बरोक पेंटिंग

बैरोक पेंटिंग बारोक सांस्कृतिक आंदोलन से जुड़ी पेंटिंग है। आंदोलन को अक्सर निरपेक्षता, काउंटर रिफॉर्मेशन और कैथोलिक रिवाइवल के साथ पहचाना जाता है, लेकिन पूरे यूरोप में गैर-निरपेक्ष और प्रोटेस्टेंट राज्यों में महत्वपूर्ण बारोक कला और वास्तुकला का अस्तित्व इसकी व्यापक लोकप्रियता को रेखांकित करता है। बैरोक कला को उथले यथार्थवाद, समृद्ध और गहन रंगों और मजबूत प्रकाश और छाया की विशेषता है।

बैरोक पेंटिंग में शैलियों की एक महान श्रृंखला शामिल है, सबसे महत्वपूर्ण और प्रमुख पेंटिंग के रूप में 1600 के आसपास की शुरुआत के दौरान और 17 वीं शताब्दी के दौरान जारी रही, और 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में आज बैरोक पेंटिंग के रूप में पहचानी जाती है। इसकी सबसे विशिष्ट अभिव्यक्तियों में, बैरोक कला की विशेषता महान नाटक, समृद्ध, गहरे रंग और तीव्र प्रकाश और अंधेरे छाया है, लेकिन फ्रांसीसी बारोक चित्रकारों जैसे पौरसिन और डच शैली के चित्रकारों जैसे वर्मियर के शब्द भी शब्द द्वारा कवर किए गए हैं। कम से कम अंग्रेजी में। पुनर्जागरण कला का विरोध करने के लिए, जो आमतौर पर एक घटना होने से पहले के क्षण को दिखाया गया था, बैरोक कलाकारों ने सबसे नाटकीय बिंदु चुना, वह क्षण जब क्रिया हो रही थी: उच्च पुनर्जागरण में काम कर रहे माइकल एंजेलो, अपने डेविड को बनाकर दिखाते हैं और फिर भी लड़ाई से पहले। Goliath; बर्निनी का बारोक डेविड विशालकाय पत्थर पर चोट करने के कार्य में पकड़ा गया है। पुनर्जागरण के दौरान बेशकीमती शांति के बदले बारोक कला का मतलब भावनाओं और जुनून को जगाना था।

बैरोक काल के सबसे महान चित्रकारों में वेलज़क्वेज़, कारवागियो, रेम्ब्रांट, रूबेन्स, पोसपिन और वर्मीयर हैं। Caravaggio उच्च पुनर्जागरण के मानवतावादी पेंटिंग का एक उत्तराधिकारी है। मानव आकृति के लिए उनका यथार्थवादी दृष्टिकोण, जीवन से सीधे चित्रित और एक अंधेरे पृष्ठभूमि के खिलाफ नाटकीय रूप से स्पॉटलाइट, उनके समकालीनों को हैरान कर दिया और पेंटिंग के इतिहास में एक नया अध्याय खोला। बैरोक पेंटिंग अक्सर क्रियोस्कोरो लाइट इफेक्ट्स का उपयोग करके दृश्यों का नाटक करती है; यह रेम्ब्रांट, वर्मीयर, ले नैन और ला टूर के कामों में देखा जा सकता है। फ्लेमिश चित्रकार एंथोनी वैन डाइक ने विशेष रूप से इंग्लैंड में, एक प्रभावशाली लेकिन आकर्षक चित्र शैली विकसित की।

17 वीं शताब्दी की हॉलैंड की समृद्धि ने बड़ी संख्या में चित्रकारों द्वारा कला का एक विशाल उत्पादन किया, जो ज्यादातर अत्यधिक विशिष्ट थे और केवल शैली के दृश्य, परिदृश्य, अभी भी जीवन, चित्रों या इतिहास चित्रों को चित्रित किया। तकनीकी मानक बहुत अधिक थे, और डच गोल्डन एज ​​पेंटिंग ने उन विषयों का एक नया प्रदर्शन स्थापित किया जो आधुनिकता के आगमन तक बहुत प्रभावशाली थे।

अवलोकन
अपने कार्यों के लिए धन्यवाद, आर्किटेक्ट, मूर्तिकार और चित्रकार प्रभावी रूप से वफादार की आत्मा को छूने के लिए आवश्यक साधन बन जाते हैं। इस प्रकार कला, विधर्मी कैथोलिक चर्च को फ्रांसीसी, इतालवी सीमाओं पर प्रोटेटेंट दबाव को बनाए रखने के लिए विधर्मियों को मनाने के लिए एक साधन बन जाती है। इस महत्वाकांक्षी लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए, कला में स्वाद, चाल, स्वाद पर विजय प्राप्त करने की क्षमता होनी चाहिए, जो अब पुनर्जागरण के सामंजस्य के माध्यम से नहीं, बल्कि मजबूत भावनाओं की अभिव्यक्ति के माध्यम से है।

बैरोक शैली का आकर्षक आकर्षण इंद्रियों की प्रत्यक्ष भागीदारी से है। बारोक पेंटिंग में बुद्धि और परिष्कृत सूक्ष्मता का कोई आग्रह नहीं था जैसा कि मैननेरिज़्म में था, नई भाषा ने सीधे दर्शकों की भावनाओं के लिए, आंत्र को इंगित किया। एक आइकनोग्राफी का उपयोग किया गया था जो प्रत्यक्ष, सरल, स्पष्ट, लेकिन फिर भी संभव के रूप में नाटकीय और आकर्षक था। इससे पहले कभी भी दर्शक, उनकी बात, और सजावट का उस पर प्रभाव इतना महत्वपूर्ण नहीं हो सकता था।

