली के साथ कई लोग वास्तव में विकसित होना शुरू कर चुके थे। गेब्रियली ने विशेष बेटे को लिखा, और गीत के बिना संगीत टुकड़ों के बारे में लगातार इस्तेमाल करने वाले पहले व्यक्ति थे। एकमात्र सोनाटास विकसित होने से बहुत दूर थे क्योंकि वे शास्त्रीयवाद में बने थे, संगीतकारों ने उपकरणों की ताकत की डिग्री निर्धारित करने के लिए खोला था। गेब्रियली विशेष रूप से एक-दूसरे के साथ वार्तालाप में बजाने वाले उपकरणों के साथ प्रयोग किया जाता है, दोनों एक दूसरे के खिलाफ उपकरण समूह, जैसे पीतल के उड़ने वालों के खिलाफ तार, और आंतरिक ब्लोअर समूह या एक दूसरे के खिलाफ तार।

ओपेरा का विकास
ओपेरा को बारोक में शुरुआती खोजा गया था, लेकिन हो सकता है कि पास्टोरल्ड्राम, मैड्रिगल्स और इंटरमीडिओस से प्रेरित हो, तीनों नाटक और संगीत का मिश्रण। इसके अलावा, गिरोलमो मेई जैसे मानवतावादी, जो समझ गए कि यूनानी नाटकों को पूरी तरह से गाया गया था, ओपेरा के पीछे विचार के लिए महत्वपूर्ण था। माईस के विचारों पर कैमरिना फियोरेन्टिना नामक गिन बर्दी के आसपास शैक्षिक रूप से इच्छुक लोगों के सर्कल में चर्चा की गई।

चर्चा कविताओं, नाटकों और सुन्दरता से नाटक करने के तरीके के बारे में थी। पुनर्जागरण में, मैड्रिगल्स का पहले उल्लेख किया गया था, लेकिन ये गीत पॉलीफोनिक थे, और श्रोताओं के लिए कार्रवाई का पालन करना मुश्किल हो गया। कैमरेटा फियोरेन्टिना में, मोनोडीज़, गाने को सिंगल संगत के साथ गायन आवाज के लिए लिखा गया था, अक्सर मंच, गिटार, सेम्बोलो या अंग पर बनाया गया था। केवल एक गीत के साथ, कार्रवाई का पालन करना आसान हो गया। इसके अलावा, वाक्यांश को पाठ की सामग्री का पालन करना चाहिए ताकि छोटे नोट्स और उच्च स्वरों में प्रकाशन और लंबे स्वर और कम आवाज मार्गदर्शन को और अधिक शांत मनोदशा की विशेषता हो। सबसे पहले, यह विशेष रूप से विन्सेंज़ो गैलीलि और Giulio Caccini था जो मोनोडी लिखा था, और बाद में उन्हें काफी हद तक विकसित किया। शुरुआती बारोक अवधि के अंत में मोनोड गायब हो गए, लेकिन कई अन्य यूरोपीय देशों में फैल जाने के बाद और वहां के समान गीतों को प्रेरित किया।

हालांकि, मोनोस एकल गायक थे, और संगीत रुचि रखने वाले फ्लोरेंटाइनों ने निरंतर मोनोडी की पूरी श्रृंखला को पूरा करने की संभावना पर चर्चा की। बर्डी रोम चले जाने के बाद भी, चर्चा जारी रही। जैकोपो पेरी ने ओपेरा पर 15 9 8 में डेफने (संरक्षित नहीं) और 1600 में एल यूरिडीस के साथ ओपेरा पर पहला प्रयास लिखा था। पेरी ने उन शब्दों का जप किया, जो कहानी को बताया और मोनोडी (अंततः “अरियन”) को एक साथ बांध दिया। निवासियों के लिए पृष्ठभूमि व्यापक रूप से स्वीकार्य सिद्धांत में थी कि प्राचीन यूनानियों ने अपनी कविताओं को आधा गायन किया।

ओपेरा ने प्रयोगात्मक शुरुआत की, लेकिन क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के साथ यह था कि ओपेरा को इसकी जगह मिली। ओपेरा में दिखाए गए दो प्रथाओं में पाठ और संगीत के बीच संतुलन की मोंटेवेर्डी की समझ में उनके ओपेरा एल’ऑर्फो में। उन्होंने संगीतकारों को पीछे और मंच के सामने और पृष्ठ पर भी रखा। इस तरह के एक बड़े ऑर्केस्ट्रा के अलावा, 40 संगीतकारों के साथ, संगीत को विसंगति, आश्चर्यजनक तारों और ध्वनि रंगों के सचेत उपयोग से चित्रित किया गया था। मोंटेवेर्डी ट्रॉम्बोन का उपयोग करता था, जो उस समय सांसारिक संगीत में असामान्य था, भूमिगत की भावना पैदा करने के लिए, जबकि बांसुरी ने एक और पशुधन विषय बनाया। ऑर्केस्ट्रा ने भी उत्तेजनाओं के दौरान एक और सक्रिय भूमिका निभाई, जहां वे पूरे ऑर्केस्ट्रा के साथ अक्सर नाटकीय रूप से भावनाओं को बढ़ाने के लिए खेलते थे।

