समकालीन कला

समकालीन कला आज की कला है, जो 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध या 21 वीं शताब्दी में निर्मित होती है। समकालीन कलाकार विश्व स्तर पर प्रभावित, सांस्कृतिक रूप से विविध और तकनीकी रूप से दुनिया को आगे बढ़ाने का काम करते हैं। उनकी कला सामग्री, विधियों, अवधारणाओं और विषयों का एक गतिशील संयोजन है जो उन सीमाओं की चुनौती को जारी रखते हैं जो 20 वीं शताब्दी में पहले से ही चल रहे थे। विविध और उदार, समकालीन कला एक पूरे के रूप में एक समान, आयोजन सिद्धांत, विचारधारा, या “-विस्म” की बहुत कमी से प्रतिष्ठित है। समकालीन कला एक सांस्कृतिक संवाद का हिस्सा है जो व्यक्तिगत और सांस्कृतिक पहचान, परिवार, समुदाय और राष्ट्रीयता जैसे बड़े संदर्भ ढांचे की चिंता करता है।

शाब्दिक अंग्रेजी में, आधुनिक और समकालीन समानार्थक हैं, जिसके परिणामस्वरूप गैर-विशेषज्ञों द्वारा कुछ आधुनिक कला और समकालीन कला की शर्तों को भ्रमित और भ्रमित किया जाता है।

अन्य विषयों में, यह विशेषण अद्वितीय है: आधुनिक साहित्य और समकालीन साहित्य विभिन्न अर्थों को दर्शाते हैं। अधिक स्पष्ट रूप से, आधुनिक संगीत की अवधारणा आमतौर पर आधुनिक लोकप्रिय संगीत (बड़े पैमाने पर खपत संगीत उद्योग से) के लिए आरक्षित है; जबकि समकालीन संगीत 20 वीं सदी के अकादमिक संगीत के लिए बना है – हालांकि यह प्रकाशनों और संस्थानों को खोजने के लिए भी आम है जो दोनों संप्रदायों को आत्मसात करते हैं और ‘आधुनिक और समकालीन कला’ की बात करते हैं।

कलात्मक अभ्यास के अलावा, समकालीन कला में कला आलोचना और सिद्धांत, कला शिक्षा अपने शिक्षण संस्थानों और कला स्कूलों, क्यूरेटरशिप, समकालीन कला प्रकाशनों, मीडिया और मीडिया, सार्वजनिक और निजी संग्रह, दीर्घाओं और मेलों जैसे क्षेत्र शामिल हैं। समकालीन कला बाजार, समकालीन कला उत्पादन उद्योग और कला के समकालीन कार्यों को प्रदर्शित, संरक्षित और प्रलेखित किया जाता है।

अवधि
समकालीन कला शब्द का उपयोग आधुनिक कला या अवांट-गार्डे शब्द से बचने के लिए किया जाता है। रोजमर्रा की भाषा में, आधुनिक “समकालीन स्वाद के अनुसार समकालीन, आधुनिक” के लिए खड़ा है और इसलिए इसे समकालीन के लिए एक पर्याय माना जा सकता है। तकनीकी शब्दों में, कला और सांस्कृतिक इतिहास के संदर्भ में, आधुनिकता की अवधारणा कमोबेश कला के इतिहास से जुड़ी है, जो अभी तक बंद नहीं है, लेकिन पहले से ही ऐतिहासिक है। विशेष रूप से उत्तर आधुनिकतावाद शब्द के उद्भव के संबंध में, उत्तर आधुनिक वास्तुकला को भी देखें, यहाँ आधुनिक को समकालीन या समकालीन नहीं माना जाता है।

समकालीन कला की शर्तें, किसी भी अवधारणा, कलात्मक शैली, तकनीक, रूप या कलात्मक वर्तमान, आंदोलन या समूह से संबंधित नहीं हैं। समकालीन कला चित्रकला हो सकती है, लेकिन यह एक ऐसे रूप में भी हो सकती है जो हाल के वर्षों और दशकों में स्थापित हो गई है, जैसे कि वीडियो कला, प्रदर्शन, वैचारिक कला या अमूर्त धातु की मूर्तिकला।

समसामयिक कला न केवल कला के व्यक्तिगत कार्य को लक्षित कर सकती है, बल्कि कला उत्पादन की एक सांस्कृतिक और आर्थिक प्रणाली को भी परिसीमित करना मुश्किल है, जो आंशिक रूप से कला व्यवसाय के साथ ओवरलैप करती है और आंशिक रूप से कला बाजार की ओर खुद को उन्मुख करती है। कई संग्रहालय और नियमित कला प्रदर्शनियां आज खुद को प्रासंगिक समकालीन कला के स्थानों के रूप में देखती हैं। समकालीन कला के लिए सबसे महत्वपूर्ण प्रदर्शनी कसेल में प्रलेखित प्रदर्शनी है, जो हर पांच साल में होती है। समकालीन कला और वर्तमान कला के संदर्भ में 2007 में डॉक्यूमेंट के प्रदर्शन आयोजकों ने इस बात पर जोर दिया कि “वर्तमान” का मतलब यह नहीं है कि कल काम किए गए थे। वे आज हमारे लिए महत्वपूर्ण होने चाहिए। ”

क्षेत्र
कुछ समकालीन कला को “हमारे जीवनकाल” के भीतर निर्मित कला के रूप में परिभाषित करते हैं, जो यह स्वीकार करते हैं कि जीवनकाल और जीवन काल अलग-अलग हैं। हालांकि, एक मान्यता है कि यह सामान्य परिभाषा विशेष सीमाओं के अधीन है।

