एशियाई कला या पूर्वी कला का इतिहास, विभिन्न संस्कृतियों और धर्मों के प्रभावों की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल है। पश्चिमी कला में ऐतिहासिक रूप से समांतर एशियाई कला में विकास, कुछ सदियों पहले सामान्य रूप से। चीनी कला, भारतीय कला, कोरियाई कला, जापानी कला, प्रत्येक का पश्चिमी कला पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, और इसके विपरीत। पूर्वी कला के पास पश्चिमी कला पर भी महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। प्रागैतिहासिक कला को छोड़कर, मेसोपोटामिया की कला एशियाई कला के सबसे पुराने रूपों का प्रतिनिधित्व करती है।

बौद्ध कला
बौद्ध कला 6 वीं से 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में ऐतिहासिक गौतम बुद्ध के जीवन के बाद सदियों में भारतीय उपमहाद्वीप में पैदा हुई थी, अन्य संस्कृतियों के साथ अपने संपर्क और इसके बाकी हिस्सों और दुनिया के माध्यम से इसके प्रसार के माध्यम से विकसित होने से पहले। बौद्ध कला ने विश्वासियों के साथ यात्रा की क्योंकि धर्म प्रत्येक नए मेजबान देश में फैलता, अनुकूलित और विकसित हुआ। यह बौद्ध कला की उत्तरी शाखा बनाने के लिए मध्य पूर्व में और पूर्वी एशिया में बौद्ध कला की दक्षिणी शाखा बनाने के लिए पूर्वोत्तर एशिया तक पूर्व में विकसित हुआ। भारत में, बौद्ध कला ने हिंदू धर्म के विकास को भी प्रभावित किया और यहां तक ​​कि 10 वीं शताब्दी सीई के आसपास भारत में बौद्ध धर्म लगभग गायब होने तक हिंदू धर्म के साथ इस्लाम के जोरदार विस्तार के कारण हुआ।

बौद्ध कला में एक आम दृश्य उपकरण मंडला है। एक दर्शक के परिप्रेक्ष्य से, यह schematically आदर्श ब्रह्मांड का प्रतिनिधित्व करता है। विभिन्न आध्यात्मिक परंपराओं में, एक पवित्र स्थान स्थापित करने और ध्यान और ट्रान्स प्रेरण के लिए सहायता के रूप में उम्मीदवारों और अनुयायियों, आध्यात्मिक शिक्षण उपकरण का ध्यान केंद्रित करने के लिए मंडल को नियोजित किया जा सकता है। इसकी प्रतीकात्मक प्रकृति एक “बेहोश के प्रगतिशील गहरे स्तर तक पहुंचने में मदद कर सकती है, अंततः ध्यान में एकता की रहस्यमय भावना का अनुभव करने के लिए ध्यान करने में सहायता कर सकती है, जिससे ब्रह्मांड के सभी रूपों में ब्रह्मांड उत्पन्न होता है।” मनोविश्लेषक कार्ल जंग ने मंडला को “बेहोश आत्म के केंद्र का प्रतिनिधित्व” के रूप में देखा और माना कि मंडल के चित्रों ने उन्हें भावनात्मक विकारों की पहचान करने और व्यक्तित्व में पूर्णता की दिशा में काम करने में सक्षम बनाया।

भूटानी कला
भूटानी कला तिब्बत की कला के समान है। दोनों दिव्य प्राणियों के अपने पंथ के साथ, वज्रयान बौद्ध धर्म पर आधारित हैं।

भूटान में बौद्ध धर्म के प्रमुख आदेश ड्रुकपा कागुयू और निइन्मा हैं। पूर्व कागायु स्कूल की एक शाखा है और बौद्ध स्वामीओं की वंशावली और 70 जे खेपो (भूटानी मठवासी प्रतिष्ठान के नेताओं) को चित्रित करने वाली पेंटिंग्स के लिए जाना जाता है। निंगमा आदेश पद्मसंभव की छवियों के लिए जाना जाता है, जिन्हें 7 वीं शताब्दी में भूटान में बौद्ध धर्म शुरू करने का श्रेय दिया जाता है। पौराणिक कथा के अनुसार, पद्मसंभव ने भविष्य के बौद्ध स्वामी, विशेष रूप से पेमा लिंगपा के लिए पवित्र खजाने को छुपाया। खजाना खोजकर्ता (टर्टन) भी नििंगमा कला के लगातार विषय हैं।

कम्बोडियन कला
कम्बोडियन कला और कंबोडिया की संस्कृति में कई सदियों से एक समृद्ध और विविध इतिहास रहा है और भारत द्वारा इसका काफी प्रभाव पड़ा है। बदले में, कंबोडिया ने थाईलैंड, लाओस और इसके विपरीत प्रभाव को बहुत प्रभावित किया। कंबोडिया के लंबे इतिहास के दौरान, प्रेरणा का एक प्रमुख स्रोत धर्म से था। लगभग दो सहस्राब्दी के दौरान, एक कम्बोडियनों ने स्वदेशी एनिमस्टिक मान्यताओं और बौद्ध धर्म और हिंदू धर्म के भारतीय धर्मों के syncreticism से एक अद्वितीय खमेर विश्वास विकसित किया। भारतीय संस्कृति और सभ्यता, इसकी भाषा और कला समेत पहली शताब्दी सीई के आसपास मुख्य भूमि दक्षिणपूर्व एशिया पहुंची। आम तौर पर यह माना जाता है कि चीन के साथ व्यापार करते समय समुद्री व्यापारियों ने थाईलैंड और प्रशांत की खाड़ी के साथ बंदरगाहों के लिए भारतीय रिवाज और संस्कृति लाया। इससे फायदा उठाने वाला पहला राज्य फनान था। कई बार, कंबोडिया संस्कृति ने जावानी, चीनी, लाओ और थाई संस्कृतियों के तत्वों को भी अवशोषित किया।

