La 57e exposition d’art internationale, intitulée Viva Arte Viva, organisée par Christine Macel et organisée par Paolo Baratta, s’est déroulée du 13 mai au 26 novembre 2017. La Biennale se présente comme un lieu dédié à un dialogue ouvert entre artistes, et entre artistes et le public. Le thème de cette année est dédié à célébrer, et presque rendre grâce, l’existence même de l’art et des artistes, dont les mondes élargissent notre perspective et l’espace de notre existence.

L’exposition s’est déroulée dans les pavillons historiques des Giardini, à l’Arsenale et dans le centre-ville de Venise, avec la participation de 86 pays et régions. 23 Collateral Events, promus par des institutions nationales et internationales à but non lucratif, présenteront leurs expositions et initiatives à Venise lors de la 57e Exposition.

L’exposition Viva Arte Viva propose un parcours qui se déroule au cours de neuf chapitres ou familles d’artistes, en commençant par deux royaumes d’introduction dans le pavillon central des Giardini, suivis de sept autres royaumes à découvrir dans l’Arsenale et le Giardino delle Vergini . Il y a 120 artistes invités de 51 pays ; 103 d’entre eux y participent pour la première fois.

Dans un monde plein de conflits et de chocs, l’art témoigne de la part la plus précieuse de ce qui nous rend humains. L’art est le terrain ultime de la réflexion, de l’expression individuelle, de la liberté et des questions fondamentales. L’art est le dernier bastion, un jardin à cultiver au-delà des tendances et des intérêts personnels. Elle se présente comme une alternative sans équivoque à l’individualisme et à l’indifférence.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva est une Exposition inspirée de l’humanisme. Ce type d’humanisme n’est ni axé sur un idéal artistique à suivre ni caractérisé par la célébration de l’humanité en tant qu’êtres capables de dominer leur environnement. Au contraire, cet humanisme, à travers l’art, célèbre la capacité de l’humanité à éviter d’être dominée par les pouvoirs régissant les affaires mondiales. Dans ce type d’humanisme, l’acte artistique est à la fois un acte de résistance, de libération et de générosité.

Viva Arte Viva est une exclamation, un cri passionné pour l’art et l’état de l’artiste. Le rôle, la voix et la responsabilité de l’artiste sont plus que jamais cruciaux dans le cadre des débats contemporains. C’est dans et par ces initiatives individuelles que se dessine le monde de demain, certes incertain, mais souvent mieux perçu par les artistes que par les autres.

Chacun des neuf chapitres ou familles d’artistes de l’Exposition représente un Pavillon en soi, ou plutôt un Trans-Pavillon car transnational par nature mais fait écho à l’organisation historique de la Biennale en pavillons, dont le nombre n’a cessé de croître depuis la fin des années 1990.

Viva Arte Viva cherche aussi à véhiculer une énergie positive et prospective, qui tout en se concentrant sur les jeunes artistes, redécouvre ceux qui sont décédés trop tôt ou ceux qui sont encore largement méconnus malgré l’importance de leur travail.

Du « Pavillon des Artistes et du Livre » au « Pavillon du Temps et de l’Infini », ces neuf épisodes racontent une histoire souvent discursive et parfois paradoxale, avec des détours qui reflètent les complexités du monde, une multiplicité d’approches et une grande variété de pratiques. L’exposition se veut une expérience, un mouvement extraverti de soi à l’autre, vers un espace commun au-delà des dimensions définies, et en avant vers l’idée d’un néo-humanisme potentiel.

Partant du Pavillon des Artistes et du Livre, l’Exposition dévoile son postulat, une dialectique qui engage l’ensemble de la société contemporaine, au-delà de l’artiste lui-même, et aborde l’organisation de la société et ses valeurs. L’art et les artistes sont au cœur de l’exposition, qui commence par examiner leurs pratiques, leur manière de créer l’art, à mi-chemin entre l’oisiveté et l’action, l’otium et le negotium.

L’exposition à l’Arsenale
L’exposition se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale et comprend 86 participants du monde entier. Initié en 1980, l’Aperto a commencé comme un événement marginal pour les jeunes artistes et les artistes d’origine nationale non représentés par les pavillons nationaux permanents. Ceci est généralement mis en scène dans l’Arsenale et fait désormais partie du programme officiel de la biennale.

A partir de 1999, l’exposition internationale se tient à la fois au Pavillon Central et à l’Arsenale. Toujours en 1999, une rénovation d’un million de dollars a transformé la zone de l’Arsenale en un ensemble de chantiers navals, de hangars et d’entrepôts rénovés, faisant plus que doubler l’espace d’exposition de l’Arsenale des années précédentes.

Environ la moitié de l’espace intérieur d’Arsenale est constitué par cette exposition – la continuation de l’exposition de Macel qui a commencé dans le pavillon central d’Il Giardini.

Le voyage se déroule au cours de neuf chapitres, ou familles d’artistes, en commençant par deux parties introductives dans le pavillon central, suivies de sept autres à travers l’Arsenale. Chaque chapitre représente un Pavillon en soi, ou plutôt un Trans-Pavilion car il est transnational par nature mais fait écho à l’organisation historique de la Biennale en pavillons.

