खराब कला (इटैलियन: अर्टे पोवेरा) 1960 के दशक के उत्तरार्ध में इटली में उभरा एक कलात्मक आंदोलन है, जिसमें लेखकों ने मुख्य रूप से फील्ड ट्यूरिन का पालन किया है। इसका नाम जर्मनो सेलेंट के नाम पर रखा गया था, क्योंकि इसके निर्माण के लिए विनम्र और खराब सामग्री, आम तौर पर गैर-औद्योगिक (पौधों, कैनवास के बोरे, वसा, रस्सी, पृथ्वी, लॉग) का उपयोग किया जाता है। इन सामग्रियों को उनके परिवर्तनों में मुख्य रूप से महत्व दिया जाता है, चूंकि वे बिगड़ते हैं, वे काम को बदलते हैं।

अर्टे पोवरे एक समकालीन कला आंदोलन है। Arte Povera आंदोलन 1960 के दशक के अंत और इटली भर के प्रमुख शहरों में 1970 के दशक की शुरुआत और तूरिन में सभी के ऊपर हुआ। अन्य शहर जहां आंदोलन भी महत्वपूर्ण थे वे मिलान, रोम, जेनोआ, वेनिस, नेपल्स और बोलोग्ना हैं। यह शब्द 1967 में इतालवी कला समीक्षक जर्मनो सेलेंट द्वारा गढ़ा गया था और 1960 के दशक के अंत में उथल-पुथल की अवधि के दौरान इटली में पेश किया गया था, जब कलाकार कट्टरपंथी रुख अपना रहे थे। कलाकारों ने सरकार, उद्योग और संस्कृति के स्थापित संस्थानों के मूल्यों पर हमला करना शुरू कर दिया।

मारियो मेरज़ उन इतालवी कलाकारों में से हैं जिन्होंने इस कला का अभ्यास किया है। उनके काम बहुत प्रारंभिक संरचनात्मक कानून से शुरू होते हैं, मध्ययुगीन गणितज्ञ फाइबोनैचि, जिनके लिए विकास संख्याओं के सरल उत्तराधिकार से नहीं, बल्कि प्रगति से होता है जिसमें प्रत्येक संख्या दो पूर्ववर्ती लोगों के योग से होती है। यह गणितीय प्रगति उनके किसी भी काम में मेरज़ द्वारा प्रकाशित की गई है, वे वस्तुएं, रिक्त स्थान, सब्जियां आदि हैं, उदाहरण के लिए, फर्श पर अखबार के पैकेज की व्यवस्था, फल और सब्जियों के नवोनर समूह में बने फाइबोनैचि संख्याओं पर जमीन, जो अन्य प्राकृतिक घटनाओं के साथ घटित होती है, या एक नीयन संरचना द्वारा कवर किए गए इग्लू का निर्माण होता है, जहां फाइबोनैचि संख्याओं की श्रृंखला दिखाई देती है, आदि।

सितंबर 1967 से सितंबर तक इटली के जेनोआ में गैलेरिया ला बर्टेस्का में सेलेंट द्वारा क्यूरेट की गई और “इम्प स्पैजियो” (द स्पेस ऑफ थॉट्स) को अक्सर अराटे पोवेरा का आधिकारिक शुरुआती बिंदु माना जाता है। सेल्ट, जो आर्ते पोवेरा के प्रमुख प्रस्तावकों में से एक बन गया, ने 1967 और 1968 में दो प्रदर्शनियों का आयोजन किया, इसके बाद 1985 में इलेक्टा द्वारा प्रकाशित एक प्रभावशाली पुस्तक जिसे आर्टे पोवेरा स्टॉर ई प्रोटागॉनिस्टी / आर्टे ओवेरा कहा गया। इतिहास और नायक, एक क्रांतिकारी कला की धारणा को बढ़ावा देने, सम्मेलन से मुक्त, संरचना की शक्ति, और बाजार में जगह।