चीनी कला
चीनी कला (चीनी: 中國 藝術 / 中国 艺术) अपने प्राचीन इतिहास में भिन्न है, चीन के शासक राजवंशों और प्रौद्योगिकी को बदलकर अवधि में विभाजित है। कला के विभिन्न रूप महान दार्शनिकों, शिक्षकों, धार्मिक आंकड़ों और यहां तक ​​कि राजनीतिक नेताओं से प्रभावित हुए हैं। चीनी कला में ललित कला, लोक कला और प्रदर्शन कला शामिल हैं। चीनी कला कला है, चाहे वह आधुनिक या प्राचीन है, जिसका जन्म चीन या चीनी कलाकारों या कलाकारों द्वारा किया जाता है।
सांग राजवंश में, कविता को एक गीत कविता द्वारा चिह्नित किया गया था जिसे सीआई (詞) कहा जाता है, जिसने इच्छाओं की भावना व्यक्त की, अक्सर एक गोद लेने वाले व्यक्तित्व में। इसके अलावा सांग राजवंश में, परिदृश्य की अधिक सूक्ष्म अभिव्यक्ति की पेंटिंग्स दिखाई दीं, धुंधली रूपरेखा और पर्वत समोच्चों के साथ जो प्राकृतिक घटनाओं के प्रभावशाली उपचार के माध्यम से दूरी बताते थे। इस अवधि के दौरान चित्रकला में, भावनात्मक तत्वों की बजाय आध्यात्मिक पर जोर दिया गया था, जैसा कि पिछली अवधि में था। वर्तमान में शंघाई के पास कुनशान में सांग राजवंश के दौरान विकसित चीनी ओपेरा का सबसे पुराना रूप कुनक्व। युआन राजवंश में, चीनी चित्रकार झाओ मेन्गफू (趙孟頫) द्वारा पेंटिंग ने बाद में चीनी परिदृश्य चित्रकला को प्रभावित किया, और युआन राजवंश ओपेरा चीनी ओपेरा का एक रूप बन गया जो आज कैंटोनीज़ ओपेरा के रूप में जारी है।

भारतीय कला
भारतीय कला को विशिष्ट अवधि में वर्गीकृत किया जा सकता है, प्रत्येक कुछ धार्मिक, राजनीतिक और सांस्कृतिक विकास को दर्शाता है। सबसे शुरुआती उदाहरण पेट्रोग्लीफ हैं जैसे कि भीम्बेटका में पाए जाते हैं, उनमें से कुछ 5500 ईसा पूर्व से पहले डेटिंग करते हैं। इस तरह के कार्यों का उत्पादन कई सहस्राब्दी के लिए जारी रहा। बाद के उदाहरणों में एलोरा, महाराष्ट्र राज्य के नक्काशीदार खंभे शामिल हैं। अन्य उदाहरण अजंता और एलोरा गुफाओं के भित्तिचित्र हैं।

विशिष्ट अवधि:

प्राचीन काल के हिंदू धर्म और बौद्ध धर्म (3500 ईसा पूर्व – वर्तमान)
इस्लामी वरदान (712-1757 सीई)
औपनिवेशिक काल (1757-19 47)
स्वतंत्रता और औपनिवेशिक काल (1 9 47 के बाद)
भारत में आधुनिक और आधुनिक आधुनिक कला
भारत में सबसे लोकप्रिय कला रूपों में से एक को रंगोली कहा जाता है। यह sandpainting सजावट का एक रूप है जो बारीक जमीन सफेद पाउडर और रंगों का उपयोग करता है, और आमतौर पर भारत में घरों के बाहर इस्तेमाल किया जाता है।

दृश्य कला (मूर्तिकला, चित्रकला और वास्तुकला) गैर-दृश्य कलाओं से कड़े से जुड़े हुए हैं। कपिल वत्सयान के अनुसार, “शास्त्रीय भारतीय वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, साहित्य (काव्य), संगीत और नृत्य ने अपने संबंधित मीडिया द्वारा सशर्त अपने नियम विकसित किए, लेकिन उन्होंने एक दूसरे के साथ साझा नहीं किया बल्कि न केवल भारतीय धर्म-दार्शनिक के अंतर्निहित आध्यात्मिक मान्यताओं दिमाग, लेकिन उन प्रक्रियाओं के द्वारा जिनके द्वारा प्रतीक और आध्यात्मिक राज्यों के संबंध विस्तार से काम किए गए थे। ”

दार्शनिक विचारों, व्यापक सांस्कृतिक इतिहास, सामाजिक, धार्मिक और कलाकृतियों की राजनीतिक पृष्ठभूमि की समझ के माध्यम से भारतीय कला के अद्वितीय गुणों में अंतर्दृष्टि प्राप्त की जाती है।

इंडोनेशियाई कला
इंडोनेशियाई कला और संस्कृति को मूल स्वदेशी रीति-रिवाजों और कई विदेशी प्रभावों के बीच लंबी बातचीत के द्वारा आकार दिया गया है। इंडोनेशिया सुदूर पूर्व और मध्य पूर्व के बीच प्राचीन व्यापारिक मार्गों के साथ केंद्रीय है, जिसके परिणामस्वरूप कई सांस्कृतिक प्रथाएं हिंदू धर्म, बौद्ध धर्म, कन्फ्यूशियनिज्म और इस्लाम समेत धर्मों की भीड़ से काफी प्रभावित होती हैं, जो प्रमुख व्यापारिक शहरों में मजबूत हैं। नतीजा एक जटिल सांस्कृतिक मिश्रण है जो मूल स्वदेशी संस्कृतियों से बहुत अलग है। इंडोनेशिया आमतौर पर जटिल और अभिव्यक्तिपूर्ण बालिनी पेंटिंग्स के अलावा चित्रों के लिए जाना जाता है, जो अक्सर पारंपरिक नृत्यों से प्राकृतिक दृश्यों और विषयों को व्यक्त करते हैं।

