Biennale d’art de Venise 2017, lieux d’exposition autour de la ville, Italie

La 57e exposition d’art internationale, intitulée Viva Arte Viva, organisée par Christine Macel et organisée par Paolo Baratta, s’est déroulée du 13 mai au 26 novembre 2017. La Biennale se présente comme un lieu dédié à un dialogue ouvert entre artistes, et entre artistes et le public. Le thème de cette année est dédié à célébrer, et presque rendre grâce, l’existence même de l’art et des artistes, dont les mondes élargissent notre perspective et l’espace de notre existence.

L’exposition s’est déroulée dans les pavillons historiques des Giardini, à l’Arsenale et dans le centre-ville de Venise, avec la participation de 86 pays et régions. 23 événements collatéraux, promus par des institutions nationales et internationales à but non lucratif, présentent leurs expositions et initiatives à Venise lors de la 57e Exposition.

L’exposition Viva Arte Viva propose un parcours qui se déroule au cours de neuf chapitres ou familles d’artistes, en commençant par deux royaumes d’introduction dans le pavillon central des Giardini, suivis de sept autres royaumes à découvrir dans l’Arsenale et le Giardino delle Vergini . Il y a 120 artistes invités de 51 pays ; 103 d’entre eux y participent pour la première fois.

Dans un monde plein de conflits et de chocs, l’art témoigne de la part la plus précieuse de ce qui nous rend humains. L’art est le terrain ultime de la réflexion, de l’expression individuelle, de la liberté et des questions fondamentales. L’art est le dernier bastion, un jardin à cultiver au-delà des tendances et des intérêts personnels. Elle se présente comme une alternative sans équivoque à l’individualisme et à l’indifférence.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva est une Exposition inspirée de l’humanisme. Ce type d’humanisme n’est ni axé sur un idéal artistique à suivre ni caractérisé par la célébration de l’humanité en tant qu’êtres capables de dominer leur environnement. Au contraire, cet humanisme, à travers l’art, célèbre la capacité de l’humanité à éviter d’être dominée par les pouvoirs régissant les affaires mondiales. Dans ce type d’humanisme, l’acte artistique est à la fois un acte de résistance, de libération et de générosité.

Viva Arte Viva est une exclamation, un cri passionné pour l’art et l’état de l’artiste. Le rôle, la voix et la responsabilité de l’artiste sont plus que jamais cruciaux dans le cadre des débats contemporains. C’est dans et par ces initiatives individuelles que se dessine le monde de demain, certes incertain, mais souvent mieux perçu par les artistes que par les autres.

Chacun des neuf chapitres ou familles d’artistes de l’Exposition représente un Pavillon en soi, ou plutôt un Trans-Pavillon car transnational par nature mais fait écho à l’organisation historique de la Biennale en pavillons, dont le nombre n’a cessé de croître depuis la fin des années 1990.

Viva Arte Viva cherche aussi à véhiculer une énergie positive et prospective, qui tout en se concentrant sur les jeunes artistes, redécouvre ceux qui sont décédés trop tôt ou encore ceux qui sont encore largement méconnus malgré l’importance de leur travail.

Du « Pavillon des Artistes et du Livre » au « Pavillon du Temps et de l’Infini », ces neuf épisodes racontent une histoire souvent discursive et parfois paradoxale, avec des détours qui reflètent les complexités du monde, une multiplicité d’approches et une grande variété de pratiques. L’exposition se veut une expérience, un mouvement extraverti de soi à l’autre, vers un espace commun au-delà des dimensions définies, et en avant vers l’idée d’un potentiel néo-humanisme.

Partant du Pavillon des Artistes et du Livre, l’Exposition dévoile son postulat, une dialectique qui engage l’ensemble de la société contemporaine, au-delà de l’artiste lui-même, et aborde l’organisation de la société et ses valeurs. L’art et les artistes sont au cœur de l’exposition, qui commence par examiner leurs pratiques, leur manière de créer l’art, à mi-chemin entre l’oisiveté et l’action, l’otium et le negotium.

L’exposition dans les lieux autour de la ville
L’exposition se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale et comprend 86 participants du monde entier. Avec l’expansion progressive de l’échelle, la portée de la Biennale de Venise s’est élargie pour couvrir toute la ville. Outre les principaux lieux d’exposition, il comprend également de nombreux pavillons disséminés dans les rues des villes et même des îles périphériques.

Ca’ Giustinian est un palais historique parmi les plus représentatifs du style gothique tardif vénitien. Le palais, à l’origine appelé « dei Giustinian », a été construit vers 1471 et est le résultat de l’union de deux bâtiments différents : Giustinian et Badoer-Tiepolo. Il a fait l’objet d’importantes rénovations entre 2008 et 2009. Les intérieurs du palais sont accessibles sur demande et se caractérisent par des lignes essentielles et des couleurs neutres associées à des formes décoratives et des couleurs typiques du design contemporain. Les chambres ont été complétées par des œuvres d’art sélectionnées, placées de manière à améliorer la relation entre l’art et l’espace. La lumière est l’autre élément caractéristique du lieu.

Pavillons à l’Arsenale
L’Arsenale était le plus grand centre de production de Venise à l’époque préindustrielle, symbole de la puissance économique, politique et militaire de la ville. Depuis 1980, l’Arsenale est devenu un lieu d’exposition de La Biennale à l’occasion de la 1ère Exposition Internationale d’Architecture. Plus tard, les mêmes espaces ont été utilisés lors des Expositions d’Art pour la section Ouverte.

Pavillon des Émirats arabes unis
2017 est la cinquième participation des Émirats arabes unis à l’Exposition internationale d’art. Intitulé d’après un jeu traditionnel joué à travers les cultures du monde entier, « Rock, Paper, Scissors: Positions in Play » explore les pratiques artistiques aux EAU à travers l’analogie du jeu, et présente cinq artistes contemporains basés aux EAU, dont Nujoom Alghanem, Sara Al Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie et Dr Mohamed Yousif. Organisée par le conservateur, écrivain et ancien responsable de la recherche et des programmes (2012-2016) à l’Asia Art Archive à Hong Kong, Hammad Nasar, l’exposition présente des œuvres existantes des artistes, ainsi que la refabrication d’œuvres « perdues » et de nouvelles commissions.

L’exposition fonctionne comme une scène pour un ensemble de questions imbriquées : d’où vient le « jeu » dans la pratique artistique ? Comment et où le « jeu » est-il nourri ? A quoi sert « jouer » ? L’artiste Hind Mezaina, basée à Dubaï, a été chargée de développer un programme pour le pavillon national des Émirats arabes unis explorant les concepts de conservation de l’exposition. Le programme, intitulé ‘Home : Food | Musique | Sports’, a exploré comment la nourriture, la musique et les sports contribuent à créer un sentiment d’appartenance et de communauté. Les événements ont eu lieu à Abu Dhabi, Dubaï et Sharjah.

Pavillon du Mexique
La vie dans les plis, l’un des principaux énoncés de l’art est l’expression de la réalité à chaque période de notre histoire ; se concentrant dans cette perspective, l’artiste Carlos Amorales (Mexico, 1970) a présenté son travail intitulé « La vie dans les plis » lors de la 57e exposition internationale d’art de La Biennale di Venezia. Sous le commissariat de Pablo León de la Barra (Mexico, 1972), l’exposition d’Amorales a été assemblée dans le bâtiment historique connu sous le nom d’Arsenale, lieu officiel du pavillon mexicain de cette édition.

Le pavillon mexicain a pris une grande importance pour être le reflet approprié des principaux événements de 2017, comme la renégociation de l’Accord de libre-échange nord-américain (ALENA) et les mouvements migratoires massifs présentés dans plusieurs régions du monde. Pour cette installation, de nombreux ocarinas ont été réalisés pour créer un alphabet crypté qui peut être interprété à la fois textuellement et phonétiquement car chaque ocarina émet un son différent selon la lettre ou le signe qu’il représente. De plus, Amorales a conçu diverses partitions dont les notes sont présentées de manière abstraite dans le but de créer une méthode nouvelle et innovante de perception et d’interprétation chez chaque visiteur.

Pavillon de l’Argentine
The Horse Problem de Claudia Fontes était une installation de sculptures représentant l’Argentine à la 57a Biennale de Venise en 2017. L’installation montre une scène figée dans laquelle un cheval, une femme et un jeune homme sont piégés dans une boucle de causalité infinie pour laquelle la peur est la cause et le symptôme à la fois. La peur du cheval d’être piégé dans le bâtiment crée une avalanche de rochers se déplaçant dans sa direction, dont les ombres forment une image miroir de lui-même, bien qu’explosent. La blancheur et la finesse de la matière donnent à la scène la qualité d’une apparition comme si les personnages et leurs circonstances existaient dans une temporalité parallèle. Le public, en tant que spectateurs, complète le récit.

Le cheval en tant que sorte de symbole national non officiel de l’Argentine, le cheval cabré est utilisé dans le travail comme symbole de nombreuses choses et concepts différents. D’un côté, il rappelle les monuments équestres qui peuplent de nombreuses villes argentines et latino-américaines. D’un autre côté, il représente le choc entre la nature et l’industrialisation, et l’exploitation des ressources naturelles – y compris l’utilisation des animaux comme main-d’œuvre. Enfin, il symbolise le concept même de nation, comme une critique subtile du format de la Biennale elle-même qui, établie au XIXe siècle, repose encore aujourd’hui sur l’idée d’une participation nationale à une exposition d’art « universelle », ce que Fontes considère comme obsolète et désapprouve clairement.

Pavillon Afrique du Sud
L’exposition du pavillon sud-africain invite les spectateurs à explorer le rôle de l’artiste dans la visualisation et l’articulation de la notion de soi dans un contexte de marginalisation mondiale. Qu’est-ce qu’être visible dans la vie de tous les jours, mais invisible et ignoré au niveau de la représentation culturelle, politique ou économique ? Mettant en dialogue les nouvelles œuvres de Breitz et Modisakeng, l’exposition réfléchit sur les expériences d’exclusion, de déplacement, de fugacité, d’immigration et de xénophobie, explorant les forces sociopolitiques complexes qui façonnent la performance de l’ipséité dans de telles conditions.

Mohau Modisakeng présente des réponses critiques aux idées de nationalité, de leadership, d’inégalité et de travail migrant qui se manifestent visuellement comme des moments poignants de deuil et de catharsis au cœur de l’expérience vécue actuelle des Sud-Africains contemporains. Le travail de Breitz s’est concentré sur les conditions dans lesquelles l’empathie est produite, en réfléchissant sur une culture mondiale saturée de médias dans laquelle une forte identification avec des personnages fictifs et des célébrités va de pair avec une indifférence généralisée au sort de ceux qui font face aux adversités du monde réel.