हालाँकि सेलेंट ने पूरे अंतर्राष्ट्रीय दृश्य के कट्टरपंथी तत्वों को शामिल करने का प्रयास किया, लेकिन यह शब्द ठीक से इतालवी कलाकारों के एक समूह पर केंद्रित था, जिन्होंने अपरंपरागत सामग्री और शैली की कला के साथ कॉर्पोरेट मानसिकता पर हमला किया था। आंदोलन से जुड़े प्रमुख व्यक्ति जियोवानी एसेलमो, एलघिएरो बोएटी, एनरिको कास्टेलानी, पियर पाओलो कैल्ज़ोलारी, लुसियानो फाब्रो, जेनिस कॉउनेलिस, मारियो मेराज, मारिसा मेराज, गिउलियो पाओलिनी, पिनो पास्कली, ग्यूसेप पेनोन, मिशेल एंजेलिस्ट, माइकल एंजेलिसिस्ट हैं। Zorio। वे अक्सर अपने कार्यों में वस्तुओं का उपयोग करते थे। दृश्य कला में आमूल परिवर्तन के अन्य शुरुआती विस्तारकों में शामिल हैं, प्रोटे अर्टे पोवरे कलाकार: एंटोनी टापीज़ और दाउ अल सेट आंदोलन, अल्बर्टो बुर्री, पिएरो मंज़ोनी और लुसियो फोंटाना और स्थानिकवाद। आर्ट डीलर इलियाना सोननबेंड आंदोलन का एक चैंपियन था।

इसके अलावा उल्लेखनीय हैं: जेनिस कॉनेलिस, लुसियानो फैब्रो, रिचर्ड सेरा; और जर्मन जोसेफ बेय्यूज़ (1921-1985) के बीच। बाद की पसंदीदा सामग्री वसा थी, जिसके साथ उसने गूढ़ वस्तुएं या अन्य को लेपित किया, जिसमें सामग्री का अभिव्यंजक मूल्य मुख्य रूप से बाहर खड़ा था। 1960 के दशक (1960) में, एक और जर्मन कलाकार, वुल्फ वोस्टेल और फ्लक्सस समूह के विनीज़ के साथ, बेयूस ने अनगिनत हैपनिंग की, जिसमें उनकी गैर-पहचान स्पष्ट थी।

अवधारणाओं
शब्द आर्ट पेवरा (इतालवी गरीब कला से) 1960 के दशक के उत्तरार्ध में जारी एक प्रवृत्ति है, जिसके निर्माता गरीब मानी जाने वाली सामग्रियों का उपयोग करते हैं, जिन्हें प्राप्त करना बहुत आसान है, जैसे लकड़ी, पत्तियां या चट्टानें, टेबलवेयर, लेड प्लेट या ग्लास, सब्जियां, कपड़ा, कोयला या मिट्टी, या अपशिष्ट पदार्थ भी, और इसलिए बेकार थे।

कलात्मक वस्तु के व्यावसायीकरण से भागने के प्रयास में, वे अंतरिक्ष पर कब्जा कर लेते हैं और जनता के हस्तक्षेप की मांग करते हैं। वे सामग्री के हेरफेर और इसके विशिष्ट गुणों के अवलोकन के माध्यम से वस्तु और उसके आकार के बीच एक प्रतिबिंब को भड़काने की कोशिश करते हैं। एक विशिष्ट कलाकार मारियो मर्ज़ (बी। 1925) है, जो अपने इग्लू के लिए प्रसिद्ध है, (विभिन्न सामग्रियों से बने गोलार्द्धीय संरचनाएं), उदाहरण के लिए उनका काम क्या हम घरों के आसपास जाते हैं, या मकान हमारे आसपास जाते हैं? (1977-1985)।

आर्टे पोवरे ने मास मीडिया और रिडक्टिव इमेज के आइकॉन को खारिज कर दिया, साथ ही साथ पॉप आर्ट और मिनिमिज़्म के औद्योगिक वाले। यह सीमांत और खराब मूल्यों के आधार पर परिचालन अतिवाद के एक मॉडल का प्रस्ताव करता है। यह उच्च स्तर की रचनात्मकता और सहजता का उपयोग करता है और इसका मतलब है कि प्रेरणा, ऊर्जा, खुशी और भ्रम की वसूली यूटोपिया में बदल गई। Arte povera किसी भी सांस्कृतिक महत्व के बिना सामग्रियों के साथ सीधे संपर्क पसंद करता है, ऐसी सामग्री जो उनके मूल या उपयोग से कोई फर्क नहीं पड़ता, जो कलाकार द्वारा पुन: उपयोग या रूपांतरित होती हैं।