बालिनी कला
बालिनी कला हिंदू-जावानी मूल की कला है जो 13 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में बाली के विस्तार के साथ, माजापाइट साम्राज्य के कारीगरों के काम से बढ़ी है। 16 वीं से 20 वीं शताब्दी तक, कामसन, क्लंगकंग (पूर्वी बाली) का गांव शास्त्रीय बालिनी कला का केंद्र था। 20 वीं शताब्दी के पहले भाग के दौरान, बालिनी कला की नई किस्में विकसित हुईं। बीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, उबुद और उसके पड़ोसी गांवों ने बालिनी कला के केंद्र के रूप में प्रतिष्ठा स्थापित की। उबड और बटुआन अपनी पेंटिंग्स के लिए जाने जाते हैं, मास अपने लकड़ी के नक्काशी के लिए, सोने और चांदी के टुकड़ों के लिए सेलुक, और उनके पत्थर की नक्काशी के लिए बटुबुलन। कोवारुबियास बालिनीस कला का वर्णन करता है, “… एक बेहद विकसित, हालांकि अनौपचारिक बारोक लोक कला जो कि हिंदूवादी जावा के क्लासिकिज्म के परिष्करण के साथ किसान आजीविका को जोड़ती है, लेकिन रूढ़िवादी पूर्वाग्रह से मुक्त है और एक नई जीवन शक्ति के उत्साह से निकाल दी गई है उष्णकटिबंधीय आदिम की राक्षसी भावना “। Eiseman सही ढंग से इंगित किया कि बालिनी कला वास्तव में नक्काशीदार, चित्रित, बुना हुआ, और ऑब्जेक्ट डी ‘कला के बजाय रोजमर्रा के उपयोग के लिए वस्तुओं में तैयार किया गया है।

जापानी कला
अपानानी कला और वास्तुकला, मानव निवास की शुरुआत से, जापान में उत्पादित कला का काम है, कभी-कभी 10 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व में, वर्तमान में। जापानी कला में कला मिट्टी और मीडिया की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल है, जिसमें प्राचीन मिट्टी के बरतन, लकड़ी और कांस्य में मूर्तिकला, रेशम और कागज पर स्याही चित्रकला, और कला के अन्य प्रकार के कामों के असंख्य शामिल हैं; प्राचीन काल से समकालीन 21 वीं शताब्दी तक।

17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान ईदो (टोक्यो) की मेट्रोपॉलिटन संस्कृति में कला प्रकृति महान लोकप्रियता के साथ बढ़ी, जिसने 1670 के दशक में हिशिकावा मोरोनोबू के एकल रंग के कार्यों के साथ शुरुआत की। सबसे पहले, केवल भारत स्याही का उपयोग किया गया था, फिर कुछ प्रिंटों को ब्रश के साथ मैन्युअल रूप से रंग दिया गया था, लेकिन 18 वीं शताब्दी में सुजुकी हरुनोबू ने निशिकी-ई बनाने के लिए पोलिक्रोम प्रिंटिंग की तकनीक विकसित की।

जापानी पेंटिंग (絵 画 काइगा) जापानी कलाओं की सबसे पुरानी और सबसे परिष्कृत है, जिसमें विभिन्न प्रकार की शैली और शैलियों शामिल हैं। जापानी कलाओं के इतिहास के साथ ही, जापानी चित्रकला का इतिहास देशी जापानी सौंदर्यशास्त्र और आयातित विचारों के अनुकूलन के बीच संश्लेषण और प्रतिस्पर्धा का एक लंबा इतिहास है।

जापान में पेंटिंग की उत्पत्ति जापान की प्रागैतिहासिक अवधि में अच्छी तरह से वापस आ गई है। साधारण छड़ी के आंकड़े और ज्यामितीय डिजाइन जोम अवधि की मिट्टी के बरतन और यायोई अवधि (300 ईसा पूर्व – 300 ईस्वी) डोटाकू कांस्य घंटों पर पाए जा सकते हैं। कोफुन अवधि (300-700 ईस्वी) से कई ट्यूमुलस में ज्यामितीय और मूर्तिकला डिजाइन दोनों के साथ भित्तिचित्र चित्र पाए गए हैं।

प्राचीन जापानी मूर्तिकला ज्यादातर बौद्ध धर्म में मूर्ति पूजा या शिंटो देवता के एनिमस्टिक संस्कार से लिया गया था। विशेष रूप से, सभी कलाओं के बीच मूर्तिकला बौद्ध धर्म के चारों ओर सबसे दृढ़ता से केंद्रित हुआ था। परंपरागत रूप से उपयोग की जाने वाली सामग्री धातु-विशेष रूप से कांस्य-और, आमतौर पर, लकड़ी, अक्सर लापरवाही, गिल्ड या चमकदार रूप से चित्रित होती थीं। टोकुगावा काल के अंत तक, इस तरह की पारंपरिक मूर्ति – अल्पसंख्यक कार्यों को छोड़कर – बौद्ध मंदिरों और कुलीनता द्वारा संरक्षण के नुकसान की वजह से काफी हद तक गायब हो गई थी।

उकीयो, जिसका अर्थ है “फ़्लोटिंग वर्ल्ड”, ईदो (आधुनिक दिन टोक्यो), ओसाका और क्योटो के शहरी केंद्रों में खिलने वाली उग्र युवा संस्कृति को संदर्भित करता है जो खुद के लिए एक दुनिया थी। यह होमोफोन शब्द “सोरोफुल वर्ल्ड” (憂 き 世), मौत और पुनर्जन्म के सांसारिक विमान के लिए एक विडंबनापूर्ण संकेत है, जिससे बौद्धों ने रिहाई मांगी थी।

कोरियाई कला
कोरियाई कला मिट्टी के बरतन, संगीत, सुलेख, चित्रकला, मूर्तिकला, और अन्य शैलियों में अपनी परंपराओं के लिए प्रसिद्ध है, जो अक्सर बोल्ड रंग, प्राकृतिक रूपों, सटीक आकार और पैमाने, और सतह सजावट के उपयोग से चिह्नित होती है।

