शैक्षणिक कला

अकादमिक कला, या अकादमिकता या अकादमिकता, चित्रकला, मूर्तिकला और कला की यूरोपीय अकादमियों के प्रभाव में निर्मित वास्तुकला है। विशेष रूप से, अकादमिक कला एक कला और कलाकार हैं जो फ्रांसीसी एकडेमी डे बीक्स-आर्ट्स के मानकों से प्रभावित हैं, जो कि नियोक्लासिकिज़्म और स्वच्छंदतावाद के आंदोलनों के तहत अभ्यास किया गया था, और कला जो इन दोनों शैलियों का संश्लेषण करने के प्रयास में इन दो आंदोलनों का पालन करती है। , और जो विलियम-अडोलफे बुगुएरेओ, थॉमस कॉउचर, और हंस मकार्ट के चित्रों द्वारा सबसे अच्छी तरह से परिलक्षित होता है। इस संदर्भ में इसे अक्सर “अकादमिकता”, “अकादमिकता”, “कला धूमधाम” (संक्षेप में), और “उदारवाद” कहा जाता है, और कभी-कभी “ऐतिहासिकता” और “समन्वयवाद” के साथ जोड़ा जाता है।

अकादमिक कला में पेंटिंग और मूर्तियां शामिल हैं जो यूरोपीय अकादमियों के प्रभाव में बनाई गई थीं, जिस पर इस समय के कई कलाकारों ने औपचारिक प्रशिक्षण प्राप्त किया। अकादमिक कला ने खुद को अनुमति या वांछित विषयों के मुख्यतः साहित्यिक, पौराणिक और ऐतिहासिक प्रेरित कैनन के लिए प्रतिबद्ध किया। उसके कलाकारों ने रोजमर्रा या अपवित्र को चित्रित करने में कोई दिलचस्पी नहीं दिखाई। अकादमिक कला इसलिए यथार्थवादी नहीं है, बल्कि आदर्शवादी है।

शैली के संदर्भ में, अकादमिक कला ने अरस्तू के आदर्श और वास्तविकता (mimesis) की चयनात्मक नकल के आदर्श की खेती की। रंग, प्रकाश और छाया की सही महारत के साथ, आकृतियों को अर्ध-फोटो-यथार्थवादी तरीके से काम किया गया था। कुछ पेंटिंग एक “पॉलिश खत्म” दिखाती हैं जिसमें आप तैयार काम पर ब्रश स्ट्रोक नहीं देख सकते हैं। यह कला आदर्श 19 वीं शताब्दी के मध्य में फोटोग्राफी के आविष्कार से अपनी नींव तक हिल गया था।

फ्रेंच wascole des Beaux-Arts, जो कि नवशास्त्रवाद और रोमांटिकवाद से प्रभावित था, शैली के लिए विशेष रूप से प्रभावशाली था। बाद में अकादमिक कला ने इन दो शैलियों को संश्लेषित किया, जो चित्रों में विलियम एडोल्फ ब्यूगेरियो, थॉमस कॉउचर और हंस मकार्ट द्वारा बहुत अच्छी तरह से देखा जा सकता है।

बाद की कला शैलियों, विशेष रूप से प्रभाववाद के आगमन के साथ, अकादमिक कला को तिरस्कृत किया गया और “उदारवाद” के रूप में खारिज कर दिया गया। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत से, इसे ज्यादातर कला विशेषज्ञों द्वारा कम महत्व का माना जाता था, इसलिए इसे शायद ही उल्लेख किया गया था और संग्रहालय के डिपो में गायब हो गया था; कभी-कभी उन्हें असंगत रूप से “आर्ट पोम्पियर” कहा जाता था। चित्रकला की अकादमिक शैली को इस तथ्य से भी बदनाम किया गया था कि इसे राष्ट्रीय समाजवादी कला राजनीति द्वारा एक पूर्ण मानक के लिए उठाया गया था। 1960 के दशक तक केवल कुछ ही पुराने कलाकार उनके प्रति वफादार रहे।

यह केवल 1990 के दशक में था कि फिन डी सिएकल की अकादमिक कला को थोड़ा-थोड़ा करके “फिर से खोजा” गया था और तब से इसकी सराहना बढ़ रही है। जबकि पेंटिंग ने अपने स्वयं के पूर्वापेक्षाओं को दर्शाते हुए और अपने तरीके से सवाल किया, ऐतिहासिक फिल्म, विशेष रूप से चप्पल फिल्म, अतीत के पुनर्निर्माण के लिए शिक्षाविद की लालसा को जारी रखा।

फ्रांसीसी शिक्षाविद
फ्रांसीसी नाम पोम्पीयर की उत्पत्ति – इतालवी में, फायरमैन – अनिश्चित है: यह फायर फाइटर हेलमेट के समान क्लासिक देवताओं और नायकों के आंकड़ों के हेलमेट से निकल सकता है, या प्रदर्शनों के दौरान सुरक्षा कार्यों के साथ, उसी फायरमैन को इंगित कर सकता है। आधिकारिक सैलून में खुला, या फिर चार्ल्स ग्लीरे सर्कल के चित्रकारों को देखें, पोम्पेयन पेंटिंग की नकल के प्रस्तावकों, या अंत में, कई धूमधाम और बयानबाजी वाले चित्रमय निरूपण को संबोधित करने के लिए।