Pavillon du Pérou
Rodrigo Quijano présente au monde le travail de l’artiste plasticien disparu, Juan Javier Salazar (1955-2016), qui, à travers l’humour et l’ironie, propose des réflexions dans son travail. Ils incarnent leur propre vision de l’art et de l’histoire du Pérou. L’exposition ne se veut pas rétrospective ou anthologique, mais cherche plutôt à lui donner la valeur et l’exposition internationale que mérite une figure qui a fortement influencé les générations d’artistes qui l’ont suivi, et qui est, en fait, un axe et un personnage clé pour comprendre l’art péruvien contemporain.

Pavillon de la Turquie
Cevdet Erek présente une œuvre in situ pour le pavillon intitulée « ÇIN ». Au lieu d’essayer de décrire un projet qui est censé être vécu sur place. Né à Istanbul, Erek a créé sa première installation en 2012 pour Documenta 13. Son travail se caractérise par une utilisation marquée du rythme et de la spécificité du site, combinant souvent vidéo, son et images dans le but de modifier la perception et l’expérience du spectateur d’un espace donné. . Fait intéressant, Erek parvient à combiner des composants rationnels tels que des références à l’architecture et au temps linéaire avec des impulsions instinctives, nivelant ainsi le fossé entre deux sphères prétendument opposées.

Pavillon des Philippines
Le spectre de la comparaison, œuvres des artistes philippins Lani Maestro et Manuel Ocampo. Le spectre de la comparaison est tiré du roman Noli Me Tángere écrit par le patriote et romancier philippin José Rizal lorsqu’il vivait à Berlin en 1887. La phrase suggère l’expérience de la perte de l’innocence politique : la double vision de vivre les événements de près et de de loin ne plus pouvoir voir les Philippines sans voir l’Europe ni regarder l’Europe sans voir les Philippines.

Bien qu’ayant des pratiques esthétiquement différentes influencées par des moments historiques distincts, Lani Maestro, dont les installations intègrent du son, du film, du texte et des photographies, et Manuel Ocampo – dont les peintures figuratives critiquent les systèmes, sont tous deux des produits de l’expérience « collective » du spectre de l’émigré. L’exposition accorde ce regard à Ocampo et Maestro, non seulement en tant qu’artistes connaissant et vivant dans deux, plusieurs ou plusieurs mondes, mais en tant qu’artistes dont la création artistique produit un global fragmenté – une imaginaire discursive et complexe construite à travers une conscience de des mondes construits à travers des zones temporelles et géographiques.

Pavillon Chili
Bernardo Oyarzún examine souvent la culture chilienne à travers une lentille anthropologique, sociale, historique et ethnique. Intitulée « Werken », l’exposition d’Oyarzún présente une installation de plus de quinze cents masques de cérémonie fabriqués par les peuples indigènes mapuche et des lumières LED rouges affichant 6 907 noms de famille mapuche. Oyarzún explore la relation entre l’art contemporain et les peuples autochtones.

Pavillon Indonésie
Tintin Wulia a conceptualisé trois œuvres interconnectées sous le titre générique « 1001 maisons martiennes ». L’idée était de montrer l’avenir dans le présent, en laissant les exilés d’atrocités sur terre raconter leurs histoires sur Mars, 200 ans plus tard, suggérant un monde sans frontières grâce à la technologie numérique et aux caméras.

1001 Maisons martiennes se déroule simultanément, à travers les continents, dans deux sites d’exposition distincts. La connexion du pavillon à une version jumelle dans le centre commercial Jakarta Senayan City ne l’a pas non plus particulièrement amélioré. Sous le soleil, et les mille et une maisons martiennes éponymes.

Pavillon de Malte
Homo Melitensis: An Incomplete Inventory in 19 Chapters, présentant des œuvres d’artistes contemporains ainsi que des artefacts historiques, propose une enquête associative sur l’identité maltaise dans une installation complexe qui rassemble des œuvres d’art, des objets et des documents dans un cadre non hiérarchique, a-chronologique mettre en place. Les 19 chapitres emmènent le public dans un voyage élaboré qui voyage simultanément dans différentes directions, comprenant des spécimens d’histoire naturelle, un génome national, un ancien naufrage, une migration, une cartographie, des objets rituels, des personnages transgenres et d’autres artefacts qui combinent de manière ludique réalité et fiction , construction et déconstruction identitaire, avec des objets subversifs rencontrant des objets obéissants.

Pavillon Géorgie
Situé à l’intérieur de l’Arsenale, le pavillon géorgien se compose d’une petite maison en bois abandonnée, trouvée dans la campagne géorgienne. Remontée à Venise, la cabane contient tout le contenu typique d’une telle habitation, y compris des meubles, des tableaux et d’autres objets du quotidien. A l’intérieur, l’artiste a installé un système d’irrigation autonome simulant une pluie permanente, inversant la relation intérieur-extérieur. Un éclairage au sodium jaune illumine l’intérieur et permet aux visiteurs d’assister au lent processus entropique de destruction alors que les cultures de mousse engloutissent les sols, les murs, les meubles et autres objets pendant la durée de l’exposition de six mois. L’installation crée son propre récit suivant une dramaturgie naturelle qui permet un changement subtil. Contrairement à l’intérieur, l’extérieur de la maison reste le même.

Les œuvres de Vajiko Chachkhiani sont façonnées par un humanisme poétique qui existe entre expérience personnelle et réalité politique ainsi qu’entre explorations psychologiques et immédiateté matérielle. Directement ou indirectement, le point de départ de nombre de ses œuvres est un échange d’objets ou d’actions entre personnes, apparaissant parfois comme une performance. L’artiste condense ses sujets en utilisant des formes réduites dans un jeu subtil entre dévoilement et dissimulation. Les matériaux ordinaires et l’artisanat traditionnel de ses œuvres sont issus d’une réalité basique et quotidienne. Parallèlement à ses sculptures et installations, Chachkhiani a développé une œuvre cinématographique allant de la documentation d’événements uniques à des films plus narratifs qui oscillent entre rêve et réalité.

Pavillon de l’Irlande
Jesse Jones considère le pavillon national comme le site d’une loi alternative. Avec une pratique fondée sur le cinéma et la performance, Jones a créé une œuvre d’art qu’elle décrit comme une « envoûtante » du système judiciaire. La pratique de Jones croise les médiums du film, de la performance et de l’installation et, pour son exposition à la Biennale, elle propose le retour de la sorcière en tant qu’archétype féministe, capable d’altérer la réalité. Travaillant souvent dans des structures collaboratives, elle explore comment la culture historique peut avoir une résonance dans nos expériences sociales et politiques actuelles.

Pavillon Italie
L’imagination est un outil pour voir au-delà des phénomènes visibles et expérimenter le monde « dans toute sa richesse et sa multiplicité ». Le pavillon italien composé de trois espaces qui accueillent une séquence de trois installations créées par Roberto Cuoghi, Adelita Husni-Bey et Giorgio Andreotta Calò. Le titre de l’exposition, Il Mondo Magico, est emprunté à celui du livre le plus connu de l’anthropologue Ernesto de Martino, publié en 1948, qui décrivait les rituels magiques comme les outils par lesquels les individus essayaient de trouver leur propre identité dans des situations historiques et incertaines. contextes sociaux.

L’espace d’entrée du pavillon italien a été transformé en une sorte d’atelier, une usine qui produisait des statues de dévotion inspirées du De Imitatione Christi, un texte médiéval décrivant le chemin pour atteindre un état de perfection ascétique. Imitazione di Cristo (L’Imitation du Christ) de Roberto Cuoghi, la première des trois installations présentées dans le pavillon, explore la transformation de la matière et le concept fluide de l’identité à travers une recherche sur la représentation historique du Christ dans l’art italien. Les statues du Christ fabriquées dans l’atelier sont ensuite déplacées vers un ensemble de tables positionnées à l’intérieur d’un long tunnel réalisé en plastique transparent, créant ainsi une séquence de « corps » dans des conditions évolutives de détérioration et d’effritement de la matière. Les statues, presque décomposées,sont ensuite « séchés » dans un four pour arrêter leur décomposition. Enfin, les restes des personnages, déformés et brisés, sont recomposés et disposés sur un long mur sombre au bout de la galerie.

Pavillon de la Chine
« Continuum – Generation by Generation » s’inspire du concept chinois du buxi, une énergie ou force de vie incessante, et présente des œuvres individuelles et collaboratives de quatre artistes : Tang Nannan, Wu Jian’an, Wang Tianwen et Yao Huifen. Le Pavillon n’est pas l’œuvre d’un seul artiste chinois mais un processus créatif collectif qui a duré plus de 5000 ans. Une coopération croisée complète entre les quatre artistes pour le Pavillon chinois. Chacun des quatre artistes participants coopère avec les trois autres artistes. L’art chinois est un acte commun à travers cinq mille ans de notre histoire collective, auquel chaque artiste participe et répond à la fois : une sorte de rassemblement yaji transgénérationnel.

Tang a montré des vidéos inspirées des mythes chinois traitant des cours d’eau et des paysages. Yao Huifen est un expert en broderie de Suzhou et crée des versions contemporaines de l’artisanat vénéré. Wang Tianwen est un maître du théâtre d’ombres du Shaanxi, et les sculptures en feuilles de cuivre découpées au laser de Wu Jian’an s’élevaient comme des totems dans tout l’espace. De nombreuses œuvres faisaient référence à des thèmes antiques et célestes, et elles se sont réunies dans le spectacle d’ombres collaboratif et multimédia créé par les quatre artistes et le conservateur lui-même, Continuum – Remove the Mountains and Filling the Sea, avec des musiciens et des interprètes combinant méthodes traditionnelles et numériques. projections. L’exposition suit très consciemment les traces des intellectuels chinois à travers l’histoire intéressés par l’art et les pratiques populaires.L’atmosphère cacophonique du pavillon de la Chine avait cette fois-ci une réelle intention et des effets engageants.

Pavillons dans les Giardini
Giardini est le site traditionnel des expositions d’art de la Biennale depuis la première édition en 1895. Les Giardini accueillent désormais 29 pavillons de pays étrangers, certains d’entre eux conçus par des architectes célèbres tels que le pavillon autrichien de Josef Hoffmann, le pavillon néerlandais de Gerrit Thomas Rietveld ou le pavillon finlandais , un préfabriqué avec un plan trapézoïdal conçu par Alvar Aalto.