जबकि तीन स्वतंत्र संस्कृतियों के बीच स्पष्ट और अंतर अंतर हैं, कोरिया, चीन और जापान के कलाओं के बीच महत्वपूर्ण और ऐतिहासिक समानताएं और बातचीतएं हैं।

कोरिया में समकालीन कला: कोरियाई कला में पश्चिमी शैली के तेल चित्रकला का पहला उदाहरण कोरियाई कलाकार को हू आई-डोंग (1886-19 65) के स्वयं चित्रों में था। इनमें से केवल तीन काम अभी भी बने रहे हैं। ये आत्म-चित्र माध्यम की समझ प्रदान करते हैं जो स्टाइलिस्टिक और सांस्कृतिक अंतर की पुष्टि से परे है। बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, कोरिया में तेल और कैनवास का उपयोग करने का निर्णय दो अलग-अलग व्याख्याओं में था। पश्चिमी विचारों और कला शैलियों के कारण ज्ञान की भावना है। यह ज्ञान सत्रहवीं और अठारहवीं सदी के बौद्धिक आंदोलन से लिया गया है। कोरिया के जापान के कब्जे की अवधि के दौरान को इस विधि के साथ चित्रकला कर रही थी। इस समय के दौरान कई लोगों ने दावा किया कि उनकी कला राजनीतिक हो सकती है, हालांकि, उन्होंने खुद कहा कि वह एक कलाकार थे, न कि राजनेता। को कहा “जब मैं टोक्यो में था, तब भी एक बहुत ही उत्सुक चीज हुई। उस समय टोक्यो में एक सौ से अधिक कोरियाई छात्र थे। हम सभी नई हवा पी रहे थे और नए अध्ययन शुरू कर रहे थे, लेकिन कुछ ऐसे थे जिन्होंने मेरा मज़ाक उड़ाया कला का अध्ययन करने का विकल्प। एक करीबी दोस्त ने कहा कि इस तरह के चित्रकला का अध्ययन करना मेरे लिए सही नहीं था। ”

कोरियाई मिट्टी के बर्तनों को 6000 ईसा पूर्व के रूप में पहचाना गया था। बाहरी मिट्टी के बर्तनों की सजावटी रेखाओं के कारण इस मिट्टी के बर्तन को कंघी-पैटर्न वाली मिट्टी के बर्तन के रूप में भी जाना जाता था। प्रारंभिक कोरियाई समाज मुख्य रूप से मछली पकड़ने पर निर्भर थे। इसलिए, उन्होंने शटरफिश जैसे सागर से एकत्र की गई मछली और अन्य चीजों को स्टोर करने के लिए मिट्टी के बर्तनों का उपयोग किया। बर्तनों में दो मुख्य क्षेत्रीय भेदभाव थे। पूर्वी तट के लोगों के पास एक फ्लैट आधार होता है, जबकि दक्षिण तट पर मिट्टी के बर्तनों का आधार आधार होता है।

लाओटियन कला
लाओटियन कला में मिट्टी के बरतन, लाओ बौद्ध मूर्तिकला, और लाओ संगीत शामिल हैं।

लाओ बौद्ध मूर्तियां सोने, चांदी और अक्सर कांस्य समेत बड़ी मात्रा में सामग्री में बनाई गई थीं। ईंट-एंड-मोर्टार भी विशाल छवियों के लिए उपयोग किया जाने वाला माध्यम था, इनमें से एक प्रसिद्ध वियतनाम में फया वाट (16 वीं शताब्दी) की छवि है, हालांकि एक नवीकरण ने मूर्तिकला की उपस्थिति को पूरी तरह बदल दिया है, और यह अब लाओ बुद्ध जैसा दिखता नहीं है । लकड़ी छोटे, उत्तरदायी बौद्ध छवियों के लिए लोकप्रिय है जो अक्सर गुफाओं में छोड़ी जाती हैं। बुद्ध की बड़ी, जीवन-आकार की स्थायी छवियों के लिए लकड़ी भी बहुत आम है। अर्द्ध कीमती पत्थरों में नक्काशीदार सबसे मशहूर दो मूर्तियां फ्रा केओ (द एमराल्ड बुद्ध) और फ्रा फुथा बुश्वरत हैं। फ्रा केओ, जो शायद ज़ियांग सेन (चियांग साएन) मूल का है, जेड के ठोस ब्लॉक से बना है। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में सियामीज़ इसे लूट के रूप में दूर ले जाने से पहले दो सौ साल तक विएंताइन में आराम कर रहा था। आज यह थाईलैंड के राज्य के पैलेडियम के रूप में कार्य करता है, और बैंकाक में ग्रांड पैलेस में रहता है। फ्रा केओ की तरह फ्रा फुथा बुश्वरत भी बैंकाक के ग्रैंड पैलेस में अपने चैपल में स्थित है। 1 9वीं शताब्दी की शुरुआत में सियामीज़ ने इसे जब्त करने से पहले, यह क्रिस्टल छवि लाह साम्राज्य के लाला साम्राज्य का पैलेडियम था।

कई खूबसूरत लाओ बौद्ध मूर्तियों को पाक ओ गुफाओं में सीधे नक्काशीदार बनाया गया है। पाक ओ (ओ नदी के मुंह) के पास थाम टिंग (निचली गुफा) और थम थेंग (ऊपरी गुफा) लुआंग प्राबांग, लाओस के पास हैं। वे गुफाओं का एक शानदार समूह हैं जो केवल नाव द्वारा पहुंचा जा सकता है, लुआंग प्राबांग के केंद्र से लगभग दो घंटे ऊपर की ओर, और हाल ही में पर्यटकों द्वारा अधिक प्रसिद्ध और अक्सर बन गया है। गुफाओं को उनके प्रभावशाली बौद्ध और लाओ शैली की मूर्तियों के लिए नक्काशीदार माना जाता है गुफा दीवारों में, और फर्श और दीवार अलमारियों पर सैकड़ों छोड़े गए बौद्ध आंकड़े रखे गए। उन्हें वहां रखा गया क्योंकि उनके मालिक उन्हें नष्ट नहीं करना चाहते थे, इसलिए गुफाओं को अपनी अवांछित मूर्ति रखने के लिए मुश्किल यात्रा की जाती है।

