अमेरिकी आधुनिकतावाद, सामान्य रूप से आधुनिकता आंदोलन की तरह, आधुनिकता की उम्र में संस्कृति और समाज में व्यापक परिवर्तन से उत्पन्न दार्शनिक विचारों की प्रवृत्ति है। अमेरिकी आधुनिकता द्वितीय विश्व युद्ध और द्वितीय विश्व युद्ध के बीच की मूल अवधि के साथ 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में संयुक्त राज्य अमेरिका में एक कलात्मक और सांस्कृतिक आंदोलन है। अपने यूरोपीय समकक्ष की तरह, अमेरिकी आधुनिकतावाद ने एक नई, अधिक औद्योगिकीकृत दुनिया में वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने की मांग करने के लिए ज्ञान की सोच को अस्वीकार कर दिया।

इतिहास
विशेष रूप से, आधुनिकतावादी कला में अमूर्तता की प्रवृत्ति है, यह अभिनव, सौंदर्य, भविष्य और आत्म-संदर्भित है। इसमें दृश्य कला, साहित्य, संगीत, फिल्म, डिज़ाइन, वास्तुकला के साथ-साथ जीवन शैली भी शामिल है। यह ऐतिहासिकता, कलात्मक सम्मेलनों और कला के संस्थागतकरण के खिलाफ प्रतिक्रिया करता है। कला न केवल अकादमियों, सिनेमाघरों या संगीत समारोहों में निपटाई जा रही थी, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी में शामिल होना और सभी के लिए सुलभ होना था। इसके अलावा, अच्छी कला और विद्वानों पर केंद्रित सांस्कृतिक संस्थानों ने आधुनिकता की क्रांतिकारी शैलियों पर थोड़ा ध्यान दिया। रोइंग ट्वेंटिस के दौरान अमेरिका में आर्थिक और तकनीकी प्रगति ने व्यापक उष्णकटिबंधीयता को जन्म दिया, जिसने कुछ आधुनिकतावादी कलाकारों को प्रभावित किया, जबकि अन्य प्रौद्योगिकी के गले लगाने पर संदेह कर रहे थे। प्रथम विश्व युद्ध में जीत ने एक अंतरराष्ट्रीय खिलाड़ी के रूप में अमेरिका की स्थिति की पुष्टि की और लोगों को आत्मविश्वास और सुरक्षा की भावना दी। इस संदर्भ में, अमेरिकी आधुनिकता ने यूरोपीय कला की शुरुआत को यूरोपीय स्वाद से अलग और स्वायत्त के रूप में चिह्नित किया, कलात्मक परंपराओं को तोड़कर जो तब तक यूरोपीय परंपराओं के बाद आकार दिया गया था।

अमेरिकी आधुनिकतावाद आप्रवासी संस्कृतियों की विविधता से लाभान्वित हुआ। कलाकार अफ्रीकी, कैरीबियाई, एशियाई और यूरोपीय लोक संस्कृतियों से प्रेरित थे और इन कार्यों में इन विदेशी शैलियों को एम्बेड किया था।

आधुनिकतावादी अमेरिकी आंदोलन 20 वीं शताब्दी में अमेरिकी जीवन का प्रतिबिंब था। तेजी से औद्योगिकीकृत दुनिया में और जीवन की गति तेज हो गई, व्यक्ति के लिए चीजों की विशालता से निगलना आसान था, उद्देश्य से रहित, घूमना छोड़ दिया। जाति, वर्ग, लिंग, धन और धर्म में सामाजिक सीमाओं को चुनौती दी जा रही थी। चूंकि सामाजिक संरचना को नए आने वाले विचारों से चुनौती दी गई थी, परंपरागत मानकों और सामाजिक संरचना की सीमाएं भंग हो गईं, और पहचान की हानि बनी रही, अंत में अलगाव, अलगाव और किसी भी तरह के “पूर्ण” से अलगता की समग्र भावना में अनुवाद किया गया। एक युद्ध-रैली वाले देश की एकता मर रही थी, इसके साथ ही यह अपने सैनिकों और लोगों को बेची गई खुशियों का भ्रम भी था। दुनिया हिंसक, अश्लील और आध्यात्मिक रूप से खाली छोड़ दिया गया था।

मध्यम वर्ग के कार्यकर्ता एक स्पष्ट रूप से अज्ञात स्थिति में गिर गए, एक बहुत अधिक मशीन में मान्यता प्राप्त करने की आशा रखने के लिए बहुत कम एक कोग। नागरिक अपनी खुद की व्यर्थता से उबर गए थे। युवाओं के सपनों की विफलता और सीमा और हानि की मान्यता में एक निराशाजनक निराशा के साथ बिखर गया। भ्रमित और बहिष्कार के जीवन अधिक फोकल बन गए। कड़ी मेहनत और संसाधन के माध्यम से स्वयं को परिभाषित करने की क्षमता, पारंपरिक साधनों की सहायता के बिना स्वयं का अपना दृष्टिकोण बनाने के लिए, मूल्यवान बन गया। कुछ लेखकों ने इसका समर्थन किया, जबकि एफ। स्कॉट फिट्जरग्राल्ड जैसे अन्य लोगों ने चुनौती दी कि विशेषाधिकार के मूल्यों को आकर्षक और विनाशकारी रूप से झूठा कैसे किया जा सकता है।

आधुनिकतावादी अमेरिका को दुनिया में आम जमीन को अब विश्वास में एकीकृत नहीं करना पड़ा था। एकता को सभी मानव अनुभवों के भीतर साझा चेतना के सामान्य आधार में पाया गया। व्यक्ति के महत्व पर जोर दिया गया था; मानव अनुभव की वास्तव में सीमित प्रकृति ने जाति, वर्ग, लिंग, धन या धर्म के सभी पुलों में एक बंधन बनाया। समाज, इस तरह, साझा अर्थ मिला, यहां तक ​​कि अव्यवस्था में भी।

कुछ 1 9वीं शताब्दी सौंदर्यशास्त्र और “कला के लिए कला” आंदोलन की परंपरा में आधुनिकता देखते हैं। क्लेमेंट ग्रीनबर्ग का तर्क है कि आधुनिकतावादी कला “खुद के बाहर कुछ भी” शामिल नहीं है। अन्य आधुनिकतावादी कला देखते हैं, उदाहरण के लिए ब्लूज़ और जैज़ संगीत में, भावनाओं और मूड के लिए एक माध्यम के रूप में, और कई कामों ने समकालीन मुद्दों, जैसे नारीवाद और शहर के जीवन के साथ निपटाया। कुछ कलाकारों और सैद्धांतिकों ने अमेरिकी आधुनिकतावाद में राजनीतिक आयाम भी जोड़ा।