नियोक्लासिसिज्म की कलात्मक धारा, जो अठारहवीं शताब्दी में उठी और उन्नीसवीं सदी के पहले भाग का विस्तार हुआ, इसकी शैली के तर्कसंगत कठोरता में स्कूलों में शिक्षण के लिए खुद को उधार देने की पहली आवश्यकता थी और सुझाव दिया, इसकी बहुत सामग्री में नकल का मार्ग, पहले से ही दिखाई देने वाली प्रकृति और समाज के वास्तविक जीवन का नहीं, बल्कि कलात्मक उत्पादों का और उस सुदूर अतीत के इतिहास और मिथकों का, ग्रीक और रोमन का, जिसे उसने सद्भाव और आदर्श सौंदर्य के मॉडल के रूप में इंगित किया। फ्रांस में, डेविड की कला का विचारोत्तेजक उदाहरण – इसके अलावा किसी भी अकादमी के लिए व्यक्तिगत रूप से विपरीत है – और फिर छात्र इंग्रेस का, आम सहमति व्यक्त करेगा और नकल पैदा करेगा।

रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्प्चर को फ्रांस में 1648 में बनाया गया था, जिसका उद्देश्य कलाकारों को गुणवत्ता का प्रमाण पत्र प्रदान करना था, जो उन्हें सादगी पर आधारित शैली के साथ और भव्यता, सौहार्द और पवित्रता के साथ संपन्न करता था। इसके लिए, निम्नलिखित सिद्धांतों का पालन करने की आवश्यकता बताई गई थी:

नग्न और शरीर रचना विज्ञान का अध्ययन
पूर्वजों और आदर्श प्रकृति की नकल
एन प्लेन एयर के बजाय स्टूडियो में कार्यों का अहसास
रंग पर डिजाइन की प्रधानता
कार्य की पूर्णता

ये प्रशिक्षण मानदंड सदियों से नहीं बदले और criteriacole des Beaux-Arts, डेविड और उसके बाद इंगर्स के छात्रों द्वारा बनाए रखा गया, जिन्होंने अपने शिक्षकों द्वारा तैयार किए गए सिद्धांतों का पालन किया: भर्ती होने के लिए, छात्रों को पास करना था एक जीवित मॉडल के रूप में एक नग्न के निष्पादन में शामिल प्रतियोगिता।

इतिहास में अकादमियां
13 जनवरी 1563 को आर्किटेक्ट गियोर्जियो वासारी के प्रभाव में, कला के पहले अकादमी की स्थापना इटली में फ्लोरेंस में कोसिमो आई डे मेडिसी द्वारा की गई थी, जिन्होंने इसे एकेडेमिया ई कॉम्पैग्निया डेल आरती डेल डिएग्नो (कला के लिए अकादमी और कंपनी) कहा था। आरेखण) क्योंकि यह दो अलग-अलग ऑपरेटिव शाखाओं में विभाजित था। जबकि कंपनी एक प्रकार का निगम था, जिसमें टस्कनी का हर काम करने वाला कलाकार शामिल हो सकता था, अकादमी में केवल कॉसिमो के दरबार के सबसे प्रतिष्ठित कलात्मक व्यक्तित्व शामिल थे, और औषधीय राज्य के संपूर्ण कलात्मक उत्पादन की देखरेख का काम था। इस औषधीय संस्थान में छात्रों ने “आरती डेल डिस्गानो” (वासरी द्वारा गढ़ा गया एक शब्द) सीखा और शरीर रचना और ज्यामिति पर व्याख्यान सुने। एक अन्य अकादमी, एकेडेमिया डी सैन लुका (चित्रकारों के संरक्षक संत, सेंट ल्यूक के नाम पर) की स्थापना लगभग एक दशक बाद रोम में हुई थी। Accademia di San Luca ने एक शैक्षिक कार्य किया और वह फ्लोरेंटाइन की तुलना में कला सिद्धांत से अधिक चिंतित था। 1582 में एनीबेल कार्रेकी ने बिना आधिकारिक समर्थन के बोलोग्ना में डेसिडेरोसी की अपनी बहुत प्रभावशाली अकादमी खोली; कुछ मायनों में यह एक पारंपरिक कलाकार की कार्यशाला की तरह था, लेकिन उन्होंने इसे “अकादमी” के रूप में लेबल करने की आवश्यकता महसूस की, जो उस समय विचार के आकर्षण को प्रदर्शित करता है।

