VJing ou Visual jockey est une désignation large pour les performances visuelles en temps réel. Les caractéristiques du VJing sont la création ou la manipulation d’images en temps réel grâce à la médiation technologique et pour un public, en synchronisation avec la musique. Le VJing a souvent lieu lors d’événements tels que des concerts, des discothèques, des festivals de musique et parfois en combinaison avec d’autres arts performatifs. Il en résulte une performance multimédia en direct qui peut inclure de la musique, des acteurs et des danseurs. Le terme VJing est devenu populaire dans son association avec Video Jockey de MTV, mais ses origines remontent à la scène des clubs de New York des années 70. Dans les deux situations, VJing est la manipulation ou la sélection de visuels, de la même manière que DJing est une sélection et une manipulation de l’audio.

L’un des éléments clés de la pratique de VJing est le mélange en temps réel du contenu d’une « bibliothèque de supports », sur des supports de stockage tels que des cassettes VHS ou des DVD, des fichiers vidéo et des images fixes sur des disques durs d’ordinateur, une entrée de caméra en direct ou à partir de visuels générés par ordinateur. En plus de la sélection des médias, VJing implique principalement le traitement en temps réel du matériel visuel. Le terme est également utilisé pour décrire l’utilisation performative des logiciels génératifs, bien que le mot « devienne douteux (…) car aucune vidéo n’est mixée ».

Les origines
L’abréviation VJ s’est développée sur la base du concept de disc jockeys (DJ) et light jockeys (LJ). Le jockey visuel ne doit pas être confondu avec le jockey vidéo. L’activité de présentateur d’un jockey vidéo dans les programmes de musique télévisée diffère considérablement de la performance artistique d’un jockey visuel.

Dans les pays germanophones, en particulier dans le bastion de la VJ à Vienne, un débat sur la désignation des VJ a lieu depuis plusieurs années. Le terme «visualiste» est de plus en plus utilisé ici pour désigner une personne qui, au sens large, crée de l’art vidéo en utilisant la technique d’un «VJ classique», mais qui agit indépendamment de l’événement musical. D’une part, il est fait référence à l’indépendance de l’art vidéo créé en temps réel. D’autre part, la meilleure différenciation conceptuelle du pur « vidéo jockey » peut également être utilisée pour décrire les nouvelles tendances de la scène. Ces derniers temps, la tendance a été à la génération de contenu en direct et à l’utilisation de la cartographie de projection. Contrairement au VJ classique, qui utilise du matériel existant (sous forme de clips vidéo, d’animations, de photos, etc.) en direct, le visualiste génère le matériel en temps réel pendant l’utilisation. Pour cela, il utilise un logiciel dit génératif. Grâce à l’utilisation du mappage vidéo et à la distribution d’objets de projection dans toute la salle d’exposition, le VJ (ou visualiste) moderne se libère également de la vue focalisée sur un seul écran rectangulaire.

Histoire

Antécédents
Historiquement, VJing tire ses références de formes d’art qui traitent de l’expérience synesthésique de la vision et du son. Ces références historiques sont partagées avec d’autres formes d’art audiovisuel en direct, comme le cinéma en direct, pour inclure la camera obscura, le panorama et le diorama, la lanterne magique, l’orgue couleur et les spectacles de lumière liquide.

L’orgue à couleurs est un mécanisme permettant de faire correspondre les couleurs au son par des moyens mécaniques et électromécaniques. Bainbridge Bishop, qui a contribué au développement de l’orgue à couleurs, était «dominé par l’idée de peindre de la musique». Dans un livre de 1893 qui documente son travail, Bishop déclare: « J’ai acheté un orgue et j’ai expérimenté en construisant un attachement aux touches, qui jouerait avec différentes lumières colorées pour correspondre à la musique de l’instrument. »

Entre 1919 et 1927, Mary Hallock-Greenewalt, une soliste de piano, a créé une nouvelle forme d’art technologique appelée Nourathar, qui signifie «essence de lumière» en arabe. Sa musique légère se composait de champs de couleurs environnementales qui produisaient une échelle d’intensités lumineuses et de couleurs. « Au lieu d’un clavier, le Sarabet avait une console avec des curseurs gradués et d’autres commandes, plus comme une table de mixage moderne. Les lumières pouvaient être ajustées directement via les curseurs, grâce à l’utilisation d’une pédale, et avec des interrupteurs à bascule qui fonctionnaient comme des individus clés. »

Dans les clubs et les événements privés des années 1960, « les gens utilisaient des toboggans liquides, des boules disco et des projections de lumière sur la fumée pour donner au public de nouvelles sensations. Certaines de ces expériences étaient liées à la musique, mais la plupart du temps elles fonctionnaient comme des décorations ». Ceux-ci sont devenus connus sous le nom de spectacles de lumière liquide. De 1965 à 1966 à San Francisco, les spectacles visuels de collectifs d’artistes tels que The Joshua Light Show et la Brotherhood of Light ont accompagné les concerts de The Grateful Dead, qui ont été inspirés par la génération Beat – en particulier les Merry Pranksters – et alimentés par le  » expansion de la conscience « des Acid Tests.

The Exploding Plastic Inevitable, entre 1966 et 1967, organisé par Andy Warhol a contribué à la fusion de la musique et des visuels dans un contexte festif. « Le projet Exploding Party a examiné l’histoire de la fête en tant que format artistique expérimental, en se concentrant en particulier sur la visualisation musicale – également dans des contextes en direct »

Années 70
Événements importants
À la fin des années 1970, les performances vidéo et musicale sont devenues plus étroitement intégrées. Lors des concerts, quelques groupes ont commencé à avoir régulièrement des films / vidéos avec leur musique. Le cinéaste expérimental Tony Potts était considéré comme un membre non officiel de The Monochrome Set pour son travail sur la conception d’éclairage et la réalisation de films pour les projections de spectacles en direct. Le département de test a d’abord travaillé avec « Bert » Turnball en tant qu’artiste visuel résident, créant des diaporamas et des films pour des performances en direct. L’organisation, Ministry of Power, a notamment collaboré avec des groupes de représentation, des chorales traditionnelles et divers militants politiques. Les groupes industriels se produiraient dans des contextes artistiques, ainsi que dans des salles de concert, et souvent avec des projections vidéo. Des groupes comme Cabaret Voltaire ont commencé à utiliser du matériel de montage vidéo à faible coût pour créer leurs propres collages temporels pour leurs œuvres sonores. Selon leurs mots, « avant [l’utilisation de la vidéo], vous deviez faire des collages sur papier, mais maintenant vous les présentez en rythme – le temps vivant – en vidéo ». Les collages de films réalisés par et pour des groupes tels que le Test Dept, Throbbing Gristle et Tuxedomoon de San Francisco sont devenus une partie de leurs spectacles.

