Les arts visuels sont des formes d’art telles que la céramique, le dessin, la peinture, la sculpture, la gravure, le design, l’artisanat, la photographie, la vidéo, le cinéma et l’architecture. De nombreuses disciplines artistiques (arts de la scène, art conceptuel, arts textiles) impliquent des aspects des arts visuels ainsi que des arts d’autres types. Les arts appliqués incluent également les arts appliqués tels que le design industriel, le design graphique, le design de mode, le design d’intérieur et l’art décoratif.

L’utilisation actuelle du terme «arts visuels» comprend les beaux-arts ainsi que les arts appliqués et les arts décoratifs, mais ce n’est pas toujours le cas. Avant le mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne et ailleurs au début du XXe siècle, le terme «artiste» était souvent réservé à une personne travaillant dans les beaux-arts (peinture, sculpture ou gravure) et non à l’artisanat, artisanat ou des arts appliqués. La distinction a été soulignée par les artistes du mouvement Arts and Crafts, qui appréciaient autant les formes d’art vernaculaires que les formes hautes. Les écoles d’art ont fait une distinction entre les beaux-arts et l’artisanat, soutenant qu’un artisan ne pouvait pas être considéré comme un praticien des arts.

Une «œuvre d’art visuel» est une peinture, un dessin, une gravure ou une sculpture, existant en un seul exemplaire, en édition limitée à 200 exemplaires ou moins, signés et numérotés consécutivement par l’auteur. Une oeuvre d’art visuel ne comprend aucune affiche, carte, globe, tableau, dessin technique, diagramme, modèle, art appliqué, film ou autre œuvre audiovisuelle, livre, magazine, journal, périodique, base de données, service d’information électronique, électronique publication, ou publication similaire; ne pas inclure d’article de merchandising ou de matériel publicitaire, promotionnel, descriptif, de couverture ou d’emballage ou de conteneur;

Éducation et formation:
La formation aux arts visuels s’est généralement faite à travers des variations des systèmes d’apprentissage et d’atelier. En Europe, le mouvement de la Renaissance pour augmenter le prestige de l’artiste a conduit au système d’académie pour la formation des artistes, et aujourd’hui la plupart des personnes qui poursuivent une carrière dans les arts forment dans les écoles d’art au niveau tertiaire. Les arts visuels sont devenus un sujet électif dans la plupart des systèmes éducatifs. (Voir aussi éducation artistique.)

Dessin:
Le dessin est un moyen de créer une image, en utilisant une grande variété d’outils et de techniques. Il s’agit généralement de faire des marques sur une surface en exerçant une pression sur un outil ou en déplaçant un outil sur une surface en utilisant des supports secs tels que crayons graphite, stylo et encre, pinceaux encrés, crayons de cire, crayons, fusains, pastels et marqueurs. Des outils numériques qui simulent les effets de ceux-ci sont également utilisés. Les principales techniques utilisées pour dessiner sont les suivantes: dessin au trait, hachures, hachures croisées, hachures aléatoires, gribouillages, pointillés et assemblages. Un artiste qui excelle dans le dessin est appelé dessinateur ou dessinateur.

Le dessin remonte au moins 16 000 ans à des représentations de grottes paléolithiques comme celles de Lascaux en France et d’Altamira en Espagne. Dans l’Egypte ancienne, des dessins à l’encre sur papyrus, représentant souvent des personnes, ont été utilisés comme modèles pour la peinture ou la sculpture. Dessins sur des vases grecs, initialement géométriques, développés plus tard à la forme humaine avec des poteries à figures noires au 7ème siècle avant JC.

Le papier devenant courant en Europe au XVe siècle, le dessin fut adopté par des maîtres comme Sandro Botticelli, Raphaël, Michel-Ange et Léonard de Vinci qui considéraient parfois le dessin comme un art à part plutôt qu’une étape préparatoire à la peinture ou à la sculpture.

La peinture:
La peinture prise littéralement est la pratique consistant à appliquer un pigment suspendu dans un support (ou un support) et un agent liant (une colle) à une surface (support) telle qu’un papier, une toile ou un mur. Cependant, lorsqu’il est utilisé dans un sens artistique, il signifie l’utilisation de cette activité en combinaison avec le dessin, la composition ou d’autres considérations esthétiques afin de manifester l’intention expressive et conceptuelle du praticien. La peinture est aussi utilisée pour exprimer des motifs et des idées spirituels; Les sites de ce genre de peinture vont de l’illustration représentant des figures mythologiques sur la poterie à la chapelle Sixtine en passant par le corps humain lui-même.