1967 में इतालवी कला समीक्षक और क्यूरेटर जर्मनो सेलेंट द्वारा ‘अर्टे पोवर – इम स्पाजियो’ की सूची के लिए तैयार की गई, इसने गैर-पारंपरिक सामग्रियों के साथ काम करने के लिए इतालवी कलाकारों की एक नई पीढ़ी की प्रवृत्ति का वर्णन करने की कोशिश की सामग्री, काम और इसकी निर्माण प्रक्रिया के बीच संबंधों पर महत्वपूर्ण सौंदर्यवादी प्रतिबिंब और कला के उस सहित दुनिया भर में बढ़ते औद्योगिकीकरण, धातुकरण और मशीनीकरण की एक स्पष्ट अस्वीकृति। यद्यपि ट्यूरिन, मिलन, जेनोआ या रॉम और एक बहुत ही विषम चरित्र के शहरों से उत्पन्न होने के बाद, इस आंदोलन का यूरोपीय और अमेरिकी कलात्मक दृश्यों में कसेल में डॉक्यूमेंटा वी की बदौलत तुरंत प्रभाव पड़ा।

इस शब्द का पहली बार 1967 में एक वेनिस प्रदर्शनी में उपयोग किया गया था। पोवेरा के कलाकार ने एक नया दृष्टिकोण ग्रहण किया, जहां उन्होंने एक वास्तविकता पर कब्जा कर लिया जो उनके होने का सही अर्थ है। उन्होंने जीवन का एक आविष्कारशील और मारक तरीका प्रस्तावित किया। कलाकार पोवेरा को दुनिया में चीजों पर काम करना था, जादुई तथ्यों का उत्पादन करना, प्रकृति में दी गई सामग्री और सिद्धांतों के आधार पर घटनाओं की जड़ों की खोज करना था। यह अपने पर्यावरण के बारे में निर्णय व्यक्त नहीं करता है। आर्टे पोवरे को कलाकार द्वारा अपने शरीर और आत्मा के विस्तार के रूप में भी माना जाता है, जो पर्यावरण, प्रकृति और उसके आस-पास की सभी चीजों से सीधे जुड़कर सद्भाव में प्रवेश करता है। उनके काम, हालांकि अपरंपरागत, में बहुत सामंजस्य और अनूठी शैली है, जो असामान्य सामग्रियों द्वारा दी गई है जिसके साथ वह काम करता है।

साधारण वस्तुओं और संदेशों की वापसी
शरीर और व्यवहार कला है
रोज सार्थक हो जाता है
प्रकृति और उद्योग के निशान दिखाई देते हैं
कार्य में गतिशीलता और ऊर्जा सन्निहित है
प्रकृति को उसके भौतिक और रासायनिक परिवर्तन में प्रलेखित किया जा सकता है
अंतरिक्ष और भाषा की धारणा का अन्वेषण करें
जटिल और प्रतीकात्मक संकेत अर्थ खो देते हैं
ग्राउंड जीरो, नो कल्चर, नो आर्ट सिस्टम, आर्ट = लाइफ

इतिहास
नए आंदोलन की पहली सभा सितंबर 1967 में जर्मनो सेलेंट द्वारा क्यूरेट की गई होमोसेक्सुअल प्रदर्शनी में होती है, जो जेनोआ में फ्रांसेस्को मसनता द्वारा गैलेरिया ला बर्टेस्का में होती है, जहां बोएटी, फेब्रो, कौनेलिस, पाओलिनी, पास्कली और प्रिसी प्रदर्शनी होती है। Arte Povera अभी भी Celant द्वारा n में प्रकाशित एक लेख में परिभाषित किया गया है। उसी वर्ष की 5 की फ्लैश आर्ट, 1968 में बोलोग्ना के गैलेरिया डी ‘फोस्चेरी में एंसेल्मो, बोएटी, सेरोली, फेब्रो, कौनेलिस, मेरज़, पाओलिनी, पस्कली, पियासेंटिनो, पिस्टोलेटो, प्रिसी, ज़ोरियो के साथ आर्ट आर्ट में 5 लोग। अभी भी सेंट्रो अर्टिवा-फेल्ट्रिनाली के ट्राइस्टे में एक साथ प्रदर्शित किया जा रहा है, जहां गिलार्डी को जोड़ा जाएगा, आखिरकार अर्टे पोवर में – अमलफी के शस्त्रागार में गरीब अभिनय कार्यक्रम।