Un exemple de mélange de film et de performance en direct est celui de Public Image Ltd. au Ritz Riot en 1981. Ce club, situé sur la East 9th St à New York, avait un système de projection vidéo de pointe. Il a été utilisé pour montrer une combinaison de vidéo préenregistrée et en direct sur l’écran du club. PiL jouait derrière cet écran avec des lumières arrière projetant leurs ombres sur l’écran. S’attendant à un spectacle de rock plus traditionnel, le public a réagi en égratignant l’écran de projection avec des bouteilles de bière et finalement en abaissant l’écran.

Développement technologique
Une retraite d’artiste à Owego New York appelée Experimental Television Center, fondée en 1971, a contribué au développement de nombreux artistes en rassemblant le matériel expérimental créé par des pionniers de l’art vidéo: Nam June Paik, Steve Rutt et Bill Etra, et a rendu l’équipement disponible aux artistes dans un cadre invitant à l’expérimentation gratuite. De nombreux résultats ont fait leurs débuts dans la boîte de nuit Hurrah, qui est rapidement devenue une nouvelle alternative pour les artistes vidéo qui ne pouvaient pas diffuser leurs productions d’avant-garde sur les canaux de diffusion réguliers. De même, le développement de vidéoclips se produisait dans d’autres grandes villes du monde, offrant une alternative à la télévision grand public.

Un processeur d’image notable est le Sandin Image Processor (1971), principalement car il décrit ce qui est maintenant communément appelé open source.

Le processeur d’images Dan Sandin, ou «IP», est un processeur vidéo analogique avec des signaux vidéo envoyés par des modules de traitement qui sont acheminés vers un codeur couleur de sortie. L’attribut le plus unique de l’IP est sa philosophie non commerciale, mettant l’accent sur un accès public aux méthodes de traitement et aux machines qui aident à générer les images. L’IP était l’expression électronique de Sandin pour une culture qui « apprendrait à utiliser des machines de haute technologie pour une croissance personnelle, esthétique, religieuse, intuitive, complète et exploratoire ». Cet objectif éducatif a été complété par une «religion de distribution» qui a permis aux artistes vidéo et aux groupes à but non lucratif de «faire rouler votre propre» synthétiseur vidéo uniquement pour le coût des pièces et la sueur et le travail nécessaires pour le construire. . C’était le « Heathkit » des outils d’art vidéo, avec un plan de construction complet, y compris des schémas électroniques et des informations sur l’assemblage mécanique. Des conseils sur le soudage, l’achat de pièces électroniques et de cartes de circuits imprimés ont également été inclus dans la documentation, augmentant les chances de réussir la construction d’une version de travail du synthétiseur vidéo.

Années 80
Événements importants
En mai 1980, l’artiste / cinéaste multimédia Merrill Aldighieri a été invité à projeter un film dans la boîte de nuit Hurrah. À cette époque, les clips vidéo n’existaient pas en grande quantité et l’installation vidéo a été utilisée pour présenter un film occasionnel. Pour amener le rôle des visuels à un niveau égal à la musique du DJ, Merrill a créé un grand corps de visuels ambiants qui peuvent être combinés en temps réel pour interpréter la musique. Aux côtés du DJ, cette collection de visuels bruts a été mixée en temps réel pour créer une interprétation visuelle ininterrompue de la musique. Merrill est devenu le premier VJ à temps plein au monde. Les fondateurs de MTV sont venus dans ce club et Merrill leur a présenté le terme et le rôle de « VJ », les incitant à avoir des hôtes VJ sur leur chaîne l’année suivante.

Merrill a collaboré avec de nombreux musiciens du club, notamment avec le musicien électronique Richard Bone pour réaliser le premier album de musique d’ambiance intitulé « Emerging Video ». Grâce à une subvention du Experimental Television Center, son mélange de vidéo et de film 16 mm portait la marque influente des synthétiseurs uniques Rutt Etra et Paik. Ce film a été proposé sur VHS par le biais du « High Times Magazine » et a été présenté dans la programmation du club. Sa prochaine incursion dans le public de la vidéo à domicile a été en collaboration avec le bras nouvellement formé de Sony, Sony HOME VIDEO, où elle a introduit le concept de « casser la musique sur vidéo » avec sa série DANSPAK. À quelques exceptions près, comme le Jim Carrol Band avec Lou Reed et Man Parrish, cette série comprenait des groupes inconnus, dont beaucoup n’étaient pas signés.

L’essor de la musique électronique (en particulier dans les genres house et techno) et la culture des clubs de DJ ont fourni plus d’occasions aux artistes de créer des visuels en direct lors d’événements. La popularité de MTV a conduit à une production plus grande et meilleure de clips musicaux pour la diffusion et VHS, et de nombreux clubs ont commencé à diffuser des clips musicaux dans le cadre du divertissement et de l’atmosphère.

Joe Shannahan (propriétaire de Metro en 1989-1990) payait des artistes pour du contenu vidéo sur VHS. Une partie de la soirée, ils joueraient des vidéos musicales MTV et une partie de la soirée, ils exécuteraient des mélanges d’artistes locaux que Shanahan avait commandés.

Medusa’s (un bar pour tous les âges à Chicago) a incorporé des visuels dans le cadre de ses performances artistiques nocturnes du début au milieu des années 80 (1983-1985). Également à Chicago au milieu des années 80, Smart Bar, où Metro tenait « Video Metro » tous les samedis soirs.

Développement technologique
Dans les années 80, le développement d’une technologie de transistor et de circuits intégrés relativement bon marché a permis le développement de matériel d’effets vidéo numériques à un prix à la portée des VJ et des propriétaires de discothèques.

L’un des premiers synthétiseurs vidéo distribués commercialement disponible en 1981 a été le chromascope CEL Electronics vendu pour être utilisé dans la scène des discothèques en développement. Le Fairlight Computer Video Instrument (CVI), produit pour la première fois en 1983, était révolutionnaire dans ce domaine, permettant d’appliquer des effets numériques complexes en temps réel aux sources vidéo. Le CVI est devenu populaire parmi les producteurs de télévision et de vidéoclips et figure dans un certain nombre de vidéoclips de la période. Le Commodore Amiga introduit en 1985 a fait une percée dans l’accessibilité pour les ordinateurs personnels et a développé les premiers programmes d’animation par ordinateur pour l’animation 2D et 3D qui pourraient produire des résultats de diffusion sur un ordinateur de bureau.

