अमूर्त कला

अमूर्त कला 20 वीं सदी के पश्चिमी कला के रूपों है कि प्रतिनिधित्व अस्वीकार और (कई संस्कृतियों और अवधियों में एक आवर्ती प्रवृत्ति नहीं starting- या प्रकृति प्रकृति से या वस्तुओं से अमूर्त की प्रक्रिया से अलग में खत्म सूत्री के लिए अपने सख्त अर्थों में लागू किया है कि रूप में वापस दूर पुरापाषाण गुफा चित्रकला के रूप में माना जा सकता है), आत्मनिर्भरता की मान्यताओं के आधार पर एक सचेत सौंदर्य के रूप में अमूर्त कला एक पूर्ण आधुनिक घटना है

अमूर्त कला एक संरचना है जो दुनिया में दृश्य संदर्भ से स्वतंत्रता की एक डिग्री के साथ मौजूद हो सकता है बनाने के लिए आकार, रूप, रंग और रेखा के एक दृश्य भाषा का उपयोग करता। पश्चिमी कला पुनर्जागरण से, किया गया था 19 वीं सदी के मध्य, परिप्रेक्ष्य के तर्क और दृश्य वास्तविकता का भ्रम पुन: पेश करने की कोशिश से underpinned पर निर्भर है। यूरोपीय के अलावा अन्य संस्कृतियों की कला सुलभ हो और कलाकार के लिए दृश्य अनुभव का वर्णन करने के वैकल्पिक तरीके से पता चला था। 19 वीं सदी के अंत तक कई कलाकारों जो प्रौद्योगिकी, विज्ञान और दर्शन में हो रहे बुनियादी बदलाव धरना होगा कला एक नई तरह की बनाने के लिए एक आवश्यकता महसूस की। सूत्रों का कहना है जहाँ से व्यक्तिगत कलाकारों, आकर्षित किया अपने सैद्धांतिक तर्क विविध थे

अमूर्त कला, गैर आलंकारिक कला, गैर उद्देश्य कला, और nonrepresentational कला शिथिल संबंधित शब्द हैं। वे समान है, लेकिन शायद समान अर्थ के नहीं हैं।

अमूर्त कला में कल्पना के चित्रण में वास्तविकता से एक प्रस्थान इंगित करता है। सही प्रतिनिधित्व से इस प्रस्थान, मामूली आंशिक या पूर्ण हो सकता है। अमूर्त एक निरंतरता के साथ मौजूद है। यहां तक ​​कि कला है कि उच्चतम डिग्री के संभाव्यता के लिए करना है,, सार होने के लिए कम से कम सैद्धांतिक रूप से के बाद से सही प्रतिनिधित्व बेहद मायावी होने की संभावना है कहा जा सकता है। कलाकृति जो स्वतंत्रता लेता है, उदाहरण के रंग और तरीके कि विशिष्ट हैं में फार्म के लिए फेरबदल, आंशिक रूप से सार होने के लिए कहा जा सकता है। कुल अमूर्त कुछ भी पहचानने के लिए किसी भी संदर्भ के कोई निशान भालू। ज्यामितीय अमूर्त में, उदाहरण के लिए, एक प्राकृतिक संस्थाओं के लिए संदर्भ खोजने के लिए संभावना नहीं है। आलंकारिक कला और कुल अमूर्त लगभग परस्पर अनन्य हैं। लेकिन आलंकारिक और प्रतिनिधित्ववादी (या यथार्थवादी) कला अक्सर आंशिक अमूर्त होता है।

दोनों ज्यामितीय अमूर्त और गीतात्मक सारग्रहण अक्सर पूरी तरह से सार है। बहुत कई कला आंदोलनों कि आंशिक अमूर्त प्रतीक उदाहरण Fauvism जिसमें रंग सुस्पष्ट और जानबूझकर बदल दिया जाता है की तुलना में एक की तुलना में वास्तविकता है, और घनवाद, जो एकदम वास्तविक जीवन का चित्रण किया संस्थाओं के रूपों को बदल देता है के लिए किया जाएगा के अलावा।