फ्लैश आर्ट पर लेख में सेलेंट द्वारा हाइलाइट किए गए एसिस्टेटिक गुरिल्ला जैसे खराब कला का संदर्भ अंतरराष्ट्रीय मान्यता के लिए धन्यवाद स्वीकार किया जाता है, हालांकि दृढ़ता से पीछा किया जाता है। अंतर्राष्ट्रीय अभिषेक 1969 में खराब कला और वैचारिक कला की प्रदर्शनी के साथ हुआ था जब बर्न के कुन्स्टल में सजेनेमैन द्वारा संगठित रूप बनते हैं (जिसमें बोएटी, कैल्ज़ोलारी, कौनेलिस, मेरज़, पास्कली, पिस्टोलेटो, प्रिंसी और ज़ोरियो) और जब यह शामिल होता है। ट्यूरिन में सिविक गैलरी ऑफ़ मॉडर्न एंड कंटेम्पररी आर्ट में आयोजित संकल्पनात्मक कला आर्ट पेवर भूमि कला प्रदर्शनी में अगले वर्ष सेलेंट आर्टे पोवर्टा का आयतन आया।

आंदोलन के अन्य प्रतिपादक इसके अलावा जो पहले से ही उल्लेख किए गए थे, उनमें क्लाउडियो सिनटोली, सर्जियो लोम्बार्डो, गीनो मरोत्ता, फैबियो मौरि, ग्यूसेप पेनोन, सेसारे टाची, रेनाटो माम्बोर शामिल थे।

काम करता है और काव्य
आंदोलन का जन्म पारंपरिक कला के साथ खुले विवाद में हुआ था, जिसमें से यह तकनीक और उपयोग करने के लिए समर्थन करता है, वास्तव में, “खराब” सामग्री जैसे कि पृथ्वी, लकड़ी, लोहा, लत्ता, प्लास्टिक, औद्योगिक अपशिष्ट, का उपयोग करने के उद्देश्य से। समसामयिक आदतों और अनुरूपताओं के बाद समकालीन समाज की भाषा की मूल संरचनाएं। आंदोलन कलाकारों के काम की एक और विशेषता स्थापना के रूप का उपयोग है, जो काम और पर्यावरण के बीच संबंधों की जगह के रूप में है, और प्रदर्शन “कार्रवाई” की है। जर्मनो सेलेंट, जो कि जैजी ग्राटोव्स्की के थिएटर से आंदोलन का नाम उधार लेता है, का कहना है कि खराब कला अनिवार्य रूप से “न्यूनतम शर्तों को कम करने में, संकेतों को कम करने में, उनके चापलूसों को कम करने के लिए” प्रकट होती है। समूह के अधिकांश कलाकार कुछ प्रयुक्त सामग्रियों में एक स्पष्ट रुचि दिखाते हैं, जबकि कुछ – विशेष रूप से एलिघिएरो बोएती और गिउलिओ पाओलिनी – शुरू से ही अधिक वैचारिक झुकाव रखते हैं।

गरीब कला उस समय के कलात्मक अनुसंधान के पैनोरमा का हिस्सा है, जो महत्वपूर्ण व्यंजन के कारण होता है, जो न केवल वैचारिक कला के संबंध में उचित दिखाता है, बल्कि उन वर्षों में जोसेफ बीयस का सितारा उदय हुआ, लेकिन पॉप के अनुभवों के संबंध में भी , न्यूनतम और भूमि कला (रिचर्ड लॉन्ग)।

इन कलाकारों का लक्ष्य पारंपरिक विचार को दूर करना था कि कला का काम वास्तविकता के सुपर-टेम्पोरल और ट्रान्सेंडेंट स्तर पर होता है। इस कारण से, उत्तेजक जो Giovanni Anselmo मूर्तिकला के काम से निकलता है जो खाती है (1968, Sonnabend संग्रह, न्यूयॉर्क) महत्वपूर्ण है, पत्थर के दो ब्लॉकों द्वारा गठित जो लेट्यूस के सिर को कुचलते हैं, एक सब्जी जिसका अपरिहार्य भाग्य नाश होता है .. जीवित वस्तुओं का उपयोग अक्सर होता है, जैसा कि काउनेलिस में, जिसने एक चित्रित कैनवास पर एक वास्तविक तोता तय किया, यह दर्शाता है कि प्रकृति में किसी भी चित्रात्मक कार्य की तुलना में अधिक रंग हैं।