Années 90
Événements importants
Un certain nombre d’œuvres enregistrées commencent à être publiées dans les années 1990 pour diffuser davantage le travail des VJ, comme les compilations Xmix (à partir de 1993), Future Life of London’s « Lifeforms » (VHS, 1994), Emergency Broadcast Network « Telecommunication Breakdown » « (VHS, 1995), » Timber « de Coldcut et Hexstatic (VHS, 1997, puis plus tard sur CDRom comprenant une copie du logiciel VJamm VJ), la compilation » Mego Videos « d’œuvres de 1996-1998 (VHS / PAL, 1999) et la série télévisée Addictive TV de 1998 « Transambient » pour le canal britannique 4 (et la sortie du DVD).

Aux États-Unis, l’émergence de la scène rave est peut-être à mettre au crédit du passage de la scène VJ des boîtes de nuit aux soirées underground. D’environ 1991 à 1994, Mark Zero faisait des boucles de films dans les raves de Chicago et les fêtes à la maison. L’une des premières raves à grande échelle de Chicago était « Massive New Years Eve Revolution » en 1993, produite par le Drop Bass Network de Milwaukee. C’était un événement notable car il mettait en vedette les VJ Optique Vid Tek (OVT) sur le projet de loi. Cet événement a été suivi de Psychosis, le 3 avril 1993, et titré par Psychic TV, avec des visuels par OVT Visuals. À San Francisco, Dimension 7 était un collectif VJ travaillant sur les premières scènes raves de la côte ouest à partir de 1993. Entre 1996 et 1998, Dimension 7 a emmené des projecteurs et des lasers au festival Burningman,

Au Royaume-Uni, des groupes tels que The Light Surgeons et Eikon transformaient des clubs et des événements délirants en combinant les anciennes techniques des spectacles de lumière liquides avec des couches de diapositives, de films et de projections vidéo. À Bristol, Children of Technology a vu le jour, pionnier des environnements immersifs interactifs issus de la thèse architecturale du co-fondateur Mike Godfrey pendant ses études universitaires à la fin des années 1980. Les enfants de la technologie ont intégré leur bibliothèque CGI d’animation et de texture vidéo d’origine avec la sortie de la machine virtuelle lumineuse interactive (VLM), idée originale de Jeff Minter et Dave Japp, avec une sortie sur plus de 500 m² d’écrans en couches à l’aide de vidéo haute puissance et de projection laser au sein d’un show lumineux dédié. Leur « Ambient Theatre Lightshow » est apparu pour la première fois à Glastonbury 93 et ​​ils ont également fourni des visuels VJ pour les Shamen, qui venait de sortir leur hit 1. « Ebeneezer Good » au festival. Des musiciens invités ont joué dans le Ambient Theatre Lightshow, en utilisant le VLM, dans un environnement immersif prototype.

Children of Technology a intégré des concepts vidéo interactifs à un large éventail de projets, notamment la production de spectacles pour les raves « Obsession » entre 1993 et ​​1995, le théâtre, les clubs, la publicité, les grands spectacles sur scène et les événements télévisés. Cela comprenait des projets pionniers avec l’enregistrement et la performance vidéo / audio 3D, et de grands projets architecturaux à la fin des années 1990, où de nombreuses idées de technologie des médias prenaient maintenant racine. Un autre collectif, « Hex », travaillait sur un large éventail de médias – des jeux informatiques aux expositions d’art – le groupe a lancé de nombreux nouveaux hybrides de médias, y compris le brouillage audiovisuel en direct, les performances audio générées par ordinateur et les instruments collaboratifs interactifs. Ce fut le début d’une tendance qui se poursuit aujourd’hui avec de nombreux VJ travaillant au-delà de la scène des clubs et des soirées dansantes dans des domaines tels que l’art de l’installation.

Le livre japonais « VJ2000 » (Daizaburo Harada, 1999) a marqué l’une des premières publications consacrées à la discussion des pratiques des VJ.

Développement technologique
La combinaison de la scène rave émergente et d’une technologie vidéo légèrement plus abordable pour les systèmes de divertissement à domicile a amené les produits de consommation à être plus largement utilisés dans la production artistique. Cependant, les coûts de ces nouveaux types d’équipement vidéo étaient encore suffisamment élevés pour être prohibitifs pour de nombreux artistes.

Trois facteurs principaux conduisent à la prolifération de la scène VJ dans les années 2000:

ordinateurs portables abordables et plus rapides;
baisse des prix des vidéoprojecteurs (en particulier après la crise des dot-com où les entreprises chargeaient leurs produits sur craigslist)
l’émergence de scènes rave fortes et la croissance de la culture des clubs à l’international
En conséquence, la scène VJ a vu une explosion de nouveaux artistes et styles. Ces conditions ont également facilité l’émergence soudaine d’un mouvement moins visible (mais néanmoins fort) d’artistes qui créaient des visuels algorithmiques et génératifs.

Au cours de cette décennie, la technologie vidéo est passée de l’usage strictement réservé aux studios de cinéma et de télévision professionnels à l’accès au marché des prosommateurs (par exemple, l’industrie du mariage, les présentations à l’église, les films à petit budget et les productions télévisuelles communautaires). Ces mélangeurs ont été rapidement adoptés par les VJ comme composant central de leurs configurations de performances. Cela est similaire à la sortie des platines Technics 1200, qui ont été commercialisées auprès des propriétaires souhaitant un système de divertissement à domicile plus avancé, mais qui ont ensuite été appropriées par les musiciens et les amateurs de musique pour l’expérimentation. Initialement, des mélangeurs vidéo ont été utilisés pour mélanger du matériel vidéo pré-préparé à partir de VHSplayers et de sources de caméras en direct, puis pour ajouter les nouvelles sorties de logiciels informatiques à leur mélange. Les années 90 ont vu le développement d’un certain nombre de mélangeurs vidéo numériques tels que le WJ-MX50 de Panasonic,

Les premiers systèmes d’édition de bureau tels que le NewTek Video Toaster pour l’ordinateur Amiga ont rapidement été utilisés par les VJ cherchant à créer des visuels pour la scène rave émergente, tandis que les développeurs de logiciels ont commencé à développer des systèmes spécialement conçus pour les visuels en direct tels que le Bitbopper d’O’Wonder. « .