एक सामान्य विशेषण वाक्यांश के बजाय एक विशेष प्रकार की कला के रूप में “समकालीन कला” का वर्गीकरण अंग्रेजी बोलने वाली दुनिया में आधुनिकता की शुरुआत में वापस चला जाता है। लंदन में, समकालीन आर्ट सोसाइटी की स्थापना 1910 में आलोचक रोजर फ्राई और अन्य ने सार्वजनिक संग्रहालयों में जगह बनाने के लिए कला के कार्यों को खरीदने के लिए एक निजी समाज के रूप में की थी। इस शब्द का उपयोग करने वाले कई अन्य संस्थानों की स्थापना 1930 के दशक में की गई थी, जैसे 1938 में कंटेम्परेरी आर्ट सोसाइटी ऑफ एडिलेड, ऑस्ट्रेलिया और 1945 के बाद बढ़ती संख्या। कई इंस्टीट्यूट ऑफ कंटेम्परेरी आर्ट, बोस्टन ने अपने नाम बदलकर उपयोग किए हैं। इस अवधि में “आधुनिक कला”, जैसा कि आधुनिकतावाद एक ऐतिहासिक कला आंदोलन के रूप में परिभाषित हुआ, और बहुत “आधुनिक” कला “समकालीन” होना बंद हो गया। जो समकालीन है उसकी परिभाषा स्वाभाविक रूप से हमेशा चलती रहती है, वर्तमान में शुरू होने वाली तारीख के साथ लंगर डाला जाता है और 1910 में खरीदे गए समकालीन कला सोसायटी के कार्यों को अब समकालीन नहीं कहा जा सकता है।

विशेष रूप से जिन बिंदुओं को कला शैलियों में बदलाव के रूप में देखा गया है उनमें द्वितीय विश्व युद्ध और 1960 का दशक शामिल है। 1960 के दशक के बाद से शायद प्राकृतिक विराम बिंदुओं की कमी रही है, और 2010 के दशक में “समकालीन कला” का गठन करने वाली परिभाषाओं में भिन्नता है, और ज्यादातर अव्यवस्थित हैं। पिछले 20 वर्षों की कला को शामिल किए जाने की बहुत संभावना है, और परिभाषाओं में अक्सर कला को लगभग 1970 तक शामिल करना शामिल है; “देर से 20 वीं और 21 वीं सदी की शुरुआत की कला”; “देर से 20 प्रतिशत की कला। और 21 वीं सदी की शुरुआत में, दोनों एक अतिरंजना और आधुनिक कला की अस्वीकृति”; “सख्ती से बोलना,” समकालीन कला “शब्द का अर्थ आज रहने वाले कलाकारों द्वारा बनाई और बनाई गई कला है”; “1960 के दशक से कला या 70 के दशक तक यह बहुत मिनट तक”; और कभी-कभी आगे, विशेष रूप से संग्रहालय संदर्भों में, संग्रहालयों के रूप में जो समकालीन कला का एक स्थायी संग्रह अनिवार्य रूप से इस उम्र बढ़ने का पता लगाते हैं। कई लोग “मॉडर्न और कंटेम्परेरी आर्ट” तैयार करते हैं, जो इस समस्या से बचा जाता है। छोटे वाणिज्यिक दीर्घाओं, पत्रिकाओं और अन्य स्रोतों में कड़े परिभाषाओं का उपयोग किया जा सकता है, शायद 2000 से काम करने के लिए “समकालीन” को प्रतिबंधित किया गया है। कलाकार जो एक लंबे कैरियर के बाद भी उत्पादक हैं, और चल रहे कला आंदोलनों, एक विशेष मुद्दे को प्रस्तुत कर सकते हैं; दीर्घाओं और आलोचकों को अक्सर समकालीन और गैर-समकालीन के बीच अपने काम को विभाजित करने के लिए अनिच्छुक होते हैं।

समाजशास्त्री नथाली हेनिच आधुनिक और समकालीन कला के बीच एक अंतर बताते हैं, उन्हें दो अलग-अलग प्रतिमानों के रूप में वर्णित किया गया है जो आंशिक रूप से ऐतिहासिक रूप से ओवरलैप करते हैं। उसने पाया कि जहां “आधुनिक कला” प्रतिनिधित्व के सम्मेलनों को चुनौती देती है, वहीं “समकालीन कला” एक कलाकृति की धारणा को चुनौती देती है। वह ड्युचैम्प के फव्वारे (जो 1910 के दशक में आधुनिक कला की विजय के बीच में बनाया गया था) को समकालीन कला के शुरुआती बिंदु के रूप में मानते हैं, जिसने द्वितीय विश्व युद्ध के बाद गुटई के प्रदर्शन, योस क्लेन के मोनोक्रोम और रोसचेनबर्ग के एरेड डी कूनिंग ड्राइंग के साथ गति प्राप्त की।

परिभाषा
“समकालीनता” की धारणा सबसे पहले एक ऐतिहासिक धारणा है। इस दृष्टिकोण के अनुसार, समकालीन अवधि 1945 से शुरू होगी, दूसरे विश्व युद्ध के अंत के साथ और, सुविधा के लिए, अधिकांश अध्ययन 1945 से शुरू होने वाली अवधि और आज तक चले आते हैं।

“समकालीनता” का अर्थ “समरूपता” भी है। समकालीन वही है जो उसी अवधि में है। “समकालीन” इस तरह से होगा जो आज किया जाता है। कला के लिए लागू, इस धारणा में एक सौंदर्य विशिष्टता है जो विवादास्पद बन सकती है, क्योंकि अभिनेताओं के पास कार्यों की प्रभावी रूप से सराहना करने के लिए आवश्यक दूरी नहीं है। पदनाम “समकालीन कला” इसलिए केवल कालानुक्रमिक रूप से नहीं लिया जाना चाहिए, क्योंकि सभी समकालीन निर्माण समकालीन दृष्टिकोण से संबंधित नहीं हैं, और न ही वे ऐसा होने का दावा करते हैं।