संगीत क्षेत्र के साथ एक प्रकार की समानता संभव है, जहां काउंटरपॉइंट पॉलीफोनी की जगह लेता है, और आर्केस्ट्रा टोन और अमलगम अपनी उपस्थिति को अधिक से अधिक आग्रह करता है।

अर्बन VIII बारबेरिनी का पॉन्टोस, बारोक शैली के विकास के लिए उपजाऊ जमीन थी, जिसका उद्देश्य पोप के घर और उनके पोते को पूर्णतावाद की प्रत्याशा में मनाया जाता था।

अठारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पहली बार “बारोक” शब्द का उपयोग उन कलाकारों के लिए एक नकारात्मक पूरक के रूप में किया गया था, जो सोबर शास्त्रीय मानक से अपनी विषमताओं के साथ खुद को दूर कर चुके थे। नवशास्त्रीय सिद्धांतकारों के लिए, बैरोक का अर्थ था अतिउत्साह और अतिरिक्त अलंकरण: फ्रांसेस्को मिलिजिया की परिभाषा प्रसिद्ध रही, जिसने 1781 में इस युग के उत्पादन को “स्वाद का प्लेग” कहा। बैरोक का पुनर्वितरण एक बहुत ही देर से होने वाली चीज़ है, जो पूरी तरह से 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में ही हुई थी, जब इस स्वाद की कई महत्वपूर्ण अभिव्यक्तियों को पूरी तरह से नष्ट कर दिया गया था या समझौता किया गया था (कई नव-मध्ययुगीन और नव-पुनर्जागरण पुनर्स्थापना के बारे में सोचें) पूजा की इमारतों, बाद के स्तरीकरण को समाप्त करके और दूसरे युद्ध के बाद की अवधि तक समाप्त हो गई)। यह वास्तव में “एंटी-क्लासिकल” चरित्र और निर्विवाद मौलिकता थी जिसके कारण बारोक और उसके संवर्द्धन की पुनर्खोज हुई, पहले विशेषज्ञ अध्ययन में और फिर, प्रदर्शनियों और लोकप्रिय प्रकाशनों के माध्यम से, आम जनता के बीच भी।

विशेषताएं
पुनर्जागरण चित्रकला के विपरीत जो आमतौर पर एक महत्वपूर्ण घटना से पहले के क्षण को दर्शाता है, बैरोक कलाकार सबसे नाटकीय बिंदु चुनते हैं, वह क्षण जब कार्रवाई होती है। बैरोक कला भावनाओं और जुनून को विकसित करने के लिए प्रसिद्ध है और पुनर्जागरण चित्रकला से उभरने वाली तर्कसंगतता और शांत नहीं है

चित्रात्मक रचना के स्तर पर, बारोक पेंटिंग को सबसे पहले कई गर्म और चमकीले रंगों के उपयोग की विशेषता है, जो नीले रंग के माध्यम से गुलाबी से सफेद तक जाते हैं। दूसरी ओर, विरोधाभास बहुत मौजूद हैं, प्रकाश और छाया के नाटकों के साथ जो विशेष रूप से आदमी की मांसपेशियों को उजागर करने के लिए इस्तेमाल किया जा सकता है। विशिष्ट पुनर्जागरण दृष्टिकोण के विपरीत, जिसमें एक समान कैनवास प्रकाश होता है, बैरोक कैनवास की रोशनी स्पॉट में की जाती है। यह तकनीक कुछ क्षेत्रों पर ध्यान आकर्षित करती है और दूसरों को अंधेरे में (काइरोस्कोप का उपयोग) छोड़ देती है।

हमेशा पुनर्जागरण के साथ विरोधाभास की भावना में, बारोक कैनवास भावनाओं को व्यक्त करने के लिए कैनवास पर मौजूद पात्रों को चेहरे का भाव देता है। यह मुख्य रूप से एक विषमता का प्रतिनिधित्व करता है (मुख्य क्रिया केंद्र में जरूरी नहीं है)। कैनवास के बल की रेखाएं केवल क्षैतिज या ऊर्ध्वाधर नहीं हैं, बल्कि तिरछी या घुमावदार भी हैं, जो पात्रों को अस्थिर स्थिति और आंदोलन की छाप देने का प्रभाव रखती हैं। यह आंदोलन प्रभाव हवा द्वारा उठाए गए या उत्तेजित कपड़ों की गहराई से व्यक्त किया जाता है; वेशभूषा की पसंद अक्सर पुरातनता को संदर्भित करती है। दृश्य को नाटकीय बनाने के लिए वस्त्रों को पर्दे की तरह भी व्यवस्थित किया गया है।

इसलिए बारोक विभिन्न तरीकों से पुनर्जागरण का विरोध करता है: यह एक प्रकार से टूटना है जो परिवर्तन का प्रतिनिधित्व करना चाहता है। परिवर्तन, आंदोलन, चीजों की अस्थिरता में उनकी रुचि से बैरोक कार्यों को विभेदित किया जाता है।