अर्टे पोवेरा के कलाकारों द्वारा एक और आलोचना सामने आई कि कला के काम की विशिष्टता और अप्रतिष्ठा की अवधारणा के खिलाफ: मोइमिस, पाओलिनी द्वारा, दो समान प्लास्टर कास्ट शामिल हैं जो शास्त्रीय युग की मूर्तिकला का प्रतिनिधित्व करते हैं, एक दूसरे के लिए सामना कर रहे हैं। बातचीत का नाटक करने का उद्देश्य।

वियतनाम युद्ध के दौरान, आर्टे पोवेरा ने अमेरिकी हस्तक्षेप के खिलाफ विरोध आंदोलनों का रुख किया: पिस्टोलेटो के काम वियतनाम (1965, मेनिल संग्रह, ह्यूस्टन) में शांतिवादी प्रदर्शनकारियों के एक समूह को दर्शाया गया है, जो एक दर्पण पर स्थिर सिल्केट के साथ दर्शाया गया है, ताकि गैलरी में आने वाले दर्शकों को प्रतिबिंबित किया गया इस में। इस तरह, लोग खुद ही काम का एक अभिन्न हिस्सा बन गए, जिससे कलात्मक सृजन और दर्शक दर्शकों के बीच एक तरह का मेलजोल पैदा हुआ।

पश्चिमी एक के अलावा कई संस्कृतियों की जीवनशैली का ध्यान मर्ज़ के कामों में मौजूद है: विभिन्न सामग्रियों (उदाहरण के लिए धातु, कांच, लकड़ी, आदि) के साथ बनाए गए उनके कई इग्लू, लोगों की अनुकूलन क्षमता को इंगित करते हैं। निश्चित वातावरण।

विभिन्न कलाकारों द्वारा सबसे अधिक निपटाए जाने वाले विषयों में से एक है, मानव-प्रकृति की पहचान। मरोत्ता और गिलार्डी (ऑर्टो, 1967) में, हालांकि, प्रकृति को एक कृत्रिम कुंजी में फिर से दर्शाया गया है, जैसे कि सामग्री को वास्तविक बनाने और उसे युगांतरकारी परिवर्तन की भावना के करीब लाने के लिए जिसमें मनुष्य और उसकी दुनिया की धारणा शामिल है। धारणा जो कि पिस्टोलेटो के दर्पण चित्रों में अनिश्चित बना है, जो शाब्दिक रूप से उसके सामने सब कुछ अवशोषित करके दुनिया में खुलता है और पर्यावरण में परिवर्तन होता है जिसमें उनके परिवर्तन होते हैं।

इसके विपरीत, छवि के बिना “स्क्रीन” जिसके साथ मौर्य सिनेमैटोग्राफिक कैनवास को पुन: पेश करता है और जो मारियो शिफानो के पहले कार्यों को प्रभावित करेगा। हालांकि, उनकी रचनाएं कभी-कभी सबसे लोकप्रिय दैनिक वास्तविकता (कैसट्टा ऑब्जेक्ट्स एचेस, 1960) या सबसे प्रभावशाली समाचार घटनाओं (ला लूना, 1968) के लिए खुलती हैं, जो उन्हें कला और इतिहास पर गहरा प्रतिबिंब विकसित करने के लिए प्रेरित करेगी।

कई कलाकार एक स्टीरियोटाइप छवि के विचार पर काम करते हैं, जैसे कि सेरोली (Si / No, 1963), जो कला इतिहास से सिल्हूट को सिलसिलेवार तरीके से लिया जाता है, या मानव आकृतियों के सेटों को एक तकनीक के साथ गुणा या क्रमबद्ध किया जाता है, जो रिकॉल को याद करता है। लोंबार्डो के “विशिष्ट हावभाव” (ठेठ इशारों-केनेडी और फैनफनी, 1963), मेम्बोर की छवियों के निशान या रोटचीनी दृश्यों या टैची द्वारा रंगीन कपड़े में घूमने वाले प्रसिद्ध चित्र भी स्टीरियोटाइप (क्वाड्रो प्रति अनटो, 1965) हैं।