Accademia di San Luca ने बाद में 1648 में फ्रांस में स्थापित Académie royale de peinture et de मूर्तिकला के लिए मॉडल के रूप में काम किया और जो बाद में Académie des beaux-Arts बन गया। एकेडेमी रोयाले डे पेइंटरेचर एट डे मूर्तिकला की स्थापना कलाकारों को “जो एक उदार कला का अभ्यास करने वाले सज्जन थे” कारीगरों से अलग करने के प्रयास में हुई थी, जो मैनुअल श्रम में लगे हुए थे। आर्टमेकिंग के बौद्धिक घटक पर इस जोर ने शैक्षणिक कला के विषयों और शैलियों पर काफी प्रभाव डाला।

1661 में लुई XIV द्वारा Académie royale de peinture et de मूर्तिकला का पुनर्गठन किया गया था, जिसका उद्देश्य फ्रांस में सभी कलात्मक गतिविधि को नियंत्रित करना था, सदस्यों के बीच एक विवाद हुआ जो सदी के बाकी हिस्सों के लिए कलात्मक दृष्टिकोण पर हावी था। यह “शैलियों की लड़ाई” इस बात पर टकराव थी कि क्या पीटर पॉल रूबेन्स या निकोलस पर्पसिन का अनुसरण करने के लिए एक उपयुक्त मॉडल था। प्यूसिन के अनुयायियों, जिन्हें “प्यूसिनिस्टेस” कहा जाता है, ने तर्क दिया कि लाइन (डिस्गोनो) को कला पर हावी होना चाहिए, क्योंकि बुद्धि के लिए उनकी अपील, जबकि रुबेंस के अनुयायियों, जिन्हें “रूबेनिस्ट” कहा जाता है, ने तर्क दिया कि रंग (रंग) कला पर हावी होना चाहिए, क्योंकि इसकी वजह से भावना के लिए अपील।

इस बहस को 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में जीन अगस्टे डोमिनिक इन्ग्रेस की कलाकृति, और यूजीन डेलाक्रोइक्स की कलाकृति द्वारा टाइप किए गए स्वच्छंदतावाद के आंदोलनों के तहत पुनर्जीवित किया गया था। बहस इस बात पर भी हुई कि क्या प्रकृति को देखकर कला सीखना बेहतर था, या अतीत के कलात्मक स्वामी को देखकर सीखना।

पूरे यूरोप में गठित फ्रांसीसी मॉडल का उपयोग करते हुए अकादमियों, और फ्रेंच एकडेमी की शिक्षाओं और शैलियों की नकल की। इंग्लैंड में, यह रॉयल अकादमी थी। 1754 में स्थापित रॉयल डेनिश एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स को एक छोटे देश में एक सफल उदाहरण के रूप में लिया जा सकता है, जिसने राष्ट्रीय स्कूल का निर्माण करने और आयातित कलाकारों पर निर्भरता कम करने के अपने उद्देश्य को प्राप्त किया। लगभग 1800-1850 के डेनिश स्वर्ण युग के चित्रकार लगभग सभी प्रशिक्षित थे, और बहुत से पढ़ाने के लिए लौट आए और डेनमार्क की कला का इतिहास अकादमिक कला और अन्य शैलियों के बीच तनाव से बहुत कम चिह्नित है, अन्य देशों में ऐसा ही है। ।

अकादमियों के कदम का एक प्रभाव महिला कलाकारों के लिए प्रशिक्षण को और अधिक कठिन बनाना था, जिन्हें 19 वीं शताब्दी के अंतिम भाग (रॉयल अकादमी के लिए 1861) तक अधिकांश अकादमियों से बाहर रखा गया था। यह आंशिक रूप से नग्नता द्वारा प्रस्तुत की गई अशुद्धता पर चिंताओं के कारण था। 20 वीं शताब्दी तक अक्सर महिला छात्रों के लिए विशेष व्यवस्था की जाती थी।

शैक्षणिक शैली का विकास
प्ससिनिस्ट-रूबेनिस्ट बहस की शुरुआत के बाद से, कई कलाकारों ने दो शैलियों के बीच काम किया। 19 वीं शताब्दी में, बहस के पुनर्जीवित रूप में, कला जगत का ध्यान और उद्देश्य स्वच्छंदतावाद के रंग के साथ नियोक्लासिकिज़्म की रेखा को संश्लेषित करना बन गया। एक के बाद एक कलाकारों ने दावा किया था कि आलोचकों ने संश्लेषण हासिल कर लिया है, उनमें से थियोडोर चेसियेरौ, आर्य शेफ़र, फ्रांसेस्को हेज़, अलेक्जेंड्रे-गेब्रियल डेम्प्स और थॉमस कॉउचर शामिल हैं। विलियम-अडोलफे बुगुएरे, बाद के अकादमिक कलाकार ने टिप्पणी की कि एक अच्छे चित्रकार होने की चाल “रंग और रेखा को एक ही चीज” के रूप में देख रही है। थॉमस कॉउचर ने एक ही विचार को एक पुस्तक में प्रचारित किया, जिसे उन्होंने कला पद्धति पर लिखा था – यह तर्क देते हुए कि जब भी किसी ने कहा कि एक पेंटिंग में बेहतर रंग या बेहतर रेखा थी, तो यह बकवास था, क्योंकि जब भी रंग शानदार दिखाई देता था, उसे व्यक्त करने के लिए लाइन पर निर्भर करता था, और इसके विपरीत; और वह रंग वास्तव में फ़ॉर्म के “मूल्य” के बारे में बात करने का एक तरीका था।