प्रारंभिक अमूर्त:
मिट्टी के बर्तनों, कपड़ा पर संकेत और चिह्न, और शिलालेख और चट्टान पर चित्रों – – पहले संस्कृतियों की कला की ज्यादातर का इस्तेमाल किया सरल ज्यामितीय और रैखिक रूपों जो एक प्रतीकात्मक या सजावटी उद्देश्य हो सकता था। यह दृश्य अर्थ के इस स्तर कि अमूर्त कला संचार में है। एक इसे पढ़ने के लिए सक्षम होने के बिना चीनी सुलेख या इस्लामी सुलेख की सुंदरता का आनंद लें कर सकते हैं।

चीनी चित्रकला में, अमूर्त तांग राजवंश चित्रकार वांग मो (पता लगाया जा सकता 王墨), जो भरे पड़े-स्याही चित्रकला शैली का आविष्कार किया श्रेय दिया जाता है। अपने चित्रों में से कोई भी बने हुए हैं, वहीं इस शैली स्पष्ट रूप से कुछ सांग राजवंश चित्रों में देखा जाता है। चान बौद्ध चित्रकार लिआंग काई ( 梁楷, c.1140 -1210) अपने ‘छिड़क स्याही में अमर “जिसमें सही प्रतिनिधित्व प्रबुद्ध के गैर तर्कसंगत मन से जुड़ा हुआ सहजता को बढ़ाने के लिए बलिदान कर दिया है में पेंटिंग लगाने की शैली लागू होता है। एक देर से गाने के चित्रकार यू जियान, Tiantai बौद्ध धर्म में माहिर नाम है, छिड़क स्याही परिदृश्य है कि अंततः कई जापानी ज़ेन चित्रकारों प्रेरित की एक श्रृंखला का निर्माण किया। उनके चित्रों भारी धुंधले पहाड़ों, जिसमें वस्तुओं के आकार मुश्किल से दिखाई और अत्यंत सरलीकृत कर रहे हैं दिखा। चित्रकला के इस प्रकार के बाद के वर्षों में सेसशु टोयो द्वारा जारी किया गया था।

चीनी चित्रकला में अमूर्त का एक और उदाहरण झू डेरन के में देखा जाता है “लौकिक सर्किल”। पर इस पेंटिंग के बाईं ओर चट्टानी मिट्टी में एक चीड़ के पेड़ है, उसकी शाखाओं लताओं के साथ सजी है कि चित्रकला के दाईं ओर है, जिसमें एक आदर्श चक्र (शायद एक कम्पास की मदद से बनाया) के लिए एक उच्छृंखल ढंग से विस्तार तैरता शून्य में। चित्रकला दाओवादी तत्वमीमांसा जिसमें अराजकता और वास्तविकता प्रकृति के नियमित पाठ्यक्रम के पूरक चरण हैं का एक प्रतिबिंब है। तोकुगावा में जापानकुछ ज़ेन भिक्षु-चित्रकारों Enso, एक चक्र है जो पूर्ण ज्ञान का प्रतिनिधित्व करता है बनाया। आम तौर पर एक सहज ब्रश स्ट्रोक में की गई है, यह न्यूनतम सौंदर्य कि ज़ेन पेंटिंग का हिस्सा निर्देशित के प्रतिमान बन गया।

रूमानियत अवधि में अमूर्त:
चर्च से संरक्षण कम हो गई और जनता से निजी संरक्षण कलाकारों के लिए एक आजीविका प्रदान करने में अधिक सक्षम हो गया।

तीन कला आंदोलनों जो अमूर्त कला के विकास में योगदान स्वच्छंदतावाद, प्रभाववाद और अभिव्यक्तिवाद थे। कलाकारों के लिए कलात्मक स्वतंत्रता 19 वीं सदी में उन्नत किया गया था। क्या देखा जाता है में एक उद्देश्य ब्याज, और उनमें से प्रभाववादियों जो की plein हवा में पेंटिंग जारी रखा करने के लिए जॉन कांस्टेबल, JMW टर्नर, केमिली करोत के चित्रों से पहचाना जा सकता हैबारबिज़ॉं स्कूल।

गिरने रॉकेट, (1872), दृश्य सनसनी पर अधिक से अधिक जोर दिया वस्तुओं के चित्रण से: एक नई कला के प्रारंभिक संकेत जेम्स McNeill Whistler जो, काले और सोने में अपनी पेंटिंग नॉक्टर्न में से किया गया था।