Le premier logiciel connu pour les VJ était Vujak – créé en 1992 et écrit pour le Mac par l’artiste Brian Kane pour être utilisé par le groupe d’art vidéo dont il faisait partie – Emergency Broadcast Network, bien qu’il n’ait pas été utilisé dans les performances en direct. EBN a utilisé EBN VideoSampler v2.3, développé par Mark Marinello et Greg Deocampo. Au Royaume-Uni, les enfants de la technologie de Bristol ont développé un diaporama vidéo immersif dédié à l’aide de la Virtual Light Machine (VLM) appelée AVLS ou Audio-Visual-Live-System en 1992 et 1993. Le VLM était un PC construit sur mesure par l’ingénieur vidéo Dave Japp utilisant puces transputer super-rares et cartes mères modifiées, programmées par Jeff Minter (Llamasoft & Virtual Light Co.).

Le VLM s’est développé après le programme précédent de Jeff Llamasoft Light Synthesizer. Avec VLM, les DI de musiciens en direct ou les modèles vidéo algorithmiques en temps réel de Jeff activés par DJ, et cela a été mélangé en temps réel à l’aide de mélangeurs vidéo pansoniques avec animation CGI / bibliothèque de textures personnalisées VHS et rétroaction vidéo en direct de la caméra. Children of Technology a développé son propre système « Video Light », utilisant la projection vidéo haute puissance et basse puissance pour générer des effets de faisceau 3D en temps réel, simultanément avec une surface énorme et une projection cartographiée.

Le VLM a été utilisé par Shamen, The Orb, Primal Scream, Obsession, Peter Gabriel, Prince et bien d’autres entre 1993 et ​​1996. Une version logicielle du VLM a été intégrée dans la console Jaguar d’Atari, en réponse à l’intérêt croissant des VJ. Au milieu des années 90, les logiciels de synthèse pure réactive audio (par opposition aux clips) tels que Cthugha et Bomb étaient influents. À la fin des années 90, plusieurs logiciels VJing sur PC étaient disponibles, y compris des programmes de visuels génératifs tels que MooNSTER, Aestesis et Advanced Visualization Studio, ainsi que des lecteurs de clips vidéo tels que FLxER, créés par Gianluca Del Gobbo et VJamm.

Les environnements de programmation tels que Max / MSP, Macromedia Director et plus tard Quartz Composer ont commencé à être utilisés par eux-mêmes et également à créer des programmes VJing comme VDMX ou pixmix. Ces nouveaux produits logiciels et l’augmentation spectaculaire de la puissance de traitement informatique au cours de la décennie signifiaient que les VJ emmenaient régulièrement des ordinateurs à des concerts.

Années 2000
Événements importants
Le nouveau siècle a apporté une nouvelle dynamique à la pratique de la performance visuelle. Être un VJ auparavant signifiait en grande partie un processus d’auto-invention isolé des autres: le terme n’était pas largement connu. Puis, avec la montée en puissance de l’adoption d’Internet, l’accès à d’autres pratiquants est devenu la norme et les communautés virtuelles se sont rapidement formées. Le sens du collectif s’est ensuite traduit du monde virtuel dans des espaces physiques. Cela devient évident à travers les nombreux festivals qui émergent dans toute l’Europe avec un fort accent sur le VJing.

Événements VJ en Europe
Le festival VideA à Barcelone s’est déroulé de 2000 à 2005., AVIT, clair à ses débuts comme la communauté en ligne de VJCentral.com auto-organisant une présence physique, a eu son premier festival à Leeds (2002), suivi de Chicago (2003), Brighton (2003), San Francisco (2004) et Birmingham (2005), 320×240 en Croatie (2003), Contact Europe à Berlin (2003). De plus, le festival Cimatics à Bruxelles devrait être reconnu comme un événement pionnier, avec une première édition de festival en 2002 entièrement dédiée au VJing. En 2003, le festival finlandais des arts médiatiques PixelAche était consacré au thème du VJing, tandis qu’en 2003, le Chaos Computer Club de Berlin a entamé une collaboration avec les organisateurs d’AVIT qui comprenait les volets VJ Camps et Congress. LPM – Live Performers Meeting est né à Rome en 2004, dans le but d’offrir un véritable espace de rencontre pour les artistes travaillant souvent individuellement, un endroit pour rencontrer les autres artistes VJ, des nouveaux projets dérivés et partager toutes les expériences, logiciels, questions et idées liés à VJing. Depuis, LPM est devenu l’un des principaux rendez-vous internationaux dédiés aux artistes, aux professionnels et aux passionnés de VJing, de performance visuelle et vidéo en direct, comptant sa 20e édition en 2019. Également à cette époque (en 2005 et 2007), les artistes britanniques Addictive TV ont fait équipe avec le British Film Institute pour produire Optronica, un événement croisé présentant des performances audiovisuelles au cinéma IMAX de Londres et BFI Southbank.

Deux festivals entièrement dédiés au VJing, Mapping Festival à Genève et Vision’R à Paris, ont tenu leur première édition en 2005. Au fur et à mesure de l’émergence de ces festivals, les VJ figuraient en bonne place (ou tout le focus du festival), la scène du festival rave. ont également commencé à inclure régulièrement des VJ dans leurs gammes de scène principale avec divers degrés de visibilité.

Événements VJ au-delà de l’Europe
Le festival MUTEK (de 2000 à aujourd’hui) à Montréal présentait régulièrement des VJ aux côtés de performances expérimentales en art sonore, et plus tard le Festival Elektra (de 2008 à aujourd’hui) a également vu le jour à Montréal et a présenté de nombreuses performances de VJ. À Perth, en Australie, le Byte Me! festival (2007) a montré le travail de nombreux VJ de la région de Pacific Rim aux côtés de nouveaux théoriciens des médias et de praticiens du design.

Avec un financement moindre, la scène américaine a accueilli plus d’ateliers et de salons que de festivals. Entre 2000 et 2006, Grant Davis (VJ Culture) et Jon Schwark de Dimension 7 ont produit « Video Salon », un rassemblement mensuel régulier important pour aider à établir et éduquer une forte communauté de VJ à San Francisco, et auquel ont participé des VJ de Californie et des États-Unis. États. De plus, ils ont produit un « Video RIOT! » (2003-2005) en tant que déclaration politique suite à la loi RAVE (Reducing American Vulnerability to Ecstasy Act) de 2003; une manifestation d’insatisfaction par la réélection de George W. Bush en 2004; et au mépris d’une ordonnance de la ville de San Francisco limitant les rassemblements publics en 2005.

Plusieurs batailles et compétitions VJ ont commencé à émerger au cours de cette période, comme « SIGGRAPH VJ Battle » de Video Salon à San Diego (2003), la série « AV Deathmatch » de Videocake à Toronto (2006) et les « VJ Contests » au Mapping Festival à Genève (2009). Celles-ci fonctionnaient un peu comme une bataille de DJ traditionnelle où les VJ auraient un temps défini pour montrer leurs meilleurs mixages et étaient jugés selon plusieurs critères par un jury.