अमेरिकी आधुनिकतावादी डिजाइन और वास्तुकला ने लोगों को आधुनिक जीवन जीने में सक्षम बनाया। 1 9 20 के दशक के दौरान आर्थिक उछाल के चलते कार्य और पारिवारिक जीवन तेजी से और तेजी से बदल गया। अमेरिका में, कार कई लोगों के लिए लोकप्रिय और किफायती हो गई, अवकाश के समय और मनोरंजन को महत्व मिला और महिलाओं के लिए नौकरी बाजार खोला गया। जीवन को और अधिक कुशल बनाने के लिए, डिजाइनरों और आर्किटेक्ट्स का उद्देश्य गृहकार्य के सरलीकरण के उद्देश्य से करना है।

’20 के दशक के अंत में और 30 के दशक के दौरान ग्रेट डिप्रेशन ने देश की आर्थिक स्थिरता के बारे में लोगों को भ्रमित कर दिया और यूटोपियनवादी सोच को खत्म कर दिया। द्वितीय विश्व युद्ध के प्रकोप और भय ने मानसिकता में और परिवर्तन किए। बाद में युद्ध के बाद की अवधि को लेट मॉडर्निज्म कहा जाता था। Postmodernist युग आम तौर पर 1 9 80 के दशक की शुरुआत में 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला के रूप में माना जाता था।

जाज
20 वीं शताब्दी के आरंभ में, जाज ब्लूज़ परंपरा से विकसित हुआ, लेकिन कई अन्य संगीत और सांस्कृतिक तत्वों को भी शामिल किया गया। न्यू ऑरलियन्स में, अक्सर जैज़ का जन्मस्थान माना जाता है, संगीतकारों को स्पेनिश और फ्रेंच औपनिवेशिक प्रभावों के प्रवाह से फायदा हुआ। इस शहर में, एक अद्वितीय जातीय सांस्कृतिक मिश्रण और कमजोर नस्लीय प्रतिबंधों ने अफ्रीकी अमेरिकियों को दक्षिण के अन्य क्षेत्रों की तुलना में अधिक प्रभाव की अनुमति दी। स्पेनिश-अमेरिकी युद्ध ने उत्तरी सैनिकों को अपने बैंड के साथ क्षेत्र में लाया। परिणामी संगीत ने नए पीतल के उपकरणों से आवाज उठाई। ग्रेट माइग्रेशन के दौरान, जाज न्यू ऑरलियन्स से न्यू यॉर्क, शिकागो और अन्य शहरों में फैल गया, जिस तरह से नई आवाज़ें शामिल थीं। हार्लेम, न्यूयॉर्क शहर, जैज़ युग के लिए नया केंद्र बन गया।

जैज़ – एकीकरण का संगीत
अमेरिकी संस्कृति के केंद्रीय तत्व के रूप में जैज़ संगीत, इसकी जड़ें ब्लैक गुलाम संस्कृति में हैं। अफ्रीकी कॉल और प्रतिक्रिया पैटर्न से संगीत संयुक्त तत्व इसके उपकरण और riffs में। अपनी शुरुआत में जैज़ को सफेद आबादी के कुछ हिस्सों पर गंभीर रूप से देखा गया था, जिन्होंने सोचा था कि जैज़ और रैगटाइम लय “क्रूर क्रैश एंड बैंग” थे और इसने शैली को “नवप्रवर्तनकों के नहीं, बल्कि अक्षमताओं” के रूप में अस्वीकार कर दिया। इसकी अभिव्यक्तिपूर्ण और स्पंदनात्मक शैली ने शुरुआत में सार्वजनिक दिमाग में नस्लीय रूढ़िवादों की सेवा की और संदेहजनक अस्वीकृति के साथ व्यापक रूप से सामना किया गया। बढ़ते काले सांस्कृतिक महत्व की ओर शत्रुता की इस घटना के बावजूद, अमेरिकी लेखक लॉरेंस डब्ल्यू लेविन ने जैज की भूमिका को एक राष्ट्रीय राष्ट्रीय चेतना के उत्प्रेरक के रूप में व्याख्या की:

सांस्कृतिक रूप से, हम अभी तक बहुत अधिक हद तक बने रहे हैं, जैसा कि हमने अभी तक पहचाना है, एक उपनिवेशवादी लोग पूर्व शाही शक्ति की छाया में खुद को परिभाषित करने का प्रयास कर रहे हैं। जाज खुद के उस दूसरी तरफ की अभिव्यक्ति थी जिसने हमारी नवीनता और हमारे विषमता के सकारात्मक पहलुओं को पहचानने की कोशिश की; जो इस तथ्य से सहज महसूस करना सीखा कि अफ्रीका और अन्य गैर-यूरोपीय स्रोतों से प्राप्त हमारी विरासत का एक महत्वपूर्ण हिस्सा; और यह कि विभिन्न समेकित संस्कृतियों में मान्यता प्राप्त है जो संयुक्त राज्य अमेरिका की इतनी विशेषता बन गईं कि एक शर्मनाक कमजोरी लेकिन ताकत का गतिशील स्रोत।

आखिरकार, यह जैज़ की प्रकृति में काले और गोरे के बीच सांस्कृतिक अभिसरण के लिए प्रयास करने के लिए था; सैक्सोफोनिस्ट सोनी रॉनीन्स के मुताबिक, “जैज़ हमेशा एकीकरण का संगीत रहा है।” 1 9 20 और 1 9 30 के दशक के दौरान जैज़ लोकप्रियता में काफी हद तक बढ़ गया और युवा सफेद लोगों में बढ़ती दिलचस्पी पैदा हुई जो कलात्मक, व्यक्तिगत और अभिव्यक्ति की सांस्कृतिक स्वतंत्रता से आकर्षित हुए थे, इस नए संगीत रूप को पेश करना था। बेनी गुडमैन, जीन कृपा, मिल्टन मेज़्रो, मग्गी स्पैनियर या जो सुलिवान जैसे जाने-माने सफेद संगीतकार लुई आर्मस्ट्रांग जैसे अफ्रीका-अमेरिकी प्रतीकों से प्रेरित थे। जैज़ की स्वीकृति जल्द ही अटलांटिक में फैली और 20 वीं शताब्दी के मध्य तक, इसे अंतर्राष्ट्रीय बना दिया। आज, जैज़ संगीत को अमेरिकी संस्कृति का एक अभिन्न और जीवंत हिस्सा माना जाता है, जो अमेरिका का अद्वितीय मूल संगीत है, जो अफ्रीका-अमेरिकी संस्कृति का एक विश्वव्यापी प्रतिनिधि है।

अमेरिकी के रूप में जैज़
द न्यूयॉर्क टाइम्स में 1 9 23 में प्रदर्शित एक संकलन लेख ने जाज की घोषणा की, “… कला के लिए अमेरिका का योगदान। इस देश के एक संगीत लोक कथा के हिस्से के रूप में इसे दुनिया भर में मान्यता प्राप्त है: यह पूरी तरह से और आम तौर पर अमेरिकी है मोनरो सिद्धांत या चौथा जुलाई, या बेसबॉल के रूप में। ”