नेपाली कला
काठमांडू की प्राचीन और परिष्कृत पारंपरिक संस्कृति, पूरे नेपाल में उस मामले के लिए, अपने अत्यधिक धार्मिक लोगों द्वारा प्रचलित हिंदू और बौद्ध आचारों की एक निर्बाध और असाधारण बैठक है। इसने जैन धर्म, इस्लाम और ईसाई धर्म जैसे अन्य धर्मों द्वारा प्रदान की गई सांस्कृतिक विविधता को भी अपनाया है।

थाई कला
थाई कला और दृश्य कला पारंपरिक रूप से और मुख्य रूप से बौद्ध और रॉयल कला थी। मूर्तिकला बुद्ध छवियों का लगभग विशेष रूप से था, जबकि चित्रकला इमारतों और मुख्य रूप से महलों और मंदिरों की सजावट के चित्रण तक सीमित थी। विभिन्न अवधि से थाई बुद्ध छवियों में कई विशिष्ट शैलियों हैं। समकालीन थाई कला अक्सर पारंपरिक तकनीक के साथ पारंपरिक थाई तत्वों को जोड़ती है।

पारंपरिक थाई पेंटिंग्स ने परिप्रेक्ष्य के बिना दो आयामों में विषयों को दिखाया। तस्वीर में प्रत्येक तत्व का आकार इसकी महत्व की प्रतिबिंबित करता है। संरचना की प्राथमिक तकनीक विभाजित क्षेत्रों की है: मुख्य तत्व अंतरिक्ष ट्रांसफार्मर द्वारा एक-दूसरे से अलग होते हैं। इसने मध्यवर्ती जमीन को हटा दिया, जो अन्यथा परिप्रेक्ष्य को इंगित करेगा। परिप्रेक्ष्य केवल 1 9वीं शताब्दी के मध्य में पश्चिमी प्रभाव के परिणामस्वरूप पेश किया गया था।

पेंटिंग के लिए सबसे लगातार कथा विषय थे या थे: जाटक कहानियां, बुद्ध के जीवन से एपिसोड, बौद्ध स्वर्ग और हेल, और दैनिक जीवन के दृश्य।

सुखोथाई काल 14 वीं शताब्दी में सुखोथाई साम्राज्य में शुरू हुआ। सुखोथाई काल की बुद्ध छवियां पापी शरीर और पतली, अंडाकार चेहरों के साथ सुरुचिपूर्ण हैं। इस शैली ने बुद्ध के आध्यात्मिक पहलू पर जोर दिया, कई छोटे रचनात्मक विवरणों को छोड़कर। प्रभाव को धातु बनाने के बजाय धातु में कास्टिंग करने के सामान्य अभ्यास से बढ़ाया गया था। इस अवधि में “चलने वाले बुद्ध” की शुरुआत हुई।

सुखोथाई कलाकारों ने बुद्ध के कैनोलिक परिभाषित अंकों का पालन करने की कोशिश की, क्योंकि वे प्राचीन पाली ग्रंथों में स्थापित हैं:

त्वचा इतनी चिकनी है कि धूल इसके साथ नहीं रह सकता है;
एक हिरण की तरह पैर;
एक बरगद के पेड़ की तरह जांघ;
एक हाथी के सिर के रूप में बड़े पैमाने पर कंधे;
एक हाथी के ट्रंक की तरह शस्त्र, और घुटनों को छूने के लिए काफी लंबा;
खिलने के बारे में कमल की तरह हाथ;
फिंगरिप्स वापस पंखुड़ियों की तरह बदल गया;
अंडे की तरह सिर;
बिच्छू स्टिंगर्स की तरह बाल;
चिन एक आम पत्थर की तरह;
तोते की चोटी की तरह नाक;
रॉयलल्टी की बालियों से अर्लबॉब्स लम्बे समय तक;
एक गाय की तरह eyelashes;
खींचना धनुष की तरह भौहें।
सुखोथाई ने सवानाखोक शैली में बड़ी मात्रा में चमकीले चीनी मिट्टी के बरतन का उत्पादन किया, जो पूरे दक्षिण-पूर्व एशिया में कारोबार कर रहे थे।

तिब्बती कला
तिब्बती कला तिब्बत और अन्य वर्तमान और पूर्व हिमालयी साम्राज्यों (भूटान, लद्दाख, नेपाल और सिक्किम) की कला को संदर्भित करती है। तिब्बती कला पवित्र और पवित्र कला का एक रूप है, जो इन संस्कृतियों पर तिब्बती बौद्ध धर्म के अत्यधिक सवार प्रभाव को दर्शाती है। रेत मंडला (तिब्ब: किल्खोर) एक तिब्बती बौद्ध परंपरा है जो चीजों की अव्यवस्थित प्रकृति का प्रतीक है। बौद्ध धर्म के हिस्से के रूप में, सभी चीजें सामग्री को क्षणिक के रूप में देखा जाता है। एक रेत मंडला इसका एक उदाहरण है, क्योंकि यह एक बार बनाया गया है और इसके साथ-साथ समारोह और देखने को समाप्त कर दिया गया है, यह व्यवस्थित रूप से नष्ट हो गया है।

चूंकि 4 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में महायान बौद्ध धर्म एक अलग विद्यालय के रूप में उभरा, इसने बोधिसत्व, दयालु प्राणियों की भूमिका पर बल दिया जो दूसरों की सहायता के लिए निर्वाण से व्यक्तिगत पलायन करते थे। शुरुआती समय से विभिन्न बोधिसत्व भी प्रतिमा कला के विषय थे। महायान बौद्ध धर्म की संतान के रूप में तिब्बती बौद्ध धर्म ने इस परंपरा को विरासत में मिला। लेकिन वज्रयान (या बौद्ध तंत्र) की अतिरिक्त हावी उपस्थिति कलात्मक संस्कृति में एक अतिव्यापी महत्व हो सकती है। तिब्बती कला में चित्रित एक आम बोधिसत्व देवता चेनरेज़िग (अवलोक्तेश्वर) है, जिसे अक्सर एक हाथ से सशस्त्र संत के रूप में चित्रित किया जाता है, जो प्रत्येक हाथ के बीच में एक आंख के साथ चित्रित होता है, जो सभी अनुरोधों को देखता है जो हमारे अनुरोध सुनते हैं। वज्रयान अभ्यास के लिए इस देवता को यद्यम, या ‘ध्यान बुद्ध’ के रूप में भी समझा जा सकता है।