कलाकार की
माइकल एंजेलो पिस्टोलेटो ने 1962 में दर्पणों पर पेंटिंग शुरू की, जो लगातार बदलती वास्तविकताओं के साथ पेंटिंग को जोड़ता है जिसमें काम खुद को पाता है। बाद के 1960 के दशक में उन्होंने “कला” और सामान्य चीजों के पदानुक्रम को तोड़ने के लिए इटली के सर्वव्यापी शास्त्रीय प्रतिमा के कलाकारों के साथ एक साथ लत्ता लाना शुरू किया। अशुद्ध सामग्री की एक कला निश्चित रूप से अर्टे पोवेरा की परिभाषा का एक पहलू है। अपने 1967 के म्युरेटो डी स्ट्रैची (रैग वॉल) में, पिस्टोलेटो कपड़े के त्याग वाले स्क्रैप में आम ईंटों को लपेटकर एक विदेशी और भव्य टेपेस्ट्री बनाता है।

जेनिस कॉनेलिस और मारियो मेरज़ ने कला के अनुभव को और अधिक वास्तविक बनाने का प्रयास किया, जबकि व्यक्ति को प्रकृति से अधिक निकटता से जोड़ा। अपने (अनटाइटल / ट्वेल्ड हॉर्स) में, काऊनेलिस गैलरी की दीवारों पर बारह घोड़ों के रैक-अप को दिखाते हुए, गैलरी सेटिंग में वास्तविक, प्राकृतिक जीवन लाता है। दादा आंदोलन और मार्सेल डुचैम्प को याद करते हुए, उनका उद्देश्य यह चुनौती देना था कि कला के रूप में क्या परिभाषित किया जा सकता है, लेकिन Duchamp के विपरीत, वस्तुओं को वास्तविक और जीवित बनाए रखता है, दोनों को स्वतंत्र रखते हुए जीवन और कला की धारणा को फिर से परिभाषित करता है।

‘रियलिटी इफेक्ट’ गौण नहीं बल्कि संवैधानिक है। (…) कॉनेलिस इस बात को आगे बढ़ाते हैं कि कला के रूप में क्या परिभाषित किया जा सकता है, लेकिन कभी भी यह विचार नहीं है कि कला को जीवन में भंग कर देना चाहिए। इसके विपरीत, कला को दीक्षा के संस्कार के रूप में एक नया संदेश दिया जाता है जिसके माध्यम से जीवन को फिर से अनुभव करने के लिए।

पिएरो गिलार्डी, खुद आर्ते पोवरे के उद्देश्य की तरह, प्राकृतिक और कृत्रिम को पाटने से चिंतित था। 1965 में अपने (नेचर कार्पेट्स) में, जिसने उन्हें आर्ते पोवर आंदोलन में पहचान और आत्मसात किया, गिलार्डी ने पॉलीयुरेथेन में से तीन आयामी कालीनों का निर्माण किया, जिसमें सजावट, डिजाइन और कला के रूप में “प्राकृतिक” पत्तियों, चट्टानों और मिट्टी का इस्तेमाल किया गया। प्रश्न क्या वास्तविक और प्राकृतिक है और कैसे कृत्रिमता को समकालीन व्यावसायिक दुनिया में उकेरा जा रहा है, इसके प्रति सामाजिक संवेदनाएं।

जियोवन्नी एंसेलमो (1934-), इतालवी मूर्तिकार।
एलिगियरो बोएती (1940-1994), इतालवी कलाकार।
फेर्रुकियो बर्तोलुज़ी (1920-2007), इतालवी कलाकार।
पियर पाओलो कैल्ज़ोलारी (1943-), इतालवी कलाकार।
एनरिको कास्टेलानी (1930-2017), इतालवी चित्रकार।
रोसेला कोसेंटिनो
लुसियानो फैब्रो (1936-2007), चित्रकार और मूर्तिकार।
लुसियो फोंटाना (1899-1968), अर्जेंटीना के चित्रकार और मूर्तिकार।
पिएरो गिलार्डी (1942-), इतालवी मूर्तिकार।
Kichinevsky
जैनिस कॉउनेलिस (1936-2017), ग्रीक चित्रकार और मूर्तिकार।
मारियो मर्ज़ (1925-2003), इतालवी कलाकार, चित्रकार और मूर्तिकार।
मारिसा मर्ज़ (1931-2019), इतालवी कलाकार।
पिएरो मंज़ोनी (1933-1963), इतालवी कलाकार।
Giulio Paolini (1940-), इतालवी मूर्तिकार और चित्रकार।
क्लाउडियो पार्मिग्य्नेगी (1943-), इतालवी कलाकार।
पिनो पास्कली (1935-1968), इतालवी कलाकार।
Giuseppe Penone (1947-), इतालवी कलाकार और मूर्तिकार।
माइकल एंजेलो पिस्टोलेटो (1933-), इतालवी कलाकार, चित्रकार और मूर्तिकार।
अजर सलमान
एडोआर्डो ट्रोसोल्डी (1987-), इतालवी चित्रकार मूर्तिकार।
गिल्बर्टो ज़ोरियो (यह)