जैज़ की अमेरिकी-नस्ल इसकी जड़ों से शुरू होती है। जैज़ अफ्रीकी अमेरिकियों का एक उत्पाद था, जो अमेरिका के लिए एक सांस्कृतिक समूह था। हालांकि शुरुआती ब्लूज़ ने विस्थापित लोगों के दुखों के बारे में स्पष्ट रूप से गाया था, जैज़ कुछ और था। अफ्रीकी अमेरिकी श्रमिक वर्ग जिसने जैज़ को जन्म दिया वह अन्य सफेद संगीतकारों की शिक्षा के अधीन नहीं था; काले minstrels अपनी कला “यूरोपीयकरण” के दबाव से बचने में सक्षम थे। संस्कृति (राजधानी सी के साथ) अनिवार्य रूप से मांग की जाती है कि अमेरिकी सभी चीजों को पसंद करते हैं, प्रशंसा करते हैं और दोहराते हैं। इन बाधाओं से मुक्त, जाज एक uncharted तरीके से प्रगति की। 1 9 25 में, इरविंग बर्लिन ने जैज़ को “अमेरिकी लोक संगीत” कहा और “पुराने दक्षिणी गीत” और “नेग्रो आध्यात्मिक” से लेकर “रूसी और इतालवी लोक गीतों के झुकाव” के प्रभावों का हवाला दिया, लेकिन बर्लिन ने निष्कर्ष निकाला कि यह “आम तौर पर” था सब से ऊपर अमेरिकी। ” जिस देश को बनाया गया था, उसी तरह जैज ने एक नए और अलग उत्पाद में अलग-अलग जातीय और सांस्कृतिक प्रभावों को मिश्रित किया, जिसमें अन्य आप्रवासी प्रभावों के साथ काले पहचान के तत्व शामिल हैं। इसमें शहरी स्काइलाइन से दक्षिण और आधुनिक, और अनुकूलित तत्वों की आवाज़ शामिल थीं। जैज़ स्पष्ट रूप से अमेरिकी थे, जिसमें उन्होंने विभिन्न लोगों के चरित्र को मिश्रित किया, लेकिन फिर भी व्यक्ति को अपने आप को एक सुधारित एकल में व्यक्त करने का मौका दिया गया, और इसलिए “कठोर व्यक्तित्व” पर जोर दिया गया जो पहले से ही राष्ट्र की विशेषता है। इसके अलावा, जैज़ ने कलाकार और दर्शकों के बीच बाधा को तोड़ना शुरू कर दिया। यह “लोकतांत्रिक” संस्कृति है, जो इसे आम व्यक्ति के लिए सुलभ बनाता है।

आधुनिक के रूप में जैज़
जाज ध्वनि और तरीके से आधुनिक रूप से आधुनिक है। लॉरेंस लेविन के अनुसार, “जैज़ था, या एक नई उम्र का उत्पाद प्रतीत होता था … कठोर, विचित्र … सुलभ, सहज … खुले तौर पर एक इंटरैक्टिव, सहभागी संगीत।” डैनियल ग्रेगरी मेसन ने आरोप लगाया कि जैज़ “रोबोटों के लिए पूरी तरह अनुकूलित है कि एक दूसरे से निकाला जा सकता है। जैज़ इस प्रकार आधुनिकतावादी औद्योगिक पूंजीवाद का सटीक संगीत प्रतिबिंब है”, और जैज़ को रिवेटिंग की आवाज़ की तुलना भी की गई है। इरविंग बर्लिन ने जैज़ को “मशीन युग का संगीत” कहा। खिलाड़ियों ने हार्लेम में रोजमर्रा की सड़क की बातों के साथ-साथ फ्रेंच इंप्रेशनिस्ट पेंटिंग्स से प्रभाव डाला। सुधारित प्रकृति खिलाड़ी को संगीत के भीतर पूर्व-मौजूदा संरचना को खत्म करने और जांचने की मांग करती है। जाज की आधुनिकता को श्रद्धांजलि के रूप में, केवल एक को उन विभिन्न मीडिया की जांच करने की आवश्यकता होती है जो संगीत से प्रभाव डालती हैं। संगीत शफल एलोंग मंच के सबसे शुरुआती और सबसे सफल जाज अनुकूलन में से एक है, जैज़ बैले न्यू यॉर्क सिटी के मेट्रोपॉलिटन थिएटर में दिखाई दिए, लैंगस्टन ह्यूजेस और स्टर्लिंग ब्राउन ने जैज़ संगीत से कविता खींचा, और जैज़ संगीत ने हारून की पेंटिंग्स को रंग दिया डगलस, मिगुएल कोवारुबियास, और कई अन्य।

दृश्य कला

अमेरिकी आधुनिकतावादी चित्रकला
अमेरिका में आधुनिक युग की शुरुआत के लिए कोई भी तारीख नहीं है, क्योंकि 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में दर्जनों चित्रकार सक्रिय थे। यह वह समय था जब पहली क्यूबिस्ट परिदृश्य, अभी भी जीवन और चित्र प्रकट हुए; चमकीले रंगों ने चित्रकारों के पैलेट में प्रवेश किया, और पहली गैर-उद्देश्य वाली चित्रों को दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया।

प्रारंभिक वर्षों के दौरान आधुनिकतावादी आंदोलन 1 9 13 तक न्यूयॉर्क शहर में विल्हेल्मिना वेबर फर्लोंग (1878-19 62) की लोकप्रिय मैनहट्टन स्टूडियो गैलरी और 1 9 18 में व्हिटनी स्टूडियो क्यूब के काम के माध्यम से लोकप्रिय हो रहा था। डेविडसन के अनुसार, शुरुआत अमेरिकी आधुनिकतावादी चित्रकला का दिनांक 1 9 10 के दशक में किया जा सकता है। इस अवधि का प्रारंभिक हिस्सा 25 साल तक चला और 1 9 35 के आसपास समाप्त हुआ, जब आधुनिक कला को संदर्भित किया गया, ग्रीनबर्ग ने अवंत-गार्डे को क्या कहा।

न्यूयॉर्क शहर में 1 9 13 के आर्मोरी शो ने यूरोपीय कलाकारों के साथ-साथ अमेरिकियों के समकालीन काम को प्रदर्शित किया। इंप्रेशनिस्ट, फाउविस्ट और क्यूबिस्ट पेंटिंग्स ने कई अमेरिकी दर्शकों को चौंका दिया जो अधिक पारंपरिक कला के आदी थे। हालांकि, उन्होंने जो देखा उससे प्रेरित, कई अमेरिकी कलाकार कट्टरपंथी और नए विचारों से प्रभावित थे।