नए संदर्भ यह परिभाषित करना संभव बनाते हैं कि समकालीन विधि क्या है। पहले में से एक पिछले युग के खिलाफ अपराध है; इस प्रकार “समकालीन कला” की धारणा “स्वतंत्र कला” के संबंध में और इसकी श्रेणियों (चित्रकला, मूर्तिकला, आदि) के संबंध में न केवल तथाकथित “शास्त्रीय” कलाओं की धारणा के संबंध में अपनी स्वतंत्रता का दावा करना चाहेगी। लेकिन एक “आधुनिक” तरीके से अवधारणा के संबंध में भी। इसलिए समकालीन तरीका अपने आप में बहिष्कृत है। यह “आधुनिक कला” की निरंतरता का हिस्सा है और इसे समाप्त करना चाहते हैं।

इसके अलावा, अभिव्यक्ति “समकालीन तरीके” का उपयोग आज भी जीवित और सक्रिय या अभी भी सक्षम कलाकारों के लिए किया जाता है, जो इस मामले में 1960 के दशक में समकालीन कला की उत्पत्ति को पॉप कला, वैचारिक कला, फ्लक्सस, घटनाओं के साथ रखेगा। या वीडियो कला। यह इन कलात्मक धाराओं के साथ है कि आधुनिक कला की अवधि और क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के सिद्धांत, जिसने इसे तकनीक की विशिष्टता की खोज के रूप में परिभाषित किया, समाप्त हो जाएगा।

समकालीनता की परिभाषा के लिए इस निरंतर खोज में, कला आलोचना और संस्थान एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। इस प्रकार आमतौर पर समकालीन “लेबल” दृष्टिकोण कला रूपों से बाहर रखा जाता है जिनके मुद्दे “समकालीन” आलोचना द्वारा प्रचारित प्रवृत्तियों को प्रतिबिंबित नहीं करते हैं।

भौगोलिक दृष्टिकोण से, प्रमुख मीडिया स्थानों से शुरू होता है, मुख्यतः पश्चिमी (पेरिस, लंदन, न्यूयॉर्क), और 1989 में बर्लिन की दीवार के गिरने के साथ, फिर चीन का उदय इसी समय, ग्रह पर समकालीन कला वैश्विक हो गई, अफ्रीका और लैटिन अमेरिका इस प्रगति से बच नहीं रहे।

विषय-वस्तु
समसामयिक कलाकृति के निकट आने में कई लोगों की कठिनाइयों में से एक इसकी विविधता है- सामग्री, रूप, विषय वस्तु और यहां तक ​​कि समयावधि की विविधता। यह “एक समान आयोजन सिद्धांत, विचारधारा, या धर्मवाद” की बहुत कमी से प्रतिष्ठित है जिसे हम अक्सर अन्य में देखते हैं, और अक्सर अधिक परिचित, कला काल और आंदोलनों को देखते हैं। मोटे तौर पर, हम आधुनिकतावाद को आधुनिकतावादी सिद्धांतों को देखते हुए देखते हैं – काम का फोकस स्वयं-संदर्भात्मक है, इसकी अपनी सामग्री (लाइन, आकार, रंग, रूप की जांच) की जांच। इसी तरह, प्रभाववाद एक प्रकाश और रंग के माध्यम से एक पल की हमारी धारणा को देखता है जैसा कि स्टार्क यथार्थवाद (यथार्थवाद, भी, एक कलात्मक आंदोलन है) के प्रयासों के विपरीत है।

दूसरी ओर, समकालीन कला में एक, एकल उद्देश्य या दृष्टिकोण नहीं होता है। इसके बजाय इसका दृष्टिकोण स्पष्ट नहीं है, शायद आज दुनिया के प्रति चिंतनशील है। यह, इसलिए, विरोधाभासी, भ्रामक और खुला-समाप्त हो सकता है। हालांकि, कई सामान्य विषय हैं जो समकालीन कार्यों में दिखाई दिए हैं। हालांकि ये संपूर्ण नहीं हैं, उल्लेखनीय विषयों में शामिल हैं: पहचान की राजनीति, निकाय, वैश्वीकरण और प्रवासन, प्रौद्योगिकी, समकालीन समाज और संस्कृति, समय और स्मृति, और संस्थागत और राजनीतिक आलोचना। आधुनिक, उत्तर-संरचनावादी, नारीवादी और मार्क्सवादी सिद्धांतों ने कला के समकालीन सिद्धांतों के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई है।

इतिहास

मूल
फोटोग्राफी के उद्भव ने एक्सिक्स वें शताब्दी के कई कलाकारों को प्रभावित किया है, जैसे डेगास और आधुनिक कला को जन्म देने में मदद की। कला अब केवल वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने के लिए ईमानदारी से महत्वपूर्ण कार्य करती है, फोटोग्राफी करना बेहतर है, कला अब अन्य रूपों की कोशिश कर सकती है, सौंदर्य के कैनन को तोड़ सकती है, और नए प्रयोगों और वैचारिक विचारों की पेशकश कर सकती है।