Origines et histoire ancienne:
Comme le dessin, la peinture a ses origines documentées dans les grottes et sur les parois rocheuses. Les plus beaux exemples, estimés par certains à 32 000 ans, se trouvent dans les grottes de Chauvet et de Lascaux, dans le sud de la France. Dans les tons de rouge, marron, jaune et noir, les peintures sur les murs et les plafonds sont de bison, bovins, chevaux et cerfs.

Des peintures de figures humaines peuvent être trouvées dans les tombes de l’Egypte ancienne. Dans le grand temple de Ramsès II, Nefertari, sa reine, est représenté par Isis. Les Grecs ont contribué à la peinture mais une grande partie de leur travail a été perdue. L’une des meilleures représentations restantes sont les portraits de momie Fayoum hellénistiques. Un autre exemple est la mosaïque de la bataille d’Issus à Pompéi, qui était probablement basée sur une peinture grecque. L’art grec et romain a contribué à l’art byzantin au 4ème siècle avant JC, qui a initié une tradition dans la peinture d’icône.

La Renaissance:
Mis à part les manuscrits enluminés produits par les moines au Moyen Age, la contribution significative de l’art européen aux peintres de la renaissance italienne fut la suivante. De Giotto au 13ème siècle à Léonard de Vinci et Raphaël au début du 16ème siècle, ce fut la période la plus riche de l’art italien que les techniques de clair-obscur ont été utilisées pour créer l’illusion de l’espace 3D.

Les peintres du nord de l’Europe ont également été influencés par l’école italienne. Jan van Eyck de Belgique, Pieter Bruegel l’Ancien des Pays-Bas et Hans Holbein le Jeune d’Allemagne sont parmi les peintres les plus célèbres de l’époque. Ils ont utilisé la technique de glaçage avec des huiles pour atteindre la profondeur et la luminosité.

Maîtres hollandais:
Le 17ème siècle a vu l’émergence des grands maîtres hollandais tels que le versatile Rembrandt dont on se souvenait surtout pour ses portraits et scènes bibliques, et Vermeer qui se spécialisait dans les scènes d’intérieur de la vie hollandaise.

Baroque:
Le baroque a commencé après la Renaissance, de la fin du 16ème siècle à la fin du 17ème siècle. Les principaux artistes du baroque comprenaient le Caravage, qui utilisait beaucoup le ténébrisme. Peter Paul Rubens était un peintre flamand qui a étudié en Italie, a travaillé pour des églises locales à Anvers et a également peint une série pour Marie de Médicis. Annibale Carracci a pris des influences de la Chapelle Sixtine et a créé le genre de la peinture de plafond illusionniste. Une grande partie du développement qui s’est passé dans le baroque était à cause de la Réforme protestante et de la contre-réforme qui en résultait. Une grande partie de ce qui définit le baroque est l’éclairage dramatique et les visuels d’ensemble.

Impressionnisme:
L’impressionnisme a commencé en France au 19ème siècle avec une association libre d’artistes dont Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir et Paul Cézanne qui a apporté un nouveau style brossé à la peinture, choisissant souvent de peindre des scènes réalistes de la vie moderne plutôt qu’en studio . Cela a été réalisé grâce à une nouvelle expression des caractéristiques esthétiques démontrée par les coups de pinceau et l’impression de la réalité. Ils ont obtenu une vibration de couleur intense en utilisant des couleurs pures et non mélangées et de courts coups de pinceau. Le mouvement a influencé l’art en tant que dynamique, évoluant dans le temps et s’adaptant aux nouvelles techniques et à la perception de l’art. L’attention aux détails est devenue moins prioritaire dans la réalisation, tout en explorant une vision biaisée des paysages et de la nature à l’œil des artistes.

Post-impressionnisme:
Vers la fin du 19ème siècle, plusieurs jeunes peintres ont poussé l’impressionnisme plus loin, en utilisant des formes géométriques et des couleurs non naturelles pour représenter les émotions tout en recherchant un symbolisme plus profond. Paul Gauguin, qui a été fortement influencé par l’art asiatique, africain et japonais, Vincent van Gogh, un Néerlandais qui a déménagé en France où il a tiré parti de la forte lumière du sud, et Toulouse-Lautrec, dont on se souvient de la vie nocturne dans le quartier parisien de Montmartre.

Symbolisme, expressionnisme et cubisme
Edvard Munch, un artiste norvégien, a développé son approche symbolique à la fin du 19ème siècle, inspiré par l’impressionniste français Manet. Le Scream (1893), son œuvre la plus célèbre, est largement interprété comme représentant l’angoisse universelle de l’homme moderne. En partie à cause de l’influence de Munch, le mouvement expressionniste allemand est apparu en Allemagne au début du 20ème siècle lorsque des artistes comme Ernst Kirschner et Erich Heckel ont commencé à déformer la réalité pour un effet émotionnel. Parallèlement, le style connu sous le nom de cubisme s’est développé en France en tant qu’artiste centré sur le volume et l’espace des structures pointues au sein d’une composition. Pablo Picasso et Georges Braque étaient les principaux partisans du mouvement. Les objets sont décomposés, analysés et réassemblés sous une forme abstraite. Dans les années 1920, le style s’est développé en surréalisme avec Dali et Magritte.