20 वीं शताब्दी की शुरुआत में विभिन्न तकनीकों और कलात्मक अभिव्यक्ति के तरीकों की खोज के द्वारा चिह्नित किया गया था। विल्हेल्मिना वेबर, मैन रे, पैट्रिक हेनरी ब्रूस, जेराल्ड मर्फी और अन्य जैसे कई अमेरिकी कलाकार कला बनाने के लिए यूरोप, विशेष रूप से पेरिस गए। विभिन्न कलात्मक असेंबली के गठन ने दृश्य कलाओं में अर्थ की बहुतायत को जन्म दिया। एशकन स्कूल यथार्थवाद (रॉबर्ट हेनरी या जॉर्ज लुक) के आसपास इकट्ठा हुआ; Stieglitz सर्कल न्यूयॉर्क शहर (मैक्स वेबर, अब्राहम Walkowitz) के अमूर्त दृष्टिकोण की महिमा की; कलर पेंटर्स रंगीन, अमूर्त “synchromies” (स्टैंटन मैकडोनाल्ड-राइट और मॉर्गन रसेल) की दिशा में विकसित हुए, जबकि सटीकतावाद ने अमेरिका के औद्योगिक परिदृश्य को तेज और गतिशील ज्यामिति के रूप में देखा (जोसेफ स्टेला, चार्ल्स शीलर, मॉर्टन लिविंगस्टन शमबर्ग और चार्ल्स डेमथ)। आखिरकार चार्ल्स बर्चफील्ड, मार्सडन हार्टले, स्टुअर्ट डेविस, आर्थर डोव, जॉर्जिया ओ’केफ जैसे कलाकार, जिन्हें अमेरिकी आधुनिकता, जॉन मारिन, आर्थर बीचेर कार्ल्स, अल्फ्रेड हेनरी मौरर, एंड्रयू दासबर्ग, जेम्स डौघर्टी, जॉन कोवर्ट की मां के रूप में सोचा गया था, हेनरीएटा शोर, विलियम ज़ोरैच, मार्गुराइट थॉम्पसन (ज़ोरैच), मनिएर डॉसन, अर्नाल्ड फ्राइडमैन और ऑस्कर ब्लूमेनर ने न्यू यॉर्क स्कूल में आधुनिकता के युग में शुरुआत की।

दृश्य कला में विषयों की फोकस और बहुतायत की शिफ्ट अमेरिकी आधुनिकतावादी कला का एक हॉलमार्क भी है। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, समूह आठ ने आधुनिक शहर पर ध्यान केंद्रित किया, और नागरिकों के विभिन्न वर्गों की विविधता पर जोर दिया। आठ के सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधियों में से दो, रॉबर्ट हेनरी और जॉन स्लोन ने सामाजिक विविधता के बारे में पेंटिंग की, अक्सर औद्योगिक शहरों के झोपड़पट्टी के मुख्य विषय के रूप में मुख्य विषय के रूप में लिया जाता है। 1 9 20 के दशक के उत्तरार्ध और 1 9 30 के दशक में अमेरिकी चित्रकला, क्षेत्रीयवाद और सामाजिक यथार्थवाद में दो आंदोलनों के लिए (कई अन्य लोगों के बीच) थे। क्षेत्रीयवादियों ने अमेरिकी परिदृश्य की रंगीनता और देश के जीवन की जटिलताओं पर ध्यान केंद्रित किया, जबकि सामाजिक यथार्थवादी महान अवसाद, गरीबी और सामाजिक अन्याय के विषयों में चले गए। सामाजिक यथार्थवादियों ने सरकार और प्रतिष्ठान के खिलाफ विरोध किया जो मानव असमानताओं के मामलों के लिए पाखंडी, पक्षपातपूर्ण और उदासीन दिखाई दिया। 20 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के दौरान अमूर्त, परिदृश्य और संगीत लोकप्रिय आधुनिकतावादी थीम थे। चार्ल्स डेमथ जैसे कलाकार जिन्होंने 1 9 28 में अपनी उत्कृष्ट कृति आई चित्रा पांच में सोने का निर्माण किया, मॉर्टन शमबर्ग (1881-19 18) और चार्ल्स शीलर प्रेसिजनवादी आंदोलन से भी निकटता से जुड़े थे। शेलर ने आम तौर पर शहर के दृश्यों और औद्योगिक वास्तुकला को चित्रित किया, जैसा कि उनके चित्रकला आमोसकेग नहर 1 9 48 द्वारा उदाहरण दिया गया था। 1 9 40 से छह रंगों के लिए हॉट स्टिल-स्केप – 7 वें एवेन्यू स्टाइल द्वारा उदाहरण के रूप में जैज़ और संगीत को स्टुअर्ट डेविस द्वारा सुधारित किया गया था।

आधुनिकता ने अमेरिका में कला और सामाजिक रूप से विविध दर्शकों के बीच के अंतर को तोड़ दिया। संग्रहालयों और दीर्घाओं की बढ़ती संख्या आम जनता को आधुनिकता लाने के उद्देश्य से। प्रगति, प्रौद्योगिकी और शहरी जीवन के उत्सव के प्रारंभिक प्रतिरोध के बावजूद, दृश्य कला ने स्वयं को जागरूकता और अमेरिकी लोगों के प्रति जागरूकता में योगदान दिया। नए आधुनिकतावादी चित्रकला ने दर्शकों के भावनात्मक और मानसिक राज्यों पर प्रकाश डाला, जो एक अमेरिकी पहचान के गठन के लिए मूलभूत था।

अमेरिकी “आधुनिकतावाद” के कई दिशाओं के परिणामस्वरूप एक सुसंगत शैली नहीं हुई, बल्कि प्रयोगों और चुनौतियों की इच्छा उत्पन्न हुई। यह साबित हुआ कि आधुनिक कला निश्चित सिद्धांतों से परे है।

अमेरिकी आधुनिकता के मुख्य स्कूल और आंदोलन
Stieglitz समूह
एरेन्सबर्ग सर्कल
रंग चित्रकार
Precisionism
निर्दलीय
फिलाडेल्फिया स्कूल
न्यूयॉर्क के स्वतंत्र
शिकागो और पश्चिम की ओर

आधुनिकतावादी चित्रकला
जॉर्जिया ओ’केफ, जिसे “अमेरिकी आधुनिकता की मां” के रूप में जाना जाता है, 1 9 20 के दशक से अमेरिकी आधुनिकतावाद में एक प्रमुख व्यक्ति रहा है। आधुनिक अमेरिकी कलात्मक शैली की सीमाओं को चुनौती देने के लिए उन्हें व्यापक मान्यता मिली है। वह मुख्य रूप से फूलों, चट्टानों, गोले, पशु हड्डियों और परिदृश्यों के चित्रों के लिए जाना जाता है जिसमें उन्होंने अमूर्तता और प्रतिनिधित्व को संश्लेषित किया। 1 9 35 से राम के हेड व्हाइट होलीहोक और लिटिल हिल्स ओ’केफ द्वारा एक प्रसिद्ध चित्रकला है।