Développement technologique
La disponibilité et l’abordabilité des nouvelles technologies au niveau des consommateurs ont permis à beaucoup plus de personnes de s’impliquer dans VJing. L’augmentation spectaculaire de la puissance de traitement informatique qui est devenue disponible a facilité les configurations plus compactes, mais souvent plus complexes, permettant parfois aux VJ de contourner à l’aide d’un mélangeur vidéo, en utilisant des ordinateurs puissants exécutant le logiciel VJ pour contrôler leur mixage à la place. Cependant, de nombreux VJ continuent à utiliser des mélangeurs vidéo avec plusieurs sources, ce qui permet une flexibilité pour une large gamme de périphériques d’entrée et un niveau de sécurité contre les pannes ou les ralentissements informatiques dans la lecture vidéo en raison de la surcharge du processeur des ordinateurs en raison de la nature exigeante du temps réel traitement vidéo.

Les VJ d’aujourd’hui ont un large choix de produits matériels standard, couvrant tous les aspects des performances visuelles, y compris la lecture d’échantillons vidéo (Korg Kaptivator), les effets vidéo en temps réel (Korg Entrancer) et la génération visuelle 3D.

L’utilisation généralisée des DVD a donné l’initiative aux lecteurs de DVD griffables.

De nombreux nouveaux modèles de contrôleurs MIDI sont devenus disponibles au cours des années 2000, ce qui permet aux VJ d’utiliser des contrôleurs basés sur des boutons physiques, des cadrans et des curseurs, plutôt que d’interagir principalement avec l’interface ordinateur souris / clavier.

Il existe également de nombreux VJ travaillant avec des approches expérimentales pour travailler avec la vidéo en direct. Les environnements de programmation graphique open source (tels que Pure Data) sont souvent utilisés pour créer des interfaces logicielles personnalisées pour les performances ou pour connecter des appareils expérimentaux à leur ordinateur pour le traitement de données en direct (par exemple, l’unité de lecture d’ondes cérébrales IBVA EEG, le microprocesseur Arduino, ou des jouets pour enfants en flexion).

La seconde moitié de cette décennie a également vu une augmentation spectaculaire des configurations d’affichage déployées, y compris des toiles grand écran, de multiples projections et des vidéos mappées sur la forme architecturale. Ce changement a été souligné par la transition de la technologie de diffusion – fixée jusqu’à cette décennie fermement dans les spécifications de rapport d’aspect 4×3 NTSC et PAL – à la technologie de l’industrie informatique, où les besoins variés de présentation au bureau, de jeux immersifs et de présentation vidéo d’entreprise ont conduit à diversité et abondance des méthodes de production. Comparé au format fixe ~ 640x480i de NTSC / PAL, un ordinateur portable contemporain utilisant DVI peut produire une grande variété de résolutions jusqu’à ~ 2500px de large, et en conjonction avec le Matrox TripleHead2Go peut alimenter trois écrans différents avec une image coordonnée entre tous.

Opération
Les disques DVJ sont des DVD contenant des clips audio / vidéo que le DVJ peut vouloir lire. La musique et la vidéo sur le disque peuvent être tout ce que le DVJ veut, mais comme dans le monde du DJ, ce seront le plus souvent des styles de musique électronique. En plus de l’audio, qui est envoyé au système de sonorisation, la vidéo est envoyée à un vidéoprojecteur ou à un autre équipement de visualisation. L’audio et la vidéo du disque sont toujours synchronisés quels que soient le scratch, le mixage ou toute autre transformation effectuée par le DVJ. Ce fut une grande révolution par rapport aux autres méthodes de mixage audio et vidéo, car celles-ci devaient être minutieusement programmées pour que la vidéo suive toujours l’audio. Cela a souvent nécessité la présence d’un deuxième animateur pour assurer le côté vidéo, limitant les possibilités d’improvisation de la part du DJ.

En plus des lecteurs DVJ (presque tous les DJ ont deux lecteurs leur permettant de lire leurs vinyles, CD ou DVD; certains ont des lecteurs supplémentaires pour lire d’autres médias; d’autres permettent même de mélanger plusieurs sources), DVJing nécessite l’utilisation d’un audio et vidéo mélangeur, permettant au DVJ de choisir les sources audio et vidéo et de les mélanger. Certains mélangeurs permettent même au DVJ d’effectuer des transformations simples sur la vidéo. Alors qu’un mélangeur audio peut gérer les égaliseurs, les volumes, les effets et les fondus enchaînés, un mélangeur audio et vidéo peut également gérer la teinte, la saturation, la luminosité, la netteté, ainsi que d’autres paramètres que l’on peut trouver sur les téléviseurs, par exemple. Ils vous permettent également d’effectuer différents types de transitions entre les clips vidéo, tels que les fondus, la commutation instantanée ou les fondus de volet.

Les mixeurs ne sont pas nouveaux dans le monde du divertissement en général (ils se trouvent le plus souvent dans les studios de télévision ou de cinéma) mais sont dans le monde des DJ. La simplicité d’utilisation des lecteurs DVJ, avec la possibilité, pour le DVJ, de composer, a permis au DVJing de gagner des membres, principalement des DJs fortement sollicités par les discothèques et les organisateurs de rave party. Mais, comme ces technologies sont très récentes et coûteuses, le DVJing reste une moindre partie du monde du club; Liquid Basildon est un endroit qui utilise ces technologies, même si elles sont réservées aux meilleurs DVJ comme Sander Kleinenberg, Addictive TV, Christian S et Kel Sweeney. Évidemment, à mesure que ces technologies se démocratisent, leurs prix baissent et peuvent à terme équiper des animateurs amateurs. Les futures innovations dans le mixage vidéo permettront au DVJ de faire des manipulations vidéo en temps réel, telles que la polarisation,

Équipement
La configuration classique du DVJ comprend deux lecteurs, un mélangeur audio et un mélangeur vidéo. Le lecteur DVJ le plus populaire est le Pioneer DVJ-1000; un lecteur DVD avec une vitesse de lecture plus élevée que les lecteurs DVD dans le salon, et une mémoire tampon permettant de faire des sauts ou des retours sur piste en lecture, le tout associé à un design imitant une platine vinyle. En tournant le plateau, le DVJ peut rechercher rapidement la chanson; augmenter ou diminuer la vitesse de lecture (hauteur) pour régler le morceau avec un autre morceau; et avec l’option « CDJ / Vinyl », la possibilité de faire des mouvements avant et arrière dans la chanson (le fameux effet « scratch »).