“प्रकाश, लेंस के माध्यम से गुजर रहा है और फिल्म पर पायस को प्रभावित करता है, केवल आंदोलन के एक पहलू को पुन: पेश करने का प्रबंधन करता है। लेकिन आंदोलन एक अटूट श्रृंखला है: धीमी गति वाले सिनेमा ने इसे प्रकट किया है। बैरोक कलाकार की आत्मा इन क्रमिक पहलुओं को पकड़ती है और उन्हें एक ही छवि में चित्रित करती है ”
– पी। चारप्रेंट्रैट, लार्ट बारोक, वेंडोमे, इम्प्रिमरी डेस प्रेस यूनिवर्सिटेयर डे फ्रांस, 1967।

बारोक चित्रकार आमतौर पर बाइबिल या पौराणिक किंवदंतियों और कहानियों से खींचे गए कलात्मक विषयों पर पहुंचते हैं। हालाँकि, हालांकि धार्मिक पेंटिंग, इतिहास की पेंटिंग, रूपक और चित्रांकन सबसे महान विषय माने जाते हैं, परिदृश्य और शैली के दृश्य भी व्यापक हैं।

इतिहास
ट्रेंट की परिषद (1545–63), जिसमें रोमन कैथोलिक चर्च ने प्रोटेस्टेंटों द्वारा उठाए गए आंतरिक सुधार के कई सवालों के जवाब दिए और जो लोग कैथोलिक चर्च के अंदर बने हुए थे, ने संक्षिप्त और कुछ हद तक परोक्ष मार्ग में प्रतिनिधित्ववादी कला को संबोधित किया फरमान। यह बाद में मोलनस जैसे कई लिपिक लेखकों द्वारा व्याख्या और सामने आया, जिन्होंने मांग की कि चर्च संदर्भों में चित्रों और मूर्तियों को उनके विषयों को स्पष्ट रूप से और शक्तिशाली रूप से चित्रित किया जाना चाहिए, और सजावट के साथ, मननेरवाद की शैलीगत हवा के बिना। सनकी कला के कार्य के एक लोकलुभावन गर्भाधान की ओर यह वापसी कई कला इतिहासकारों द्वारा कारवागियो और कैरासी बंधुओं के नवाचारों को ड्राइविंग के रूप में देखा जाता है, जो सभी रोम में 1600 के आसपास (और कमीशन के लिए प्रतिस्पर्धा) काम कर रहे थे, हालांकि कार्रेसी के विपरीत, अपने काम में सज्जा की कमी के लिए कारवागियो की लगातार आलोचना की गई थी। हालाँकि, हालांकि धार्मिक पेंटिंग, इतिहास पेंटिंग, रूपक, और चित्र अभी भी सबसे महान विषय माने जाते थे, फिर भी, कैथोलिक देशों में परिदृश्य, जीवन और शैली के दृश्य भी आम होते जा रहे थे, और प्रोटेस्टेंट लोगों में मुख्य शैली थी।

अवधि
शब्द “बारोक” का उपयोग शुरू में अपमानजनक अर्थ के साथ किया गया था, ताकि इसके जोर की अधिकता को रेखांकित किया जा सके। अन्य लोग इसे शब्दांशिक शब्द “बैरोको” से व्युत्पन्न करते हैं, जो कि तार्किक स्कोलास्टिका में है, जो कि कथित तौर पर सिलेओलिज्म का एक प्रयोगशाला रूप है। विशेष रूप से, इस शब्द का उपयोग इसकी विलक्षण अतिरेक और विवरणों की शोर बहुतायत का वर्णन करने के लिए किया गया था, जो पुनर्जागरण की स्पष्ट और शांत तर्कसंगतता के विपरीत था। यह पहली बार स्विस-जन्मे कला इतिहासकार, हेनरिक वुल्फ्लिन (1864-1945) द्वारा उनके पुनर्जागरण und Barock (1888) में पुनर्वासित किया गया था; वोल्फिन ने बारोक को “जन में आयातित आंदोलन” के रूप में पहचाना, जो पुनर्जागरण कला के लिए एक कला विरोधी है। उन्होंने मैनरिज़्म और बैरोक के बीच अंतर नहीं किया जो आधुनिक लेखक करते हैं, और उन्होंने बाद के चरण, अकादमिक बारोक को अनदेखा कर दिया जो 18 वीं शताब्दी में चली। फ्रांसीसी और अंग्रेजी में लेखकों ने बारोक को एक सम्मानजनक अध्ययन के रूप में मानना ​​शुरू नहीं किया था जब तक कि वोल्फिन के प्रभाव ने जर्मन छात्रवृत्ति को पूर्व-प्रतिष्ठित नहीं बना दिया था।

शगुन
16 वीं शताब्दी के अंत में, जबकि ढंगवाद पारंपरिक और दोहरावदार प्रतिकृतियों में मर रहा था, काउंटर-सुधार स्वाद, शांत और सरल, कई इतालवी केंद्रों में फैल रहा था, जो सभी वर्गों द्वारा समझा जाने में सक्षम था। यदि मिलान और फ्लोरेंस संयम में कभी-कभी कुछ गंभीर कठोरता में अनुवाद किया जाता है, तो रचनाओं के ज्यामितीय सरलीकरण के साथ, अन्य केंद्र अलग-अलग, समृद्ध समाधान विकसित करते हैं। वेनिस ने विशेष रूप से वेरोनीज़ और टिंटोरेटो का उदाहरण पेश किया, उनकी बोल्ड रचनाओं और रंग की अतुलनीय भावना के साथ, जबकि पर्मावेर के दशकों में गुमनामी के बाद, कोर्रेगियो और पर्मीगियानिनो के भद्दे समाधानों को फिर से खोजा गया।