आर्थर डोव ने मीडिया की एक विस्तृत श्रृंखला का इस्तेमाल किया, कभी-कभी अपरंपरागत संयोजनों में अपने अवशोषण और उसके सार के परिदृश्य का उत्पादन करने के लिए। 1 9 37 से मी और चंद्रमा आर्थर डोव अमूर्त परिदृश्य का एक अच्छा उदाहरण है और इसे अपने करियर के अंतिम कार्यों में से एक के रूप में जाना जाता है। डोव ने 1 9 20 के दशक में प्रयोगात्मक कोलाज कार्यों की एक श्रृंखला की। उन्होंने तकनीक के साथ भी प्रयोग किया, एक मोम emulsion पर हाथ मिश्रित तेल या tempera जैसे पेंट्स संयोजन।

अफ्रीकी-अमेरिकी चित्रकार हारून डगलस (18 99-19 7 9) सबसे प्रसिद्ध और सबसे प्रभावशाली अफ्रीकी-अमेरिकी आधुनिकतावादी चित्रकारों में से एक है। उनके कार्यों ने एक सौंदर्य आंदोलन के विकास के लिए दृढ़ता से योगदान दिया जो अफ्रीकी-अमेरिकी विरासत और संस्कृति की विशिष्ट विशेषताओं से निकटता से संबंधित है। डगलस ने विशेष रूप से हार्लेम पुनर्जागरण के दौरान अफ्रीकी-अमेरिकी दृश्य कलाओं को प्रभावित किया।

डगलस की सबसे लोकप्रिय चित्रों में से एक क्रूसीफिक्शन है। यह 1 9 27 में जेम्स वेल्डन जॉनसन के गॉड ट्रॉम्बोन में प्रकाशित हुआ था। पेंटिंग में चित्रित क्रूस पर चढ़ाई दृश्य कई तत्व दिखाता है जो डगलस की कला का गठन करते हैं: स्पष्ट कटौती का चित्रण, छाया और प्रकाश में परिवर्तन, शैलीबद्ध मानव निकायों और ज्यामितीय आंकड़े केंद्रित चक्रों के रूप में रैखिक रूपों के विपरीत। चित्रकला का विषय न केवल बाइबिल के दृश्य जैसा दिखता है बल्कि अफ्रीकी-अमेरिकी धार्मिक परंपरा के लिए एक संकेत के रूप में भी देखा जा सकता है: oversized, अंधेरा यीशु अपने क्रूस को सहन कर रहा है, उसकी आंखें स्वर्ग को निर्देशित करती हैं जिससे प्रकाश उनके अनुयायियों पर डाला जाता है। स्टाइलिज्ड रोमन सैनिक अपने भालेदार भाले के साथ दृश्य को झुका रहे हैं। नतीजतन, पर्यवेक्षक को अफ्रीकी-अमेरिकी सुसमाचार परंपरा के उदाहरण के लिए याद दिलाया जाता है लेकिन दमन के इतिहास का भी। Beauford Delaney, चार्ल्स अल्स्टन, जैकब लॉरेंस और रोमर बीर्डन भी अफ्रीकी-अमेरिकी आधुनिकतावादी चित्रकारों के लिए महत्वपूर्ण थे जो उनके पीछे आने वाले कलाकारों की पीढ़ियों को प्रेरित करते थे।

आधुनिकता फोटोग्राफी
अमेरिकी आधुनिकता की शुरुआत में, फोटोग्राफी अभी भी कला के रूप में पहचाने जाने के लिए संघर्ष कर रही है। फोटोग्राफर अल्फ्रेड स्टिग्लिट्ज ने इसे इस प्रकार वर्णित किया: “जिन कलाकारों ने मेरी पिछली तस्वीरों को देखा, उन्होंने मुझे यह बताना शुरू किया कि उन्होंने मुझे ईर्ष्या दी है, कि उन्हें लगा कि मेरी तस्वीरें उनके चित्रों से बेहतर थीं, लेकिन दुर्भाग्य से, फोटोग्राफी एक कला नहीं थी। मुझे समझ में नहीं आया क्यों कलाकारों को मेरे काम के लिए मुझे ईर्ष्या देना चाहिए, फिर भी, एक ही सांस में, इसे ठीक करें क्योंकि यह मशीन से बना था। ” (Stieglitz: 8)। 1 9 02 में, स्टिग्लिट्ज ने एडवर्ड स्टीचेन, गर्ट्रूड कैसबियर और क्लेरेंस हडसन व्हाइट जैसे सदस्यों के साथ फोटो-सेशन समूह की स्थापना की, जिसका उद्देश्य मानक बढ़ाने और कला फोटोग्राफी के बारे में जागरूकता बढ़ाने का था। उस समय, उनकी मुख्य शैली चित्रमय थी, जो कि उस समय के चित्रों और etchings की शैली की नकल करने के लिए मुलायम फोकस, विशेष फिल्टर या विदेशी मुद्रण प्रक्रियाओं के माध्यम से तस्वीरों को संशोधित करने के लिए जाना जाता था। प्रकाशन के माध्यम से, आंदोलन की चालक शक्ति के रूप में स्टिग्लिट्ज ने पत्रिका कैमरा वर्क शुरू किया, जिसमें उन्होंने कलाकारों को प्रकाशित किया, जिसे उन्होंने आंदोलन का प्रतिनिधित्व किया। उन्होंने एक और के बाद तीन दीर्घाओं को भी चलाया, अर्थात् “2 9 1” (1 9 05-19 17), “द इंटिमेट गैलरी” (1 925-19 2 9) और “एन अमेरिकन प्लेस” (1 9 2 9 -1 9 47)। विशेष रूप से 2 9 1 ने कलाकारों और लेखकों के लिए एक बैठक बिंदु के रूप में कार्य किया और संयुक्त राज्य अमेरिका में हेनरी मैटिस, ऑगस्टे रॉडिन, हेनरी रौसेउ, पॉल सेज़ेन और पाब्लो पिकासो जैसे यूरोपीय कलाकारों के शुरुआती आधुनिकतावादी कला कार्यों को प्रदर्शित करने वाले पहले व्यक्ति थे। मैन रे द्वारा यूरोपीय अवंत-गार्डे का एक और लिंक स्थापित किया गया था। अमेरिका में पैदा हुए और स्टीग्लिट्ज की दीर्घाओं में उन्होंने जो काम देखा, उससे प्रेरित, रे 1 9 21 में पेरिस आए और यूरोपीय दादा और अतियथार्थवादी आंदोलनों के कलाकारों के साथ नई फोटोग्राफिक तकनीकों जैसे कि रेगोग्राफ (सीधे प्रकाश संवेदनशील कागज पर वस्तुओं को रखकर) बनाया गया।