Les autres options qui bénéficient de la technologie numérique sont, par exemple, la boucle, l’arrêt sur image, le ralenti, la pause / lecture instantanée (une platine tourne-disque nécessite un peu de temps pour démarrer ou s’arrêter). En 2004, un célèbre DJ australien, DJ J-red né Jarrod Fox, a commencé à utiliser cette technologie dans un style de platine. J-red a apporté cette technologie aux Championnats du monde de la Fédération internationale des platinistes en 2005 à Prague, où il a terminé premier et est devenu le champion expérimental mondial de l’ITF mais aussi le premier DJ à inclure la vidéo dans une compétition mondiale de DJ.

Videonics est l’une des nombreuses marques qui vendent des mélangeurs vidéo. Ces appareils n’acceptent que plusieurs sources vidéo et les combinent de plusieurs façons. Une autre partie récurrente de la panoplie du DVJ est ce qu’on appelle le commutateur. De nombreux lecteurs numériques, CD ou DVD, ont l’option Fader-Start, qui permet au fader d’une table de mixage de demander au lecteur de lire la piste. Avec ces commutateurs (le sélecteur VSW-1 de la marque Pioneer DJ, par exemple), les effets de scratch vidéo montrent le mouvement aller-retour traditionnel que nous écoutons en audio. D’autres mélangeurs audio et vidéo offrent également des options de chrominance, vous permettant de faire les fameuses « incrustations ». Videonics produit plusieurs mélangeurs qui offrent cette possibilité.

Les DVJ peuvent lire des pistes contenues sur DVD, avec une certaine couleur qui peut être ajustée sur la table de mixage. Le mélangeur localisera alors cette couleur et la remplacera par tout ce que le DVJ pourrait choisir. Souvent, le DVJ utilise une caméra pour filmer ou photographier le public et superposer l’image ou la vidéo sur autre chose pour créer quelque chose de nouveau. Un exemple de mélangeur haut de gamme est le Pioneer SVM-1000, qui a des écrans de prévisualisation, des commutateurs, des effets audio et vidéo, tous combinés dans un mélangeur à quatre canaux. Une configuration standard peut être obtenue avec une table de mixage Pioneer DJM-800, un commutateur Pioneer VSW-1 et un triple écran de prévisualisation. Ce type de configuration nécessite cependant l’utilisation d’un grand nombre de disques qui doivent être transportés. De plus, changer de disque fait perdre du temps et prend le DVJ le risque d’endommager les disques, contrairement à une configuration avec un ordinateur.

Contrairement aux configurations de composants, les logiciels informatiques comme OtisAV DJ, PCDJ, VirtualDJ et Serato Scratch Live offrent tous des capacités de mixage audio et vidéo. La vidéo est mixée par l’ordinateur, qui peut ensuite être connecté à un vidéoprojecteur, éliminant ainsi le besoin d’un mélangeur physique. Le logiciel transforme l’ordinateur en une unité tout-en-un: lecteurs, mélangeur audio et vidéo et écran de prévisualisation. Les lecteurs de vinyle ou les platines vinyles peuvent être utilisés avec des disques de contrôle (Time-code) pour contrôler le logiciel, et certains logiciels peuvent être contrôlés avec des contrôleurs MIDI, permettant une configuration plus légère et sans avoir à acheter une table de mixage et des lecteurs. Pour utiliser ce système, les DVJ extraient leurs pistes DVD, ils les stockent dans des mémoires USB, ce qui signifie qu’il y a moins d’équipement à transporter.

Non seulement cette solution est plus pratique, mais elle est moins chère; un logiciel et un contrôleur peuvent être achetés pour quelques centaines d’euros et peuvent être utilisés sur n’importe quel ordinateur suffisamment puissant, tandis que les lecteurs DVJ peuvent atteindre quelques milliers d’euros. Même une configuration de composant peut être plus coûteuse qu’une configuration avec ordinateur, logiciel et mémoire USB – surtout si vous avez un ordinateur assez puissant pour ne pas avoir à en acheter un autre. un logiciel et un contrôleur peuvent être achetés pour quelques centaines d’euros et peuvent être utilisés sur n’importe quel ordinateur suffisamment puissant, tandis que les lecteurs DVJ peuvent atteindre quelques milliers d’euros.

Les systèmes utilisant un ordinateur ne peuvent être utilisés qu’avec des ordinateurs puissants qui incluent les dernières cartes graphiques, sinon la qualité vidéo peut se détériorer, il y a un risque de latence ou même de plantage, ce qui peut mettre en péril l’ensemble des performances. Les paramètres utilisés pour coder et lire les fichiers sont très importants et peuvent affecter leur qualité, mais les méthodes et normes de qualité actuelles résolvent ce problème. De plus, lorsque les disques physiques sont limités à la résolution SD, des logiciels comme Serato autorisent la HD 720p, voire 1080p (bien que cela ne soit pas encore pris en charge techniquement).

Le DJ utilise des écouteurs pour préparer le morceau suivant à l’insu du public. Un DVJ doit faire de même avec la vidéo, ce qui nécessite plusieurs écrans. Avec une configuration de composant, un écran vidéo est requis pour chaque lecteur, tout comme un câble séparateur en Y. Avec une configuration avec ordinateur, l’ordinateur doit avoir au moins deux sorties vidéo: une avec à la fois des sources vidéo et une sortie vidéo; l’autre avec seulement une sortie vidéo. Cela libère de l’espace dans la cabine du DVJ, qui serait autrement occupé par trois écrans de prévisualisation, un contrôleur et un écran de sortie. À mesure que de meilleures technologies, formats et résolutions émergent, ces systèmes peuvent être mis à jour pour devenir compatibles avec eux,

Configurations techniques courantes
Un aspect important de VJing est l’utilisation de la technologie, que ce soit la réappropriation de technologies existantes destinées à d’autres domaines, ou la création de nouvelles et spécifiques à des fins de performance en direct. L’avènement de la vidéo est un moment déterminant pour la formation du VJ (vidéo jockey).

Souvent à l’aide d’un mélangeur vidéo, les VJ fusionnent et superposent diverses sources vidéo en une composition animée en direct. Ces dernières années, les fabricants d’instruments de musique électroniques ont commencé à fabriquer des équipements spécialisés pour VJing.

VJing a été initialement développé par des artistes utilisant du matériel vidéo tel que des caméras vidéo, des platines vidéo et des moniteurs pour transmettre des performances improvisées avec une entrée en direct des caméras et même diffuser la télévision mélangée avec des éléments pré-enregistrés. Cette tradition se perpétue avec de nombreux VJ utilisant une large gamme de matériel et de logiciels disponibles dans le commerce ou sur mesure pour et par les VJ.