समकालीन कला में आधुनिक कला (प्रारंभिक xx वीं शताब्दी) के प्रयोगों का आधार है, और विशेष रूप से कला को पारंपरिक और संस्थागत स्थानों से बाहर निकालने की इच्छा है। इस अर्थ में, कला धीरे-धीरे अपनी प्रतिनिधि कार्यक्षमता खो रही है। समकालीन निर्माण संघर्षों में नहाए हुए यथार्थ और सत्ता की बरामदगी के लिए एक आइना बना हुआ है जो तर्कसंगतता पर इन हमलों का कारण बनता है। कला समाज के संकटों को दर्शाती है और मूल्यों की अभिव्यक्ति का स्थान बनी हुई है। कला और इतिहास के बीच संबंधों का न तो गुणात्मक रूप से मूल्यांकन किया जाता है और न ही मात्रात्मक रूप से, लेकिन वे कला के अधिक संस्थागत गर्भाधान के लिए नेतृत्व करते हैं: कलेक्टरों, प्रधान कार्यालयों, दीर्घाओं, संग्रहालयों, आदि को व्यापक दर्शकों के लिए खोलने के लिए। हालांकि, जनता को संबोधित करने के लिए संस्थागत ढांचे के बाहर अपनी कलात्मक राय व्यक्त करने की इच्छा में आधुनिक कला के अभिनेता, संस्थानों से जुड़े रहते हैं; उनका दृष्टिकोण एक विचारधारा (नाज़ीवाद के प्रति हार्टफ़ील्ड) का विरोध करना था या इसके विपरीत एक राजनीतिक विचार के प्रचार में भाग लेना था।

आधुनिक कला में लगाए गए विचारधाराओं के अंत के बावजूद, वर्तमान कलाकार संस्थानों के प्रति अपनी गहरी प्रतिबद्धता व्यक्त करके इस विरासत को अपने दम पर ले रहे हैं। विशेष रूप से, जब उनकी संवेदनशीलता परेशान होती है।

आज, समकालीन कला आधुनिक विचारधाराओं (1960 के दशक में, फिर 1990 से साम्यवाद के पतन के साथ) की गिरावट से गुजर रही है। यह नए व्यवहारों पर आधारित है: शैलीगत नवीकरण, कलात्मक मिश्रण, विविध मूल, तकनीकी कला (कंप्यूटर की गणितीय शक्ति तक पहुंच और सॉफ्टवेयर के एर्गोनॉमिक्स), वास्तविकता के दृष्टिकोण का तरीका। प्रौद्योगिकी ने हमेशा कला के लिए उपकरण लाए हैं। आज, कलाकार इसे मीडिया टूल के रूप में उपयोग करता है, और नए लोगों को आमंत्रित करता है। यह ऐतिहासिक संस्कृति पर आधारित है, सूचीबद्ध है; पढ़ता है, दौरा करता है, समझता है, खोजता है, विशेषज्ञता देता है, विषय पर ध्यान केंद्रित करता है और जो किया गया है उससे आगे निकल जाता है। वह कभी-कभी एक स्टैंड लेता है, प्रदर्शनकारी या चौंकाने वाला होना चाहता है, किसी भी मामले में वह मीडिया कवरेज चाहता है।

प्लास्टिक कला के लिए “ललित कला” से
समकालीन कला आधुनिक कला के प्रयोगों पर आधारित है, और नियमित रूप से मार्सेल ड्यूचैम्प द्वारा खोले गए उल्लंघन का दावा करती है, और अन्य जिन्होंने कला के अभ्यास को प्रतिनिधित्व की शास्त्रीय बाधाओं से मुक्त किया था।

पोस्टमॉडर्निस्ट विचार ने समकालीन कला में निहित अधिकांश समस्याओं को तैयार किया है, जो वैचारिक धाराओं (साम्यवाद और पूंजीवाद) से मुक्त हुए हैं, हालांकि, प्रतिबद्ध कलाकारों को राजनीतिक या वैचारिक गालियों की आलोचना करने से रोकते हैं।

फ्रांस में, प्लास्टिक कला के संकायों का निर्माण ललित कलाओं के अकादमिक शिक्षण से लड़ने के लिए एक आधार बनाता है; कला शिक्षा, समाजशास्त्र, नृविज्ञान, सौंदर्यशास्त्र और अन्य के क्षेत्र के लिए पूर्व में विदेशी विषय, अपने हाल के विकास के साथ धुन में कलात्मक अनुसंधान का मार्गदर्शन करते हैं।

सौंदर्य के लिए औपचारिक खोज के बाद नए सौंदर्य अनुसंधान पथ हैं, जिनमें से सबसे अधिक कट्टरपंथी, वैचारिक कला, अतिसूक्ष्मवाद, प्रदर्शन, शरीर कला, कला के अर्थ और धारणा को स्थायी रूप से संशोधित करते हैं, जो कभी-कभी निर्विवाद रूप से पहली भ्रामक दृष्टि में बदल जाता है।

कुछ धाराएँ, जैसे कि नए यथार्थवादियों, मुफ्त अनुमान और ट्रांस-एवैंट-गार्डे के साथ-साथ कुछ स्निपर्स, हालांकि, पारंपरिक माध्यमों को नहीं छोड़ते थे, जबकि मौलिक रूप से उनके रचनात्मक दृष्टिकोणों को संशोधित करते थे।

माध्यम के प्रकारों का टूटना (पेंटिंग अक्सर प्रतिष्ठानों, प्रदर्शन या अन्य के पक्ष में छोड़ दिया जाता है) और कार्यों की सामग्री गहराई से कला मध्यस्थता के नेटवर्क को संशोधित करती है; नई दीर्घाओं के अलावा, नई प्रदर्शनी संदर्भ और नए प्रसार मीडिया की उपस्थिति हैं।

पेरिस में, सैलून कम्पैराइन्स, पेरिस के शहर में आधुनिक कला के संग्रहालय में, 1954 में, इन रुझानों के सभी प्रदर्शकों के लिए बैठक बिंदु, एक ही स्थान पर, एक ही स्थान पर पेंटिंग के आलंकारिक और सार चित्रकारों के साथ सामना किया गया था। चित्रफलक।