1 9 20 के दशक की शुरुआत में, फोटोग्राफर सीधे फोटोग्राफी कहलाते थे। चित्रमय शैली के विपरीत, उन्होंने अब फोटोग्राफिक प्रक्रिया में किसी भी तरह के हेरफेर को खारिज कर दिया (उदाहरण के लिए, सॉफ्ट लेंस, विशेष विकास या प्रिंटिंग विधियों) और वास्तविकता को पकड़ने के लिए कैमरे के फायदे का उपयोग करने के लिए एक अद्वितीय माध्यम के रूप में उपयोग करने की कोशिश की। उनके रूपों को यथासंभव उद्देश्य के रूप में देखना चाहिए था। क्लासिक चित्रकला और चित्रमय शैली से दूर ध्यान केंद्रित करने के बाद, फोटोग्राफर ने अपनी तस्वीरों का उपयोग रोजमर्रा की जिंदगी की कठोर वास्तविकताओं का प्रतिनिधित्व करने के साधनों के रूप में करना शुरू किया, लेकिन साथ ही विस्तार से समग्र सौंदर्यशास्त्र संरचना की खोज करने की कोशिश की। मशीनें और कारखाने का काम, आकाश स्क्रैपर्स और तकनीकी नवाचार प्रमुख प्रकृति बन गए। 1 9 32 में कुछ युवा फोटोग्राफर (जैसे एन्सल एडम्स, इमोजेन कनिंघम, विलार्ड वैन डाइक, एडवर्ड वेस्टन) ने सीधे फोटोग्राफी के आदर्शों के आधार पर समूह एफ / 64 शुरू किया, जो कि इसके समय का सबसे प्रगतिशील संघ बन गया।

नस्लवाद, लिंग, और कामुकता

नारीवाद का विकास
1 9वीं शताब्दी की शुरुआत से, कुछ महिलाओं ने घरेलू क्षेत्र के अलगाव से बचने के लिए आदर्श मादात्व के सिद्धांतों का उपयोग किया। 1830 के दशक तक, महिलाएं महिलाओं के क्षेत्र को खुले तौर पर चुनौती दे रही थीं और अधिक राजनीतिक, आर्थिक और सामाजिक अधिकारों की मांग कर रही थीं। उन्होंने पूरे अमेरिका में महिलाओं के क्लब और उदार समाजों का गठन किया, सार्वजनिक क्षेत्र का पुरुष वर्चस्व अब इन मध्यम वर्ग की कार्यकर्ता महिलाओं में से कई को स्वीकार्य सीमा के भीतर नहीं था। 1848 में सेनेका फॉल्स कन्वेंशन के साथ शुरुआत में, अमेरिकी नारीवादियों ने 20 वीं शताब्दी की शुरुआत तक राज्य और राष्ट्रीय सम्मेलन आयोजित किए। नारीवादी आंदोलन की कुछ प्रवक्ता ने मुफ्त प्रेम और यौन क्रांति के साथ नारीवादी कारण को जोड़ा, जो विक्टोरियन युग के निषिद्ध मुद्दे थे। इसलिए, ब्रिटेन और संयुक्त राज्य अमेरिका में नारीवादियों ने राजनीतिक और कानूनी मुद्दों पर ध्यान केंद्रित किया, विशेष रूप से वोट, और महिलाओं की घरेलू भूमिकाओं और सामान्य रूप से घरेलू जीवन के संगठन के संबंध में अन्य महत्वपूर्ण महिलाओं के मुद्दों पर ध्यान केंद्रित किया।

आखिरकार, लंबे और कठिन संघर्ष के बाद भारी, कभी-कभी हिंसक विरोध, कई महिलाओं की कारावास और यहां तक ​​कि कुछ मौतें, महिलाओं के मताधिकार के लिए लड़ाई जीती गई। मताधिकार कानून 1 9 20 में संयुक्त राज्य अमेरिका में उन महिलाओं के लिए पारित किया गया था जो गृहस्थों या घरों की पत्नियां थीं और 1 9 28 में सभी वयस्क महिलाओं के लिए। (अफ्रीकी-अमेरिकी महिलाओं को शामिल नहीं किया गया था। उन्हें केवल 1 9 60 के नागरिक अधिकार आंदोलन में वोट देने का अधिकार प्राप्त हुआ।) नेशनल ऑर्गनाइजेशन फॉर विमेन (एनओओ) की स्थापना 1 9 66 में नारीवादियों के एक समूह ने की थी। यूएस एनओयू में सबसे बड़ी महिला अधिकार समूह का लक्ष्य विधायी लॉबिंग, मुकदमेबाजी और सार्वजनिक प्रदर्शनों के माध्यम से यौन भेदभाव, विशेष रूप से कार्यस्थल में समाप्त करना था। 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के निम्नलिखित वर्षों में आधुनिक समाज के सभी क्षेत्रों में महिलाओं के अधिकारों का एक बड़ा विस्तार हुआ। आधुनिकतावादी कलाकारों के नारीवाद के प्रति एक प्रतिद्वंद्वी दृष्टिकोण था: एक तरफ उन्होंने कानून, फ्रेंचाइजी और व्यवसायों के संबंध में पुरुषों और महिलाओं के बराबर इलाज का विकल्प चुना; दूसरी ओर जीवविज्ञान, संस्कृति और दिमाग में उत्थान के मामले में वे अभी भी कथित महिला अपर्याप्तताएं थीं। चूंकि कट्टरपंथी नारीवादी एम्मा गोल्डमैन ने घोषणा की, “सच्ची मुक्ति न तो चुनाव में शुरू होती है और न ही अदालतों में [बल्कि] एक महिला की आत्मा में शुरू होती है” (क्यूई। ल्यों 223 में)।

लिंग और कामुकता
अमेरिकी आधुनिकतावाद में लिंग और कामुकता की भूमिका राष्ट्रीय पहचान और नागरिकता, नस्लीय पहचान और जाति राजनीति, queer पहचान और सौंदर्यशास्त्र, पत्रिका संस्कृति, दृश्य संस्कृति, बाजार अर्थव्यवस्थाओं, और 20 वीं शताब्दी राजनीतिक आधुनिकता के ऐतिहासिक खातों के अध्ययन के माध्यम से विस्तारित किया गया था। नारीवाद, लिंग और कामुकता के विद्वानों द्वारा किए गए अत्यधिक काम ने अमेरिकी आधुनिकतावादी छात्रवृत्ति के क्षेत्र को पुन: स्थापित करने में मदद की। महिला लेखकों ने व्यापक साहित्यिक अध्ययन के विषय बन गए हैं। समलैंगिक और समलैंगिक समुदायों को आधुनिक सौंदर्य प्रयोग के पैटर्न के रूप में संशोधित किया गया है, और यौन पहचान और लिंग गठन का एक नए तरीके से व्याख्या किया गया था।