Le matériel VJ peut être divisé en catégories –

Le matériel source génère une image vidéo qui peut être manipulée par le VJ, par exemple des caméras vidéo et des synthétiseurs vidéo.
Le matériel de lecture lit un flux vidéo existant à partir de supports de stockage sur disque ou sur bande, par exemple des lecteurs de bande VHS et des lecteurs de DVD.
Le matériel de mixage permet de combiner plusieurs flux vidéo, par exemple un mélangeur vidéo ou un ordinateur utilisant le logiciel VJ.
Le matériel d’effets permet d’ajouter des effets spéciaux au flux vidéo, par exemple des unités de correction des couleurs
Le matériel de sortie sert à afficher le signal vidéo, par exemple un vidéoprojecteur, un écran LED ou un écran plasma.

Il existe de nombreux types de logiciels qu’un VJ peut utiliser dans son travail, des outils de production NLE traditionnels tels qu’Adobe Premiere, After Effects et Final Cut Pro d’Apple sont utilisés pour créer du contenu pour les émissions VJ. Un logiciel de performance spécialisé est utilisé par les VJ pour lire et manipuler la vidéo en temps réel.

Le logiciel de performance VJ est très diversifié et comprend un logiciel qui permet à un ordinateur de remplacer le rôle d’un mélangeur vidéo analogique et de diffuser de la vidéo sur des toiles étendues composées de plusieurs écrans ou projecteurs. Les petites entreprises produisant des logiciels VJ dédiés tels que Modul8 et Magic offrent aux VJ une interface sophistiquée pour le traitement en temps réel de plusieurs couches de clips vidéo combinés avec des entrées de caméra en direct, offrant aux VJ une solution complète prête à l’emploi afin qu’ils puissent simplement charger le contenu et effectuer. Certains titres populaires qui ont émergé au cours des années 2000 incluent Resolume, NuVJ.

Certains VJ préfèrent développer eux-mêmes des logiciels adaptés à leur propre style de performance. Des environnements de programmation graphique tels que Max / MSP / Jitter, Isadora et Pure Data se sont développés pour faciliter le développement rapide de ces logiciels personnalisés sans avoir besoin d’années d’expérience en codage.

Exemples de workflows
Il existe de nombreux types de configurations matérielles et logicielles qu’un VJ peut utiliser pour effectuer.

Recherche et réflexion réflexive
Plusieurs projets de recherche ont été consacrés à la documentation et à l’étude du VJing du point de vue réflexif et théorique. Des tables rondes, des conférences, des présentations et des discussions font partie de festivals et de conférences liés à l’art des nouveaux médias, tels que l’ISEA et Ars Electronica par exemple, ainsi que spécifiquement liés au VJing, comme c’est le cas pour le Mapping Festival. L’échange d’idées par le dialogue a contribué au déplacement de la discussion des questions liées aux aspects pratiques de la production à des idées plus complexes et au processus et au concept. Les sujets liés au VJing sont, mais pas exclusivement: l’identité et la personnalité (individuelle et collective), le moment comme art, la participation du public, la paternité, les réseaux, la collaboration et la narration. Grâce à des projets collaboratifs,

Des publications périodiques, en ligne et imprimées, ont lancé des numéros spéciaux sur VJing. C’est le cas du magazine imprimé AMinima, avec un numéro spécial sur Live Cinema (qui présente des œuvres de VJs), et Vague Terrain (un journal en ligne des nouveaux médias), avec le numéro The Rise of the VJ.

Projection assistée par ordinateur
L’ordinateur est l’outil de choix des VJ depuis la fin des années 1990, même si d’autres pratiques telles que l’utilisation de toboggans sont toujours d’actualité, notamment pour les pansements qu’elles permettent surtout en extérieur.

Cette utilisation massive de l’ordinateur a permis le développement de grandes communautés sur le web qui sont à l’origine de nombreuses réflexions sur la scène VJ et son avenir, et qui ont permis la mise en place de plusieurs cycles de festivals comme AVIT ou Contact-Europe.

Les formats
Le logiciel permet la plupart des formats, ils peuvent être divisés en deux grandes catégories:

l’imagerie numérique traditionnelle, qui comprend tous les types d’encodage pour les images et les vidéos;
l’imagerie générée par ordinateur qui comprend le format Flash, la 3D mais aussi la génération de fractales.
Le VJ peut choisir de travailler avec un seul type d’image autant qu’en les mélangeant tous.

Logiciel
Tout existe, du plus simple au plus technique.

Logiciel avec analyse sonore: il s’agit pour la plupart de plugs ajoutés à un logiciel d’édition audio qui vous permettent de boucler de manière aléatoire des séquences prédéterminées ou non prédéfinies avec détection automatique du BPM.
Mixeurs vidéo virtuels: ce sont des logiciels recréant un studio de montage virtuel – plus ou moins technique selon les logiciels – donc ces logiciels permettent de mixer entre plusieurs canaux vidéo.
Synthétiseurs visuels virtuels: ce sont des logiciels aux fonctions avancées et techniques, permettant d’assigner certaines fonctions à certaines touches du clavier de l’ordinateur afin de créer une sorte de « clavier visuel » qui pourrait se résumer de façon simpliste par « I appuyez sur une touche, je déclenche une vidéo « .

Matériel
Là aussi, les avancées technologiques ont fait beaucoup et on peut maintenant brancher presque tout sur un ordinateur et donc le contrôler avec un clavier midi comme avec un joystick (joystick, au Québec), via des mixers ou pour le montage ou les platines CD virtuelles.

Certains logiciels fonctionnent sur des lecteurs multimédias portables, offrant ainsi une alternative à l’ordinateur.

Coût et contraintes de l’équipement
Le coût dépend des objectifs et des moyens disponibles: le matériel vidéo professionnel reste cher.

Pour commencer, vous avez besoin d’un ordinateur avec sortie vidéo (de préférence portable), d’un logiciel d’imagerie (il y en a autant pour Mac que pour Windows) et un téléviseur pour voir le résultat.

Les vidéoprojecteurs deviennent plus abordables, mais restent souvent insuffisants pour les grands cinémas. Une solution consiste à les louer en fonction des circonstances. On considère que pour les spectacles nocturnes, les projecteurs peuvent fournir entre 2 000 et 50 000 lumens selon la taille des écrans et la lumière ambiante.

L’idéal est également d’avoir un caméscope et un logiciel de montage pour créer vos propres boucles.

Une étape supplémentaire nécessite l’acquisition d’une surface de contrôle (midi ou DMX) pour commander son logiciel en temps réel.

Ensuite, nous arrivons au lecteur DVD ainsi qu’à d’autres sources vidéo externes, mélangeurs vidéo, effecteurs vidéo, un deuxième ordinateur, plusieurs caméras de scène, des écrans, etc.