Pavillon de l’Espagne
L’artiste espagnol Jordi Colomer présente dans le pavillon son projet d’exposition « Ciudad de bolsillo », organisé par Manuel Segade. C’est une « installation d’installations » composée d’une série de vidéos, de sculptures et de l’espace lui-même compris comme une architecture totale mais provisoire. L’installation est organisée à partir de l’espace central avec lumière naturelle, avec la présence de maquettes, prototypes, reproductions à l’échelle de ces mouvements, qui intègrent également des objets utilisés dans des actions enregistrées en vidéo et qui rythment l’ensemble du pavillon. Dans leur ensemble, ils forment une vision à différentes échelles d’un fragment de ville susceptible de déplacement et en équilibre précaire. Les modèles étaient fabriqués avec des modules en étain peint et étaient secoués en permanence par des ventilateurs surpuissants,comme dans la vibration continue d’une ville excitée.

Dans les salles du périmètre, une visite est organisée pour que le spectateur soit libre de se déplacer dans un sens ou dans l’autre. Ces espaces s’articulent comme une progression de séquences à partir de deux éléments : des écrans de projection avec des vidéos et un ensemble de supports de visionnage. Les écrans et les stands sont structurés en combinaisons en série qui configurent des environnements changeants, de la visualisation presque individuelle à la grande salle avec plusieurs écrans de différentes tailles et marches à des hauteurs modulaires qui permettent d’offrir divers points de vue.

Pavillon des États-Unis
Le pavillon des États-Unis présente Tomorrow is Another Day, une installation in situ de Mark Bradford. Mark Bradford est l’une des figures les plus intéressantes de l’expressionnisme abstrait contemporain ; un artiste dont les œuvres combinent une approche magistrale de la couleur et de la matière avec une profonde attention aux problèmes sociaux, à la vulnérabilité et à la résilience des personnes et des communautés marginalisées. La salle d’entrée abrite l’installation Spoiled Foot, qui remplit l’espace d’une grande masse noire et rouge obstruante suspendue au plafond et qui oblige le public à marcher dans un passage étroit et à frôler les murs latéraux comme une métaphore du contraste entre ceux qui vivent en marge et un pouvoir social centralisé.

La seconde salle présente quatre œuvres majoritairement noires, trois grandes peintures-collages et une sculpture. Dans les toiles, chacune portant le nom d’une sirène mythologique, Bradford a utilisé une technique qu’il a déjà adoptée dans les travaux pionniers qu’il a réalisés dans les années 2000 et qui implique l’utilisation de pages de garde « incorporées » dans des peintures noir-violet chatoyantes afin d’obtenir un effet de matière profonde, iridescendante qui « évoque la mer et ses passages », Les titres des oeuvres font référence à la maltraitance des femmes, tant dans la vie privée que dans la culture populaire. Les trois tableaux « encerclent » une sculpture centrale, intitulée Méduse, constituée d’un enchevêtrement de mèches de papier noir blanchi, pour former une sorte de triptyque contemporain-classique centré sur le thème de la représentation des femmes.

Pavillon uruguayen
Sagradini cultive une manière unique de comprendre et d’exercer l’art dans une dérive à travers le monde des mots et des choses, sauvant des expériences, des objets et des histoires tirés de la vie quotidienne. En travaillant souvent avec la trouvaille ethnographique, il le fait aussi, avec intérêt, avec des fragments de l’histoire uruguayenne, si bien qu’à travers les pratiques de l’art il fait resurgir alternativement (ou simultanément) l’historien de l’artiste et l’anthropologue de l’artiste. En fait, il est très courant pour Sagradini de recourir à des objets utilisés dans les tâches quotidiennes pour nourrir ses dispositifs symboliques,

La pièce se compose de la forme d’un enclos à bétail appelé « Embudo » utilisé en Uruguay depuis le XIXe siècle, que l’artiste a reconstitué à partir d’une photographie ancienne à peine lisible. Il a la forme d’un lieu pour certains corps, mais est exposé sans eux. Extraite de tous les contextes, elle s’offre comme une cellule vide, comme un décor fantasmatique dont la mémoire perdue espère désormais être remplacée par la présence d’autres corps capables de l’occuper. Il possède des portails, des entrées, des ouvertures, des murs et d’autres dispositifs qui donnent au complexe une configuration appropriée à l’échelle humaine et proche du langage de l’architecture. Le second est un hommage aux conditions de montage, à sa conception scénographique,qui invite le visiteur à un dialogue corporel avec l’artefact afin de franchir la barrière virtuelle imposée par le spectacle. De telles caractéristiques confèrent à l’œuvre une raison historique et une fonction actuelle prête pour le jeu des sens, qui la sépare de la dérive minimaliste classique.

Pavillon Nordique
Mirrored est une exposition collective présentant les œuvres de six artistes de générations différentes : Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi « Sleeping » Myllymäki et Mika Taanila. L’exposition Mirrored tente d’éviter une approche topique, pour se concentrer sur la remise en cause d’une image de soi reflétée ou projetée dans les pays nordiques. Une cartographie des connexions qui transcende les frontières nationales et régionales, et au lieu de suivre une vision plus multiforme de la façon dont la pratique artistique peut se connecter », explique le conservateur Mats Stjernstedt. Mirrored suggère ainsi un « lieu sans lieu », pour emprunter l’allégorie de Guiliana Bruno sur les miroirs .

Les œuvres de Siri Aurdal, Charlotte Johannesson et Pasi « Sleeping » Myllymäki sont des exemples d’art urbain et d’urbanité qui était en avance sur son temps en explorant le matériau industriel, l’espace numérique ou les expériences de conception avec des images en mouvement. Les sculptures modulaires d’Aurdal défient le médium de la sculpture et lui établissent de nouveaux locaux. Johannesson s’est inspirée de l’artisanat textile traditionnel et a traduit la configuration logique des tapisseries en pixels informatiques. Avant d’abandonner sa pratique cinématographique, Myllymäki a produit quarante-quatre films super-8 de 1976 à 1985 ; ces films explorent un large éventail d’éléments allant de la conception graphique aux actions performatives.

Un intérêt similaire pour les sujets urbains, exprimé, par exemple, à travers une transformation matérielle ou un contenu politique, croise les œuvres des artistes suivants; Mika Taanila (né en 1965) est principalement reconnu pour la production d’œuvres d’art temporelles dans le cinéma, la vidéo et le son. Pour la présente exposition, Taanila utilise la technique du montage pour créer un projet découpé dans la littérature cinématographique. La manière expérimentale de Nina Canell (née en 1979) de se rapporter à la sculpture et à l’installation considère la place et le déplacement de l’énergie. Cependant, comme le travail cinématographique et sonore de Taanila, ils ont une qualité temporelle, car Canell convertit la forme souvent figée de la sculpture en processus ouverts. Les travaux de Jumana Manna (né en 1987) explorent comment le pouvoir s’articule à travers les relations,se concentrant souvent sur le corps et la matérialité en relation avec des récits de nationalisme et des histoires de lieu. Dans son travail sculptural, Manna déploie indirectement la représentation, créant un langage visuel d’absence et de substituts.

Pavillon Grande-Bretagne
Le pavillon britannique présente Folly, une installation sculpturale in situ de Phyllida Barlow. Phyllida Barlow est mondialement connue pour ses impressionnantes œuvres sculpturales abstraites dans lesquelles des matériaux bon marché – tels que le béton, le bois, le tissu – et des éléments réutilisés sont transformés en sculptures somptueusement mystérieuses et inquiétantes. Phyllida Barlow a créé une installation multiforme qu’elle a intitulée Folly en référence à la fois à une sorte d’élément décoratif architectural flamboyant et à un état d’esprit téméraire. L’œuvre joue et interagit constamment avec l’architecture du pavillon lui-même, en commençant par l’extérieur, où Barlow place un groupe de bulles aux couleurs vives, presque comiques (ou, plus précisément, des boules géantes, comme l’artiste les définit) qui en quelque sorte « démystifient  » l’audacieux,formes néoclassiques du bâtiment.

Les sculptures habitent tout le pavillon, atteignant le toit et se déversant même à l’extérieur. Dans la galerie centrale, elle nous encourage à jouer le rôle de l’explorateur, en explorant un labyrinthe sculptural de colonnes imposantes densément peuplées. Des boules aux couleurs vives se bousculent joyeusement, mais ces formes bombées ont également une qualité sinistre car elles se pressent vers les visiteurs et dominent l’espace. Les sculptures ressemblant à des chaises sur un manège forain font allusion à la fête, mais leurs formes pliées impliquent la décadence et la désolation.

Pavillon du Canada
Dans Une sortie du miroir, Geoffrey Farmer imaginait appartenir à l’État-nation, en termes à la fois festifs et lugubres ; non pas comme une identité bien délimitée ou monolithique mais comme une fluidité et une perte. Transformant le pavillon en scène à ciel ouvert pour ses fontaines, il a également ouvert un espace de renouvellement et de réflexion qui a littéralement fait exploser les croisements des histoires personnelles et nationales.

Avec son approche sensible et intelligente des questions d’art, d’histoire et de matière, et sa solide histoire d’expositions internationales, Geoffrey Farmer transforme le Pavillon du Canada, souvent considéré comme un espace difficile, en une expérience sculpturale immersive. Des informations préliminaires ont révélé que l’histoire personnelle et le traumatisme intergénérationnel étaient des aspects de l’installation de Farmer, ainsi que de la poésie, de vieux magazines et un mystère familial.

Pavillon de l’Allemagne
« Faust » par anne imhof et organisé par susanne pfeffer, le pavillon a reçu le prix du lion d’or 2017 pour la meilleure participation nationale. Exposition povocante et puissante, anne imhof a conçu le pavillon allemand de la biennale d’art de venise 2017. elle intègre les médiums de la peinture, de la sculpture et de l’installation avec des performances en direct qui explorent la composition et la compréhension des figures humaines. Anne Imhof met en scène l’espace du pavillon est la représentation d’une réalité dure et aliénante dans laquelle les individus sont contraints par des limitations physiques, politiques, économiques et technologiques. La dureté des éléments utilisés, tels que le verre et l’acier, évoque celle des lieux où le pouvoir et l’argent sont gérés de nos jours ; en verre, en particulier, est faite la modification la plus importante du pavillon’s architecture, à savoir l’ajout d’une plate-forme surélevée transparente, d’un mètre au-dessus du trottoir, qui modifie le rapport entre l’espace et la présence humaine.