Le pavillon du commun
Le premier pavillon de l’Arsenale, dédié à la communauté et au rôle de la conscience collective.

Franz Erhard Walther
Franz Erhard Walther, lauréat du Lion d’or, présente trois œuvres de sa série Wallformation du début des années 1980 et une sélection de Walking Pedestals de 1975, toutes invitant à une implication totale du corps.

Rasheed Araeen
L’installation Zero to Infinity à Venise de l’artiste pakistanais Rasheed Araeen accueille les visiteurs : des cubes de bois en fil de fer aux couleurs fluorescentes peuvent être librement déplacés pour créer des espaces et des architectures toujours différents : une action contre la symétrie et le minimalisme formel.

Anna Halprin
Anna Halprin, une belle femme de quatre-vingt-seize ans, nous invite à rejoindre sa danse universelle circulaire : Planetary Dance est un geste, un mouvement commun qui exprime une intention de paix et de joie pour le monde entier.

Le Pavillon de la Terre
Le Pavillon de la Terre se penche sur les thèmes de l’environnement et de l’écologie. Le Pavillon de la Terre réunissant une monumentale tortue semi-abstraite d’Erika Verzutti, des sculptures performatives monumentales de papillons de nuit réalisées dans des tissus traditionnels kosovars par Petrit Halilaj, une installation de piliers de sel recherchant l’exploitation du lithium « le pétrole blanc » par Julian Charrière, et une installation à grande échelle de Thu Van Tran comprenant un film 16 mm, des photogrammes monumentaux, des peintures spécifiques au site et une sélection de sculptures en cire.

Charles Atlas
L’installation vidéo Tyranny of Consciousness de Charles Atlas – récipiendaire d’une mention spéciale du jury – montre simultanément quarante-quatre couchers de soleil marqués par une grosse montre digitale pendant un compte à rebours de 18 minutes. A zéro heure, dans l’obscurité de la salle, la célèbre drag queen new-yorkaise Lady Bunny apparaît à l’écran en chantant une chanson disco : la bande originale de la fin du monde.

Petrit Halilaj
L’artiste albanais Petrit Halilaj – récompensé par une mention spéciale du jury – avec Vous rendez-vous compte qu’il y a un arc-en-ciel même s’il fait nuit !? Rempli la Corderie de sculptures en tapis et tissus de la tradition balkanique reproduisant de gigantesques papillons de nuit. L’insecte nocturne est le symbole du changement, de la révélation de son identité, et, en même temps, une déclaration d’amour pour son pays.

Le Pavillon des Traditions
Le Pavillon des Traditions rassemble des artistes impliqués dans la protection et la mise à jour des savoir-faire artisanaux. Il y a un certain nombre d’artistes intéressants qui explorent non seulement l’histoire récente mais aussi un passé plus lointain, puisant dans les références historiques dans un désir de légitimité, de renaissance et de réinvention.

Thérèse Lanceta
Teresa Lanceta réinterprète la broderie marocaine en créant des surfaces en laine et coton enrichies de tissages et de formes géométriques très colorées : le tissage, fruit d’un travail collectif, est la traduction matérielle et tangible de la mémoire ancestrale.

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Francis Upritchard
Le tissu, véritable star de cette Biennale Arte, est aussi le support de prédilection de Francis Upritchard, qui tapisse ses sculptures de vêtements ethniques d’excellente qualité et à la coupe impeccable : moines islamiques, acteurs du théâtre Kabuki, arlequins, guerriers maoris, amérindiens. . La collection anthropologique d’Upritchard souligne comment l’acte de collectionner signifie, en réalité, la peur d’être oublié dans un monde globalisé engloutissant les cultures anciennes.

Le Pavillon des Chamans
Le Pavillon des Chamans, comme le suivant dédié à Dionysian, est imprégné de la magie et du pouvoir spirituel et cathartique de l’art.

Ernesto Neto
L’installation Um Sagrado Lugar (Un lieu sacré) du Brésilien Ernesto Neto est un majestueux rideau suspendu caractérisé par un tissage organique retors en voile de coton teinté aux couleurs naturelles qui remplit tout l’espace de la Corderie. L’œuvre est un moment de partage – les visiteurs sont invités à entrer et à apprendre les rituels des Indiens Huini Kuin de la forêt amazonienne. Retrouver la conscience des peuples autochtones et le trans-mysticisme exprimé dans les cérémonies sacrées de guérison devient le remède aux maux de la société contemporaine.

Le pavillon dionysiaque
La dimension surnaturelle est évoquée dans le Pavillon dionysiaque, où sacré et profane se mélangent élégamment dans une série d’œuvres explorant la provocation érotique et le blasphème dans l’art.

Pauline Curnier Cardin
Pauline Curnier Cardin dépeint Bernadette comme pas si sainte dans l’installation vidéo hilarante Grotta Profunda, Approfundita.

Mariechen Danz
Mariechen Danz crée un espace inquiétant, où l’essence dionysiaque du démembrement du corps – comme dans le mythe tragique du dieu grec – devient un moment de réflexion sur le changement éternel de la nature et de la géographie, la fugacité des choses et l’expression sans fin des langues.