मोंटेवर्डी ने कई ओपेरा लिखे। अगले वर्ष से पहले, एल एरियाना आया, जो लगभग संरक्षित नहीं है। इसके बाद 1640 में Il ritorno d’Ulisse से पहले उनके बारे में कोई ज्ञात ओपेरा नहीं है। फ्लोरेंस में शुरुआती बारोक में कोई ओपेरा भी नहीं था, हालांकि कुछ टुकड़े प्रदर्शन में काम कर रहे थे। फ्रांसेस्का Caccinis 1625 से, Roggiero dall’isola d’Alcina की मुक्ति, मोंटेवर्डी और ओपेरा, रेजीटिवेटिव्स, गाना बजानेवालों और ओपनोनिया खोलने सहित उनके समकालीन लोगों की ओपेरा की कई संगीत विशेषताओं थी, लेकिन उन्हें बैले के रूप में जाना जाता था। कुछ देर बाद, रोम ने ओपेरा की राजधानी के रूप में पदभार संभाला, जहां recitals कम सुन्दर हो गया, जबकि मेष ने अपनी सुन्दर शैली को बरकरार रखा। यह रोम में भी था कि कलाकारों ने महिलाओं के गाने गाए। रोम में, दूसरों के बीच, स्टीफानो लैंडी एक सक्रिय ओपेरा संगीतकार था। उन्होंने दोनों ओपेस को धार्मिक और कॉमिक थीम के साथ लिखा, आमतौर पर एक ही समय में इल संत ‘एलेसियो या पास्टोरल और यूनानी पौराणिक थीम जैसे ला मोर्ट डी’ऑर्फो में।

इस अवधि के अंत में जर्मनी के लिए ओपेरा का एक रूप भी था। इटली की तरह, डैफ़न नामक पहला ओपेरा (1627), लेकिन यह सांसारिक कैंटटा हो सकता है। ऐसा माना जाता है कि हेनरिक श्त्ज़ ने लिखा है, लेकिन केवल लिब्रेटो का ख्याल रखा जाता है।

Oratories और cantats
ओपेरा फैलाने के ठीक बाद, उन्मुख भी फैल गए। ऑरेटरीज धार्मिक मैड्रिगल्स और लाउडी धार्मिक ग्रंथों से दैनिक भाषा पर प्रेरित थे। एक ऑरेटोरियम (= प्रार्थना घर) एक ईसाई पाठ या संदेश की एक प्रस्तुति थी, जो प्रायः एक ओपेरा जैसा दिखता था जिसमें उसके पास रेजिटिवेटिव, क्रॉस और नृत्य थे, लेकिन इसमें एक कथाकार भी था जिसने बाइबल ग्रंथों को पढ़ा था, जिस पर कार्रवाई चल रही थी। ऑरेटरीज, हालांकि, सांसारिक संगीत से प्रभावित थे, और जैसे ही ओपेरा में धार्मिक विषयों भी थे, अंतर कभी-कभी बन गया कि ऑरेटोरियंस के पास दृश्यता नहीं थी। एमिलियो डी ‘कैवेलियर, ओपेरा के उभरने में भी सक्रिय है, ने लिखा है कि पहले ऑरेटोरियम ला रैप्पेरटेज़ियोन डी एनिमा ई डी कॉर्पो (“आत्मा और शरीर की तैयारी”) माना जाता है। ओपेरा के साथ ही, जर्मनी में ऑरेटरीज के रूप सामने आए। फिर, हेनरिक श्त्ट्ज़ ने 1623 में पहला जर्मन मामला, पुनरुत्थान इतिहास लिखा। जर्मनी में, “इतिहास” का इस्तेमाल संगीत रूप के बारे में किया गया था, और शब्द “ऑरेटोरियम” 1640 तक नहीं मिला था।

कैंटैट भी जल्दी पहुंचे। वे ज्यादातर अपराध थे और धर्मनिरपेक्ष या धार्मिक ग्रंथों पर आधारित थे। सांसारिक cantats धार्मिक से दूर विकसित हुआ। धार्मिक में एक वाद्ययंत्र परिचय, अलग-अलग एरिया और अनुवांशिक, प्रवाल खंड और भागों शामिल थे जहां मंडली गीत में भाग लेगी। यह कैंटैट वह बन गया जो बाद में जोहान सेबेस्टियन बाच जैसे जर्मन संगीतकारों के बीच मारा गया।

अन्य चर्च संगीत
कैंटट्स, मैड्रिगल्स और ऑरेटरीज के अलावा, अन्य धार्मिक मेलोडिक शैलियों भी थे। उनमें से एक फ्रांसीसी समकक्ष था। यह प्रस्ताव प्राइमा प्रैटिका को साझा करने में प्रसन्न थे, और इस प्रकार पुनर्जागरण से प्रेरित थे, मुख्य रूप से जियोवानी पियुलीगी दा फिलिस्तीना, जोसुकिन डेस प्रीज़ और ऑरलैंडो डी लासो। इसलिए उन्होंने संगीत के पाठ के रूप में संगीत किया था। एलेसेंड्रो ग्रांडी ने मोनोडियों से प्रेरित विरोधियों का उपयोग किया, और इस प्रकार मोटो दूसरे प्रैक्टिको के करीब हो गए क्योंकि संगीत कम प्रभावशाली हो गया और आवाज आगे बढ़ गई। इस मिश्रण ने ग्रांडी को विशेष रूप से दिखाया जब वह एकल दंगों, अनुकरणीय और गीतकार एरिया से प्रेरित थे।