L’œuvre interagit fortement avec l’architecture du pavillon allemand en partant de l’extérieur ; chiens de garde enfermés dans une grande cage, d’épaisses vitres incassables qui ferment le portique d’entrée du bâtiment néoclassique du pavillon, ne laissant que la possibilité au visiteur de voir dans le hall principal, le déplacement de l’entrée principale côté pavillon, anticipent une œuvre d’art totale dans laquelle différentes couches et moyens formels et expressifs, de l’installation visuelle à la musique, de la peinture à la performance en direct, se chevauchent. Sous les dalles de verre, il y a des personnes et un attirail de dispositifs de retenue, de lits de fortune, de flacons et de bouteilles de prescription. Au-dessus de la plate-forme transparente, le public évolue en regardant un groupe d’artistes,qui s’exhibent sans établir une véritable communication avec les visiteurs, mais qui sont pourtant absolument conscients de la puissance de leur aspect visuel.

Ces corps disciplinés et fragiles apparaissent comme une matière imprégnée de structures de pouvoir invisibles. Ce sont des sujets qui semblent constamment défier leur propre objectivation. La représentation médiatique est innée à ces corps biotechnologiques. Les interprètes savent bien que leurs gestes ne sont pas des fins en soi, mais n’existent que comme pure médialité. Ils semblent à jamais sur le point de se transformer en images prêtes à être consommées ; ils aspirent à devenir des images, des marchandises numériques. A une époque caractérisée par un degré extrême de médialité, les images, loin de se contenter de dépeindre la réalité, la créent.

Pavillon Corée
L’exposition conjointe intitulée « Counterbalance : the stone and the mountain », se concentre sur les conflits et la dislocation que les deux artistes cody choi et lee wan perçoivent dans l’identité coréenne moderne. Le travail de Cody choi se penche sur la modernisation de la Corée en explorant la tension entre son identité changeante et l’influence croissante de l’Occident. ‘venetian rhapsody’ installé sur le toit du pavillon, est une forêt rougeoyante de néons qui emprunte librement à l’ambiance visuelle des casinos de Las Vegas et de Macao et reflète le spectacle du capitalisme mondial. le travail de choi comprend également la sculpture parodique connue sous le nom de « le penseur », une réinvention de la sculpture de rodin construite à partir de papier toilette et du pepto-bismol rose américain pour l’estomac.

Lee wan appartient à une jeune génération d’artistes coréens. à travers son travail, lee wan enquête sur les vies cachées d’individus exploités par des structures de pouvoir mondiales dans des pays de toute l’asie et au-delà. parmi ses œuvres à la biennale arte de cette année se trouve « le bon temps », qui se compose de 668 horloges, chacune portant le nom, la date de naissance, la nationalité et la profession des personnes que l’artiste a rencontrées et interrogées dans le monde entier, recherchant les circonstances économiques très différentes des travailleurs. selon lee daehyung, « chaque horloge se déplace à une vitesse différente qui est déterminée par le temps que l’individu en question doit travailler pour s’offrir un repas ». le résultat est une agrégation absurde de portraits abstraits qui se double d’un fort,représentation vertigineuse multi-sensorielle et immersive des inégalités mondiales.

Pavillon du Japon
« Tourné à l’envers, c’est une forêt » est l’exposition personnelle de l’artiste Takahiro Iwasaki, réputé pour ses œuvres, à travers lesquelles il transforme des matériaux apparemment banals et des objets résiduels en sculptures surprenantes, méticuleusement conçues et construites. Le travail de l’artiste japonais se caractérise par l’inclusion d’éléments qui ne sont pas physiquement présents dans l’œuvre, mais qui font pourtant partie intégrante de son identité, comme l’eau dans sa série de modèles de réflexion, par un contraste constant entre ordre et désordre, et par un profond intérêt pour les questions environnementales et sociales. La série Reflection Model comprend des modèles architecturaux de temples japonais réellement existants,reflété à l’envers pour recréer la présence du plan d’eau sur lequel les bâtiments d’origine se tiennent comme un raisonnement sur les concepts de réalité et d’ambiguïté. Pour souligner davantage cette idée, les modèles sont fabriqués dans le même bois (cyprès japonais) que les vrais bâtiments.

Commissaire de l’exposition Meruro Washida, l’histoire d’Hiroshima semble imprégner profondément ses œuvres. La ville d’Hiroshima a été instantanément anéantie à la suite de la bombe atomique, et bien qu’elle ait déjà servi de ville militaire, son image a changé de 180 degrés après la guerre pour être largement reconnue comme une ville de paix. L’utilisation par Iwasaki de la représentation figurative dans ses œuvres, en d’autres termes, la façon dont quelque chose se présente d’une manière entièrement différente lorsqu’il se produit sur un certain détail, est en effet liée à l’expérience d’Hiroshima. L’utilisation d’objets du quotidien dans le cas d’Iwasaki s’inspire des nombreux artefacts conservés dans le musée du Mémorial de la paix d’Hiroshima, qui transmettent des nécessités quotidiennes qui ont été instantanément déformées et rendues dépourvues de leur fonction.La délicatesse de son travail manuel, qui pourrait même être décrit comme un artisanat, traverse apparemment les mondes du micro et du macro.

Pavillon du Brésil
Sur l’installation « Chão de caça » de Marcelle, un plancher incliné en caillebotis soudé occupe l’intérieur des deux galeries reliées du pavillon brésilien. Des galets ordinaires, comme ceux trouvés dans les Giardini environnants, sont pressés dans la grille, normalement utilisés dans un contexte industriel ou dans l’espace public, par exemple entre les voies ferrées ou pour couvrir les conduits de ventilation du métro ou les systèmes d’égouts. Entrelacés avec la grille et les galets, il y a des éléments sculpturaux supplémentaires, une série de peintures et une vidéo. Un certain nombre de bâtons de bois sont fixés dans la structure du sol, chacun équilibrant une peinture sur tissu drapée sur la pointe supérieure, comme un groupe de fantômes ou une petite forêt de signes, de torches ou de totems. Le support des peintures est un tissu de coton rayé noir et blanc,draps de lit ordinaires, mais chacune des rayures noires a été soigneusement effacée avec de la peinture blanche. Des pierres de différentes tailles sont enveloppées dans la dentelle et font ainsi partie de la structure globale plus large, lui conférant un volume et un poids sculpturaux.

Il y a aussi une vidéo : une prise de vue en un seul angle sur un toit de tuiles, qui est progressivement démonté de l’intérieur par des hommes, créant une ouverture assez grande pour qu’ils puissent grimper sur le toit. Marcelle joue sur l’ambiguïté, elle crée un environnement énigmatique, mis en scène par la suspension, l’obsession et la rébellion. L’ensemble de l’installation provoque une sensation d’instabilité. Autant on peut se laisser séduire par l’image de la prison et de l’évasion, indiquée par la projection vidéo et en résonance avec la rugosité de la grille d’acier, autant on peut s’imaginer être dans un laboratoire singulier ou un atelier d’artiste détraqué, dans une techno forêt ou une grande ville sauvage.

Pavillon de la Thaïlande
Pour le spectacle « Krungthep BANGKOK », l’artiste Somboon Hormtiemtong a sélectionné des objets tels que des troncs en bois, des statues de Bouddha, des éléphants et des récipients en plastique afin de créer une ambiance de la capitale thaïlandaise sous tous ses aspects. En plus de cela, Hormtiemtong a également réalisé des dessins au fusain réalistes de coins cachés de la ville. L’artiste a utilisé le code linguistique du ready-made auquel nous sommes habitués, pour créer une atmosphère, l’époque complexe à laquelle la Thaïlande est confrontée.

Lieux d’exposition autour de Castello et Cannaregio

Pavillon du Liban
Le Pavillon du Liban présente le travail de Zad Moultaka. Le titre SamaS est un palindrome, un mot qui se lit de la même manière en avant et en arrière. Cela signifie « Soleil Soleil Sombre ». Le mur intérieur le plus éloigné, qui est parsemé de pièces de monnaie brillantes rappelant la surface d’une mosaïque. Ceci est délibéré, car il a été inspiré par les mosaïques d’or de la basilique de San Marco. Les milliers de pièces de monnaie comprennent certaines avec des trous, ce qui suggère des trous de balles. C’est une mosaïque d’or mais avec de vraies pièces, c’est de l’argent qui rend la guerre possible. délicatement différenciée, comme des morceaux d’une mosaïque.La musique a été écrite pour le Chœur de l’Université Antonine de Beyrouth.Parfois, cela ressemble au bourdonnement d’un moteur d’avion, et à d’autres comme à ce que Daydé décrit comme « le chant des anges ».

Au centre de l’espace se trouve un objet improbable, un moteur d’avion Rolls-Royce Avon MK 209 vertical des années 1950, debout comme une colonne et positionné pour ressembler à une statue de l’époque d’Hammourabi, qui a régné sur la Mésopotamie en 18 avant JC. Son règne est connu pour certaines des inscriptions les plus anciennes du monde, y compris les premières descriptions de lois du monde. L’affichage du moteur d’avion, un instrument de guerre, à la place d’une colonne de basalte de l’époque d’Hammourabi suggère que le conflit a été présent dans la région au moins aussi longtemps que les préceptes codés par Hammurabi. Le code des lois et le moteur d’avion sont exactement de la même forme. C’est incroyable que, dans l’esprit humain, ces formes puissent se ressembler autant, même si elles sont utilisées à des fins opposées ».

Pavillon Lituanie
La nouvelle installation de Žilvinas Landzbergas intitulée « R », révélant des réalités envoûtantes qui mélangent des paysages et des images nordiques avec l’espace cube blanc du bâtiment vénitien distinctif de la Scuola San Pasquale. R est pour rappeler, enregistrer, relier, se référer, ressembler, respecter, rayon, radium, rhénium, romantique, réel et rime. RA, comme dans l’astronomie, la mythologie, la médecine, la chimie, la musique, la navigation et plus encore. R est la lettre la plus complexe de l’alphabet, qui intègre tout le spectre des formes géométriques et des significations couvrant les frontières du rationnel et de l’imaginaire. R est un élément endémique dans la pratique artistique de Žilvinas Landzbergas où R apparaît comme un espace, un objet, un personnage, un signe et un portail.

Les installations de Žilvinas Landzbergas opèrent sur des registres physiques et inconscients en assumant la structure d’un conte de fées dans lequel des éléments archétypaux, des réflexions sociales et des idées personnelles se combinent dans des récits spatiaux fantastiques. Plongez complètement dans les paysages illusoires de Žilvinas Landzbergas, où vous affrontez des soleils dévorés et de fausses lunes, des ordres nordiques, des meubles germés et des têtes géantes, suivez des ombres matérielles et des dessins lumineux, succombez à la guérison acupuncturale grâce à Styrmir Örn Guðmundsson avec l’aide de Jokūbas Čižikas et Indriði Arnar Ingólfsson, écoutez les rythmes sous-marins de DJ Exotip.