20 वीं शताब्दी के सांस्कृतिक जीवन की बारी ने उच्च संस्कृति बनाम सामूहिक संस्कृति के एक डिकोटॉमी में बदलाव देखा, जिसमें आम तौर पर महिलाएं थीं, और उच्च संस्कृति ने पुरुष-उन्मुख विचार किया था। पूर्व में लोकप्रिय कथाओं की निंदा की गई अब नारीवादी उद्देश्य की सेवा की। “इसने मुफ्त प्यार के नए चरण और जन्म नियंत्रण के संगत प्रचार के लिए आधार के लिए आधार बनाया।” (ल्योन 225)

रोजमर्रा की जिंदगी और संस्कृति
आधुनिकतावादी आंदोलन ने समाजों में बड़े बदलाव किए जिसके दौरान यह हुआ। औद्योगिक विकास के परिचय के साथ, अमेरिकी लोगों ने नए आधुनिकतावादी युग के नतीजे का आनंद लेना शुरू कर दिया। रोजमर्रा की जिंदगी और संस्कृति वे क्षेत्र हैं जो समाज की आदतों में सामाजिक परिवर्तन को दर्शाती हैं। आधुनिकता के साथ हुए विकास ने अमेरिकी लोगों के जीवन मानकों को प्रभावित किया और जीवन शैली की नई शैली का मार्ग प्रशस्त किया।

फैशन
फैशन का जिक्र करते हुए, आमतौर पर ड्रेसिंग शैलियों या परिधानों के बारे में सोचते हैं। बेशक, ड्रेसिंग शैली “फैशन” शब्द की एक बहुत ही महत्वपूर्ण श्रेणी है। दूसरी तरफ, “फैशन” का अर्थ अधिक अर्थ है और कई अन्य क्षेत्रों जैसे वास्तुकला, शरीर के प्रकार, नृत्य और संगीत, और भाषण के रूपों आदि में भी समझाया जा सकता है।

1. वेशभूषा
1 9 20 के दशक की शुरुआत में, तैयार-पहनने के फैशन ने अमेरिका को फैलाना शुरू कर दिया। अधिक महिलाओं ने अपनी मजदूरी अर्जित की और फिटिंग पर समय बिताना नहीं चाहते थे। स्टेटस प्रतीक के रूप में फैशन और अधिक महत्वपूर्ण नहीं था क्योंकि वर्ग भेद धुंधला हो रहा था। लोग विशेष रूप से महिलाओं को सस्ती फैशन के लिए बुलाया जाता है। महिलाओं के लिए समकालीन स्टाइल कपड़ों के बड़े पैमाने पर उत्पादन के पहलू में, अमेरिका दूसरे देशों से आगे चला गया। जेन डर्बी समेत इस फैशन के कई डिजाइनरों ने एक मंच तैयार किया।

महिलाएं: 1 9 21 तक लंबी स्कर्ट, जो आमतौर पर लंबे समय तक लंबी और असमान थी, पुरानी थी। शॉर्ट स्कर्ट 1 9 25 तक लोकप्रिय हो गई। कोई बोसम, कोई कमर नहीं, और बालों को लगभग एक क्लॉच टोपी के नीचे छुपाया गया। कॉस्मेटिक्स का निर्माण भी इस दशक से शुरू हुआ। पाउडर, लिपस्टिक, रूज, भौं पेंसिल, आंख छाया, रंगीन नाखून, महिलाओं को सब कुछ था। इसके अलावा, मोती भी फैशन में आया था।

पुरुष: इस अवधि में, पुरुषों के लिए कपड़े अधिक रूढ़िवादी था। ट्राउडर बोतलों पर 24 इंच तक बढ़ गए। Knickers, चौड़ाई और लंबाई में वृद्धि, प्लस चार कहा जाता था। गर्मियों में, सफेद लिनन लोकप्रिय था, जबकि सर्दियों में एक अमेरिकी कोट-रेकून कोट-फैशन में था। महसूस किए गए स्लच टोपी को लुढ़काया जा सकता है और एक सूटकेस में पैक किया जा सकता है। ये कॉलेज पुरुषों के साथ बहुत लोकप्रिय थे।

2. फर्नीचर डिजाइनिंग दुनिया में कोई शुद्ध अमेरिकी आधुनिक शैली नहीं है। अमेरिकी आधुनिक कलाकारों ने शैली की सादगी, सजावटी आभूषण की अनुपस्थिति, और उनके उदाहरणों से कार्यात्मक चिंताओं पर ध्यान केंद्रित करने वाली शैली को विरासत में मिलाया। साथ ही, अमेरिकी डिजाइनरों ने पेरिस के चित्रकला की जंगली शैली के साथ-साथ आर्ट डेको जैसे उनके कार्यों में आधुनिक वास्तुकला की विशेषताओं को मिश्रित किया। इसके अलावा, डिजाइनरों ने सामग्री पर अधिक जोर दिया, विशेष रूप से आधुनिक युग में आविष्कार किए गए।

अमेरिकी आधुनिकतावादी साहित्य
अमेरिकी युद्धविद साहित्य द्वितीय विश्व युद्ध और द्वितीय विश्व युद्ध के बीच अमेरिकी साहित्य में एक प्रमुख प्रवृत्ति थी। आधुनिकतावादी युग ने कविता और गद्य के रूप और भाषा में नवाचार पर प्रकाश डाला, साथ ही रेस रिलेशनशिप, लिंग और मानव स्थिति जैसे कई समकालीन विषयों को संबोधित किया। इस समय यूरोप में कई अमेरिकी आधुनिकतावादी प्रवासित हो गए, अक्सर यूरोपीय आंदोलन में ताकतवर हो गए, जैसा कि टीएस एलियट, एज्रा पाउंड और गर्ट्रूड स्टीन के मामले में था। इन लेखकों को अक्सर खोया जनरेशन के रूप में जाना जाता था।

इस प्रवृत्ति की प्रतिक्रिया के रूप में, कई अमेरिकी लेखकों और कवियों ने अमेरिका में आधुनिक अमेरिकी अनुभव का प्रतिनिधित्व करने के लिए ‘नटिविज़्म’ की प्रवृत्ति शुरू की। इस प्रवृत्ति के उल्लेखनीय योगदानकर्ताओं में विलियम कार्लोस विलियम्स, वालेस स्टीवंस और मारियान मूर शामिल हैं। ये कवि अक्सर एलियट और पाउंड जैसे प्रवासी लेखकों के कार्यों की आलोचना करते थे, जैसा कि वसंत और सभी की तरह कविताओं से प्रमाणित है।