तिब्बती बौद्ध धर्म में तांत्रिक बौद्ध धर्म होता है, जिसे वज्राना बौद्ध धर्म के रूप में भी जाना जाता है, जो वजरा के सामान्य प्रतीकात्मकता, हीरा थंडरबॉल्ट (तिब्बती में डोरजे के रूप में जाना जाता है) के लिए जाना जाता है। अधिकांश विशिष्ट तिब्बती बौद्ध कला तंत्र के अभ्यास के हिस्से के रूप में देखी जा सकती है। वज्रयान तकनीकों में ध्यान के दौरान कई विज़ुअलाइजेशन / कल्पनाएं शामिल होती हैं, और अधिकांश विस्तृत तांत्रिक कला को इन विज़ुअलाइजेशन के लिए सहायक के रूप में देखा जा सकता है; ध्यान के देवताओं (यिदाम) के मंडलों और सभी प्रकार के अनुष्ठान उपकरणों के प्रतिनिधित्व से।

तांत्रिक बौद्ध धर्म का एक दृश्य पहलू क्रांतिकारी देवताओं का आम प्रतिनिधित्व है, जो अक्सर क्रोधित चेहरों, लौ की मंडलियों, या मृतकों की खोपड़ी के साथ चित्रित किया जाता है। ये छवियां संरक्षक (स्की। धर्मपाल) का प्रतिनिधित्व करती हैं और उनके डरावने असर से उनकी असली करुणामय प्रकृति होती है। असल में, उनका क्रोध धर्म शिक्षण की सुरक्षा के साथ-साथ भ्रष्टाचार या अभ्यास के व्यवधान को रोकने के लिए विशिष्ट तांत्रिक प्रथाओं की सुरक्षा के प्रति समर्पण का प्रतिनिधित्व करता है। वे सबसे महत्वपूर्ण रूप से क्रांतिकारी मनोवैज्ञानिक पहलुओं के रूप में उपयोग किए जाते हैं जिनका प्रयोग चिकित्सक के नकारात्मक दृष्टिकोण को जीतने के लिए किया जा सकता है।

इतिहासकारों ने ध्यान दिया कि चीनी चित्रकला का सामान्य रूप से तिब्बती चित्रकला पर गहरा प्रभाव पड़ा। 14 वीं और 15 वीं शताब्दी से, तिब्बती चित्रकला ने चीनी से कई तत्वों को शामिल किया था, और 18 वीं शताब्दी के दौरान, चीनी चित्रकला के पास तिब्बती दृश्य कला पर गहरा और दूरगामी प्रभाव था। किंग राजवंश के समय तक, जियसपेप टुकी के अनुसार, “एक नई तिब्बती कला विकसित की गई थी, जो कि एक निश्चित अर्थ में चीनी 18 वीं शताब्दी के चिकनी अलंकृत पूर्वाग्रह की प्रांतीय प्रतिध्वनि थी।”

वियतनामी कला
वियतनामी कला दक्षिणपूर्व एशिया क्षेत्र में ऐसी सबसे पुरानी संस्कृतियों में से एक है। एक समृद्ध कलात्मक विरासत जो प्रागैतिहासिक काल की तारीख है और इसमें शामिल हैं: रेशम चित्रकला, मूर्तिकला, मिट्टी के बरतन, मिट्टी के बरतन, लकड़ी के ब्लॉक प्रिंट, वास्तुकला, संगीत, नृत्य और रंगमंच।

परंपरागत वियतनामी कला कला वियतनाम या वियतनामी कलाकारों द्वारा प्राचीन काल से (विस्तृत Đông Sơn ड्रम समेत) चीनी-चीनी वर्चस्व कला के लिए कला का अभ्यास करती है, जो ताओवाद और कन्फ्यूशियनिज्म जैसे अन्य दर्शनों के बीच चीनी बौद्ध कला से काफी प्रभावित थी। चंपा और फ्रेंच कला की कला ने बाद में एक छोटी भूमिका निभाई।

वियतनामी कला पर चीनी प्रभाव वियतनामी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी के बरतन, सुलेख, और पारंपरिक वास्तुकला में फैला हुआ है। वर्तमान में, वियतनामी लाख चित्रों को काफी लोकप्रिय साबित हुआ है।

गुयेन राजवंश, वियतनाम के अंतिम शासक राजवंश (सी। 1802-19 45) ने चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी के बरतन कला में एक नई रुचि देखी। पूरे एशिया में शाही अदालतों ने वियतनामी चीनी मिट्टी के बरतन आयात किए।

गुयेन राजवंश के दौरान प्रदर्शन कला (जैसे शाही अदालत संगीत और नृत्य) कितनी विकसित हुई, इसके बावजूद कुछ लोग कला के अन्य क्षेत्रों को गुयेन राजवंश के उत्तरार्ध में गिरावट के रूप में देखते हैं।

1 9वीं शताब्दी की शुरुआत में, आधुनिक कला और फ्रेंच कलात्मक प्रभाव वियतनाम में फैल गए। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, इकोले सुपरएरीर डेस बेक्स आर्ट्स डी एल इंडोचिन (इंडोचिन कॉलेज ऑफ आर्ट्स) की स्थापना यूरोपियन विधियों को सिखाने और हनोई और हो ची मिन्ह सिटी जैसे बड़े शहरों में अधिक प्रभावशाली ढंग से करने के लिए की गई थी।