Pavillon de Chypre
Représentée par Polys Peslikas et organisée par Jan Verwoert, l’exposition intitulée « Coming to Life Through the Medium of Painting », comprend également la participation du collectif d’artistes Neoterismoi Toumazou, de l’écrivain Mirene Arsanios et du céramiste Valentinos Charalambous. Les Peslikas exposent des peintures dans le pavillon, préparant le terrain pour les artistes invités, l’apparence particulière de la peinture dans l’espace d’exposition envisagé peut s’apparenter au fantôme d’un rideau de théâtre, qui reste présent sous vos yeux, même lorsque la pièce est déjà dans le progrès.

Peslikas, né en 1973 à Limassol, sur la côte sud de Chypre, est actuellement basé à Berlin. L’artiste considère la peinture comme un moyen d’explorer le concept du temps et de créer de nouvelles relations avec des récits existants. Sa pratique est très collaborative et il invite souvent d’autres artistes travaillant dans d’autres médiums, dont la danse, à contribuer à son travail. Sur la base de sa pratique, Peslikas a plaidé en faveur du pouvoir de la peinture de transmettre l’intensité des expériences élémentaires », a déclaré Verwoert à propos du travail de Peslikas et de sa prochaine exposition dans un communiqué. « Il a souligné que [le] potentiel expérientiel [ de la peinture] peut être ressenti le plus fortement lorsque la peinture se voile ; le clair-obscur laisse vagabonder les yeux ; les couleurs deviennent atmosphériques, spectrales même.

Pavillon de Macao
Sur le thème « Un bonsaï de mes rêves », présentent de nouvelles œuvres de l’artiste local Wong Cheng Pou. Les expositions se composent principalement d’œuvres tridimensionnelles, de peintures et de photographies. Le titre de l’exposition « Un bonsaï de mes rêves » indique l’intention de l’auteur de cultiver ses rêves personnels en bonsaï, tout comme les anciens lettrés chinois plaçaient des miniatures de plantation dans de petits pots, reflétant ainsi le désir d’une vie spirituelle pleine de simplicité et d’élégance.

Les expositions comprennent principalement des figures inspirées des divinités décrites dans l’ancien classique chinois Shan Hai Jing (Le classique des montagnes et des mers), qui est une riche source d’informations sur la religion, l’histoire, la géographie et les espèces de la Chine ancienne, reflétant la vision du monde qui prévalait en Chine il y a deux millénaires. « A Bonsai of My Dreams » présente les observations de l’auteur, ses sentiments et l’imaginaire de la ville où il vit actuellement.

Pavillon Tunisie
The Absence of Paths est une performance humaine mise en scène à travers Venise qui, pendant la durée de la Biennale, représente un microcosme idyllique du monde : un lieu où les êtres humains peuvent encore circuler librement d’une nation à l’autre. Ceci est représenté dans un document de voyage physique appelé Freesa, produit avec l’aide de Veridos, un leader dans la production de papiers d’identité sécurisés pour les pays et les entreprises du monde entier.

Le projet n’inclut pas des artistes mais des individus ayant une expérience directe de la migration, délivrant des documents de voyage pour les visiteurs à différents endroits de la ville. Cette installation permet à chaque visiteur de se débarrasser des bagages qui divisent et des classifications imposées aux personnes. L’événement collatéral soigneusement élaboré, au cœur du pavillon, forme la base d’une protestation individuelle et silencieuse. En plus des visiteurs du monde entier, The Absence of Paths tire parti des contributions actives de jeunes migrants ambitieux. Leur passage à la Biennale du fait qu’ils font partie d’une pratique artistique lors d’un événement d’art contemporain internationalement reconnu souligne le statut de l’art contemporain en tant que phénomène mondial, qui maintient la capacité d’inspirer le débat et l’enquête.

Pavillon du Zimbabwe
Sous le thème « Exploring Ideas of Belonging », quatre artistes, Admire Kamudzengere, Charles Bhebhe, Dana Whabira et Sylvester Mbayi, conçoivent de nouvelles œuvres, intégrant sculpture, estampes, dessins, objets, peintures et sons pour les six galeries du pavillon du Zimbabwe. Les artistes et leurs expériences dans un monde en constante évolution sont la source d’inspiration. L’exposition du pavillon du Zimbabwe cherche à offrir une autre perspective sur les thèmes de l’identité, de la migration, du patriotisme et de l’appartenance. Les idées d’ici et d’ailleurs, de voir et d’être vu, de légal et d’illégal sont restées des sujets de débat et cette exposition cherche à apporter quelques réponses à ces questions. Les frontières font inévitablement partie de la vie, mais les gens continuent de les franchir légalement et illégalement.

Ce numéro de Deconstructing Boundaries aborde un vaste sujet qui est devenu un problème central et l’exposition éclaire certaines de ses diverses perspectives à travers les artistes Admire Kamudzengerere, Charles Bhebe et Dana Whabira. Leur travail incite le public du pavillon du Zimbabwe à réfléchir et à discuter des problèmes qui façonnent les relations de pouvoir. L’exposition cherche à poser quelques questions relatives à la question de l’appartenance à travers la voix de quatre artistes. Face à la mondialisation implacable, les frontières physiques sont brouillées et remises en question. Les voix et les perspectives des artistes à cet égard sont donc importantes, car elles sont le miroir de la société.Deconstructing Boundaries s’inspire des artistes participants alors qu’ils réfléchissent à leurs propres expériences et remettent en question les frontières qui existent actuellement sous une forme ou une autre. Alors que les artistes traversent différentes frontières et frontières, ils transportent avec eux leurs propres expériences uniques sur les différents espaces qu’ils visitent.

Pavillon de la Mongolie
Lost in Tngri (Lost in Heaven) et rassemble 5 artistes qui explorent les urgences de la société contemporaine mongole. Le pays est à la croisée des chemins entre son identité de nation nomade, avec une histoire importante de chamanisme et de bouddhisme, et une nouvelle réalité économique de mondialisation où l’utilisation des ressources naturelles menace son existence même. Les traditions d’élevage sur de vastes et magnifiques terrains avec une vie liée à la nature, à l’ascendance et au monde spirituel sont considérées comme le paradis par beaucoup. L’opportunité économique, créée à la suite de l’effondrement du système socialiste en 1990, a ouvert la porte à un autre type de paradis. L’exploitation minière, la construction, le cachemire et d’autres entreprises ont explosé en créant de la richesse grâce à l’exploitation des terres de leurs ancêtres.Mais le pays est-il en train de disparaître entre ces deux biosphères ? À travers le cinéma, l’installation, la sculpture et le son, les artistes de toutes générations questionnent l’avenir de la Mongolie.

Lieux d’exposition autour de San Marco et Dorsoduro

Pavillon chinois de Taïwan
Tehching Hsieh développe une nouvelle itération de ses One Year Performances, un ensemble de défis extrêmement physiques et psychologiques qui enquêtent sur la nature du temps et les dilemmes existentiels de la condition humaine moderne. Pour sa Cage Piece de 1978, l’artiste a passé 12 mois en quasi-isolement dans une cage qu’il a construite dans son atelier avec le strict nécessaire, et l’interdiction de parler, lire, écrire ou regarder la télévision.

Les salles historiques du Palazzo delle Prigioni Venise, l’ancienne prison du Palazzo Ducale, sont un cadre idéal pour le travail d’un artiste qui comprend mieux que quiconque, le sens et le coût du « temps de faire », et la nature des vies vécues aux marges de ce que nous appelons la société. D’une position éloignée, Hsieh n’incarne pas seulement une force vitale et une résilience émergeant de ses débuts à Taïwan chinois. Une persistance dans l’adversité commune à beaucoup, véhiculée par des pratiques artistiques frugales mais extrêmes. Ses actions évoquent des angoisses culturelles collectives et explorent les nombreux dilemmes existentiels rencontrés dans la condition humaine moderne.

Pavillon de l’Azerbaïdjan
Sous le thème « Sous un seul soleil », l’art de vivre ensemble, a une signification symbolique. Assurer la paix et la stabilité dans une ère moderne avec des processus géopolitiques complexes est l’un des enjeux les plus importants de l’humanité. Aujourd’hui, nous assistons à des tendances négatives dans le monde entier. L’Azerbaïdjan est un exemple parfait d’une société complexe, qui promeut l’acceptation de différentes langues et origines culturelles, la culture du vivre ensemble principalement dans l’harmonie et l’égalité dans une société multiculturelle et multireligieuse, se soutenant mutuellement dans un environnement naturel parfois rude. Malheureusement, des facteurs dangereux tels que la xénophobie, l’extrémisme, la discrimination religieuse et le terrorisme violent les normes pacifiques de coexistence et conduisent à des calamités au sein des civilisations et des nations.

Dans ce contexte, chaque nation devrait contribuer au renforcement des tendances positives, à la propagation et à la promotion des relations publiques fondées sur les traditions multiculturelles et au dialogue entre les cultures et les civilisations. Cette situation géographique a joué un rôle essentiel dans la diversité culturelle. En représentant la situation existante, montrez que les gens peuvent s’unir autour d’idées de multiculturalisme. L’art de vivre ensemble, qui offre la possibilité de s’engager dans le modèle azerbaïdjanais de multiculturalisme, de promouvoir la tolérance, la confiance mutuelle, la solidarité et l’amitié entre les différentes nations.

Pavillon Cuba
L’exposition intitulée ‘Time of Intuition’, composée en grande partie de jeunes artistes, qui jouissent déjà d’une reconnaissance considérable dans le monde entier. L’exposition sur la nécessité de retrouver le rôle de l’art et de l’artiste dans la société, sur l’urgence de sauver l’humanisme perdu au cours de toutes ces décennies. En contextualisant le projet sur la réalité cubaine et en gardant à l’esprit les idées curatoriales de Macel, Noceda s’est inspirée du concept de temps tel qu’exprimé par l’écrivain cubain Alejo Carpentier (1904-1980), initiateur du concept latino-américain de réalisme magique. Carpentier disait qu’aux Caraïbes et à Cuba coexistent simultanément trois réalités temporelles : le passé, ou temps de mémoire, le présent, temps d’intuition ou de vision, et le futur, ou temps d’attente. Le présent est l’élu, le Temps de l’Intuition.