Gravure
La gravure crée, à des fins artistiques, une image sur une matrice qui est ensuite transférée sur une surface bidimensionnelle (plate) au moyen d’encre (ou d’une autre forme de pigmentation). Sauf dans le cas d’un monotype, la même matrice peut être utilisée pour produire de nombreux exemples d’impression.

Historiquement, les principales techniques (aussi appelées médias) sont la gravure sur bois, la gravure sur traits, la gravure, la lithographie et la sérigraphie (sérigraphie, sérigraphie) mais il y en a beaucoup d’autres, y compris les techniques numériques modernes. Normalement, l’impression est imprimée sur papier, mais d’autres médiums vont du tissu et du vélin aux matériaux plus modernes. Les principales traditions de gravure incluent celle du Japon (ukiyo-e).

Histoire européenne:
Les estampes de la tradition occidentale produites avant 1830 sont connues sous le nom d’anciennes estampes. En Europe, à partir de 1400 AD gravure sur bois, a été utilisé pour les épreuves maîtres sur papier en utilisant des techniques d’impression développées dans les mondes byzantin et islamique. Michael Wolgemut a amélioré la gravure sur bois allemande à partir d’environ 1475, et Erhard Reuwich, un Néerlandais, a été le premier à utiliser des hachures croisées. À la fin du siècle, Albrecht Dürer a amené la gravure sur bois de l’Ouest à un niveau qui n’a jamais été dépassé, augmentant ainsi le statut de la gravure sur bois à une seule feuille.

Origine et pratique chinoises:
En Chine, l’art de la gravure s’est développé il y a environ 1 100 ans comme illustrations à côté du texte découpé dans des tablettes de bois pour l’impression sur papier. Initialement, les images étaient principalement religieuses mais sous la dynastie Song, les artistes ont commencé à couper des paysages. Au cours des dynasties Ming (1368-1644) et Qing (1616-1911), la technique a été perfectionnée pour les gravures religieuses et artistiques.

Développement au Japon 1603-1867:
L’impression sur bois au Japon (Japonais: 木 版画, moku hanga) est une technique connue pour son utilisation dans le genre artistique ukiyo-e; Cependant, il a également été utilisé très largement pour l’impression de livres dans la même période. L’impression sur bois était utilisée en Chine depuis des siècles pour imprimer des livres, bien avant l’avènement des caractères mobiles, mais elle n’a été largement adoptée au Japon qu’étonnamment tardivement, à l’époque d’Edo (1603-1867). Bien que similaire à la gravure sur bois dans la gravure occidentale, moku hanga diffère grandement en ce sens que les encres à base d’eau sont utilisées (contrairement à la gravure sur bois qui utilise des encres à base d’huile), permettant une large gamme de couleurs vives. transparence.

La photographie
La photographie est le processus de faire des images au moyen de l’action de la lumière. Les motifs lumineux réfléchis ou émis par des objets sont enregistrés sur un support ou une puce de stockage sensible à travers une exposition temporisée. Le processus se fait par des obturateurs mécaniques ou par l’exposition électroniquement chronométrée de photons dans des dispositifs de traitement chimique ou de numérisation connus sous le nom de caméras.

Le mot vient des mots grecs φως phos (« lumière »), et γραφις graphis (« stylus », « pinceau ») ou γραφη graphê, signifiant « dessin avec la lumière » ou « représentation au moyen de lignes » ou « dessin ».  » Traditionnellement, le produit de la photographie a été appelé une photographie. Le terme photo est une abréviation; beaucoup de gens les appellent aussi des images. En photographie numérique, le terme image a commencé à remplacer la photographie. (Le terme image est traditionnel dans l’optique géométrique.)

Réalisation:
Le cinéma est le processus de réalisation d’une image cinématographique, depuis la conception et la recherche initiales, en passant par la scénarisation, le tournage et l’enregistrement, l’animation ou d’autres effets spéciaux, l’édition, le son et la musique. il se réfère largement à la création de tous les types de films, englobant le documentaire, les souches de théâtre et de la littérature dans le cinéma, et les pratiques poétiques ou expérimentales, et est souvent utilisé pour se référer à des processus vidéo.