वैश्वीकरण के युग में समकालीन कला
1980 के दशक से, एक मजबूत “तकनीकी” घटक के साथ कला दिखाई दी, वीडियो कला, संचार सौंदर्यशास्त्र, कंप्यूटर कला और उसके बाद, बाद में, डिजिटल कला, जैव-कला, आदि। सूची संपूर्ण नहीं है और प्रगति का बहुत बारीकी से अनुसरण करती है। औद्योगिक अनुसंधान के।

1990 के दशक में, पश्चिमी समकालीन कला ने तथाकथित “विकासशील” देशों के कई कलाकारों को अपना “लेबल” दिया, जो अतीत में लगभग अनुपस्थित थे। वैश्वीकरण के प्रतिमानों और क्लासिक स्पेस-टाइम संदर्भों के नुकसान ने व्यक्तिगत दृष्टिकोण, या जीवनी, समाजशास्त्रीय, यहां तक ​​कि धार्मिक घटकों को कार्य प्रक्रिया के भीतर मूल्यवान माना है।

इंटरनेट से जुड़ा संचार समकालीन कला के स्वागत और मध्यस्थता में तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है, खुद प्रदर्शनियों के ऊपर, जो तेजी से राज्य मध्यस्थता संरचनाओं को एकीकृत करता है। यह “समकालीन कला कंसल्टेंट्स” को रास्ता देता है, जो भविष्य के मूल्यों पर नि: शुल्क सलाह देते हैं। सबसे विकसित देशों (विशेष रूप से तृतीयक क्षेत्र के बढ़ते हिस्से) में जो परिवर्तन हुए हैं, उन्होंने कला के लिए एक सामान्यीकृत आवश्यकता पैदा की है, जो कलाकारों के कार्य, संकट की सीमाओं को आसान नहीं बनाता है।

आम जनता की नज़र में समकालीन कला, अक्सर अस्पष्ट और उत्तेजक होती है, जिसे अक्सर एक आधिकारिक कला का अनुकरण माना जाता है। हालाँकि, यह पहले की तुलना में आज बहुत अधिक स्वीकृत और व्यापक है; असमान गुणवत्ता के कार्यों का एक उछाल इसे भ्रामक बनाता है और सबसे अधिक बार जनता के हिस्से पर एक व्यक्तिगत निवेश की आवश्यकता होती है (देखें कला के आधुनिक सिद्धांत)।

इंटरनेट पर सूचीबद्ध, समकालीन कला के कार्य भी एक संभावित वित्तीय विंडफॉल हैं, जो वास्तव में मूल कार्यों की कीमत पर फैशन के प्रभावों को बाहर नहीं करते हैं।

मध्यम और मध्यस्थता के बीच
क्लासिक माध्यमों (तेल चित्रकला, पेस्टल, संगीन, कांस्य, संगमरमर, आदि) के अलावा, समकालीन कला विशेष रूप से नए माध्यमों के शौकीन हैं, यहां तक ​​कि “गैर-माध्यम” भी। विशेष रूप से, कई कामों का पंचांग या “प्रगति में” माध्यम की बहुत धारणा पर सवाल उठाता है, जो अक्सर एक स्थिर समर्थन के बजाय मध्यस्थता का एक सरल वेक्टर बन जाता है। यह 1980 के दशक में शुरू की गई सूचना मीडिया के परिवर्तन के अनुरूप है, जो “रिश्ते” के एक तर्क के पक्ष में धीरे-धीरे ध्वस्त हो रहे हैं:

“मूर्त” माध्यम
दर्पण (कला और भाषा दर्पण टुकड़ा)
अपशिष्ट (डैनियल स्पोएरी द्वारा एक नाश्ता), विभिन्न सामग्रियों (कंक्रीट, पृथ्वी, रेत, आदि)
मल (पर्पो मैनज़ोनी के बकवास कलाकार), मूत्र, रक्त
पॉलीस्टाइनिन, पॉलीयुरेथेन, सिलिकॉन, प्लास्टिक, आदि (सीज़र के विस्तार)
विविध वस्तुएं कमोबेश रूपांतरित या विकृत (अरमान और जेरार्ड डेसचैम्प्स का संचय)

“अमूर्त” माध्यम
पर्यावरण (विशेष रूप से भूमि कला के लिए, जेम्स टरेल प्रकाश)
सिचुएशन hic et nunc (समाजशास्त्रीय कला का सामूहिक)
वर्तमान परियोजनाएं (रोमन ओपलाका द्वारा प्रगति में काम)
प्रेस अनुभव (अंतरिक्ष मीडिया फ्रेड वन)

“तकनीकी” माध्यम
माइक्रोफिल्म (कला और भाषा)
फैक्स (हंस हैके)
कंप्यूटर सॉफ्टवेयर (कला और भाषा साइबरनेटिक आर्ट वर्क जिसे किसी ने नहीं तोड़ा)
Net.art
मैकेनिकल सिस्टम (स्टेलार्क)
जीवित जीन (जैव-कला)

कुछ माध्यम, जैसे फ़ोटोग्राफ़ी – जो “विज़ुअल आर्टिस्ट” (जोएल-पीटर विटकिन) बन जाता है – सिनेमा – जो “प्रायोगिक” (मैथ्यू बार्नी द्वारा क्रिमस्टर श्रृंखला) बन जाता है – ने अपने आप में कला की स्थिति को प्राप्त कर लिया है (उसी तरह पेंटिंग, मूर्तिकला या संगीत) की तुलना में, और आज स्वायत्त श्रेणियों का गठन करते हैं।

मल्टीमीडिया कला की धारणा, आज व्यापक रूप से सवाल करती है, प्रतिष्ठानों से कार्यों की स्थिति पर सवाल करती है, अक्सर मिश्रित प्रदर्शन, जैसा कि वे 1950 के दशक में दिखाई दिए थे।