अभिव्यंजनावादी चित्रकारों रंग की सतह के बोल्ड उपयोग का पता लगाया, विकृतियों और अतिशयोक्ति, और गहन रंग ड्राइंग। भावनात्मक रूप से आरोप लगाया चित्रों कि करने के लिए प्रतिक्रियाओं और समकालीन अनुभव की धारणाओं थे उत्पादित Expressionists; और प्रभाववाद और देर से 19 वीं सदी के चित्र के अन्य अधिक रूढ़िवादी निर्देशों के प्रतिक्रियाओं। Expressionists काफी होने का मनोवैज्ञानिक राज्यों के चित्रण के पक्ष में विषय पर जोर देने के लिए बदल दिया। हालांकि एडवर्ड मंच और जेम्स इंसोर जैसे कलाकारों के बाद प्रभाववादियों के काम से मुख्य रूप से प्रभावित करती है आकर्षित किया वे 20 वीं सदी में अमूर्त के आगमन के लिए महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी। पॉल सेज़ान प्रभाववादी लेकिन अपने उद्देश्य के रूप में शुरू हो गया था -, एक बिंदु से एक दृश्य के आधार पर वास्तविकता का एक तार्किक निर्माण बनाने के लिए

साथ ही में 19 वीं सदी में पूर्वी यूरोपरहस्यवाद और जल्दी आधुनिकतावादी धार्मिक दर्शन के रूप में ब्रह्म ममे द्वारा व्यक्त की। ब्लावत्स्की हिल्मा आफ क्लिंट और वैसिली कैंडिंस्की की तरह अग्रणी ज्यामितीय कलाकारों पर गहरा प्रभाव पड़ा। जार्जेस ग्वार्डजिएफ और ऑस्पेन्स्की की रहस्यमय शिक्षण भी 20 वीं सदी में पीट मोंड्रियन और उनके सहयोगियों के ज्यामितीय अमूर्त शैली के प्रारंभिक संरचनाओं पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव था।

आधुनिक काल में अमूर्त:
पोस्ट प्रभाववाद के रूप में पॉल गौगुइन, जॉरजिस Seurat, विन्सेन्ट वान गाग और पॉल सेज़ान द्वारा अभ्यास 20 वीं सदी कला पर एक बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा और 20 वीं सदी अमूर्त के आगमन के लिए नेतृत्व किया। वान गाग, सेज़ान, गौगुइन, और Seurat तरह चित्रकारों की विरासत आधुनिक कला के विकास के लिए आवश्यक था। 20 वीं सदी हेनरी मैटिस और पूर्व क्यूबिस्ट जार्ज ब्रेक सहित कई अन्य युवा कलाकारों की शुरुआत में, आंद्रे डेरेन, रऊल डयूफी और मौरिस द व्लामिंक क्रांति ला दीपेरिस”जंगली” के साथ, बहुरंगी, अर्थपूर्ण परिदृश्य और आंकड़ा चित्रों कि आलोचकों Fauvism कहा जाता है कला की दुनिया। रंग के बारे में उनकी अर्थपूर्ण इस्तेमाल करते हैं और साथ अपनी स्वतंत्र और कल्पनाशील ड्राइंग हेनरी मैटिस बहुत 1915 रंग के कच्चे भाषा से Collioure (1914), Notre-Dame के दृश्य (1914), और पीला परदा पर फ्रेंच विंडो में शुद्ध अमूर्त के पास आता है के रूप में Fauves द्वारा विकसित सीधे अमूर्त का एक और अग्रणी, वैसिली कैंडिंस्की (उदाहरण देखें) को प्रभावित किया।