यह तब हुआ जब चर्च, काउंटर-रिफॉर्मेशन द्वारा मजबूत किया गया था, नए कलात्मक आयोगों में तेजी लाने के लिए बड़ी रकम थी, तेजी से महत्वाकांक्षी और धीरे-धीरे धर्मनिरपेक्ष विषयों के साथ संदूषण के प्रति अधिक सहनशील। इस प्रक्रिया का केंद्र रोम था, जहां सभी इतालवी और गैर-इतालवी कलाकार अब ध्यान केंद्रित करते हैं, नई उत्तेजनाओं और अधिक से अधिक भाग्य की तलाश करते हैं।

कुछ अलग करने के लिए सबसे पहले कैरासी बंधु थे, जिन्होंने 1598 से 1606-1607 के बीच फ़र्नीज़ गैलरी की सजावट में विजय प्राप्त की, जिसके बाद एमिलियन्स की एक श्रृंखला जैसे कि डोमिनिचिनो, गुआना रेनी और गुसेरिनो शामिल थे। एनीबेल कार्रेसी (1609) और कारवागियो (1610) की शुरुआती मौतों के बाद कलात्मक दुनिया दो में विभाजित हो गई थी: उनके चरम ऑप्टिकल और सामाजिक सच्चाई के साथ कारवागेशी थे, और दूसरी तरफ “क्लासिकिस्ट” थे, जिन्होंने फिर से काम किया एक नई और उदार रीडिंग प्रदान करने वाली ऐतिहासिक शैलियाँ।

चित्रात्मक तकनीक की पूरी महारत, बारोक तक पहुंचने वाले लक्ष्यों के लिए आवश्यक, रोम में रूबेन्स की गतिविधि से प्रत्याशित थी, जिसने वालिसेला में सांता मारिया के चर्च के एप की सजावट में अपना कौशल दिखाया (1608, साथ) मैडोना डेला वैलीसेला और पार्श्व संतों की तीन बड़ी वेरायपीस, एक एकात्मक योजना के रूप में, जो कि वास्तुशिल्प अंतरिक्ष और प्राकृतिक प्रकाश से जुड़ी हुई है। केंद्रीय बॉक्स में, पूरे व्यक्ति का विचार व्यक्तिगत आंकड़ों के संबंध में होता है, जिसमें घूर्णी कोरल आंदोलन की भावना होती है, जो स्वर्गदूतों और करूबों के रंग द्वारा उच्चारण किया जाता है। रंग गर्म और महत्वपूर्ण है, जैसा कि वेनिस में कलाकार ने सीखा है, और रोग की भावना मजबूत ऊर्जा है। रूबेन्स में माइकल एंजेलो बुओनारोती, राफेलो सैंजियो, विनीशियन, टिटियान रंग और एक नए और प्रीपेडरेंट ऊर्जावान प्रभारी के आंकड़ों की भौतिक शक्ति है।

1621 में नवनिर्वाचित ग्रेगोरी XV के बाद एमेरियन मूल के ग्वायरिनो रोम पहुंचे। केवल एक वर्ष के प्रवास में उन्होंने रोम में यादगार काम छोड़ दिया जैसे कि कैसिनो लुडोविसी में अरोरा, जहां आंकड़े इसके साथ विलय करने वाले वास्तुशिल्प स्थान को ओवरलैप करते हैं और दर्शक के दृष्टिकोण से खुद को अनुकूलित करते हैं, देशवासी गुइडो के लगभग कोवेरा और पल्लवकिनी के विपरीत। रेनी, जहां प्रतिनिधित्व बजाय छत से लटका एक कैनवास के बराबर है, स्पष्ट रूप से सीमांकित और “नीचे से” एक दृष्टि के बिना। पहले से ही गुएरिनो में, देखने वाले की आंख को पूरे दृश्य की यात्रा करने के लिए आमंत्रित किया जाता है, जो तत्वों के संघटन से आकर्षित होता है, एक वांछित प्रभाव के नाम पर, एक मृदु प्रकाश और धब्बों में फैले रंग के साथ। ये प्रभाव ग्लोरिया में सैन क्राइसोगोनो (आज लंदन, लैंकेस्टर हाउस) में और विशेष रूप से बर्टियल की बड़ी वेदी में और सेंट पेट्रोनिला (1623) की महिमा में दोहराए गए थे, जो सैन पिएत्रो के बेसिलिका के लिए और आज कैपिटोलिन संग्रहालय में हैं। ये विचार नई “बारोक” शैली के जन्म के लिए आवश्यक थे।

शैली का विकास
इसलिए, गेरिनो और रूबेन्स नए सीज़न के अग्रदूत थे, जो तीसरे दशक में जियान लोरेंजो बर्निनी के काम में एक निश्चित प्रतिष्ठा होगी।