संस्थानों
कला की दुनिया का कामकाज कला संस्थानों पर निर्भर है, जिसमें प्रमुख संग्रहालयों से लेकर निजी दीर्घाएं, गैर-लाभकारी स्थान, कला विद्यालय और प्रकाशक और व्यक्तिगत कलाकार, क्यूरेटर, लेखक, कलेक्टर और परोपकारी कलाकार शामिल हैं। कला की दुनिया में एक प्रमुख विभाजन लाभ-लाभ और गैर-लाभकारी क्षेत्रों के बीच है, हालांकि हाल के वर्षों में निजी और गैर-लाभकारी सार्वजनिक संस्थानों के बीच की सीमाएं तेजी से धुंधली हो गई हैं। ज्यादातर प्रसिद्ध समकालीन कला व्यावसायिक समकालीन कला दीर्घाओं में पेशेवर कलाकारों द्वारा, निजी संग्राहकों, कला नीलामियों, निगमों, सार्वजनिक रूप से वित्त पोषित कला संगठनों, समकालीन कला संग्रहालयों या कलाकारों द्वारा स्वयं कलाकार द्वारा प्रदर्शित की जाती हैं। समकालीन कलाकारों को अनुदान, पुरस्कार और पुरस्कार के साथ-साथ उनके काम की प्रत्यक्ष बिक्री द्वारा समर्थित किया जाता है। कैरियर कलाकार कला विद्यालय में प्रशिक्षण लेते हैं या अन्य क्षेत्रों से उभरते हैं।

सार्वजनिक रूप से वित्त पोषित समकालीन कला संगठनों और वाणिज्यिक क्षेत्र के बीच घनिष्ठ संबंध हैं। उदाहरण के लिए, 2005 में पुस्तक अंडरस्टैंडिंग इंटरनेशनल आर्ट मार्केट्स एंड मैनेजमेंट ने बताया कि ब्रिटेन में मुट्ठी भर डीलरों ने सार्वजनिक रूप से वित्त पोषित समकालीन कला संग्रहालयों में चित्रित कलाकारों का प्रतिनिधित्व किया। वाणिज्यिक संगठनों में गैलरी और कला मेले शामिल हैं।

निगमों ने भी समकालीन कला की दुनिया में खुद को एकीकृत किया है, अपने परिसर के भीतर समकालीन कला का प्रदर्शन किया है, समकालीन कला पुरस्कारों को व्यवस्थित और प्रायोजित किया है, और व्यापक कॉर्पोरेट संग्रह का निर्माण किया है। कॉरपोरेट विज्ञापनदाता अक्सर समकालीन कला और कूलहंटिंग से जुड़ी प्रतिष्ठा का उपयोग उपभोक्ताओं का ध्यान लक्जरी वस्तुओं की ओर आकर्षित करने के लिए करते हैं।

जिसे समकालीन कला के रूप में नामित किया गया है, उसे विनियमित करने के लिए कला संस्थानों की आलोचना की गई है। उदाहरण के लिए, आउटसाइडर कला, वस्तुतः समकालीन कला है, जिसमें वर्तमान समय में इसका उत्पादन किया जाता है। हालांकि, एक आलोचक ने तर्क दिया है कि ऐसा इसलिए नहीं माना जाता है क्योंकि कलाकारों को स्व-शिक्षा दी जाती है और इस तरह उन्हें एक कला ऐतिहासिक संदर्भ के बाहर काम करने के लिए माना जाता है। प्रदर्शनियों के लिए बड़े दर्शकों के बावजूद, शिल्प गतिविधियों, जैसे कपड़ा डिजाइन, को भी समकालीन कला के दायरे से बाहर रखा गया है। कला समीक्षक पीटर टिम्स ने कहा है कि इस तरह से ध्यान आकर्षित किया जाता है कि शिल्प कला को समकालीन कला के दायरे में भर्ती होने के लिए विशेष मूल्यों की सदस्यता लेनी चाहिए। “एक सिरेमिक वस्तु जो सौंदर्य की प्रकृति पर एक विध्वंसक टिप्पणी के रूप में अभिप्रेत है, समकालीन कला की परिभाषा फिट होने की अधिक संभावना है जो कि बस सुंदर है।”

किसी भी समय एक विशेष स्थान या कलाकारों का समूह बाद की समकालीन कला पर एक मजबूत प्रभाव डाल सकता है। उदाहरण के लिए, द फरस गैलरी लॉस एंजिल्स में एक व्यावसायिक गैलरी थी और पचास के दशक के अंत और साठ के दशक में कैलिफ़ोर्निया के समकालीन कला दृश्य को फिर से बढ़ाया गया था।

जनता का नजरिया
समकालीन कला कभी-कभी एक ऐसी जनता के साथ अजीब लग सकती है जो महसूस नहीं करती है कि कला और उसके संस्थान अपने मूल्यों को साझा करते हैं। ब्रिटेन में, 1990 के दशक में, समकालीन कला लोकप्रिय संस्कृति का हिस्सा बन गई, जिसमें कलाकार कलाकार बन गए, लेकिन इससे “सांस्कृतिक स्वप्न” की उम्मीद नहीं थी। कुछ आलोचकों जैसे जूलियन स्पालडिंग और डोनाल्ड Kuspit ने सुझाव दिया है कि संदेह, यहां तक ​​कि अस्वीकृति, बहुत समकालीन कला के लिए एक वैध और उचित प्रतिक्रिया है। “आर्ट बोलॉक्स” नामक निबंध में ब्रायन एशबी “इंस्टॉलेशन, फोटोग्राफी, वैचारिक कला, वीडियो और अन्य प्रथाओं को आमतौर पर पोस्ट-मॉडर्न कहा जाता है” की आलोचना करते हैं, सैद्धांतिक प्रवचन के रूप में मौखिक स्पष्टीकरण पर भी निर्भर करते हैं। हालांकि, संग्रहालयों में गैर पारंपरिक कला की स्वीकार्यता एक कला कृति का गठन करने के लिए बदलते दृष्टिकोण के कारण बढ़ी है।