Le pavillon cubain est situé dans l’ancien et prestigieux palais Loredan, les 14 interprètes de la vie quotidienne des îles des Caraïbes, à travers des parcours intimes ou satiriques, avec des performances, des photos ou des installations, traitent de sujets allant de la déconstruction du passé et de l’histoire , à chroniquer aujourd’hui; allant des questions sociales, raciales et de genre aux thèmes de la foi et de la spiritualité. Ce sont des auteurs particuliers et indépendants, qui proposent des visions différentes des enjeux de leur monde dans lesquelles le contexte, et l’engagement dans celui-ci, sont les clés pour reconsidérer la réalité.

Pavillon Irak
‘Archaic’, montre le travail de huit artistes irakiens modernes et contemporains en dialogue avec 40 objets anciens irakiens tirés du musée de l’Irak et couvrant six millénaires, du néolithique à la période parthe. La plupart de ces objets n’ont jamais quitté l’Irak auparavant, à l’exception de quelques-uns qui ont été récemment récupérés après les pillages du Musée de 2003. La tension dans le terme « archaïque » est tirée de ses références multivalentes à l’ancien et au primordial, ainsi qu’à ce qui est actuellement hors d’usage. L’exposition fait ressortir cette tension pour souligner sa pertinence particulière pour l’Irak, un pays dont la réalité politique, administrative, sociale et économique existante est sans doute aussi « archaïque » que son héritage ancien.

La première vitrine est une sélection d’œuvres tout sauf contemporaines. En fait, ces objets remontent à des milliers d’années. Il y a de minuscules statues de figures féminines et d’animaux, et une rangée de sceaux cylindriques. Certaines des plus petites statues sont tellement usées au cours des siècles que leurs traits de pierre ne sont plus que des ombres. Le reste de l’art du pavillon du Palazzo Cavalli-Franchetti sur le Grand Canal est nouveau – soit de la seconde moitié du 20e siècle, soit commandé pour la Biennale 2017. Ces œuvres sont présentées comme des exemples d’art moderne enracinés dans les cultures d’une terre ancienne.

Pavillon du Monténégro
Le Monténégro est représenté par le projet « Čovjek-Uomo-Human » des artistes Ivana Radovanović et Adin Rastoder. Les œuvres d’Ivana Radovanović et Adin Rastoder représentent deux concepts artistiques indépendants avec un thème commun, le thème de l’anthropologie et de l’homme. Ce concept est une invitation, un appel à changer le monde dans lequel nous vivons. L’art est un symbole, un médium qui relie les peuples et les cultures. Dans leurs caractéristiques visuelles et leurs messages artistiques, les projets artistiques d’Ivana Radovanović et Adin Rastoder représentent des pièces distinctes, mais en même temps ils constituent un ensemble esthétiquement chorégraphié et puissant. Les deux concepts artistiques forment une union dans la mesure où ils expriment deux aspects différents de l’être humain.Leurs contrastes mutuels créent en réalité un message unique qui nous invite à méditer profondément sur le sens de l’existence humaine. Leur projet est donc un appel à changer le monde dans lequel nous vivons, et à revenir à toutes ses valeurs essentielles.

La sculpture de Rastoder est une figure imaginaire qui émerge de principes anthropologiques vitaux. À travers son processus créatif, il parvient à des solutions et des réponses inhabituelles, abstraites et nouvelles. Ses figures ont toutes la même forme, mais ce qui les rend différentes, ce sont leurs couleurs, qui indiquent ce qui est individuel et collectif en elles. La vision du monde optimiste de l’auteur s’exprime à travers leurs costumes aux couleurs vives. Le travail d’Ivana Radovanović met en évidence l’absurdité et l’impermanence comme dimensions clés de la vie humaine. En conséquence, elle fait preuve d’une sensibilité fortement moderne marquée par une destruction de la personnalité et de l’individualité. Cet esprit est, en fait, une collection et une accumulation de sentiments, d’images, de fragments, qui peuvent être combinés pour former un nouveau composé.L’artiste traite de l’être humain vu essentiellement comme un créateur et un destructeur. Ses figures représentent des personnes défigurées ou des personnes sans visage, sans qualités, dépourvues de tout sens, indifférentes et dégradées au regard de leur dignité humaine.

Lieux d’exposition autour de Cannaregio et Santa Croce

Pavillon de l’Islande
L’inventivité et l’humour du projet d’Egill Sæbjörnsson, ainsi que sa capacité à rassembler des mondes divergents à travers l’utilisation de différents médias et plateformes pour créer un environnement immersif où le réel et le concret se croisent avec l’imaginaire et le fantastique, engagent le public avec ses univers sensoriel en couches et réflexions pertinentes sur notre monde contemporain.

Egill Sæbjörnsson vit et travaille à Berlin et Reykjavik. A la pointe de l’expérimentation, il combine musique, sculpture, projection vidéo et animations, ainsi que sa propre performance – que ce soit en tant que mime, conférencier, acteur, musicien ou chanteur – pour créer des récits spatiaux fictionnels. Théâtrales, poétiques et ludiques, les objets dormants ordinaires prennent vie dans les œuvres de Sæbjörnsson – qu’il s’agisse de seaux en plastique, d’un mur, de pierres brutes ou de sacs à main – entraînant le spectateur dans un monde merveilleux où le réel et l’imaginaire se heurtent. Son travail brouille les frontières entre le réel et l’illusoire en explorant la « magie » de la technologie, en jouant avec la vidéo et le son projetés dans des combinaisons surprenantes qui exigent des considérations complexes de la part du public.Mais alors que son travail est expérientiel et suscite des questions ontologiques denses, il les encadre de manière à rendre ces thèmes accessibles.

Pavillon de la Roumanie
Intitulé Apparitions, le premier solo consacré à une artiste féminine de Roumanie, dans un long voyage qui a été majoritairement dominé par les hommes. Apparitions, une série d’œuvres réalisées par l’artiste les yeux partiellement fermés. Mais « apparitions » est un mot qui résume peut-être une pratique artistique. Pour Bratescu, l’objet artistique est le résultat d’une « danse de l’esprit » : la technique compte moins, ce qui est important — dit souvent l’artiste — c’est « l’esprit » de l’œuvre, ce que revendiquent « l’esprit et la vision ». Apparitions, c’est aussi la liberté absolue, au-delà de toute contrainte sociale et politique. Mais les apparitions sont aussi des épiphanies : l’œuvre d’art surgit par la transfiguration d’éléments plastiques simples via des expressions.

L’artiste complexe Geta Brătescu crée des dessins, des collages, des gravures, des tapisseries, des objets, des photographies, des films expérimentaux, des vidéos, des performances ; s’exprimant dans tant de médiums, qui peuvent tous être convertis, suggère-t-elle, au dessin. Aux yeux de Geta Brătescu, la condition sociale et politique ne se reflète pas dans l’art : l’art doit parvenir à garder son autonomie, ne pas interférer avec la politique. Quel que soit le lieu, l’artiste doit avoir la capacité de créer un studio mental. L’espace physique de l’atelier, présent de manière presque obsessionnelle dans certaines œuvres, se confond avec un espace intérieur, qui produit des mondes en soi, des mythologies. La même chose se produit avec la propre présence physique de Bra˘tescu dans son art, qui, lorsqu’elle est absente, crée des alter ego et des mythologies féminines complexes, des cartes et des voyages mentaux.

Pavillon du Nigéria
Avec le thème « Et maintenant ? », l’exposition prend la forme d’une chronologie à plusieurs niveaux. Il arrive du passé et, ensuite, s’envole vers le futur. La déclaration derrière cela est tout simplement que le moment pour le Nigeria est maintenant. Et maintenant? semble être une question curieuse et stimulante qui évoque un éventail de possibilités idéologiques. Elle implique avec force le contemporain et/ou le postcolonial. Ce pavillon est un cadre pour des potentialités données – établissant un lien entre les œuvres d’art présentées et le milieu dans lequel travaillent les artistes nigérians, et reliant l’imagination artistique au continuum d’expérience et à la complexité de l’identité nationale.

Le pavillon du Nigeria offre à la nation l’occasion de réfléchir à son histoire et à son patrimoine et à la manière dont elle défend les récits actuels fragmentés mais interconnectés. Les artistes visuels sélectionnés sont Victor Ehikhamenor et Peju Alatise, et l’artiste de danse/performance Qudus Onikeku. Leurs œuvres donnent un aperçu de diverses perspectives sur la vie nigériane contemporaine à travers des installations, des peintures et des performances. La médiation de problèmes contemporains et historiques à travers différentes formes d’expression promet une expérience revigorante.

Événements collatéraux

Mémoire et Contemporanéité. L’art chinois aujourd’hui
Arsenale Nord, Promoteur : Le Musée du Palais, Pékin
Quelle est exactement la signification d’une réflexion sur l’art contemporain chinois dans la mémoire ? Évidemment, c’est un chemin important qui nous amène à prendre conscience de la valeur de la civilisation chinoise. La ville de Pékin est le symbole pour représenter la diversité et la richesse de la culture chinoise. Et c’est précisément dans la capitale qu’est né le projet d’exposition Mémoire et Contemporanéité. Dans le cadre de la Cité Interdite, l’un des plus grands héritages de l’histoire de la Chine, elle ouvre actuellement un espace d’investigation où, à partir des collections et archives du Musée du Palais, un groupe d’artistes contemporains chinois a été invité à réfléchir sur l’art contemporain en rapport au culte de la mémoire.

Samson Young : Chansons pour les secours en cas de catastrophe
Arsenale, Campo della Tana, Promoteur : M+, West Kowloon Cultural District ; Conseil de développement des arts de Hong Kong
L’artiste et compositeur Samson Young crée un nouveau corpus d’œuvres qui tente de faire de la popularisation des « célibataires caritatifs » un « événement » historique et un moment de transformation culturelle. Les singles caritatifs étaient les plus répandus dans les années 1980 et coïncidaient avec la montée des aspirations néolibérales et la mondialisation de l’industrie de la musique populaire.

À travers une réorientation délibérée et une mauvaise lecture créative de titres emblématiques tels que We Are the World et Do They Know It’s Christmas, l’artiste génère une série d’objets, de performances et d’installations sonores spatiales qui constituent ensemble un tableau audiovisuel. L’exposition est conçue comme un album se déroulant dans l’espace : une reproduction mécanique en un seul exemplaire qu’il faut entendre et voir en personne ; un appel à l’action urgent et perpétuel.