Art informatique
Les artistes visuels ne sont plus limités aux médias d’art traditionnels. Les ordinateurs ont été utilisés comme un outil de plus en plus commun dans les arts visuels depuis les années 1960. Les utilisations comprennent la capture ou la création d’images et de formulaires, l’édition de ces images et de ces formes (y compris l’exploration de plusieurs compositions) et le rendu final ou l’impression (y compris l’impression 3D).

L’art informatique est celui dans lequel les ordinateurs ont joué un rôle dans la production ou l’affichage. Un tel art peut être une image, un son, une animation, une vidéo, un CD-ROM, un DVD, un jeu vidéo, un site Web, un algorithme, une performance ou une installation dans une galerie. De nombreuses disciplines traditionnelles intègrent désormais les technologies numériques et, par conséquent, les frontières entre les œuvres d’art traditionnelles et les œuvres des nouveaux médias créées à l’aide d’ordinateurs ont été brouillées. Par exemple, un artiste peut combiner la peinture traditionnelle avec l’art algorithmique et d’autres techniques numériques. En conséquence, définir l’art informatique par son produit final peut être difficile. Néanmoins, ce type d’art commence à apparaître dans les expositions de musée d’art, bien qu’il doive encore prouver sa légitimité comme une forme en soi et cette technologie est largement vue dans l’art contemporain plus comme un outil que comme une peinture.

L’utilisation de l’ordinateur a brouillé les distinctions entre les illustrateurs, les photographes, les éditeurs de photos, les modélisateurs 3D et les artistes de l’artisanat. Un logiciel sophistiqué de rendu et d’édition a conduit à des développeurs d’images polyvalents. Les photographes peuvent devenir des artistes numériques. Les illustrateurs peuvent devenir des animateurs. L’artisanat peut être assisté par ordinateur ou utiliser des images générées par ordinateur comme modèle. Utilisation de l’art de l’ordinateur a également fait la nette distinction entre les arts visuels et la mise en page moins évident en raison de l’accès facile et l’édition de clip art dans le processus de pagination d’un document, en particulier à l’observateur non qualifié.

Arts plastiques:
Arts plastiques est un terme, aujourd’hui largement oublié, englobant les formes d’art qui impliquent la manipulation physique d’un milieu plastique par moulage ou modelage comme la sculpture ou la céramique. Le terme a également été appliqué à tous les arts visuels (non littéraires, non musicaux).

Les matériaux qui peuvent être sculptés ou façonnés, tels que la pierre ou le bois, le béton ou l’acier, ont également été inclus dans la définition plus étroite, puisque, avec des outils appropriés, de tels matériaux sont également capables de modulation. Le «plastique» dans les arts ne doit pas être confondu avec l’usage de Piet Mondrian, ni avec le mouvement qu’il a appelé, en français et en anglais, «néoplasticisme».

Sculpture:
La sculpture est une œuvre d’art tridimensionnelle créée en façonnant ou en combinant du matériel dur ou plastique, du son ou du texte et / ou de la lumière, généralement de la pierre (pierre ou marbre), de l’argile, du métal, du verre ou du bois. Certaines sculptures sont créées directement en trouvant ou en sculptant; d’autres sont assemblés, assemblés et cuits, soudés, moulés ou coulés. Les sculptures sont souvent peintes. Une personne qui crée des sculptures s’appelle un sculpteur.

Parce que la sculpture implique l’utilisation de matériaux qui peuvent être moulés ou modulés, elle est considérée comme l’un des arts plastiques. La majorité de l’art public est la sculpture. Beaucoup de sculptures ensemble dans un arrangement de jardin peuvent être appelées un jardin de sculpture.

Les sculpteurs ne font pas toujours des sculptures à la main. Avec la technologie croissante au 20ème siècle et la popularité de l’art conceptuel sur la maîtrise technique, plus de sculpteurs se sont tournés vers les fabricants d’art pour produire leurs œuvres d’art. Avec la fabrication, l’artiste crée un design et paie un fabricant pour le produire. Cela permet aux sculpteurs de créer des sculptures plus grandes et plus complexes à partir de matériaux comme le ciment, le métal et le plastique, qu’ils ne pourraient pas créer à la main. Les sculptures peuvent également être réalisées avec la technologie d’impression 3D.

La tendance croissante à privilégier la peinture, et dans une moindre mesure la sculpture, au-dessus des autres arts a été une caractéristique de l’art occidental et de l’art de l’Asie de l’Est. Dans les deux régions, la peinture a été considérée comme reposant au plus haut point sur l’imagination de l’artiste et la plus éloignée du travail manuel. Dans la peinture chinoise, les styles les plus estimés étaient ceux de la «peinture érudite», du moins en théorie. par des amateurs de gentilhomme. La hiérarchie occidentale des genres reflète des attitudes similaires.