वियतनाम के फ्रांस के 80 साल के शासन के दौरान वियतनामी पर लगाए गए यात्रा प्रतिबंध और राष्ट्रीय आजादी के लिए युद्ध की लंबी अवधि का मतलब था कि बहुत कम वियतनामी कलाकार वियतनाम के बाहर ट्रेन या काम करने में सक्षम थे। अच्छी तरह से काम करने वाली पृष्ठभूमि से कलाकारों की एक छोटी संख्या में फ्रांस जाने और अपने करियर को अधिकांश भाग के लिए बनाने का अवसर मिला। उदाहरणों में ले थाई लुयू, ले फो, माई ट्रंग थू, ली वान डी, ले बा डांग और फाम टैंग शामिल हैं।

आधुनिक वियतनामी कलाकारों ने रेशम, लाहौर इत्यादि जैसे कई पारंपरिक माध्यमों के साथ फ्रेंच तकनीकों का उपयोग करना शुरू किया, इस प्रकार पूर्वी और पश्चिमी तत्वों का एक अद्वितीय मिश्रण बना।

वियतनामी सुलेख
वियतनाम में सुलेख का लंबा इतिहास रहा है, पहले चीनी वर्णों का उपयोग chữ nôm के साथ किया गया था। हालांकि, अधिकांश आधुनिक वियतनामी सुलेख इसके बजाय रोमन-चरित्र आधारित क्वाक Ngữ का उपयोग करता है, जो बहुत लोकप्रिय साबित हुआ है।

अतीत में, वियतनाम के पुराने चरित्र-आधारित लेखन प्रणालियों में साक्षरता के साथ विद्वानों और अभिजात वर्गों तक सीमित है, फिर भी सुलेख ने वियतनामी जीवन में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। चंद्र नव वर्ष जैसे विशेष अवसरों पर, लोग गांव के शिक्षक या विद्वान के पास एक सुलेख लटकाने के लिए जाते थे (अक्सर कविता, लोक कथाएं या यहां तक ​​कि एकल शब्द)। जो लोग पढ़ या लिख ​​नहीं सकते थे, वे अक्सर विद्वानों को प्रार्थना लिखने के लिए प्रेरित करते थे जिन्हें वे मंदिर मंदिरों में जला देंगे।

फिलिपिनो कला
फिलिपिनो पहचान का निर्माण उसी समय हुआ था, मुख्य रूप से इसके पूर्व औपनिवेशिक / प्री-फिलीपींस संस्कृतियों से जो कॉलोनिज़र और चीनी व्यापारियों से प्रभावित हो गए थे, जो अपनी विशिष्ट शास्त्रीय फिलिपिनो पहचान में पिघल गए और विकसित हुए। फिलीपींस के जन्म से पहले, यह राष्ट्रों, द्वीपों और जनजातियों का एक अलग समूह था जो अपने विशिष्ट सामाजिक राजाओं, सरदारों, लक्षानों, डेटस, राजाओं और सुल्तानों द्वारा शासित था। प्रत्येक देश की अपनी पहचान है और कुछ फिलिपिन्स के आधुनिक दिन के मानचित्र के बाहर एक बड़े साम्राज्य का भी हिस्सा हैं, उदाहरण के लिए; मनीला ब्रुनेई साम्राज्य का हिस्सा था। एक और उदाहरण आधुनिक दिन के कई हिस्सों में है, मिंदानाओ को आधुनिक महासागर में पूर्वी जावा में स्थित अपनी राजधानी के साथ माजापाही साम्राज्य का हिस्सा माना जाता है। द्वीपों के औपनिवेशिक आगमन के आगमन ने आधुनिक दिन फिलीपींस शुरू किया, क्योंकि उस समय के दौरान अब जो अब एक संयुक्त द्वीप है, अब फिलीपींस के रूप में जाना जाता है। 9वीं शताब्दी के आरंभ में क्षेत्र के विशेष रूप से मिंग राजवंश और अन्य पूर्व राजवंशों के उपनिवेशीकरण से पहले भी चीनी प्रभावित व्यापार के माध्यम से पूरे दक्षिण पूर्व एशिया में महसूस किया गया था। लेकिन यह स्पैनिश उपनिवेशीकरण के दौरान था कि आधुनिक दिन चीनी फिलिपिनो हस्ताक्षर चिह्न अब फिलीपींस विकसित किया गया था। पूर्व-औपनिवेशिक आंतरिक और बाहरी प्रभाव से पिघल गए ये संस्कृतियां पूर्व-आधुनिक कला और फिलीपींस की परंपरा में बहुत स्पष्ट हैं। जोसे होनोराटो लोज़ानो की पेंटिंग्स में पूर्व और पश्चिम प्रभाव का स्पष्ट संकेत है।

मध्य एशियाई कला
मध्य एशियाई कला आधुनिक किर्गिस्तान, कज़ाखस्तान, उज़्बेकिस्तान, तुर्कमेनिस्तान, अज़रबैजान, ताजिकिस्तान, मंगोलिया, तिब्बत, अफगानिस्तान, पाकिस्तान और चीन और रूस के कुछ हिस्सों के तुर्किक लोगों द्वारा मध्य एशिया में बनाई गई दृश्य कला है। हाल के शताब्दियों की कला मुख्य रूप से इस्लामी कला से प्रभावित होती है, लेकिन विभिन्न पूर्व संस्कृतियां चीन, फारस और ग्रीस की कला, साथ ही साथ पशु शैली से प्रभावित होती हैं जो स्टेपप्स के भयावह लोगों के बीच विकसित होती हैं। कला के सिल्क रोड ट्रांसमिशन, सिथियन कला, ग्रीको-बौद्ध कला, सेरिंडियन कला और हाल ही में फारसी संस्कृति, इस जटिल इतिहास का हिस्सा हैं।