इस अवधि के दौरान एक और विकास में इतिहास में युग को दिखाने के लिए ऐतिहासिक शैलियों को अपनाना शामिल था जिसे चित्रित किया गया था, जिसे ऐतिहासिकता कहा जाता है। यह जेम्स टिसॉट पर बाद के प्रभाव बैरन जन अगस्त हेंड्रिक लेयस के काम में सबसे अच्छा देखा जाता है। इसे नियो-ग्रीक शैली के विकास में भी देखा जाता है। ऐतिहासिकता का तात्पर्य अकादमिक कला से जुड़े विश्वास और व्यवहार को संदर्भित करना भी है, जो कि अतीत से कला की विभिन्न परंपराओं के नवाचारों को समाहित और समाहित करे।

कला की दुनिया भी कला में रूपक पर बढ़ते ध्यान देने के लिए बढ़ी। रेखा और रंग दोनों के महत्व के सिद्धांतों ने दावा किया कि इन तत्वों के माध्यम से एक कलाकार ने मनोवैज्ञानिक प्रभावों को बनाने के लिए माध्यम पर नियंत्रण किया है, जिसमें विषयों, भावनाओं और विचारों का प्रतिनिधित्व किया जा सकता है। जैसा कि कलाकारों ने इन सिद्धांतों को व्यवहार में संश्लेषित करने का प्रयास किया, कलाकृतियों पर एक अलंकारिक या आलंकारिक वाहन के रूप में ध्यान दिया गया। यह माना जाता था कि पेंटिंग और मूर्तिकला में अभ्यावेदन प्लेटोनिक रूपों, या आदर्शों को प्रकट करना चाहिए, जहां साधारण चित्रणों के पीछे कुछ सार, कुछ शाश्वत सत्य दिखाई देगा। इसलिए, कीट्स की प्रसिद्ध मस्किंग “ब्यूटी इज ट्रुथ, ट्रूथ ब्यूटी”। चित्रों को एक “आइडियल” माना जाता था, एक पूर्ण और पूर्ण विचार। बाउगुएरेउ के बारे में कहा जाता है कि वह “युद्ध” नहीं, बल्कि “युद्ध” को चित्रित करेगा। अकादमिक कलाकारों के कई चित्रों में डॉन, डस्क, सीइंग, और चखने जैसे शीर्षकों के साथ सरल प्रकृति के रूपक हैं, जहां इन विचारों को एक एकल नग्न व्यक्ति द्वारा व्यक्त किया जाता है, इस तरह से रचना की जाती है ताकि विचार का सार बाहर लाया जा सके।

कला में रुझान भी अधिक आदर्शवाद की ओर था, जो यथार्थवाद के विपरीत है, जिसमें चित्रित किए गए आंकड़े सरल और अधिक सार-आदर्शित किए गए थे-ताकि वे उन आदर्शों का प्रतिनिधित्व करने में सक्षम हो सकें जिनके लिए वे खड़े थे। इसमें प्रकृति में देखे गए दोनों सामान्यीकरण रूप शामिल होंगे, और उन्हें कलाकृति की एकता और विषय के अधीन करना होगा।

क्योंकि इतिहास और पौराणिक कथाओं को नाटकों या विचारों की बोली के रूप में माना जाता था, महत्वपूर्ण रूपक के लिए एक उपजाऊ जमीन, इन विषयों के विषयों का उपयोग करना चित्रकला का सबसे गंभीर रूप माना जाता था। मूल रूप से 17 वीं शताब्दी में बनाई गई शैलियों की एक पदानुक्रम को महत्व दिया गया था, जहां इतिहास चित्रकला-शास्त्रीय, धार्मिक, पौराणिक, साहित्यिक और अलौकिक विषयों को शीर्ष पर रखा गया था, अगली शैली की पेंटिंग, फिर चित्रांकन, फिर भी जीवन और परिदृश्य । इतिहास चित्रकला को “भव्य शैली” के रूप में भी जाना जाता था। हंस मकार्ट की पेंटिंग अक्सर जीवन के ऐतिहासिक नाटकों से बड़ी होती हैं, और उन्होंने इसे 19 वीं शताब्दी की वियना संस्कृति की शैली पर हावी करने के लिए सजावट में एक ऐतिहासिकता के साथ जोड़ा। पॉल डेलारोच फ्रांसीसी इतिहास पेंटिंग का एक उदाहरण है।

ये सभी रुझान दार्शनिक हेगेल के सिद्धांतों से प्रभावित थे, जिन्होंने यह माना कि इतिहास प्रतिस्पर्धी विचारों की एक द्वंद्वात्मकता थी, जो अंततः संश्लेषण में हल हो गई।