चिंताओं
20 वीं शताब्दी के शुरुआती भाग से एक आम चिंता का विषय यह है कि कला का गठन क्या है। समकालीन काल (1950 से अब तक) में, दीर्घाओं, संग्रहालयों और संग्राहकों द्वारा किस कला पर ध्यान दिया जाता है, यह निर्धारित करने में अवेंट-गार्डे की अवधारणा खेल में आ सकती है।

समकालीन कला की चिंताएँ आलोचना के लिए भी आती हैं। एंड्रिया रोसेन ने कहा है कि कुछ समकालीन चित्रकारों को “इस बात का बिलकुल भी अंदाजा नहीं है कि इसका समकालीन कलाकार होने का क्या मतलब है” और वे “सभी गलत कारणों से इसमें हैं।”

अवधारणा की आलोचना
हालांकि, वैश्वीकरण की प्रक्रिया एक समान समकालीन की अवधारणा पर सवाल उठाती है। “समकालीन कला ‘” उत्तर आधुनिकता की सामूहिक तस्वीर है। भाषाई तर्क के अनुसार, शब्दों का यह संयोजन वैश्विक समकालीन समुदाय को कम या ज्यादा करने का दावा करता है। वास्तव में, यह एक प्रवेश समारोह के साथ मूल्य की अवधारणा के रूप में कार्य करता है: यह निर्धारित करता है कि कला क्या है और क्या नहीं है। इस अंतर के कारण, समकालीन कला की कलात्मक गुणवत्ता जो ‘समकालीन कला’ की स्थापित अवधारणा में फिट नहीं होती है, को नकार दिया जाता है।

नीचे दिए गए पांच अर्क तथाकथित “समकालीन” कला के संबंध में तैयार की गई आलोचनाओं के सार को संक्षेप में प्रस्तुत करते हैं:

जीन मोनानेरट की पैम्फलेटर दृष्टि, जो अनिवार्य रूप से करदाताओं के पैसे को भटकने वाले गैर-जिम्मेदार सिविल सेवकों द्वारा समर्थित एक राज्य कला को देखती है;
फिलिप लेजेने का विश्लेषण, जो सौंदर्य के विचार की अपनी उपेक्षा को प्रदर्शित करके समकालीन कला के समर्थकों की द्वंद्वात्मकता के अंत तक जाता है;
फ्रेड फॉरेस्ट ने प्रशासनिक अदालतों के समक्ष राज्य पर हमला करके जीन मोननरेट के करीबियों को बचाने के लिए कार्रवाई की;
प्लास्टिक कलाकार डैनियल बुरेन एक खाली कला की समकालीन कला में विचार के दिवालियापन को नोट करता है;
फ्रेंक लेपेज ने अपने एक कीटनाशक व्याख्यान के दौरान, पुस्तक हू डांस की अगुवाई की? CIA और कल्चरल कोल्ड वॉर (जिसने पाइपर अदा किया? CIA और कल्चरल कोल्ड वॉर) फ्रांसेस Stonor Saunders ने बताया कि किस तरह से शीत युद्ध के संदर्भ में CIA द्वारा वित्त पोषित संगठन जैसे कि कांग्रेस ने सांस्कृतिक स्वतंत्रता को समकालीन कला को बढ़ावा दिया। पश्चिमी यूरोप में, इसे अमेरिकी कला के रूप में प्रस्तुत करने और इसे सामाजिक और राजनीतिक अर्थ से वंचित करने के लिए।

जीन मोननरेट
सलोन डेस इंडेपेंडेंट्स डे 1999 के कैटलॉग रैनसेन में, सलोन के अध्यक्ष, जीन मोननरेट ने समकालीन कला की सहमति की परिभाषा के खिलाफ एक हिंसक पर्चे चलाया, जिसकी लंबे समय तक अधिकारियों ने आलोचना की, जो दृश्य कला और शिक्षण के शिक्षण को संचालित करते हैं। राज्य और स्थानीय अधिकारियों द्वारा खरीदे गए कार्य:

“समकालीन कला। सभी जीवित कलाकार समकालीन कला का हिस्सा हैं। यह कला बनाने वाले कलाकार हैं। सभी कलाकार। स्वतंत्र रूप से!
हालांकि, राज्य चाहता है कि जनता यह विश्वास करे कि केवल एक ही कला रुचि के योग्य है, तथाकथित “समकालीन” कला, जिसे राज्य कला कहना है। जैसे कि स्थापना, प्रदर्शन या अप्रतिष्ठित कला – जब तक कि किंवदंती जो इसके साथ है, लॉगोरिया है – अपने आप में, कलात्मक परंपरा की ऐतिहासिक, रैखिक, निर्विवाद निरंतरता है। यह सच है कि तथाकथित “समकालीन” कला में, देखने के लिए जितना कम है, उतना ही कहना है! एक समकालीन कला प्रदर्शनी में, एक वेंटिलेशन वाहिनी, आपातकालीन उपकरण या सैनिटरी सुविधाओं की टाइलिंग अक्सर प्रस्तुत किए गए कार्यों के साथ विलय हो जाती है। फिर सवाल यह है कि काम कहां है? कंटेनर और सामग्री के बीच सामंजस्य पूर्ण है।
हकीकत में, कला अठखेलियां करती है। लोकतंत्र को राज्य की आवश्यकता होगी, करदाताओं के पैसे के बारे में चिंतित, बिना किसी बहिष्करण के, इसकी सभी विविधता में समकालीन वास्तविकता को ध्यान में रखते हुए … ”