लेकिन पेंटिंग में, पहला पूरी तरह से “बैरोक” काम, जिसमें इस “तीसरी शैली” की सभी विशेषताएं पाई जाती हैं (कारवागिज़्म और क्लासिकवाद के बीच), सेंट जेन्ड्रिया डेला वैले के गुयाना लानफ्रेंको द्वारा सजावट (1625-) 27), आश्चर्यजनक रूप से एक परमा नहीं, जिसने अपने शहर में सबसे नवीन योगदानों में कोरेगियो के गुंबदों का सबक लिया और अद्यतन किया। इस विशाल भित्तिचित्र में द्रव और अस्थिर संकेंद्रित वृत्तों के निर्माण द्वारा वास्तविक स्थान को बढ़ाया जाता है, जिसमें पात्र स्वतंत्र रूप से गति करते हैं और प्रकाश के लिए धन्यवाद, आरोही घूर्णन की भावना पैदा करते हैं जिसका केंद्र में इसका चरमोत्कर्ष होता है और एक प्रत्यक्ष उद्घाटन का अनुकरण करता है स्वर्ग के लिए स्वर्ग।

बरोक पेंटिंग की परिपक्वता पिएत्रो दा कॉर्टोना की विशाल सजावटी उपलब्धियों के साथ हुई, उदाहरण के लिए रोम में पलाज़ो बार्बेरिनी (1633-39) के सैलून की तिजोरी में। उनकी विलक्षण और लापरवाह तकनीक का जल्द ही अच्छी संख्या में अनुयायियों ने पालन किया, और कॉर्टूनिज़्म इस प्रकार स्मारकीय चित्रकला की भाषा बन गया, धर्मनिरपेक्ष और धार्मिक आयोगों के लिए प्रचार का एक आदर्श साधन जिसमें प्रकाश प्रभाव और परिप्रेक्ष्य द्वारा एक दूसरे की ओर भव्यता से प्रेरित किया जाता है क्वाडरेचर के उपयोग के लिए धन्यवाद (आर्किटेक्चर बनाने के लिए वास्तव में विशेषज्ञ थे, जिन्हें “क्वाड्रोट्रिस्ट” कहा जाता है)।

पिएत्रो डी कॉर्टोना के काम की नवीनता समकालीनों से स्पष्ट थी, विशेष रूप से एंड्रिया सैकची के अधिक शांत और स्थिर एक के साथ कई चलती आकृतियों की इस शैली के विपरीत (दैवीय बुद्धि के रूपक के साथ पलाज्जो बारबेरिनी में सक्रिय): थिएटर बहस एकेडेमिया डि सैन लुका है, जिसमें से 1634 से 1638 तक पिएत्रो डी कॉर्टोना राजकुमार थे। पिएत्रो डी कॉर्टोना के लिए साहित्य की तुलना में, आंकड़े एक “महाकाव्य कविता” की रचना करते हैं, जो एपिसोड से भरा है, जबकि साकची के लिए वे भाग लेते हैं। “त्रासदी” की तरह, जहां एकता और सादगी मौलिक आवश्यकताएं हैं।

फैलाव
जिन केंद्रों में पिएत्रो डा कॉर्टोना ने काम किया, उनमें फ्लोरेंस बाहर है, जहां उन्होंने पित्ती महल की सजावट और अन्य धार्मिक उद्यमों में मेडिसी के लिए लंबे समय तक काम किया। स्थानीय स्कूल पर उनकी शैली का प्रभाव, उनके सबसे वफादार शिष्य सिरो फेर्री की लंबी उपस्थिति से बढ़ा, विघटनकारी था, हालांकि तुरंत स्पष्ट नहीं था। पहला स्थानीय कलाकार जो पूरी तरह से शामिल हो गया, वो वोटरानो था।

Giovanni Lanfranco ने नेपल्स में लंबे समय तक काम किया, जिससे दक्षिणी इटली में बारोक स्वाद के लिए जड़ें पैदा हुईं, जिसके लुका गिओर्डानो और फ्रांसेस्को सोलिमेना में इसके सबसे महत्वपूर्ण प्रतिपादक थे। दोनों में से पहले ने पूरे इटली की यात्रा की और समाचार का एक असाधारण प्रसारकर्ता था। फ्लोरेंस में, जहां पिएत्रो डा कॉर्टोना ने सबसे अधिक रोम के बाहर काम किया था, पलाज्जो मेडिसी-रिकार्डी की गैलरी में, उन्होंने एक बहुत बड़ा फ्रेस्को बनाया, जहां पिएत्रो डी कॉर्टोना के विपरीत, कोई भी वास्तुशिल्प लेआउट अब अनुपस्थित है, एक संरचनागत स्वतंत्रता के अनुसार जो पहले से ही हल्केपन की शुरुआत करती है अठारहवीं सदी का हवाई।

हालांकि, पिएत्रो दा कॉर्टोना की सफलता ने कई कलाकारों को अपनी शैली के लिए प्रेरित किया। पहले घंटे के प्रत्यक्ष छात्र गिओवान फ्रांसेस्को रोमनेली थे (शिक्षक से हटा दिए गए क्योंकि उन्होंने खुद को 1637 में पहले से ही प्रतिद्वंद्विता में रखा था और जियानलोरेंज़ो बर्नीनी द्वारा सुरक्षा के लिए लिया गया था), जियोवन्नी मारिया बोटाल्ला और सिरो फेर्री; दूसरे घंटे (1655 के बाद) लाज़ारो बलदी, गुग्लिल्मो और जियाकोमो कोरटेस, पॉल स्कोर, फिलिप्पो लॉरी। रोमनली को कार्डिनल फ्रांसेस्को बारबेरिनी द्वारा पेरिस बुलाया गया था, और वह सूर्य राजा के दरबार में एक मौलिक कलाकार था।