पहले विश्व युद्ध से प्रभावित, कई अमेरिकी आधुनिकतावादी लेखकों ने युद्ध के अनुभव के मनोवैज्ञानिक घावों और आध्यात्मिक निशानों की खोज की। 1 9 30 के दशक की शुरुआत में अमेरिका में आर्थिक संकट ने साहित्य पर एक निशान छोड़ा, जैसे कि जॉन स्टीनबेक के द ग्रैप्स ऑफ़ राथ। एक संबंधित मुद्दा स्वयं की हानि और आत्म-परिभाषा की आवश्यकता है, क्योंकि श्रमिकों ने शहर के जीवन की पृष्ठभूमि में फीका, आत्म-परिभाषा के लिए मशीन की इच्छा के बिना अनजान कोग। अमेरिकी आधुनिकतावादियों ने 1 9वीं शताब्दी के मध्य में “स्वयं को बनाने” के प्रयास पर ध्यान केंद्रित किया- एक थीम जिसे फिट्जरग्राल्ड के द ग्रेट गत्स्बी द्वारा दिखाया गया है। पागलपन और इसकी अभिव्यक्तियां एक और पसंदीदा आधुनिकतावादी थीम प्रतीत होती हैं, जैसा कि यूजीन ओ’नील के सम्राट जोन्स, हेमिंगवे के द बैटलर और फॉकनर के द इवनिंग सन में देखा गया है। फिर भी, इन सभी नकारात्मक पहलुओं ने नई आशाओं और आकांक्षाओं को जन्म दिया, न केवल समकालीन व्यक्तियों के लिए, बल्कि अमेरिकी आधुनिकतावादी साहित्य में काल्पनिक पात्रों के लिए भी, एक नई शुरुआत की खोज की।

अमेरिका में नई आलोचना
1 9 30 से 1 9 60 के दशक तक, नई आलोचना संयुक्त राज्य अमेरिका में एक महत्वपूर्ण शक्ति बन गई। अमेरिकी साहित्यिक आलोचना में यह सबसे शक्तिशाली परिप्रेक्ष्य था। प्रतिनिधि जॉन क्रो रान्ससम, एलन टेट, क्लेथ ब्रूक्स, रॉबर्ट पेन वॉरेन थे। “इन कवि-प्रोफेसरों के प्रभावशाली महत्वपूर्ण तरीकों ने विकसित पढ़ने के कौशल को तेज करने पर बल दिया। नई आलोचना ने साहित्यिक छात्रवृत्ति के औचित्य के रूप में कविता का मूल्यांकन विशेषाधिकार प्राप्त किया। ब्रूक्स और वॉरेन अंडरस्टैंडिंग कविता (1 9 38) 1 9 30 के दशक की सबसे प्रभावशाली कॉलेज कविता पाठ्यपुस्तकों में से एक बन गईं और 1 9 70 के दशक में संशोधित और पुन: मुद्रित की गईं। (मॉरिसन: 2 9)।

नई आलोचना खुद को एलियट्स और यॉट्स की कविताओं जैसे कार्यों में दिखाती है। “नए आलोचकों के सौंदर्य मानदंडों में सबसे अच्छा फिट करने वाले कविता को महत्वपूर्ण कक्षा शिक्षण पद्धतियों में जोर दिया गया था” (मॉरिसन: 2 9)। टीएस एलियट ने अपने निबंध “परंपरा और व्यक्तिगत प्रतिभा” में परंपरा को फिर से परिभाषित किया। उन्होंने इस तरह की महत्वपूर्ण अवधारणाओं को “उद्देश्य सहसंबंध” के रूप में तैयार किया, और जैकोबेन नाटक और आध्यात्मिक कविता की उन्नति में साहित्यिक सिद्धांत को पुनर्विचार किया। अमेरिका में नई आलोचना पर उनके काम का मौलिक प्रभाव पड़ा।

वास्तुकला और अंतरिक्ष
संयुक्त राज्य अमेरिका ने नई उन्नत इमारत और निर्माण प्रौद्योगिकियों से संबंधित आधुनिकता आंदोलन में एक बड़ी भूमिका निभाई।निर्माण नवाचारों में लोहे, स्टील और प्रबलित कंक्रीट सामग्रियां हैं। जॉन और वाशिंगटन रोबलिंग (1869-1883) द्वारा ब्रुकलिन ब्रिज (अधिक जानकारी के लिए जॉन रोबलिंग / वाशिंगटन रोबलिंग देखें)

लुई हेनरी सुलिवान ने औरकथित शिकागो स्कूल ऑफ आर्किटेक्चर का नेतृत्व किया, जो आधुनिक सामग्रियों के साथ कार्यात्मक डिजाइन के विकास से कुछ था। सुलिवान के अनुयायी फ्रैंक लॉयड राइट ने अपने ‘लेबर मास्टर’ (प्रिय मास्टर) से जैविक वास्तुकला की जर्मन रोमांटिक परंपरा से अवशोषित किया। उन्होंने पहले विश्व युद्ध से पहले आवासीय डिजाइन के लिए एक नया और मूल दृष्टिकोण विकसित किया, “प्रेयरी शैली” के नाम से जाना जाने लगा। यह क्षैतिज, असममित मुखौटा ऊंचाई, और व्यापक, आश्रय छतों के साथ खुले नियोजन सिद्धांतों को संयुक्त किया। शिकागो में रॉबी हाउस (1 9 0 9) और न्यू यॉर्क शहर में गुगेनहेम संग्रहालय (1 946-59) उनकी दो मौलिक काम हैं।

अपने कामों में राइट प्राकृतिक रूप से पृथ्वी के बाध्य भाव के पास और बारी चले गए, मोटे-पत्थर वाले पत्थर और लकड़ी का उपयोग कर और हमेशा अपने घरों में घनिष्ठ और सुरक्षात्मक आश्रय के प्रभाव को प्राप्त करने के लिए किया गया।

1 9 20 के दशक के दौरान रिचर्ड न्यूट्रा, रूडोल्फ स्किंडलर और विलियम लेस्केज़ के रूप में विदेशी पैदावार आर्किटेक्ट्स ने बाद में एक शैली का प्रदर्शन करने वाले अमेरिकी वास्तुकला के विकास में एक बड़ा भूमिका निभाई, अंतर्राष्ट्रीय शैली का नाम मिला और विश्व के बाद कॉर्पोरेट कार्यालय भवनों के डिजाइन में परिलक्षित हुआ युद्ध द्वितीय न्यू यॉर्क शहर में स्किडमोर, ओविंग्स और मेरिल के लीवर हाउस (1 9 52) और लुडविग मिस वैन डेर रोहे की कीग्राम बिल्डिंग (1 9 56-58) इसी तरह की नई शैली के उदाहरण हैं। जब वाल्टर ग्रोपियस और लुडविग मिस वैन डेर रोहे जैसे प्रसिद्ध यूरोपीय लोग संयुक्त राज्य अमेरिका में आये, तो कई अमेरिकी वास्तुशि विद्यालय जर्मनी में बौद्धों की परंपराओं के प्रभाव में चले गए।