हालांकि क्यूबिज्म अंततः विषय पर निर्भर करता है, यह बन गया है, Fauvism, कला आंदोलन कि सीधे दरवाजा 20 वीं सदी में अमूर्त के लिए खोला के साथ। घन, क्षेत्र और शंकु: पाब्लो पिकासो सेज़ान के विचार पर आधारित अपनी पहली क्यूबिस्ट चित्रों कि प्रकृति के सभी चित्रण तीन ठोस करने के लिए कम किया जा सकता बना दिया। चित्रकला लेस डेमोइसेलस d’Avignon (1907) के साथ, पिकासो नाटकीय रूप से पाँच वेश्याओं, हिंसक चित्रित महिलाओं, अफ्रीकी आदिवासी मास्क और अपने ही नई क्यूबिस्ट आविष्कार की याद ताजा के साथ एक कच्चे और आदिम वेश्यालय दृश्य चित्रण एक नया और क्रांतिकारी चित्र बनाया। विश्लेषणात्मक क्यूबिज्म संयुक्त रूप से 1912 विश्लेषणात्मक क्यूबिज्म के माध्यम से के बारे में 1908 से, पाब्लो पिकासो और जार्ज ब्रेक द्वारा विकसित किया गया था, घनवाद की पहली स्पष्ट अभिव्यक्ति, सिंथेटिक क्यूबिज्म के बाद किया गया, ब्रेक, पिकासो, फ़र्नांड लेगेर, जुआन ग्रीस द्वारा अभ्यास, अल्बर्ट ग्लाइज्स, मार्सेल डुचैम्प और 1920 के दशक में अन्य। सिंथेटिक क्यूबिज्म अलग बनावट, सतहों, महाविद्यालय तत्वों, कागज Colle की शुरूआत और मर्ज किए गए विषय की एक विशाल विविधता की विशेषता है। क्यूबिज्म से सुराग लेने कर्ट श्विटर्स और मैन रे और दूसरों की तरह महाविद्यालय कलाकारों आंदोलन दादा बुलाया के विकास के लिए महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी।

इतालवी कवि फ़िलिप्पो टोमासो मरिने्टी 1909 में भविष्यवाद के घोषणा पत्र, जो बाद में ध्वनि, शोर और इन मोशन, 1911 स्मेल्स और अम्बर्टो बोसिोनी ट्रेन की चित्रकारी में इस तरह के कार्लो कार्रा के रूप में कलाकारों को प्रेरित प्रकाशित, अमूर्त का एक और चरण है कि होगा करने के लिए, के साथ साथ क्यूबिज्म, गहराई से कला आंदोलनों के दौरान प्रभावित यूरोप।

1912 सैलून डे ला धारा डी’ओर कवि के दौरान गिलौम अपोलिनेयर रॉबर्ट, Orphism सहित कई कलाकारों के काम नाम दिया है। उन्होंने कहा कि के रूप में, तत्वों है कि दृश्य क्षेत्र से उधार नहीं किया गया है से बाहर नई संरचनाओं पेंटिंग की कला में परिभाषित किया है, लेकिन कलाकार द्वारा पूरी तरह से निर्मित किया गया था … यह एक शुद्ध कला है।

सदी के अंत के बाद से, प्रमुख यूरोपीय शहरों के कलाकारों के बीच सांस्कृतिक कनेक्शन अत्यंत सक्रिय हो गया था के रूप में वे आधुनिकता के उच्च आकांक्षाओं के बराबर एक कला के रूप बनाने के लिए प्रयास किया। विचार कलाकार की किताबें, प्रदर्शनियों और घोषणापत्रों ताकि कई स्रोतों प्रयोग और चर्चा के लिए खुले थे के माध्यम से पार खाद करने में सक्षम थे, और अमूर्त के तरीके की विविधता के लिए एक आधार का गठन किया। ‘विश्व पिछड़ों’ से निम्नलिखित उद्धरण समय में संस्कृति के अंतर-संयुक्तता के कुछ प्रभाव देता है: “आधुनिक कला आंदोलनों के डेविड बर्लिययक के ज्ञान हीरे प्रदर्शनी के दूसरे गुलाम के लिए गया है चाहिए अत्यंत अप-टू-डेट,, आयोजित जनवरी 1912 में (मास्को में) न केवल म्यूनिख से भेजे गए चित्रों, लेकिन जर्मन मरो Brücke समूह के कुछ सदस्यों को शामिल किया, पेरिस से जबकि रॉबर्ट डेलॉनाय, हेनरी मैटिस और फ़र्नांड लेगेर, साथ ही पिकासो द्वारा काम आ गया। वसंत के दौरान डेविड बर्लिययक क्यूबिज्म पर दो व्याख्यान दिया और एक विवादात्मक प्रकाशन, जो हीरे का गुलाम के वित्तपोषण के लिए था की योजना बनाई। उन्होंने कहा कि मई में विदेश चला गया और वापस पंचांग डेर Blaue Reiter जो प्रिंटर से उभरा था, जबकि वह था प्रतिद्वंद्वी करने के लिए निर्धारित आयाजर्मनी”।