Huguette Caland
L’œuvre d’Huguette Caland est au contraire très ironique ; elle crée des vêtements pour femmes au style poétique et ludique et aux allusions sexuelles astucieuses.

Le Pavillon des Couleurs
Le Pavillon des Couleurs a été conçu par Christine Macel comme le résumé de tous les pavillons précédents, avant le dernier chapitre. Le Pavillon des Couleurs est une explosion de lumière, un feu d’artifice, comme l’a décrit Macel elle-même.

Sheila Hicks
La sculpture surdimensionnée en fibres naturelles et synthétiques Scalata al di là dei terreni cromatici / Escalade Beyond Chromatic Lands de l’Américaine Sheila Hicks domine la scène : un assemblage protéiforme aux couleurs vives illumine la Corderie, invitant les visiteurs à toucher les tissus, à se pencher, et d’interagir les uns avec les autres. L’œuvre de Hicks est un mélange de design, d’architecture, d’art et de performance spontanée produit par des écheveaux volumineux exprimant un « tissage impartial », pour citer Hicks, capable d’activer, simplement parce qu’il est imparfait, notre enfant intérieur.

Le Pavillon du Temps et de l’Infini
La métaphysique de l’art est le thème central du Pavillon du Temps et de l’Infini. Dans quel genre d’époque vivons-nous la question que se posent les artistes réunis ici : un présent continu, un passé qui se répète, ou un futur proche contenant des événements et des souvenirs réels ?

Edith Dekyndt
Edith Dekyndt avec sa performance-installation One Thousands and One Night tente de capturer l’infini du temps : un tapis de poussière illuminé par un faisceau lumineux en mouvement est constamment balayé par un balai pour s’assurer que les particules de poussière fugaces et impalpables restent toujours allumé. Mais le temps ne peut pas être arrêté.

Liliana Porter
Liliana Porter crée une scène très puissante dans El hombre con el hacha y otras situaciones breves, Venecia 2017, où une figurine miniature d’un homme avec une hache semble déclencher une chaîne d’événements désastreux impliquant la petite et la grande échelle. Fusillades, poursuites, vases brisés, pianos qui tombent d’en haut : où commence et où finit l’action ?

Liu Jianhua
La poésie des gouttes de céramique dorée posées sur des plaques de métal noir imprègne toute la salle dédiée à l’artiste chinois Liu Jianhua, qui, avec Square, réduit les formes à l’essentiel et fige à l’état solide la matière liquide stoppant la transformation physico-chimique.

Alicja Kwade
L’artiste polonaise Alicja Kwade crée une architecture labyrinthique en acier et en verre pour sa WeltenLinie, où des sculptures de différents matériaux (pierre, bronze, aluminium et bois) se succèdent, se reflètent et se transforment les unes dans les autres, déroutant les visiteurs et les rendant incapables de reconnaître leur position et la logique du labyrinthe : le continuum espace-temps suit les règles d’une limite qui tend inexorablement vers l’infini.

Les docks
Sur les quais réels, au bord de l’eau, vous trouverez le Pars Pro Toto d’Alicja Kwade, composé de plusieurs pierres naturelles circulaires étalées pour former leur propre univers. Et le voisin Giardino Delle Vergini, l’exposition se termine par de très beaux projets.

Il y a la vidéo historique de Bas Jan Ader Broken Fall, le petit jardin de sculptures d’Erika Verzutt faisant allusion à un lieu de sépulture pour animaux de compagnie, la magnifique pièce sonore Composition for a Public Park de Hassan Kahn – un lauréat légitime du Lion d’argent, et un beau projet de l’artiste daghestanais Taus Makhacheva .

La seule chose physique que vous trouverez de ce dernier projet est une petite étiquette indiquant qu’il y a une performance aux coordonnées 45°23’30.8″N 12°24’47.7″E, où plusieurs artistes apparaissent et disparaissent sur un bateau chaviré transporté de la mer Caspienne du Daghestan au large devant la lagune de Venise.

Biennale de Venise 2017
La 57e Biennale de Venise était une exposition internationale d’art contemporain qui s’est tenue entre mai et novembre 2017. La Biennale de Venise a lieu tous les deux ans à Venise, en Italie. La directrice artistique Christine Macel, conservatrice en chef du Centre Pompidou, a organisé son exposition centrale, « Viva Arte Viva », comme une série de pavillons interconnectés conçus pour refléter la capacité de l’art à élargir l’humanisme.

Le conservateur a également organisé un projet, « Unpacking My Library », basé sur un essai de Walter Benjamin, pour répertorier les livres préférés des artistes. Macel est la première réalisatrice française depuis 1995 et la quatrième femme à diriger la Biennale. Une tendance à présenter des artistes méconnus, redécouverts ou « émergents morts » était un thème de la 57e Biennale.

La Biennale de Venise est une exposition biennale d’art internationale qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « les olympiades du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes à travers Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également régulièrement des festivals dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.

En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, appelés pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations propriétaires de leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.

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Tags: Italy