Related Post

जेनोआ के लिए रूबेन्स का मार्ग, जिसके बाद वैन डाइक ने भी, नई शैली में लिगुरिया में शुरुआती रुचि जगाई। ग्रेगोरियो डी फेरारी ने लिगुरियन राजधानी में बड़ी सुंदर और शानदार सजावट की। बस एक जेनोइस, बेकीसियो, खुद को बर्निनी द्वारा बुलाए गए गेसो के चर्च की तिजोरी, रोम में बारोक यात्रा का एक और महत्वपूर्ण काम करेगा। अभी भी बर्निनी के घेरे में पिस्टोइया का एक कलाकार लुडोविको गेमीगनी था, जिसने देशवासी क्लीमेंट क्लेमेंट इएक्स रोस्पिग्लियोसी के तहत अपनी किस्मत बनाई थी, और जिसके पिता गिआकिंटो थे, जो पिएत्रो डी कॉर्टोना का एक और प्रत्यक्ष शिष्य था।

बैरोक शैली के प्रसार में जेसुइट्स की भूमिका को महत्वपूर्ण आंद्रे पोज़ो के लिए आरक्षित महत्वपूर्ण आयोगों द्वारा गवाही दी गई है, आकाश पर खोले गए वाल्टों के असाधारण ऑप्टिकल भ्रम के लेखक, पहले रोम में और फिर वियना सहित अन्य केंद्रों में।

सत्रहवीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में, चर्चों और महलों में कलात्मक आयोगों के लिए अनुरोध गुणा और बैरोक शैली अब उदार व्याख्याओं का एक दंगा था, जो सबसे विविध कलात्मक पृष्ठभूमि के कलाकारों द्वारा फैलाया गया था। इस अंतिम चरण के नामों में एंटोनियो और फिलिप्पो घेरार्डी, डोमेनिको मारिया कैनुटी, एनरिको हाफनर, जियोवन्नी कोली, गियासिंटो ब्रांडी शामिल हैं। सदी के अंत में, नियति लुका गिओर्डानो की पूर्वोक्त आकृति सबसे ऊपर है, जो कि अधिक खुले और विशाल समाधानों को दर्शाती है, जिसमें रोकोको पेंटिंग की आशंका है।

राष्ट्रीय रूपांतर
इटली, भूमध्यसागरीय देशों द्वारा, धीरे-धीरे जर्मनी और मध्य यूरोप में पवित्र रोमन साम्राज्य के बाद, आमतौर पर एक पूर्ण-बैरोक दृष्टिकोण अपनाया।

17 वीं शताब्दी के डच गोल्डन एज ​​पेंटिंग में उत्तरी यथार्थवादी परंपराओं के बजाय एक अलग कला विकसित की गई, जिसमें बहुत कम धार्मिक कला थी, और बहुत कम इतिहास की पेंटिंग थी, बजाय इसके कि अभी भी जीवन, रोजमर्रा के दृश्यों की शैली चित्रों, जैसे धर्मनिरपेक्ष शैलियों को विकसित करने में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई जाए, और लैंडस्केप पेंटिंग। जबकि रेम्ब्रांट की कला की बारोक प्रकृति स्पष्ट है, लेबल का उपयोग वर्मियर और कई अन्य डच कलाकारों के लिए कम किया जाता है। अधिकांश डच कला में पड़ोसी फ्लेमिश बारोक पेंटिंग सहित बहुत से बारोक कार्यों के वैभव और आदर्श का अभाव है, जो डच रुझानों में एक हिस्सा था, जबकि पारंपरिक श्रेणियों का उत्पादन अधिक स्पष्ट रूप से बारोक शैली में करना जारी था।

फ्रांस में एक प्रतिष्ठित और शालीन क्लासिकिज्म ने बारोक पेंटिंग को एक विशिष्ट स्वाद दिया, जहां 17 वीं शताब्दी के बाद को चित्रकला के लिए एक स्वर्ण युग माना जाता है। सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से दो, निकोलस पुर्सिन और क्लाउड लॉरेन, रोम में स्थित थे, जहां उनके काम, लगभग सभी चित्रफलक चित्रों में, इतालवी के साथ-साथ फ्रांसीसी संरक्षक भी बहुत सराहना करते थे।

इटली में बारोक पेंटिंग
समय की इतालवी पेंटिंग, पहले से ही डूबे हुए तरीके के रूपों के साथ तोड़ने की कोशिश करती है। प्रबंधक दो अलग-अलग गुट थे; एक ओर चित्रकार कारवागियो, और दूसरी ओर कार्रेसी बंधु (लुडोविको, एगोस्टीनो और एनीबेल)।

कारवागियो का प्रकृतिवाद जो सबसे अच्छा प्रतिनिधि है, रोजमर्रा के जीवन के मुद्दों से निपटता है, हल्के प्रभावों का उपयोग करते हुए गंभीर छवियों के साथ। चियाक्रूसरोस तीव्रता और आजीविका देने की कोशिश करता है। वे सौंदर्य के आदर्शों से दूर भागते हैं, वास्तविकता को दिखाते हैं, जैसे कि बिना आर्टिफिस। उस समय के चित्रकारों का एक अच्छा हिस्सा कारवागिज़्म की खेती करता था