1909 से 1913 के लिए इस ‘शुद्ध कला’ के लिए खोज में कई प्रयोगात्मक काम करता है निर्मित किया गया था: हिल्मा आफ क्लिंट द्वारा; फ्रांसिस पिकाबिया स्प्रिंग और जुलूस, सविल, 1912 में रबड़, 1909, वसंत, 1912, नृत्य चित्रित; वैसिली कैंडिंस्की चित्रित शीर्षकहीन (प्रथम सार आबरंग), 1910, कामचलाऊ 21A, छाप श्रृंखला है, और एक सर्किल (1911) के साथ चित्र; फ़्रांटिसेक कुप्का (दो रंग में लोप) न्यूटन (दो रंग में लोप के लिए अध्ययन), 1912 और Amorpha, लोप एन ड्यूक्स couleurs की Orphist काम करता है, डिस्क चित्रित किया था, 1912; रॉबर्ट डेलॉनाय एक श्रृंखला हकदार एक साथ Windows और formes Circulaires, Soleil n चित्रित ° 2 (1912-1913); लेओपोल्ड सरवेग रंग ताल (फिल्म के लिए अध्ययन), 1913 बनाया है, पीट मोंड्रियन, झांकी नंबर 1 और संरचना नंबर 11, 1913 चित्रित।

और खोज जारी रखा: नटालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव की Rayist (Luchizm) ड्राइंग, एक निर्माण करने के लिए प्रकाश की किरणों की तरह लाइनों का इस्तेमाल किया। Kasimir मालेविच अपनी पहली पूरी तरह से सार काम, Suprematist पूरा, ‘काले स्क्वायर’, 1915 में Suprematist समूह का एक और’ लिउबोव पोपोवा, बनाया Architectonic कंस्ट्रक्शन और स्थानिक फोर्स कंस्ट्रक्शन 1916 और 1921 के बीच पीट मोंड्रियन, उसके सार भाषा विकसित हो रहा था रंग की आयत, 1915 और 1919 के बीच के साथ क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर लाइनों की, नव-Plasticism सौंदर्य जो Mondrian, थियो वान डूसबर्ग और समूह में अन्य डी Stijl भविष्य के पर्यावरण नयी आकृति प्रदान करने के उद्देश्य से किया गया था।

अमूर्त संगीत:
जो ध्वनि और समय की डिवीजनों के सार तत्वों का उपयोग करता एक कला के रूप: दृश्य कला अधिक सारगर्भित हो जाता है, यह संगीत की कुछ विशेषताएं विकसित करता है। वैसिली कैंडिंस्की, खुद को एक संगीतकार, आत्मा में अंक की संभावना और साहचर्य रंग शानदार से प्रेरित था। विचार चार्ल्स बौडेलेर द्वारा पेश किया गया था, कि हमारे सभी इंद्रियों विभिन्न उत्तेजनाओं का जवाब लेकिन होश एक गहरी सौंदर्य स्तर पर जुड़े हुए हैं।

बारीकी से इस से संबंधित, विचार कला आध्यात्मिक आयाम है और ‘हर दिन का अनुभव, एक आध्यात्मिक विमान तक पहुँचने के पार कर सकते हैं। थियोसोफिकल सोसायटी के पवित्र पुस्तकों के प्राचीन ज्ञान को लोकप्रिय बनायाइंडिया तथा चीन सदी के प्रारंभिक वर्षों में। इस संदर्भ कि पीट मोंड्रियन, वैसिली कैंडिंस्की, हिल्मा आफ क्लिंट और अन्य एक ‘व्यर्थ राज्य’ की दिशा में काम कलाकारों एक ‘आंतरिक’ वस्तु बनाने के तरीके के रूप मनोगत में दिलचस्पी हो गई में था। ज्यामिति में पाया सार्वभौमिक और कालातीत आकार: वृत्त, वर्ग और त्रिकोण अमूर्त कला में स्थानिक तत्वों हो जाते हैं; वे, रंग की तरह, मौलिक सिस्टम दिखाई वास्तविकता अंतर्निहित कर रहे हैं।