19 वीं शताब्दी के अंत तक, अकादमिक कला ने यूरोपीय समाज को संतृप्त कर दिया था। प्रदर्शनी अक्सर आयोजित की जाती थी, और सबसे लोकप्रिय प्रदर्शनी पेरिस सैलून थी और 1903 में, सैलून डीऑटोमने शुरू हुआ था। ये सैलून, सनसनीखेज घटनाएँ थीं, जो देशी और विदेशी दोनों पर्यटकों की भीड़ को आकर्षित करती थीं। एक कलात्मक एक के रूप में सामाजिक संबंध, 50,000 लोग एक ही रविवार को यात्रा कर सकते हैं, और 500,000 से अधिक लोग इसकी दो महीने की दौड़ के दौरान प्रदर्शनी देख सकते हैं। हजारों चित्रों को प्रदर्शित किया गया था, जो आंखों के स्तर के ठीक नीचे से छत तक सभी तरह से लटका हुआ था, जिसे अब “सैलून शैली” के रूप में जाना जाता है। सैलून में एक सफल प्रदर्शन एक कलाकार के लिए अनुमोदन की मुहर था, जिससे उसका काम निजी कलेक्टरों की बढ़ती रैंक के लिए अनुकूल हो गया। बुउगेरेऊ, अलेक्जेंड्रे काबनेल और जीन-लीन गेर्मे इस कला की दुनिया के प्रमुख व्यक्ति थे।

अकादमिक कला के शासनकाल के दौरान, रोकोको युग के चित्रों को, जो पहले कम पक्ष में आयोजित किया गया था, को लोकप्रियता के लिए पुनर्जीवित किया गया था, और अक्सर रोकोको कला में उपयोग किए जाने वाले विषय जैसे इरोस और साइकेह फिर से लोकप्रिय थे। अकादमिक कला जगत ने अपने काम की आदर्शता के लिए, राफेल को भी मूर्तित किया, वास्तव में उसे माइकलएंजेलो के ऊपर पसंद किया।

पोलैंड में अकादमिक कला जन मतेज्को के तहत विकसित हुई, जिन्होंने क्राकोव अकादमी ऑफ़ फाइन आर्ट्स की स्थापना की। इन कार्यों में से कई को क्राकोव के सुकेंनिस में 19 वीं शताब्दी की पोलिश कला की गैलरी में देखा जा सकता है।

अकादमिक कला ने न केवल यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में प्रभाव डाला, बल्कि अन्य पश्चिमी देशों में भी अपना प्रभाव बढ़ाया। यह लैटिन अमेरिकी राष्ट्रों के लिए विशेष रूप से सच था, जो कि, क्योंकि उनके क्रांतियों को फ्रांसीसी क्रांति पर मॉडलिंग की गई थी, फ्रांसीसी संस्कृति का अनुकरण करने की मांग की गई थी। लैटिन अमेरिकी शैक्षणिक कलाकार का एक उदाहरण मेक्सिको का ofngel Zárraga है।

हार और अकादमिकता का विकास
वर्ष 1897 ने शिक्षाविद की हार की पुष्टि की। एडोर्ड मानेट, एडगर डेगास, केमिली पिसारो, क्लाउड मोनेट, ऑगस्टे रेनॉयर, सिस्ले और पॉल सेज़ने ने सरकारी आदेशों के लिए आरक्षित एक आधिकारिक संस्थान, मुसी डु लक्ज़मबर्ग में प्रवेश किया। Gustave Caillebotte विरासत, स्वयं प्रभाववादियों के संरक्षक, कलेक्टर और चित्रकार, को तीन साल की भयंकर लड़ाई के बाद स्वीकार किया गया (केवल डेगस के चित्रों को पहले स्वीकार किया गया था)। यह राज्य परिषद का निर्णय था, जिसने यह तर्क दिया कि ये कार्य वास्तव में फ्रांसीसी चित्रकला के इतिहास का हिस्सा थे। वास्तव में, नाशपाती को आधे में काट दिया गया था: 67 कैनवस में से 29 को खारिज कर दिया गया था। गेरामे ने इन चित्रों का “कचरा” बताते हुए ललित कला के प्रोफेसर के रूप में अपनी कुर्सी से इस्तीफा देने की धमकी दी थी और लक्समबर्ग में उनके प्रवेश को देखते हुए “राष्ट्र का अंत” का संकेत दिया।

अवांट-गार्ड की धाराओं को गुणा किया गया। एकेडमी और स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स खुद अधिक उदार हो गए, क्लेयर बारबिलन नोट करते हैं। दूसरे साम्राज्य के दौरान खारिज किए जाने के बाद, कुछ पानी के नीचे के रूपों को छोड़कर, प्रकृतिवाद को तीसरे गणराज्य के सबसे आधिकारिक चित्रकारों द्वारा अपनाया गया था, वह लिखती हैं। प्रतीकात्मकता के रूप में, यह औपचारिक रूप से काफी पारंपरिक कलाकारों को लाता है, जैसे गुस्ताव मोरू, और गौगुइन या ओडिलोन रेडन जैसे मौलिक रूप से अभिनव चित्रकार।