मेसोपोटामिया की कला
Mesopotamia की कला प्रारंभिक शिकारी-समूह समाज (10 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व) से पुरातात्विक रिकॉर्ड में सुमेरियन, अक्कडियन, बेबीलोनियन और अश्शूर साम्राज्यों की कांस्य युग संस्कृतियों में बचे हैं। बाद में इन साम्राज्यों को नियो-असिरियन और नियो-बेबीलोनियन साम्राज्यों द्वारा लौह युग में बदल दिया गया। व्यापक रूप से सभ्यता के पालना माना जाता है, मेसोपोटामिया ने लेखन के सबसे पुराने उदाहरणों सहित महत्वपूर्ण सांस्कृतिक विकास लाए। Mesopotamia की कला प्राचीन मिस्र की चौथी सहस्राब्दी ईसा पूर्व से पश्चिमी यूरेशिया में सबसे भव्य, परिष्कृत और विस्तृत के रूप में प्रतिद्वंद्वी है जब तक फारसी अक्मेनिड साम्राज्य ने 6 वीं शताब्दी ईसा पूर्व में इस क्षेत्र पर विजय प्राप्त की। मुख्य जोर पत्थर और मिट्टी में मूर्तिकला के विभिन्न, बहुत टिकाऊ, रूपों पर था; छोटी पेंटिंग बच गई है, लेकिन क्या सुझाव दिया गया है कि, कुछ अपवादों के साथ, पेंटिंग मुख्य रूप से ज्यामितीय और पौधे आधारित सजावटी योजनाओं के लिए उपयोग की जाती थी, हालांकि अधिकांश मूर्तियों को भी चित्रित किया गया था। सिलेंडर मुहर बड़ी संख्या में बच गए हैं, जिनमें से कई छोटे आकार के बावजूद जटिल और विस्तृत दृश्य भी शामिल हैं।

यहूदी कला
संगीत या रंगमंच की तुलना में, दृश्य कला में विशेष रूप से यहूदी परंपरा है। सबसे अधिक संभावना और स्वीकार्य कारण यह है कि, जैसा कि पहले यहूदी संगीत और साहित्य के साथ दिखाया गया था, इससे पहले मुक्ति यहूदी संस्कृति परमाणुवाद की धार्मिक परंपरा का प्रभुत्व था। चूंकि अधिकांश रब्बीनिक अधिकारियों का मानना ​​था कि द्वितीय कमांड ने बहुत अधिक दृश्य कला को प्रतिबंधित किया है जो “गंभीर छवियों” के रूप में अर्हता प्राप्त करेंगे, यहूदी कलाकार अपेक्षाकृत दुर्लभ थे जब तक वे 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में समेकित यूरोपीय समुदायों में रहते थे। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि कला के प्रारंभिक धार्मिक समुदायों द्वारा मूर्तिपूजा उद्देश्यों के लिए उपयोग किए जाने के बावजूद, यहूदी पवित्र कला तनख में दर्ज की गई है और पूरे यहूदी प्राचीन काल और मध्य युग में फैली हुई है। यरूशलेम में तम्बू और दो मंदिर “यहूदी कला” के पहले ज्ञात उदाहरण हैं। आम युग की पहली शताब्दियों के दौरान, यहूदी धार्मिक कला भी सीरिया और ग्रीस जैसे भूमध्यसागरीय क्षेत्रों में बनाई गई थी, जिसमें सभास्थलों की दीवारों पर भित्तिचित्र शामिल थे, जिनमें से दुरा यूरोपास सिनेगॉग एकमात्र उत्तरजीवी और यहूदी भगदड़ भी है रोम में।

इस्लामी कला
इस्लामी कला 7 वीं शताब्दी से उत्पादित दृश्य कलाओं को शामिल करती है जो सांस्कृतिक रूप से इस्लामी आबादी के निवास या शासन के क्षेत्र में रहते थे। इस प्रकार यह परिभाषित करने के लिए एक बहुत ही कठिन कला है क्योंकि इसमें 1,400 वर्षों में कई भूमि और विभिन्न लोगों को शामिल किया गया है; यह विशेष रूप से एक धर्म, या एक समय, या एक जगह, या पेंटिंग जैसे एक माध्यम के कला नहीं है। इस्लामी वास्तुकला का विशाल क्षेत्र एक अलग लेख का विषय है, जो कि शिलालेख, चित्रकला, कांच, मिट्टी के बरतन, और कार्पेट और कढ़ाई जैसे वस्त्र कला के रूप में अलग-अलग क्षेत्रों को छोड़ देता है।

ईरानी कला
फारसी कला या ईरानी कला दुनिया के इतिहास में सबसे अमीर कला विरासतों में से एक है और वास्तुकला, चित्रकला, बुनाई, मिट्टी के बरतन, सुलेख, धातु और मूर्तिकला सहित कई मीडिया में मजबूत रही है। अलग-अलग समय पर, पड़ोसी सभ्यताओं की कला से प्रभाव बहुत महत्वपूर्ण रहे हैं, और बाद में फारसी कला ने इस्लामी कला की व्यापक शैलियों के हिस्से के रूप में प्रमुख प्रभाव दिए और प्राप्त किए। इस लेख में 1 9 25 तक फारस की कला और कजार राजवंश का अंत शामिल है; बाद में कला ईरानी आधुनिक और समकालीन कला को देखते हैं, और पारंपरिक शिल्प के लिए ईरान के कला देखते हैं। ईरान में रॉक कला इसकी सबसे प्राचीन जीवित कला है। उस लेख में ईरानी वास्तुकला शामिल है।

नाबातियन कला
नाबातियन आर्ट उत्तरी अरब के नाबातियाओं की कला है। वे बारीकी से पके हुए चित्रित मिट्टी के पात्रों के लिए जाने जाते हैं, जो ग्रीको-रोमन दुनिया के साथ-साथ मूर्तिकला और नाबातियन वास्तुकला में योगदान के बीच फैल गए। नाबातियन आर्ट पेट्रा में पुरातात्विक स्थलों के लिए सबसे प्रसिद्ध है, विशेष रूप से अल खज़नेह और विज्ञापन देइर जैसे स्मारक।