प्रभाव:
रूस अग्रसर:
में सार कलाकारों में से कई लोग रूसबन गया Constructivists है कि कला पर विश्वास नहीं रह गया था कुछ दूरदराज के, लेकिन जीवन ही। कलाकार एक तकनीशियन बनना होगा, उपकरण और आधुनिक उत्पादन की सामग्री का उपयोग करना सीख। जीवन में कला! व्लादिमीर टैटलिन का नारा है, और भविष्य की सभी Constructivists का था। वरवारा स्टेपानोवा और एलेक्जेंडर Exter और दूसरों चित्रफलक चित्रकला को त्याग दिया और थिएटर डिजाइन और ग्राफिक कार्यों के लिए अपनी ऊर्जा भेज दिया। दूसरी ओर काज़िमिर मालेविच, एंटोन Pevsner और नौम गाबो खड़ा था। उन्होंने तर्क दिया कि कला अनिवार्य रूप से एक आध्यात्मिक गतिविधि थी; दुनिया में व्यक्ति की जगह बनाने के लिए एक व्यावहारिक, भौतिकवादी अर्थ में जीवन को व्यवस्थित करने के लिए नहीं। उन में से कई जो कला बाईं की भौतिकवादी उत्पादन विचार विरोध कर रहीं थींरूस। एंटोन Pevsner के लिए चला गयाफ्रांस, Gabo करने के लिए पहले से चला गया बर्लिन, फिर तो इंगलैंड और अंत में करने के लिए अमेरिका। कैंडिंस्की में अध्ययनमास्को तो बॉहॉस के लिए छोड़ दिया है। मध्य 1920 के दशक तक क्रांतिकारी अवधि (1921 के लिए 1917) जब कलाकारों प्रयोग करने के लिए खत्म हो गया था मुक्त किया गया था; और 1930 के दशक से ही समाजवादी यथार्थवाद की अनुमति दी थी।

बॉहॉस:
बॉहॉस पर वीमर, जर्मनी वॉल्टर ग्रोपियस द्वारा 1919 में स्थापित किया गया था। दर्शन शिक्षण कार्यक्रम अंतर्निहित बुनाई और कांच के लिए वास्तुकला और चित्रकला से सभी दृश्य और प्लास्टिक कला की एकता थी। इस दर्शन में कला और शिल्प आंदोलन के विचारों से हो गई थीइंगलैंडऔर Deutscher Werkbund। शिक्षकों के अलावा पॉल क्ली, वैसिली कैंडिंस्की, जोहन्नेस इटेन, जोसेफ एल्बर्स, एनी अल्बर्स, और लास्ज़्लो मोहोली नागी थे। 1925 में स्कूल के पास ले जाया गया थाDessauऔर, के रूप में नाजी पार्टी 1932 में नियंत्रण प्राप्त कर लिया, बॉहॉस बंद हो गया। 1937 में पतित कला की एक प्रदर्शनी, ‘Entartete कुंस्ट’ निहित नव-विचारक कला के सभी प्रकार के नाजी पार्टी द्वारा अस्वीकृत। तब पलायन शुरू किया: बॉहॉस से लेकिन सामान्य रूप में यूरोप से न सिर्फ; सेवा मेरेपेरिस, लंडन तथा अमेरिका। पॉल क्ली के लिए चला गयास्विट्जरलैंड लेकिन बॉहॉस पर कलाकारों के कई के लिए चला गया अमेरिका।