En 2008, le budget de départ se situait entre 300 et 600 € pour les nouveaux équipements et la moitié pour l’occasion.

Débat récurrent
Depuis l’avènement de l’ordinateur comme outil de choix et du fait, des communautés qu’il a permis d’émerger, de nombreuses réflexions sont venues nourrir la scène VJ et nous pourrions les résumer en un seul débat, à savoir pour ou contre la présence de sens dans les mélanges visuels.

Prônant une professionnalisation de la scène, certains VJ placent le sens comme un point essentiel d’une qualité globale de mixage, considérée dans son ensemble et sous un angle narratif.

A l’inverse, d’autres VJ défendent l’idée que, étant principalement né de la scène technologique qui vide ses compositions de sens afin de laisser à chacun la liberté de placer le sens qu’il souhaite, la scène VJ doit continuer dans cette voie de conduite.

Enfin, à l’intérieur du débat sur le sens, d’autres débats se mêlent, certains VJ se désignent comme Politiques-VJ avec l’ambition de transformer le club en un média à partir duquel les réflexions sociétales et par extension, un tissu social plus fort en utilisant des boucles avec une politique forte connotation au sein de leur mix vidéo.

Collèges
En plus du débat récurrent sur la présence de sens ou non dans les mélanges visuels, il existe quelques grandes écoles, chacune disposant logiquement de logiciels et de matériels de choix, pour ne pas dire ouvertement dédiés.

VJ-DJ: on se rapproche le plus possible de l’approche DJ: le DJ mixe avec deux pistes, donc le VJ mixe avec au moins deux sources (toutes les sources sont possibles, du mixage de plusieurs VJ pour les plus techniques à plusieurs magnétoscopes pour le simple).
Artiste vidéaste VJ: on se rapproche beaucoup plus d’une création artistique que d’un habillage visuel. Les séquences utilisées sont originales et le service est davantage basé sur la création réelle des visuels que sur le mix visuel.
VJ-visucien: nous abordons l’approche des actes vivants en musique, à savoir la création assistée par ordinateur en temps réel. Le service repose beaucoup plus sur la notion de temps réel et donc l’adaptabilité du mix. Cela permet l’interaction avec d’autres artistes, par exemple des musiciens, des danseurs ou des poètes improvisés.
Des mélangeurs vidéo analogiques ou informatiques, des ordinateurs avec des interfaces de contrôle (éventuellement liées en grappes) produisant de la vidéo, des enregistreurs vidéo et des caméras peuvent être associés.

VJ-développeur / designer: vous développez votre propre outil, que ce soit la conception de matériel de mixage ou la conception de logiciels dédiés.
Le concept d’instrument vidéo est en cours de développement et nous notons des recherches sur: la modification / altération de générateurs vidéo (anciennes consoles de jeux, caméras, magnétoscopes, etc.) par des courts-circuits ou des flux de courant imprévus, contrôlés à l’aide de potentiomètres, faders, ou divers capteurs.

La conception d’interfaces tangibles (écrans tactiles localisés et / ou mobiles + solution logicielle) adaptables à la vidéo.

La construction d’instruments vidéo mécaniques, basés sur des lampes variables, des filtres mécaniques, des couches d’animation et une mini caméra pour assurer l’amplification.

Quelle que soit l’école, le travail de la VJ est un travail qui se réalise avant tout, tant dans la recherche que dans la propre création des visuels ou des outils.

Artiste et ingénieur
Le VJ doit être considéré non seulement comme un artiste, mais aussi comme un technicien. Quels que soient les moyens et les techniques de projection qu’il a choisis, il est responsable du bon fonctionnement de son matériel et donc nécessairement capable de le réparer le plus rapidement possible. Il doit être capable de s’adapter à différentes contraintes techniques. Il doit également être capable de développer les équipements nécessaires au mix vidéo: création de boucles vidéo, acquisition vidéo, échantillonnage vidéo, création d’animations, création d’images fixes, manipulation de caméra en temps réel.

Les spectacles de VJing peuvent être trouvés dans des endroits aussi divers que les concerts, les spectacles, les boîtes de nuit, les galeries d’art, les foires commerciales, les événements, les représentations théâtrales, etc. Les services vont des performances artistiques éphémères et uniques aux clips publicitaires.

Les publications
Des bases de données de contenu visuel et de documentation promotionnelle sont devenues disponibles sur DVD et en ligne via des sites Web personnels et de grandes bases de données, telles que les « Archives Prelinger » sur Archive.org. De nombreux VJ ont commencé à publier des ensembles de boucles vidéo numériques sur divers sites Web sous licence Public Domain ou Creative Commons pour d’autres VJ à utiliser dans leurs mélanges, tels que la collection « Design of Signage » de Tom Bassford (2006), « 79 VJ Loops » d’Analog Recycling (2006). ), « Vintage Fairlight Clips » de VJzoo (2007) et « 57 V.2 » de Mo Selle (2007).

Des DVD promotionnels et basés sur le contenu ont commencé à émerger, comme les œuvres de la série télévisée britannique ITV1 Mixmasters (2000-2005) produites par Addictive TV, Lightrhythm Visuals (2003), Visomat Inc. (2002) et Pixdisc, qui toutes axé sur les créateurs visuels, les styles et techniques VJ. Celles-ci ont ensuite été suivies par NOTV, Atmospherix et d’autres labels. Mia Makela a organisé une collection de DVD pour Mediateca of Caixa Forum intitulée « LIVE CINEMA » en 2007, en se concentrant sur la pratique émergente du « cinéma en direct ». Des VJ individuels et des collectifs ont également publié des DVD et des CD-ROM de leur travail, y compris le mix vidéo bootleg d’Eclectic Method (2002) et « I’m Not VJs » d’Eclectic Method (2005), ainsi que le « DVD2 » de Eyewash « DVD2 » (2004) et leurs « DVD3 » (2008).

Des livres sur l’histoire, les aspects techniques et les questions théoriques ont commencé à apparaître, tels que « The VJ Book: Inspirations and Practical Advice for Live Visuals Performance » (Paul Spinrad, 2005), « VJ: Audio-Visual Art and VJ Culture » (Michael Faulkner et D-Fuse, 2006), « vE-jA: Art + Technology of Live Audio-Video » (Xárene Eskandar, 2006) et « VJ: Live Cinema Unraveled » (Tim Jaeger, 2006). Le sujet de la collaboration VJ-DJ a également commencé à devenir un sujet d’intérêt pour ceux qui étudient dans le domaine de l’interaction académique homme-ordinateur (HCI).