Un bonsaï de mon rêve – uvres de Wong Cheng Pou
Arsenale, Castello, Promoteur : Bureau des affaires culturelles du gouvernement de la RAS de Macao ; Le musée d’art de Macao
Le monde devient de plus en plus compliqué. Vivant dans une ville surpeuplée, les gens peuvent trouver déroutant de se faufiler entre les lacunes. J’ai tellement de chance d’avoir vécu au bord de la mer, et chaque fois que je suis libre, j’aimerais aller quelque part en hauteur, assis là à ne rien faire, juste à regarder les montagnes enchanteresses d’une position élevée, surtout quand il y a une lune claire dans le ciel, les ombres argentées reflétées par le calme de l’eau sont totalement différentes de ce qu’elles étaient le jour – une jungle de béton glaciale. Ensuite, je n’ai pas pu m’empêcher de m’éprendre de ce paysage insondable, rappelant mes souvenirs des créatures du Shan Hai Jing, qui soignent les mers et les montagnes de manière excentrique.

Faire son temps
Palazzo delle Prigioni, Promoteur : Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
Dans la scène artistique du centre-ville de Manhattan à la fin des années 1970 et au début des années 1980, un jeune artiste taïwanais Tehching Hsieh a réalisé une série exceptionnelle d’œuvres d’art. Il s’est lancé dans cinq performances distinctes d’un an. Dans chacun, il a établi une règle stricte qui a régi son comportement pendant toute l’année.

Les performances étaient sans précédent en termes d’utilisation de la difficulté physique sur des durées extrêmes et dans leur conception absolue de la vie et de l’art comme processus simultanés. Rassemblant de nombreux documents et artefacts dans des installations détaillées, Doing Time contrepointe deux des performances d’un an les plus émouvantes de Hsieh : la Time Clock Piece (1980-1981) et la Outdoor Piece (1981-1982). Ensemble, ces deux performances monumentales de sujétion montent un discours intense et affectif sur l’existence humaine, sa relation aux systèmes de pouvoir, au temps et à la nature.

Alberto Biasi, Sara Campesan, Bruno Munari et autres amis de Verifica 8+1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Promoteur : Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
L’association Verifica 8 + 1 a été créée en avril 1978 sur le continent vénitien comme un lieu de rencontre pour les artistes impliqués dans la recherche de nouveaux langages. Le projet d’exposition s’articule autour de trois membres significatifs de l’association : Sara Campesan, membre fondatrice à la personnalité dynamique et au fort penchant créatif ; Bruno Munari, la figure paternelle putative de l’association ; et Alberto Biasi, le fondateur de l’art programmé en Vénétie.

L’exposition comprend des œuvres des autres membres fondateurs et la sélection de sept autres artistes qui ont présenté des expositions personnelles au Centre et qui ont été particulièrement actifs au sein du groupe. Ainsi le projet comprend un groupe équilibré symétrique de sept artistes, fondateurs du Centre, en plus des trois personnalités mentionnées dans le titre, et sept maîtres qui ont animé des expositions à Verifica 8+1.

Corps et âme. Art de la performance – Passé et présent
Conservatorio di Musica « Benedetto Marcello », Palazzo Pisani, Promoteur: Rush Philantropic Arts Foundation
En Corps et Âme. Performance Art – Past and Present, huit artistes de la performance – certains de renommée historique, d’autres émergents – apparaissent dans des performances en direct et dans une documentation vidéo ou photographique de leurs actions antérieures. Les figures pionnières VALIE EXPORT, ORLAN, Nicola L et Carolee Schneemann ont longtemps utilisé leur corps pour exprimer des préoccupations liées au genre, à la féminité, aux relations personnelles et à la politique. Leurs innovations étaient à la fois formelles et thématiques, confrontant directement les inégalités de genre et la répression sociale au milieu du XXe siècle.

Les plus jeunes participants à l’exposition, s’appuyant sur cet héritage, abordent le canon de l’art de la performance lui-même (Derrick Adams), la fragmentation culturelle et les identités multiples (Aisha Tandiwe Bell), la paternité et le cycle de la vie (John Bonafede), et la contestation des rôles sociaux et dynamique de l’expression corporelle (Katarzyna Kozyra).

La Catalogne à Venise_La Venezia che non si vede
Cantieri Navali, Castello, Promoteur : Institut Ramon Llull
Antoni Abad propose une interprétation sensorielle de l’espace urbain qu’est Venise, réalisée en collaboration avec un groupe de personnes aveugles et malvoyantes. Ce collectif de personnes utilise les sens d’une manière différente par rapport à la majorité de la population et est capable de révéler des aspects cachés de la ville.

Le catalyseur de ce projet d’art socialement engagé est une application mobile, BlindWiki, créée spécialement pour les personnes aveugles, qui permet d’enregistrer et de publier des impressions de n’importe quel endroit de la ville, ainsi que d’écouter ces enregistrements in situ. Ainsi, le projet catalan est une expérience éminemment sensorielle, où l’intelligence collective se réapproprie l’accessibilité universelle et propose des manières alternatives d’occuper l’espace public, à la fois physique et numérique.

Fernando Zobel. Contrapuntos
Fondaco Marcello, Promoteur : Ayala Foundation/Ayala Museum
L’exposition propose une introduction et une perspective sur l’œuvre de Fernando Zóbel (1924-1984), qui est né à Manille, a étudié à l’Université de Harvard et a vécu en Espagne. Les peintures exposées sont une synthèse harmonieuse des techniques picturales asiatiques et occidentales. Décrit comme un artiste transnational, Zóbel était une figure clé du mouvement de l’art moderne aux Philippines. Il a également noué des liens étroits avec des artistes espagnols dans les années 1950 à 1960 lors de l’essor de la peinture abstraite espagnole.

En se concentrant sur les années 1956-1962, l’exposition sélectionne les principales réalisations de l’artiste, les séries Saeta et Serie Negra. L’exposition comprend également les sculptures de Pablo Serrano (1908-1985) qui était également un partisan de l’abstraction en Espagne. Fernando Zobel. Contrapuntos est conçu comme une mise en scène organique, une sphère contemplative et cérébrale plutôt qu’une scénographie inanimée. Artefacts, textes, musique et publications font partie d’un dialogue visuel sur la façon dont la pratique artistique pourrait être réimaginée en tant que forme vivante d’expression contemporaine.

Future Generation Art Prize @ Venise 2017
Palazzo Contarini Polignac, Promoteur : Fondation Victor Pinchuk
Le Future Generation Art Prize @ Venice 2017 présente la quatrième édition du premier prix artistique mondial avec 21 artistes de presque tous les continents et 16 pays différents. À travers les déclarations d’artistes indépendants, cette exposition aborde les complexités du monde contemporain et explore les possibilités de l’art en son sein. Équilibre entre personnel et collectif, imaginaire et réel, familier et étrange, le spectacle propose un voyage captivant à travers des réalités parallèles où se croisent expériences idiosyncratiques et phénomènes mondiaux.

James Lee Byars, La tour dorée
Dorsoduro, Promoteur : Fondazione Giuliani
James Lee Byars (1932-1997) a envisagé la tour dorée comme un phare et un oracle colossaux qui relieraient le ciel et la terre et unifieraient l’humanité – un monument contemporain dépassant la grandeur du phare d’Alexandrie. L’idée a commencé en 1990 et a été développée avec de nombreuses études conceptuelles tout au long de la carrière de l’artiste.

S’élevant à une hauteur de 20 mètres, The Golden Tower est l’œuvre la plus grande et la plus ambitieuse de l’artiste. Fabriquée en 2017 avec une équipe de doreurs italiens, cette installation de The Golden Tower est la première à réaliser pleinement les intentions de l’artiste de présenter la sculpture dans un espace public, et doublement significative compte tenu des liens profonds de Byars avec la ville. Byars a vécu indéfiniment à Venise à partir de 1982. Il a participé à quatre éditions précédentes de la Biennale Arte depuis 1980 et a joué de nombreuses performances à Venise tout au long de sa carrière.

Jan Fabre – Sculptures en verre et en os 1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio, Promoteur : GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergame
L’exposition passe en revue l’œuvre de Jan Fabre depuis ses débuts, entraînant le spectateur dans une contemplation philosophique, spirituelle et politique de la vie et de la mort à travers le prisme de la métamorphose, telle qu’elle s’incarne dans ses œuvres en verre et en os créées entre 1977 et 2017.

L’artiste choisit le verre pour sa transparence réelle et métamorphique, car c’est un matériau qui se regarde à travers. Il l’utilise de différentes manières, comme une feuille/mur transparent dans lequel il peut graver ou sculpter une oreille en relief : l’organe de l’ouïe rejoignant ainsi celui du voir. L’utilisation de l’os marque un retour à l’un des repères fondamentaux de Fabre, la tradition des maîtres flamands, qui utilisaient régulièrement l’os broyé dans leurs peintures. Ainsi, les œuvres de verre et d’os unissent l’enfance artistique de l’artiste à l’histoire de l’art ancien et moderne, dans une réinterprétation permanente du rapport entre passé, présent et futur.

L’homme comme oiseau. Images de voyages
Palazzo Soranzo Van Axel, Promoteur : Musée national des beaux-arts Pouchkine
L’exposition invite le spectateur à voyager à travers de multiples dimensions, l’espace, le temps et l’expérience individuelle – qui peuvent altérer la perception du monde et de soi. La morphologie et la structure initiales des images se transforment tout au long du parcours grâce aux différents points de vue intégrés au projet. Comme Gulliver de Jonathan Swift ou Alice de Lewis Carroll, le spectateur expérimente des proportions et des perspectives insolites : le monde se transforme, le point de vue change, le réel et l’imaginaire s’entremêlent et ne correspondent plus à notre perception.

Au cours du voyage, l’angle de vision s’élargit grâce à la vue à vol d’oiseau à une vision élargie liée à tous les autres sens. Le son, la sensation tactile et la vision haptique permettent d’expérimenter un espace supplémentaire – l’espace de la mémoire, qui met en avant le voyage individuel à travers le soi. Le point de fuite où convergent la machine et l’œil humain, espaces d’histoire et de mémoire individuelle, est en chacun de nous, et le but ultime de ce voyage est de se connaître.

Pistolet de Michel-Ange
Isola di San Giorgio Maggiore, Promoteur : Associazione Arte Continua
Le symbole du Troisième Paradis, une reconfiguration du symbole mathématique de l’infini, est composé de trois cercles consécutifs. Les deux cercles extérieurs représentent toutes les diversités et antinomies, y compris naturelles et artificielles. Le cercle central est la jonction et l’interprétation des cercles extérieurs et représente la matrice génératrice d’une nouvelle humanité.

Le Troisième Paradis est la troisième phase de l’humanité, réalisée via une interconnexion équilibrée de l’artificiel et du naturel. Dans cette phase, l’art devient un catalyseur de significations liées au symbolisme religieux, un domaine multiconfessionnel capable de promouvoir l’équilibre dans les conflits politiques et religieux qui frappent tragiquement le monde entier. Dans l’exposition Michelangelo Pistoletto, l’artiste explore les problèmes contemporains liés à la société mondialisée d’aujourd’hui, présentant des œuvres inspirées par l’acceptation des différences et par la tolérance politique, religieuse et raciale, promues par la créativité visant à améliorer la société.