में अमूर्त पेरिस तथा लंडन:
1930 के दशक के दौरान पेरिस कलाकारों के लिए मेजबान से बन गया रूस, जर्मनी, नीदरलैंडऔर अन्य यूरोपीय देशों सर्वसत्तावाद की वृद्धि होने से प्रभावित। सोफी टौबर और जीन आर्प चित्रों और मूर्तिकला जैविक / ज्यामितीय रूपों के प्रयोग पर सहयोग किया। पोलिश कतरज़ायना कोब्रो मूर्तिकला के लिए गणितीय आधार पर उपाय लागू नहीं। अमूर्त के कई प्रकार अब करीब निकटता में विभिन्न वैचारिक और सौंदर्य समूहों का विश्लेषण करने के कलाकारों द्वारा प्रयास का नेतृत्व किया। जोकिन टोरेस-गार्सिया मिशेल सेयफोर द्वारा सहायता प्रदान की ओर से आयोजित Cercle एट कैरे समूह के छियालीस सदस्यों द्वारा एक प्रदर्शनी नव Plasticists के साथ-साथ abstractionists द्वारा काम निहित के रूप में कैंडिंस्की, एंटोन Pevsner और कर्ट श्विटर्स के रूप में अलग किया। थियो वान डूसबर्ग द्वारा आलोचना होने के लिए भी अनिश्चितकालीन एक संग्रह प्रकाशित पत्रिका कला Concret एक घोषणा पत्र एक अमूर्त कला है, जिसमें रेखा, रंग और सतह केवल, ठोस वास्तविकता है परिभाषित करने की स्थापना। अमूर्त निर्माण, एक और अधिक खुला समूह के रूप में 1931 में स्थापित किया गया सार कलाकारों के लिए एक संदर्भ बिन्दु प्रदान की है, के रूप में राजनीतिक स्थिति 1935 में खराब हो गई, और कलाकारों फिर से, फिर से एकजुट लंदन में कई। ब्रिटिश अमूर्त कला की पहली प्रदर्शनी में आयोजित किया गयाइंगलैंड1935 अगले वर्ष में और अधिक अंतरराष्ट्रीय सार और कंक्रीट प्रदर्शनी पीट मोंड्रियन, जोआन मिरो, बारबरा हेपवर्थ और बेन निकोल्सन द्वारा काम सहित निकोलेट ग्रे द्वारा आयोजित किया गया था। हेपवर्थ, निकोल्सन और Gabo में सेंट आइव्स समूह में ले जाया गयाकॉर्नवाल उनके ‘रचनावादी’ काम जारी रखने के लिए।

अमेरिका: शताब्दी के मध्य में
1930 के दशक के कई कलाकारों में सत्ता में नाजी वृद्धि के दौरान करने के लिए यूरोप भाग गए संयुक्त राज्य अमेरिका। 1940 के दशक के आधुनिक कला, इक्सप्रेस्सियुनिज़म, घनवाद, अमूर्त, अतियथार्थवाद, और दादा में मुख्य आंदोलनों न्यूयॉर्क में प्रतिनिधित्व कर रहे थे द्वारा: मार्सेल डुचैम्प, फ़र्नांड लेगेर, पीट मोंड्रियन, जैक्स लिपचिट्ज़, आन्द्रे मेसन, मैक्स अर्नस्ट, आंद्रे ब्रेटन, बस थे निर्वासित गोरों जो न्यूयॉर्क में पहुंचे के कुछ ही। समृद्ध सांस्कृतिक यूरोपीय कलाकारों द्वारा लाया प्रभावों आसुत और स्थानीय न्यू यॉर्क में चित्रकारों द्वारा पर बनाया गया था। में स्वतंत्रता की जलवायुन्यूयॉर्कपनपने इन प्रभावों के सभी की अनुमति दी। कला दीर्घाओं कि मुख्य रूप से यूरोपीय कला पर ध्यान केंद्रित किया था स्थानीय कला समुदाय और युवा अमेरिकी कलाकारों जो परिपक्व होने में शुरू हो गया था के काम गौर करना शुरू किया। इस समय कुछ कलाकारों को उनके परिपक्व काम में साफ़ तौर पर सार बन गया। इस अवधि के दौरान पीट मोंड्रियन की पेंटिंग संरचना नं 10, 1939-1942, प्राथमिक रंग, सफेद जमीन और काले ग्रिड लाइन की विशेषता स्पष्ट रूप से आयत और सामान्य रूप से अमूर्त कला के लिए अपने कट्टरपंथी लेकिन शास्त्रीय दृष्टिकोण को परिभाषित किया। इस अवधि के कुछ कलाकारों ऐसे Georgia O’Keeffe जो है, जबकि एक आधुनिकतावादी अमूर्तवादी, कि में एक शुद्ध आवारा वह अत्यधिक सार रूपों को चित्रित करते हुए समय की किसी भी विशिष्ट समूह में शामिल होने के रूप में नहीं था, वर्गीकरण ललकारा।