1986 में मुसी डी’ऑर्से का उद्घाटन फ्रांस में गर्म विवादों का अवसर होगा। कई लोग इसे “अग्निशामकों” के पुनर्वास में देखेंगे, यहां तक ​​कि “संशोधनवाद” का भी। हालांकि, आंद्रे चैस्टल ने 1973 के शुरू में माना कि वैश्विक स्तर पर प्रतिशोध के निर्णय के लिए केवल फायदे ही थे, पुरानी लड़ाइयों की विरासत, एक शांत और उद्देश्यपूर्ण जिज्ञासा।

शैक्षिक प्रशिक्षण
युवा कलाकारों ने कठोर प्रशिक्षण में चार साल बिताए। फ्रांस में, केवल उन छात्रों ने, जिन्होंने एक परीक्षा उत्तीर्ण की थी और कला के एक प्रतिष्ठित प्रोफेसर के संदर्भ पत्र को अकादमी के स्कूल में स्वीकार किया था, ,cole des Beaux-Arts। नग्नता के चित्र और चित्र, जिन्हें “एकडेमीज़” कहा जाता है, अकादमिक कला के बुनियादी निर्माण खंड थे और उन्हें बनाने के लिए सीखने की प्रक्रिया स्पष्ट रूप से परिभाषित थी। सबसे पहले, छात्रों ने शास्त्रीय मूर्तियों के बाद प्रिंट की नकल की, जो समोच्च, प्रकाश और छाया के सिद्धांतों से परिचित हो गए। प्रतिलिपि को शैक्षणिक शिक्षा के लिए महत्वपूर्ण माना गया था; पिछले कलाकारों के कामों की नकल करने से कला निर्माण के उनके तरीकों को आत्मसात किया जा सकता है। अगले चरण के लिए अग्रिम करने के लिए, और प्रत्येक क्रमिक एक, छात्रों ने मूल्यांकन के लिए चित्र प्रस्तुत किए।

यदि अनुमोदित हो, तो वे प्रसिद्ध शास्त्रीय मूर्तियों के प्लास्टर कास्ट से आकर्षित होंगे। इन कौशलों को प्राप्त करने के बाद ही कलाकारों को उन कक्षाओं में प्रवेश की अनुमति दी गई जिनमें एक लाइव मॉडल प्रस्तुत किया गया था। 1863 के बाद École des Beaux-Arts में पेंटिंग नहीं सिखाई गई थी। ब्रश से पेंट करने के लिए, छात्र को पहले ड्राइंग में प्रवीणता प्रदर्शित करनी थी, जिसे अकादमिक पेंटिंग की नींव माना जाता था। इसके बाद ही छात्र एक शिक्षाविद के स्टूडियो में शामिल हो सकते हैं और सीख सकते हैं कि कैसे पेंट करना है। पूरी प्रक्रिया के दौरान, एक पूर्व निर्धारित विषय के साथ प्रतियोगिताओं और समय की एक विशिष्ट आवंटित अवधि ने प्रत्येक छात्रों की प्रगति को मापा।

परीक्षण की कठिनाई का मतलब था कि छात्र को आमतौर पर एक निजी एटलियर में लंबे प्रशिक्षुता पाठ्यक्रम का पालन करने के बाद ही प्रतियोगिता में जमा करना पड़ता था, जिसमें उसने कठोर अध्ययन कार्यक्रम का पालन किया था। सबसे पहले, ड्रॉइंग या प्रिंट को कॉपी करना पड़ता था, और महीनों के अभ्यास के बाद, हम छायांकन करने के लिए हैचिंग और एक्सटॉर्शन में चले गए। कला, साहित्य और पौराणिक कथाओं के इतिहास के अध्ययन के साथ-साथ चित्रकला और मूर्तिकला में यहां उठाए गए विषयों के अध्ययन के साथ-साथ चाक की नकल, बस्ट या पूरे शास्त्रीय कार्यों की प्रतिलिपि में बाद में एक महत्वपूर्ण कदम शामिल था।

इस चरण के बाद, छात्र “प्रकृति का अध्ययन” शुरू कर सकता है, जो जीवित मॉडल को सरल स्केच से जाने वाले चरणों के अनुसार खींचता है – अनुगमन – रचना का कंकाल – स्केच की अधिक परिभाषा के लिए – éucuche – जिसमें छायाओं को आधा-शेड्स और प्रकाश द्वारा विभाजित किया गया था, जो कि विस्तार पर ध्यान केंद्रित करने के लिए सही है – ला मिसे एन प्लेस – और समाप्त डिजाइन। लेकिन जीवित मॉडल को अभी भी “सही” होना था, “प्रकृति की खामियों” को खत्म करना, उन्हें बड़प्पन और सजावट के एक आदर्श मॉडल के अनुसार सही करना।