Modus
Ca’ Faccanon, Promoteur: WAVE’s (femmes arts Venise)
Modus raconte l’histoire d’un aspect de la pratique de l’art qui s’est progressivement érodé à partir de la seconde moitié du XIXe siècle et a été reformulé en clé théorique par les mouvements historiques d’avant-garde : le lien intime entre technique et poétique, la relation entre la science et la matière de l’œuvre d’art.

Avec une vidéo d’animation sur l’histoire de l’art, l’exposition révèle, en de multiples sections, les interrelations linguistiques et interdisciplinaires qui caractérisent la quête contemporaine de l’art. La base scientifique a été développée en collaboration avec l’Académie des Beaux-Arts de Bologne et le programme Visual Communication Design Method de l’Académie des Beaux-Arts de Venise.

Philip Guston et les poètes
Gallerie dell’Accademia di Venezia, Promoteur : Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
La Gallerie dell’Accademia di Venezia présente le travail de l’éminent peintre canado-américain Philip Guston (1913-1980) dans une exposition majeure explorant l’œuvre de l’artiste en relation avec des figures littéraires clés.

L’exposition considère les idées et les écrits des grands poètes du XXe siècle comme catalyseurs de ses images énigmatiques, présentant des œuvres qui couvrent une période de cinquante ans dans la carrière artistique de Guston, des peintures et des dessins datant de 1930 jusqu’à sa mort en 1980. L’exposition établit des parallèles entre les thèmes humanistes essentiels reflétés dans ces œuvres, et les paroles de cinq poètes : DH Lawrence, WB Yeats, Wallace Stevens, Eugenio Montale et TS Eliot. Cette exposition muséale reflète la relation privilégiée de l’artiste avec l’Italie.

Pierre Huyghe
Espace Louis Vuitton Venezia, Promoteur : Fondation Louis Vuitton
Pour l’Espace Louis Vuitton Venezia, Pierre Huyghe a imaginé un tout nouveau format d’exposition, entre récit, fiction et mémoire fugitive. Le film Un voyage qui n’était pas (2005) est au centre de l’exposition, retraçant une expédition en Antarctique à bord d’un ancien voilier à la recherche d’une nouvelle île où habiterait un manchot albinos ; là, Huyghe a traduit la topographie de l’île en son, créant une partition musicale jouée sur la patinoire de Central Park à New York.

Creature (2005-2011), petit pingouin en fibre de verre, émettant des sons, est « une intuition unique, lointaine où elle disparaît presque dans le contexte ». Silence Score (1997), est la transcription des sons imperceptibles du 4’33 » (Silence) de John Cage enregistré en 1952, où un musicien jouait quelques minutes de silence à partir d’une partition sans notes.

Ryszard Winiarski. Événement-Information-Image
Palazzo Bollani, Promoteur : Starak Family Foundation
L’exposition des œuvres de Ryszard Winiarski présente l’œuvre de l’une des personnalités les plus intéressantes de l’art polonais de la seconde moitié du XXe siècle : artiste, ingénieur, peintre, scénographe, enseignant, précurseur de l’art conceptuel, et le principal représentant d’indéterminisme. Dans sa thèse de diplôme de 1966, intitulée Événement-Information-Image, il a défini un concept mature et innovant d’œuvre d’art basé sur une tentative de transférer les problèmes des mathématiques, des statistiques, des technologies de l’information et de la théorie des jeux sur la toile.

Sa vision audacieuse d’incorporer les informations réelles dans la peinture, l’esthétique binaire et l’utilisation de la participation s’intègrent parfaitement à l’œuvre de Ryszard Winiarski dans des phénomènes contemporains aussi répandus que le développement de la communication visuelle, la domination des narrations numériques, l’universalité de la participation, la popularité des codes QR.

Salon Suisse : Ataraxie
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promoteur: Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia
Le discours bien rodé « La Suisse est un pays sans problèmes » établit une image de sécurité économique, mais malgré tout son capital culturel, le pays a pour la plupart réussi à éviter la confrontation au sujet de ses histoires moderniste et coloniale. La soi-disant «neutralité» de la Suisse dans le paysage économique, politique et culturel actuel de l’Europe et d’ailleurs – ainsi que ses récits post/coloniaux – est au cœur du Salon Suisse de cette année. Une série d’outils comprenant le terme de « mythologisation » de Roland Barthes (Mythologies, 1957) a été utilisé pour déballer les récits politiques de la Suisse – des tropes ayant un statut proche de la mythologie. Ataraxia vise à nous galvaniser dans l’action à travers des formes animées de réflexion, d’expérience et de réponse collectives.

Ecosse + Venise présente Rachel Maclean’s Spite Your Face
Ancienne église Santa Caterina, Promoteur : Ecosse + Venise
Le partenariat Ecosse + Venise est ravi de présenter une nouvelle commande de film majeure de Rachel Maclean, Spite Your Face. Faisant référence au conte populaire italien Pinocchio, Spite Your Face propose une critique puissante de la rhétorique politique contemporaine de la « post-vérité », dans laquelle le langage douteux de la vérité est utilisé et abusé pour renforcer le pouvoir personnel, corporatif et politique. Possédant une vision unique et souvent dérangeante, les récits fantastiques de Maclean’s combinent les modes traditionnels du théâtre avec la technologie et la culture populaire, soulevant des questions critiques sur l’identité, l’économie, la société et la moralité dans un monde saturé de médias.

Shirin Neshat La maison de mes yeux
Museo Correr, Promoteur : Written Art Foundation
The Home of My Eyes est le portrait visuel d’une culture. Conçues et produites par Shirin Neshat de 2014 à 2015, ses photographies incluent la calligraphie à l’encre. Outre cette œuvre la plus récente, Neshat présente Roja, une vidéo de 2016 basée sur ses rêves personnels. Roja montre les sentiments de « déplacement » et de « terre étrange », ainsi que le désir d’une réunion avec « la maison » et avec la « patrie ». Ce qui semble au premier abord sympathique s’avère pourtant, tout au long de la vidéo, terrifiant et démoniaque. Pour The Home of My Eyes, Neshat a choisi différentes personnes à travers l’Azerbaïdjan, un pays d’ethnies, de religions et de langues diverses. Les personnalités du portrait apparaissent frontales en trois tailles, de 152 à 205 cm. Nous regardons les genss visages et rencontrer plusieurs cultures et générations.

Stephen Chambers : La Cour de Redonda
Ca’ Dandolo, Promoteur : The Heong Gallery at Downing College, University of Cambridge
L’artiste britannique Stephen Chambers présente une installation de peintures conçues pour le cadre historique de Ca’ Dandolo, Venise. La Cour de Redonda explore la création de mythes, articulant le rôle joué par les artistes dans l’imagination d’un monde qui n’est pas tel qu’il est, un monde qui n’est pas nécessairement totalement ancré dans la réalité. Redonda est une petite île inhabitée des Antilles orientales, avec une royauté honorifique transmise par la lignée littéraire.

Chambers a été initié à la légende de Redonda par les écrits du romancier espagnol Javier Marías, et a trouvé dans l’histoire un tissage labyrinthique de possibilités visuelles. Plus de 100 portraits d’une cour imaginaire sont accrochés dans l’ancien palais. La Cour de Redonda offre un aperçu fascinant du travail de Chambers et suit des expositions majeures à la Royal Academy de Londres (2012) et au Pera Museum, Istanbul (2014). L’exposition est organisée par Emma Hill.

Le Pays de Galles à Venise : James Richards
Santa Maria Ausiliatrice, Promoteur : Cymru yn Fenis Wales à Venise
L’intérêt de James Richards réside dans la possibilité du personnel au milieu du chaos des médias de masse. Il combine vidéo, son et images fixes pour créer des installations et des événements en direct. Son travail utilise une banque de matériel sans cesse croissante qui comprend des fragments de cinéma, des œuvres d’autres artistes, des séquences de caméscopes parasites, des émissions télévisées sombres de fin de soirée et des recherches d’archives.

Des installations soigneusement construites impliquent des considérations sculpturales, cinématographiques, acoustiques, musicales et de conservation pour créer des œuvres d’une intensité extraordinaire. La présentation de Richards pour Wales à Venise consiste en une installation sonore adaptée au site qui se déplace à travers un large éventail de genres et de langages musicaux et le travail qui en résulte est une expérience cinématographique et multisensorielle.

Hier/Aujourd’hui/Demain : la traçabilité, c’est la crédibilité par Bryan Mc Cormack
Isola di San Giorgio Maggiore, Promoteur : Fondazione Giorgio Cini
Ce travail visualise la crise des réfugiés et donne la parole à des centaines de milliers de personnes de plus de 30 nationalités (parlant autant de langues), en majorité des enfants, souvent analphabètes. Chaque réfugié crée 3 dessins, un de sa vie d’avant (Hier), un de sa vie actuelle (Aujourd’hui) et un de son avenir (Demain).

C’est à la fois une installation/performance et une voix sur les réseaux sociaux qui trace une mémoire visuelle de cet exode, des bateaux/camps de réfugiés sur les îles grecques aux abris au Royaume-Uni. Une multiplicité de réfugiés a participé à ces dessins, créant leur culture contemporaine tout en perdant simultanément la traçabilité de leur culture héritée. Sans traçabilité, l’existence d’un peuple disparaît. Chaque dessin de réfugié compte. Chaque dessin est une voix. Chaque voix compte.

Biennale de Venise 2017
La 57e Biennale de Venise était une exposition internationale d’art contemporain qui s’est tenue entre mai et novembre 2017. La Biennale de Venise a lieu tous les deux ans à Venise, en Italie. La directrice artistique Christine Macel, conservatrice en chef du Centre Pompidou, a organisé son exposition centrale, « Viva Arte Viva », comme une série de pavillons interconnectés conçus pour refléter la capacité de l’art à élargir l’humanisme.

Le conservateur a également organisé un projet, « Unpacking My Library », basé sur un essai de Walter Benjamin, pour répertorier les livres préférés des artistes. Macel est la première réalisatrice française depuis 1995 et la quatrième femme à diriger la Biennale. Une tendance à présenter des artistes méconnus, redécouverts ou « émergents morts » était un thème de la 57e Biennale.

La Biennale de Venise est une exposition biennale d’art internationale qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « les olympiades du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes à travers Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également régulièrement des festivals dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.

En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, appelés pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations propriétaires de leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenale de Venise et des palais dans toute la ville.

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.