दूसरी ओर, कैरासी तथाकथित क्लासिकवाद का निर्माण करता है। कब्जा करने के लिए विषय पौराणिक प्राणियों के साथ ग्रीको-लैटिन संस्कृति से प्रेरित हैं। 16 वीं शताब्दी के लेखक, जैसे राफेल और मिगुएल ,ngel, मजबूत प्रभाव हैं। रंग नरम है, जैसा कि प्रकाश है, और भित्तिचित्रों को छत पर चित्रित किया गया है।

दोनों प्रवृत्तियों ने एक अगली कड़ी को छोड़ दिया और सचित्र सेटिंग्स को नवीनीकृत करने के लिए सेवा की। रुबेंस की उपस्थिति, जेनोआ में बारोक की एक और प्रतिभा, जगह के कामों में परिलक्षित होती है।

फ्रांस में बारोक पेंटिंग
फ्रांस में, व्यवहारवाद बारोक से प्रभावित है। पेंटिंग क्लासिकिस्ट है और इसका उपयोग महलों को सजाने के लिए, एक शांत और संतुलित शैली के साथ किया जाता है। चित्रों को चित्रित किया जाता है और पौराणिक विषयों का इलाज किया जाता है।

इसका सबसे प्रमुख लेखक निकोलस पुसिन है, जो रोम की अपनी यात्रा के बाद स्पष्ट रूप से इतालवी प्रवृत्तियों से प्रभावित था। उन्होंने ग्रीको-रोमन संस्कृतियों में प्रेरणा की तलाश की। कारवागिस्टा की ओर, कलाकार जॉर्जेस डी ला टूर, फिलिप डी चैंपेन और ले नैन ब्रदर्स बाहर खड़े थे।

हालाँकि, फ्रांस में बैरोक सिर्फ एक प्रभाव से अधिक था, बाद में रोकोको बन गया।

फ्लैंडर्स और नीदरलैंड में बारोक पेंटिंग
फ़्लैंडर्स में, रुबेंस का आंकड़ा दृश्य पर हावी है, एक अभिजात और धार्मिक पेंटिंग विकसित करता है, जबकि नीदरलैंड में, पेंटिंग बुर्जुआ होगी, जो परिदृश्य, पोर्ट्रेट्स और रोज़मर्रा की जिंदगी के विषयों पर हावी है, रेम्ब्रांट के आंकड़े के साथ इसका सबसे अच्छा प्रतिपादक है।

स्पेन में बारोक पेंटिंग
स्पेन में, बैरोक चित्रात्मक गतिविधि का समापन क्षण है, जो चित्रकारों के एक शानदार समूह पर डिएगो वेलाज़्केज़, रिबेरा, बार्टोलोमे एस्टेबन मुरिलो या फ्रांसिस्को डी ज़ुबेरान की प्रतिभा को उजागर करता है। इस अवधि को स्वर्ण युग के रूप में जाना जाता था, बड़ी संख्या में महत्वपूर्ण आंकड़ों के एक नमूने के रूप में, जिन्होंने काम किया, आर्थिक संकट के बावजूद कि देश पीड़ित था।

स्पैनिश चित्रकार कैरावैगियो और उनके उदारवाद जैसे इतालवी कलाकारों को प्रेरणा के रूप में उपयोग करते हैं। फ्लेमिश बारोक पेंटिंग का स्पेन में एक उल्लेखनीय प्रभाव है, जो क्षेत्र में प्रयोग किए जाने वाले जनादेश के कारण और देश में रुबेंस के एक अदालत के चित्रकार के रूप में आगमन के कारण है।

बैरोक कला के मुख्य स्कूल मैड्रिड, सेविले और वेलेंसिया के होंगे।

स्पेन, कैथोलिक और राजशाही में विषय स्पष्ट रूप से धार्मिक है। अधिकांश कार्य सीधे चर्च द्वारा कमीशन किए गए थे। दूसरी ओर, कई पेंटिंग राजाओं, रईसों और उनके युद्धों से संबंधित हैं, जैसा कि प्रसिद्ध पेंटिंग लास लैंजस में है, जिसे वेल्ज़केज़ ने 1635 में मैड्रिड में पालासियो डेल बुएन रेटिरो के लिए चित्रित किया था। पौराणिक कथाएं और क्लासिक विषय भी एक स्थिर होंगे। लेकिन यह ईसाई धर्म है जो खुद को सबसे अधिक दोहराता है, उदाहरण के रूप में कार्य करता है सेंट मार्टिप की शहादत, जोस डी रिबेरा का महान काम। कार्यों के यथार्थवाद का उपयोग धार्मिक विचार को वफादार लोगों तक पहुंचाने के लिए किया जाएगा, इसलिए बारोक चर्च के लिए एक हथियार था।

रंग ज्वलंत हैं, कई प्रकाश स्रोतों के प्रभाव के साथ जो छाया के कई क्षेत्रों का निर्माण करते हैं। सभी स्पेनिश चित्रकारों में इटैलियन टेंब्रिज़्म महसूस किया जाएगा। आंकड़े आमतौर पर नहीं होते हैं, वे दृश्य को ताकत देने के लिए एक अतिरंजित आंदोलन के साथ कैप्चर किए जाते हैं। तेल चित्र बड़े और आमतौर पर जटिल होते हैं, जिसमें विभिन्न आंकड़े और अभिव्यंजक इशारे होते हैं।