छात्रों के लिए सबसे प्रसिद्ध कला प्रतियोगिता प्रिक्स डी रोम थी। प्रिक्स डी रोम के विजेता को पांच साल तक के लिए रोम के विला मेडिसी में एकडेमी फ्रैंकेइस स्कूल में अध्ययन करने के लिए फेलोशिप से सम्मानित किया गया था। प्रतिस्पर्धा करने के लिए, एक कलाकार को फ्रांसीसी राष्ट्रीयता, पुरुष, 30 वर्ष से कम आयु और एकल होना पड़ता था। उन्हें tocole की प्रवेश आवश्यकताओं को पूरा करना पड़ा और एक प्रसिद्ध कला शिक्षक का समर्थन मिला। प्रतियोगिता भीषण थी, जिसमें अंतिम एक से पहले कई चरणों को शामिल किया गया था, जिसमें 10 प्रतियोगियों को 72 दिनों के लिए स्टूडियो में उनके अंतिम इतिहास चित्रों को चित्रित करने के लिए अनुक्रमित किया गया था। विजेता को अनिवार्य रूप से एक सफल पेशेवर कैरियर का आश्वासन दिया गया था।

जैसा कि उल्लेख किया गया है, सैलून में एक सफल प्रदर्शन एक कलाकार के लिए अनुमोदन की मुहर था। कलाकारों ने “लाइन पर,” या आंखों के स्तर पर इष्टतम प्लेसमेंट के लिए फांसी समिति को याचिका दी। प्रदर्शनी खुलने के बाद, कलाकारों ने शिकायत की कि क्या उनके काम “आसमानी” थे या बहुत ऊँचे थे। पेशेवर कलाकार के लिए अंतिम उपलब्धि एकेडेमी फ्रैंकेइस में सदस्यता और एक शिक्षाविद के रूप में ज्ञात होने का अधिकार था।

इस बीच, पुतली ने क्रोकुसी के अभ्यास के साथ अपनी रचना का अध्ययन जारी रखा, व्यक्तिगत कल्पना को उत्तेजित करने के लिए दैनिक जीवन के क्षणों का तेजी से स्केच, जिसे उनकी खुद की पुस्तिकाओं में अनुवादित किया गया था, कार्नेट्स डी पोचे।

एकेडमी के छात्र ने ड्रॉइंग कोर्स में पहले से ही ड्राइंग कोर्स को दोहराया, आखिरकार ड्राइंग के समान पेंटिंग कोर्स तक पहुंचने के लिए। स्केच को बहुत महत्व दिया गया, जिसके लिए अकादमी में विशेष पाठ्यक्रम आयोजित किए गए, प्रतियोगिताओं के बाद: यह छात्र की रचनात्मकता का एक अभिव्यक्ति था, जिसने विवरणों की उपेक्षा करते हुए, रचना की अपनी अवधारणा को सामान्य रूप दिया। हालांकि, इस रचनात्मकता को मास्टर के अध्ययन द्वारा अनुशासित और विनियमित किया जाना था। इस प्रकार, एस्क्यूस से ébauche के लिए आगे बढ़े, लकड़ी का कोयला में बनाया गया, जिस पर सॉस को पारित किया गया था, एक हल्के लाल-ईंट; क्लीयर को फिर से बुना गया और छाया को लगभग पारदर्शी बनाने के लिए पतला किया गया।

इसलिए अकादमिक पाठ्यक्रम का ध्यान प्रतिलिपि में रहता है: जीवित मॉडल का, चाक का, जो प्राचीन प्रतिमा का पुनरुत्थान करता है, और पुनर्जागरण के आचार्यों के चित्रों का। इस तरह, छात्र ने न केवल अपनी मैनुअल तकनीक और वॉल्यूम को व्यवस्थित करने के अपने तरीके में महारत हासिल की, बल्कि अतीत की ओर उन्मुख मानसिकता में ले गए, जहां से उन्होंने अपने आविष्कार के स्रोत को लगातार आकर्षित किया, जो अक्सर कामों के एक उद्धरण था: चित्रकार, जिसने अकादमी को छोड़ दिया था, इस प्रकार पहले से किए गए परिवर्तन को फिर से करने या पहले से उपयोग किए गए स्रोतों को बदलने या उपयोग किए गए स्रोतों को छलनी करने के लिए प्रेरित किया गया था।

कलाकार की व्यावसायिकता से जुड़ी शैक्षणिक पृष्ठभूमि, जो इस प्रकार “कागजों में” के साथ खुद को समाज में प्रस्तुत कर सकती थी। निश्चित मान्यता प्राप्त करने और आधिकारिक राज्य आयोगों और निजी कलेक्टरों के आयोगों की गारंटी करने के लिए, हालांकि, प्रिक्स डी रोम और पेरिस सैलून में सफलता के लिए सार्वजनिक रूप से अभिवादन करना आवश्यक था।

आलोचना और विरासत
गुस्टेव कोर्टबेट जैसे यथार्थवादी कलाकारों द्वारा आदर्शवाद के उपयोग के लिए अकादमिक कला की सबसे पहले आलोचना की गई थी, जैसा कि आदर्शवादी क्लिच पर आधारित था और पौराणिक और पौराणिक उद्देश्यों का प्रतिनिधित्व करते हुए जबकि समकालीन सामाजिक चिंताओं को अनदेखा किया जा रहा था। यथार्थवादियों की एक और आलोचना चित्रों की “झूठी सतह” थी – चित्रित की गई वस्तुएँ चिकनी, धीमी और आदर्श दिखती थीं – जो वास्तविक वास्तविक बनावट दिखा रही थीं। द रियलिस्ट थियोडुले रिबॉट ने अपनी पेंटिंग में मोटे, अधूरे बनावट के साथ प्रयोग करके इसके खिलाफ काम किया।