Girolamo Frescobaldi वाद्य संगीत में प्रभावशाली था। वह सेंट पीटर चर्च में एक 25 वर्षीय के रूप में एक जीवित व्यक्ति बन गया, और पियानो उपकरणों, अधिमानतः अंग के लिए कई काम किए। उन्होंने कंबेलो और अंग के लिए टोकरेटर, कैप्रिकियोयर और रिचर्करोस लिखा, अक्सर चर्च संदर्भ में। फ्रेशकोबलडी अपनी स्वर भाषा के लिए सबसे मशहूर थी, जिसे मॉडेलिटी और प्रमुख / मॉल-टोन के बीच तनाव के कारण देखा गया था। इसका मतलब यह था कि, अन्य चीजों के साथ, उन्होंने बहुत सारे रंगीन भूमिका निभाई, लेकिन वह सामंजस्यपूर्ण उपकरणों से भी चिंतित था।

इसके अलावा जर्मनी में संगीत विकास भी था और, अन्य चीजों के अलावा, माइकल प्रेटोरियस ने अपने कोरल और विशेष रूप से उनके संगीत-सैद्धांतिक सिंटाग्मा संगीत के साथ एक संगीत संक्रमण परिभाषित किया था। विशेष रूप से उनके तीन वंशज, हेनरिक श्त्ज़, जोहान हरमन Schein और सैमुअल Scheidt, जो काफी हद तक जर्मनी में Baroque संगीत पेश किया गया था। तीन, जिसे अक्सर “तीन एस-एर” कहा जाता है जिसे एक-दूसरे और प्रेटोरियस के लिए जाना जाता है।

इनमें से, यह विशेष रूप से सैमुअल स्कीड था जिसने अंग संगीत लिखा था। स्कीड ने स्थापित अंग चैंपियन जन पीटरस्ज़ून स्वीवेलिन के तहत अंग प्रौद्योगिकी का अध्ययन किया। 1624 से स्कीड्स टबुलतुरा नोवा को पहला महत्वपूर्ण जर्मन अंग संग्रह माना जाता है। स्कीड ने सामान्य बास और ध्वनि विकास का उपयोग किया, और इसके अलावा उन्होंने संगीत में विपरीत लिखा। Scheidt विशेष रूप से fantasia टुकड़ों में सक्रिय था, और उस समय उत्तरी जर्मन अंग संगीत के विकास के लिए उसका अंग संगीत बहुत महत्वपूर्ण था।

जोहान हरमन Schein जर्मन कोरल परंपरा के साथ आधुनिक और इतालवी मिश्रण में सफल रहा। अन्य चीजों के अलावा, उन्होंने गायन आवाजों के लिए एक सजावटी गीत जोड़ा और विभिन्न आवाजों में वाक्यांशों को विभाजित किया ताकि लूथरन चर्च संगीत विकसित हो सके। उन्होंने बाद के कार्यों में एकल उपकरणों के साथ भी जोड़ा और एकल भागों और भागों के बीच में अंतर किया। ओपेला नोवा नामक इन कार्यों ने लंबे समय तक प्रदर्शनकार संगीतकारों के बीच चर्च संगीत के लिए मानक निर्धारित किया।

हेनरिक श्त्ज़ शायद तीनों का सबसे प्रभावशाली था। जियोवानी गेब्रियली के छात्र और मोंटेवेर्डी का दौरा करने के बाद, उन्होंने सबसे अच्छा संदेश प्राप्त करने के लिए ध्वनि और आवाज के उपयोग के बारे में बहुत कुछ सीखा। उन्होंने गेब्रियली के प्रमुख ऑर्केस्ट्रेशंस को उधार लिया, उदाहरण के लिए क्रमशः जर्मन और लैटिन में धार्मिक गीत दोनों स्तोत्र डेविड और कैनशन के संस्कार में। शूट्ज़ ने ओपेरा और ऑरेटरीज भी लिखे, लेकिन शुद्ध वाद्य संगीत से दूर रहे। Schütz इस अवधि से परे चर्च संगीत विकसित करना जारी रखा। Schütz विशेष रूप से कई गायों का उपयोग करने की क्षमता के लिए प्रसिद्ध हो गया, जैसा कि गैब्रियली ने किया था, और गाना बजानेवालों के खिलाफ एक-दूसरे या एकल कलाकारों के खिलाफ गायों को स्थापित करने के लिए। इसका मतलब था कि उन्होंने पाठ को हाइलाइट करने के लिए नाटकीय अनुभव बनाए। इस प्रकार, Schütz को दूसरे अभ्यास में सुरक्षित रूप से रखा जा सकता है।

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