अन्य अनुभव seicentiste

प्रकृतिवाद
सत्रहवीं शताब्दी की कला के मूलभूत घटकों में प्रकृतिवाद है, जिसका तथाकथित “लोम्बार्ड सत्रहवीं शताब्दी” में पूर्णांक है। कारवागियो की प्रकृति के अवलोकन से जन्मे और कार्लो और फेडेरिको बोर्रोमो के संकेतों के साथ उगाया गया, इस पेंटिंग, जो मिलान में अपनी ड्राइविंग बल है, ने गंभीर और नाटकीय भाषा में जोरदार कथा दृश्यों में, हमेशा कंक्रीट के मिश्रण में इस्तेमाल किया। , दैनिक वास्तविकता, और मानवता और विश्वास की एक रहस्यमय और पारलौकिक दृष्टि। इस प्रवृत्ति के नमूने Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespiand Pier Francesco Mazzucchelli को Morazzone के रूप में जाना जाता है, जो तथाकथित मिलानी पाउंडिंग पेंटरों का समूह बनाते हैं।

काउंटर-सुधार किए गए चित्रकारों के विपरीत, प्रकृतिवादियों ने संवेदनशील दुनिया के हर तत्व को एक ही स्तर पर रखा, बिना सौंदर्य और सजावट के आदर्श की तुलना में माध्यमिक विवरण को छोड़ दिया। ये सिद्धांत विशेष रूप से दार्शनिक और धार्मिक अर्थों से भी जुड़े थे, जिसके अनुसार प्रत्येक अभिव्यक्ति, दिव्य के प्रतिबिंब के रूप में, इसके सभी पहलुओं में प्रतिनिधित्व करने के योग्य है।

यह वर्तमान कारवागियो के अनुयायियों में फैल गया, विशेष रूप से स्पेनिश वर्चस्व के देशों में जड़ें ले रहा था: लोम्बार्डी से नेपल्स के राज्य तक, फ़्लैंडर्स (यूट्रेक्ट के कारवागिस्ट) से इबेरियन प्रायद्वीप (वेलेज़्केज़, ज़र्बरन, रिबेरा) तक।

यथार्थवाद
यद्यपि यह एक बहुत ही हालिया शब्द है, गोल्डन एज ​​के डच चित्रकला के संदर्भ में, कोई “यथार्थवाद” की बात कर सकता है जिसे प्राकृतिकवाद की कुछ उप-प्रजातियां समझा जाता है।

संयुक्त प्रांत की स्वतंत्रता केल्विनिस्ट चर्च के सामने लाई गई, जिसने पवित्र छवियों को अस्वीकार कर दिया, शुरू में कलात्मक उत्पादन का निलंबन उत्पन्न किया। हालांकि, कलाकार जल्द ही खुद को नई शैलियों के लिए समर्पित करने में सक्षम थे, उत्कर्ष पूंजीपतियों के घरों की सजावट के लिए समर्पित: यूरोप में पहली बार एक “बुर्जुआ” पेंटिंग का जन्म हुआ, जहां मध्यम-छोटे समर्थन पर, कुछ शैलियों में हीथ्रो आला, जैसे कि परिदृश्य, अभी भी जीवन, नैतिक विषय, चित्र और स्व-चित्र, सर्वश्रेष्ठ चित्रात्मक उत्पादन की गरिमा हासिल की। डच, अपनी कलात्मक परंपरा के नक्शेकदम पर चलते हुए, वातावरण, चरित्र और रीति-रिवाजों के “वास्तविक” पहलुओं के प्रति विशेष रूप से उत्सुक थे, जिनमें कलाकार की संवेदनशीलता को देखते हुए उद्देश्य डेटा को फ़िल्टर किया गया था।

क्लासिसिज़म
पहले से ही सोलहवीं शताब्दी के अंत से, मैनरिज़्म और प्रकृतिवाद की प्रतिक्रिया “सौंदर्य” का एक सिद्धांत फैलाती है, जिसके अनुसार, कलाकारों ने हालांकि, संभावना से इनकार किए बिना, सम्मान के साथ पूर्ण, आदेश और सुंदरता का चयन करने की क्षमता में निवेश किया। अपूर्णता, अराजकता और विकृति। तो चित्रकार, पुनर्जागरण और ग्रीको-रोमन कला की दुनिया में राफेल के अनुभवों का पालन करते हुए, वास्तविक डेटा को फ़िल्टर करके अधिकतम पूर्णता तक पहुंच सकता है।

एमिलियन चित्रकार (विशेष रूप से डोमेनिचिनो, अल्बानी, सस्सोफेरटो), जिन्होंने निकोलस पुसिन और क्लाउड लॉरेन के रूप में फ्रांसीसी को प्रेरित किया, इस प्रवृत्ति में शामिल हो गए।

Bamboccianti
डचमैन पीटर वैन लेर को उनके शारीरिक विकृति के लिए रोम में “बाम्बोसियो” का उपनाम दिया गया था। शब्द “बंबोसेन्टाई” ने अपने एमुलेटर और अनुयायियों के समूह को इंगित किया, न कि मॉकर्स के इरादे के बिना, जिन्होंने आमतौर पर डच लोकप्रिय शैली के प्रकाश में कारवागसके प्रकृतिवाद की पुनर्व्याख्या की। कारवागियो की तुलना में, जैसा कि पहले से ही बेलोरी द्वारा हाइलाइट किया गया था, हालांकि, उन्होंने सबसे विनम्र की दुनिया में विषयों को चित्रित किया, और कुछ कलेक्टरों के पक्ष का आनंद लेते हुए, वे उस समय के सिद्धांतकारों द्वारा कलंकित थे।

Share