आखिरकार अमेरिकी कलाकारों जो शैलियों की एक महान विविधता में काम कर रहे थे एकजुट शैलीगत समूहों में संगठित करना शुरू किया। अमेरिकी कलाकारों का सबसे अच्छा जाना जाता समूह सार expressionists और रूप में जाना गयान्यूयॉर्क स्कूल। मेंन्यू यॉर्क शहर वहाँ का माहौल जो चर्चा को प्रोत्साहित किया और वहाँ सीखने और उगाने के लिए नए अवसर था। कलाकारों और शिक्षकों जॉन डी ग्राहम और हंस होफ्मन नवागत यूरोपीय आधुनिकतावादियों और युवा अमेरिकी कलाकारों उम्र के आने के बीच महत्वपूर्ण पुल आंकड़े बन गया। मार्क Rothko, में पैदा हुआ रूस, दृढ़ता से अतियथार्थवादी कल्पना जो बाद में 1950 के दशक के अपने शक्तिशाली रंग रचनाओं में भंग के साथ शुरू हुआ। expressionistic इशारा और खुद को पेंटिंग का कार्य, जैक्सन पोलक, रॉबर्ट मदरवेल, और फ्रांज क्लाइन के लिए प्राथमिक महत्व के हो गया। जबकि 1940 के दशक में अर्शाइल गोर्की की और विलेम डी Kooning के आलंकारिक काम दशक के अंत तक अमूर्त में विकसित हुआ। न्यू यॉर्क शहरकेंद्र बन गया, और कलाकारों दुनिया भर में इस दिशा में आकर्षित; में अन्य स्थानों सेअमेरिका भी।

बाद में घटनाक्रम:
डिजिटल कला, हार्ड एज पेंटिंग, ज्यामितीय अमूर्त, अतिसूक्ष्मवाद, गीतात्मक सारग्रहण, सेशन कला, अमूर्त अभिव्यंजनावाद, रंग क्षेत्र चित्रकला, मोनोक्रोम चित्रकला, संयोजन, नव दादा, आकार का कैनवास पेंटिंग, दूसरी छमाही में अमूर्त से संबंधित कुछ निर्देश हैं 20 वीं सदी की।

में संयुक्त राज्य अमेरिका, वस्तु डोनाल्ड जुड और फ्रैंक स्टेला के चित्रों की Minimalist मूर्तिकला के रूप में देखा के रूप में कला नए क्रमपरिवर्तन के रूप में देखा जाता है। अन्य उदाहरण गीतात्मक सारग्रहण और रंग के कामुक उपयोग रॉबर्ट मदरवेल, पैट्रिक बगुला, केनेथ नोलैंड, सैम फ्रांसिस, साय टवॉंबली, रिचर्ड डीेबेंकोर्न, हेलेन फ्रैंकेनथालर, जोआन मिशेल के रूप में के रूप में विविध चित्रकारों की कृतियों में दिखाई देता।

करणीय:
एक सामाजिक-ऐतिहासिक व्याख्या यह है कि आधुनिक कला में सार की बढ़ती प्रसार के लिए पेशकश की गई है – एक विवरण थियोडोर डब्ल्यू एडोर्नो के नाम से जुड़ा हुआ – कि इस तरह के अमूर्त के लिए एक प्रतिक्रिया है, और का एक प्रतिबिंब, की बढ़ती अमूर्त है औद्योगिक समाज में सामाजिक संबंधों।

फ्रेडरिक जेम्सन इसी तरह, पैसे की अमूर्त शक्ति का एक समारोह के रूप में आधुनिकतावादी अमूर्त देखता है सब बातों को समान रूप से equating विनिमय-मूल्यों के रूप में। कानूनी औपचारिकताओं, नौकरशाही impersonalization, जानकारी / बिजली – – देर आधुनिकता की दुनिया में अमूर्त कला के सामाजिक सामग्री तो ठीक सामाजिक अस्तित्व के सार स्वभाव है।

पोस्ट-Jungians इसके विपरीत द्वारा प्रपत्र के पारंपरिक विचारों के उनके विघटन के साथ क्वांटम सिद्धांत को देखने और कंक्रीट के तलाक और आधुनिक कला में अमूर्त अंतर्निहित रूप में कोई फर्क होगा।