फिलिप लेजेने
जुलाई 2006 की टेलर की नैतिक रिपोर्ट में, बैरन टेलर, उप-राष्ट्रपति, चित्रकार और पत्रकार फिलिप लीज्यून की नींव की समीक्षा समकालीन कला की बारीकियों की धारणा को अलग करती है।

“हम, हम” पेंटिंग “नामक एक कला का अभ्यास करते हैं, इस गतिविधि को कभी फाइन आर्ट्स का हिस्सा माना जाता था। आधुनिकता के बारे में, ऊपर से सभी को सुंदरता के रूप में सहन करने के लिए एक अनिवार्यता से छुटकारा पाना है, पुराने और आधुनिक के बीच झगड़ा जो हम रहते हैं, सौंदर्य के संदर्भ को दूर करने में काफी सरलता से शामिल हैं। पिछली शताब्दी के आधे के अनुभवों के बाद अब कला के पारंपरिक मूल्यों को और अधिक बदलने में सक्षम नहीं हैं, उन्होंने हमेशा एक ही स्पष्ट लेबल के साथ, पूरी तरह से अलग वस्तु की आपूर्ति करने का फैसला किया। वे ईमानदार थे, आइए इसका सामना करते हैं, अपना नाम बदलने के लिए। समकालीन सैलून अब पेंटिंग सैलून नहीं हैं, वे समकालीन कला सैलून हैं।

समकालीन कला उन जगहों पर प्रदर्शित होती है जहां “पेंटिंग” का प्रदर्शन किया गया था, जो स्वाभाविक रूप से भ्रम पैदा करता है। लेकिन कला के एक नए रूप को परिभाषित करने के बजाय, हम एक अन्य अनुशासन के नियमों को लागू करते हैं, जैसे कि एक खिलाड़ी, पुल से थका हुआ, बेलोट के नियमों का पालन करना … समकालीन कला सभी नियमों से इनकार करती है, सिवाय इसके कि ‘बहिष्करण। आप जानते हैं कि एक प्रसिद्ध नारा सभी प्रतिबंधों पर प्रतिबंध लगाने का था। समकालीन कला ukase पर ही रहती है। प्रतिनिधित्व को छोड़कर कुछ भी।

समकालीन कला अपने आप को वैचारिक कहती है, यह कहना है कि, एक अवधारणा से शुरू करके, हम एक सनसनी प्रदान करने का प्रबंधन करते हैं।
ललित कला एक पूरी तरह से अलग लक्ष्य है, एक बहुत अलग कार्यक्रम है। सिद्ध से शुरू करते हुए, वे इसे सामूहिक स्मृति के साथ एक विचार पर ठीक से पहुंचने के लिए सामना करते हैं, यह एक तत्व कहना है जिसकी तुलना की जा सकती है। ”

फ्रेड वन
एमएनएएम (सेंटर जार्ज-पोम्पिडो) के खिलाफ अपने परीक्षण के बाद, फ्रेड फॉरेस्ट ने अपनी पुस्तक फंक्शनिंग और समकालीन कला की शिथिलता (L’Harmattan, पेरिस, 2000) के पीछे के कवर पर लिखा है:

“यह पुस्तक एक प्रणाली की सीमाओं और विरोधाभासों को प्रकट करती है, जो अब मुट्ठी भर विशेषाधिकार प्राप्त लोगों के लाभ के लिए वर्तमान अभिजात्य रूप में जारी नहीं रह सकती है, हमेशा वही, जो शालीनता और सार्वजनिक हवा का लाभ उठाते हैं। मिट्टी की लड़ाई। लोहे के बर्तन के खिलाफ बर्तन, यह मेरे मुकदमे के मेनू द्वारा विवरण है जब तक कि केंद्र जॉर्जेस-पोम्पिडौ के खिलाफ राज्य परिषद, और उसके माध्यम से, अधिग्रहण और उनकी विफलता पर पारदर्शिता से इनकार करने के लिए समकालीन कला के सार्वजनिक संस्थानों के खिलाफ। सार्वजनिक लेखा पर 78 के कानून का पालन करने के लिए। कला से परे, यहां किया गया दृष्टिकोण सार्वजनिक धन के उपयोग के वास्तविक प्रश्न और लोकतंत्र में संस्कृति के सवाल पूछने वाले सभी नागरिक दृष्टिकोण से ऊपर है। ”

डैनियल बुरेन
सितंबर 2011 में, डैनियल ब्यूरेन ने समीक्षा की लील में, एक लंबे साक्षात्कार के दौरान, “समकालीन कला” की अभिव्यक्ति की अक्षमता, भ्रम और दिवालियापन:

“सामान्य तौर पर, मैं कहूंगा कि भारी स्वास्थ्य जो उसके लिए जिम्मेदार है – दुनिया भर के द्विवार्षिक, सभी मोड़ बिंदुओं पर मेलों और भीड़ वाले नीलामी कमरे – कुछ क्षेत्र के विरोधाभासी पहलू हैं, जो विचार के संदर्भ में, कगार पर है।” दिवालिएपन। यह अब इतिहास में एक पल नहीं है, लेकिन दिन-प्रतिदिन का फैशन है। “समकालीन” पूरी तरह से अर्थहीन शब्द है, लेकिन यह कली में सर्वनाश करने के लिए सबसे शक्तिशाली पाया गया है। कलाकार थोड़े नए और विचलित करने वाले हो सकते हैं।