कला बाजार
लंबे समय से, आर्टे पॉवर के काम बाजार के तर्क से बच गए हैं। वास्तव में, कला के काम को “उत्पाद” मानने से इनकार करते हुए, उनके लेखक अल्पकालिक कार्यों को बनाने में संकोच नहीं करते थे, अन्यथा वे “खराब” मानी जाने वाली सामग्रियों जैसे कि पृथ्वी, कपड़े, पौधों आदि का उपयोग करते थे, हालांकि, साहसिक कार्य मध्य -1970 के दशक से पहले समाप्त हो गया, समूह के कई कलाकार तब व्यक्तिगत दृष्टिकोण अपना रहे थे।

पोवर कला आसान पहुंच की कला नहीं है: कुछ टुकड़ों के संरक्षण के लिए बहुत ध्यान देने की आवश्यकता होती है; अन्य, जो कि स्थापना के रूप में हैं, स्पष्ट रूप से केवल उपयुक्त अंदरूनी जगह ले सकते हैं।

हालांकि, बड़े अमेरिकी संस्थानों और कलेक्टरों ने इसे लंबे समय तक अलग रखने के बाद इस वर्तमान में एक करीबी दिलचस्पी लेना शुरू कर दिया है।

यद्यपि अन्य देशों में प्रचलित वैचारिक कला से संबंधित – संयुक्त राज्य अमेरिका में, यह उल्लेखनीय रूप से पॉप और न्यूनतावादी अनुभवों का परिणाम था, हो रहा है और भूमिगत सिनेमा – आर्टे पॉवरा निर्विवाद व्यक्तिवाद के समुचित उत्पादन कार्य करता है।

1967 में जेनोआ में ला बर्टेस्का गैलरी में हुई आर्टे पोवरे द्वारा “एर्टो पॉवरा इन स्पाजियो” की पहली प्रदर्शनी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कई अन्य घटनाओं के बाद हुई थी।

आलोचना
आर्टे पोवरे खराब उत्पादों (इसलिए इसका नाम) का उपयोग करता है: रेत, लत्ता, पृथ्वी, लकड़ी, टार, रस्सी, बर्लेप, इस्तेमाल किए गए कपड़े, आदि और उन्हें रचना के कलात्मक तत्वों के रूप में स्थान देता है। हालांकि, कुछ काम, जैसे मारियो मर्ज़ इग्लू डी गियाप में अधिक परिष्कृत सामग्री जैसे नियॉन लाइट का उपयोग किया जाता है।

“गरीबी” तब उस कलाकार की हो सकती है जो प्रकाश साधनों का उपयोग करता है जो अर्थव्यवस्था और सांस्कृतिक संस्थानों को अपनी स्वतंत्रता सुनिश्चित करता है।

हमने “गरीब” शब्द के उपयोग को तप और ईसाई धर्म के त्याग के लिए एक ईसाई संदर्भ में भी देखा है क्योंकि हम आर्टे पोवरे के कामों में एक आध्यात्मिक भौतिकवाद पाते हैं, वस्तुओं में अस्तित्व के रहस्य का रहस्योद्घाटन, जो सबसे अधिक घातक है, सबसे महत्वहीन है सबसे रोज।

गरीब शब्द की व्याख्या एक राजनीतिक अर्थ में भी की गई थी क्योंकि आर्टे पोवर के कलाकारों ने 1968 के विरोध आंदोलनों की मानसिकता के करीब कट्टरपंथी और सीमांत पदों को अपनाया था।