Stylistically, Impressionists, जो जल्दी से बाहर की पेंटिंग की वकालत करते हैं, वही जो आंख देखती है और हाथ नीचे रखती है, समाप्त और आदर्श चित्र शैली की आलोचना करती है। यद्यपि अकादमिक चित्रकारों ने पहले चित्र बनाकर और फिर अपने विषय के तैलचित्रों को चित्रित करके एक पेंटिंग शुरू की, लेकिन उनके चित्रों को उन्होंने जो उच्च चमक प्रदान की, वह प्रभाववादियों को एक झूठ के समान लगती थी। ऑयल स्केच के बाद, कलाकार शैक्षणिक “फिनी” के साथ अंतिम पेंटिंग का निर्माण करेगा, पेंटिंग को शैलीगत मानकों को पूरा करने और छवियों को आदर्श बनाने और परिपूर्ण विवरण जोड़ने का प्रयास करेगा। इसी तरह, परिप्रेक्ष्य का निर्माण एक समतल सतह पर ज्यामितीय रूप से किया जाता है और वास्तव में यह दृष्टि का उत्पाद नहीं है, प्रभाववादियों ने यांत्रिक तकनीकों के प्रति समर्पण को नष्ट कर दिया।

यथार्थवादियों और प्रभाववादियों ने शैलियों के पदानुक्रम के तल पर स्थिर जीवन और परिदृश्य के स्थान को भी परिभाषित किया। यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि शिक्षाविदों के खिलाफ विद्रोह करने वाले शुरुआती एवियंट-गार्डे के बीच ज्यादातर रियलिस्ट और इंप्रेशनिस्ट और अन्य लोग मूल रूप से अकादमिक प्रायोजक थे। क्लॉड मोनेट, गुस्तावे कोर्टबेट, औडौर्ड मानेट और यहां तक ​​कि हेनरी मैटिस शैक्षणिक कलाकारों के तहत छात्र थे।

जैसा कि आधुनिक कला और इसके अवांट-गार्ड ने अधिक शक्ति प्राप्त की, अकादमिक कला को और अधिक बदनाम किया गया, और भावुक, क्लिच, रूढ़िवादी, गैर-अभिनव, बुर्जुआ, और “स्टाइललेस” के रूप में देखा गया। फ्रांसीसी ने लार्ट पोम्पियर (पोम्पीयर का अर्थ “फायरमैन”) के रूप में अकादमिक कला की शैली के लिए व्युत्पन्न रूप से संदर्भित किया है, जो जैक-लुइस डेविड (जो अकादमी द्वारा सम्मान में आयोजित किया गया था) के चित्रों के लिए अलविदा करते हैं, जो अक्सर फायरमैन जैसे हेलमेट पहने सैनिकों को चित्रित करते हैं । चित्रों को “ग्रैंड मशीन” कहा जाता था, जिसमें कहा जाता था कि अंतर्विरोधों और चालों के माध्यम से झूठी भावना का निर्माण होता है।

अकादमिक कला का यह निरूपण कला समीक्षक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के लेखन के माध्यम से अपने चरम पर पहुंच गया, जिन्होंने कहा कि सभी अकादमिक कला “किट्सच” हैं। अन्य कलाकार, जैसे कि प्रतीकवादी चित्रकार और कुछ अतियथार्थवादी, परंपरा के प्रति दयालु थे। चित्रकारों के रूप में जिन्होंने जीवन के लिए काल्पनिक जीवन लाने की कोशिश की, ये कलाकार एक मजबूत प्रतिनिधित्ववादी परंपरा से सीखने के लिए अधिक इच्छुक थे। एक बार जब परंपरा को पुराने जमाने के रूप में देखा जाने लगा, तो अलंकारिक दृष्टिकोण और नाटकीय रूप से सामने आए आंकड़ों ने कुछ दर्शकों को विचित्र और स्वप्न के रूप में मारा।

इतिहास के एक पूर्ण, अधिक समाजशास्त्रीय और बहुलवादी खाते देने में उत्तर आधुनिकता के लक्ष्यों के साथ, अकादमिक कला को इतिहास की पुस्तकों और चर्चा में वापस लाया गया है। 1990 के दशक की शुरुआत से, अकादमिक कला ने भी शास्त्रीय यथार्थवादी गतिमान आंदोलन के माध्यम से एक सीमित पुनरुत्थान का अनुभव किया है। इसके अतिरिक्त, कला बड़े पैमाने पर जनता द्वारा व्यापक सराहना प्राप्त कर रही है, और जबकि अकादमिक पेंटिंग एक बार केवल कुछ सैकड़ों डॉलर की नीलामी में लाएगी, कुछ अब लाखों प्राप्त करते हैं।