Galerie des Offices, Florence, Italie

La Galerie des Offices est un important musée d’art situé à côté de la Piazza della Signoria dans le centre de Florence, dans la région de Toscane, en Italie. L’un des plus importants musées italiens, il est également l’un des plus grands et des mieux connus au monde. d’œuvres inestimables, en particulier de la période de la Renaissance italienne

Les Galeries actuelles des Offices forment un complexe comprenant la Galerie des Statues et des Peintures (ancien Palais des Offices), le Couloir Vasari et les collections du Palazzo Pitti, situées à Florence. Ce complexe est la quantité et la qualité des œuvres recueillies par l’un des musées les plus importants du monde. Il y a la collection la plus importante de Raffaello et Botticelli, ainsi que les fondations principales des œuvres de Giotto, Titien, Véronèse, Tintoret, Pontormo, Bronzino, Caravaggio, Dürer, Rubens et autres.

Alors que le Palazzo Pitti se concentre sur les peintures du XVIe siècle et le baroque (de Giorgione à Tiziano, de Ribera à Van Dyck) mais aussi des XIXe et XXe siècles italiens, le couloir Vasariano fait actuellement partie de l’Autoportrait (plus de 1 700 ), qui sera bientôt déplacé à la Statue Gallery. Pour les autoportraits, vous trouverez Holbein, Rembrandt, Velazquez, Reynolds, David, Corot, Ingres, Delacroix, Sargent, Chagall, Ensor etc.

La Galerie des Statues abrite une collection d’œuvres d’art inestimables, au cœur des collections de Médicis, enrichies au fil des siècles d’héritages, d’échanges et de donations, dont un ensemble fondamental d’œuvres religieuses issues de la suppression des monastères et couvents entre les XVIIIe et XIXe siècles .

Divisée en différentes salles organisées pour les écoles et les styles dans l’ordre chronologique, l’exposition présente des œuvres du XIIe au XVIIIe siècle, avec la meilleure collection d’œuvres de la Renaissance dans le monde. À l’intérieur, il y a quelques-uns des plus grands chefs-d’œuvre de l’humanité, réalisés par des artistes de Cimabue au Caravage, à travers Giotto, Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raffaello, Mantegna, Titien, Parmigianino, Dürer, Rubens, Rembrandt, Canaletto et Sandro Botticelli. De grande valeur sont également la collection de la statuaire antique et surtout celle des dessins et gravures qui, conservés dans le cabinet du même nom, est l’un des plus important et important dans le monde.

La construction a été commencée en 1560 et réalisée en adoptant l’ordre dorique, selon Vasari, “plus sûr et plus ferme qu’aucun autre, […] a toujours aimé le Seigneur M. Cosimo” en 1565 avait déjà accompli le soi-disant Long Uffizi et l’étirement sur l’Arno.

Le Palais des Offices est composé de deux bâtiments principaux d’usine longitudinale, reliés au sud par un côté plus court de la même, donnant lieu à un complexe en «U» qui embrasse une place et surplombe prospectivement vers Piazza della Signoria, avec un tir parfait de Palazzo Vecchio et sa tour.

Les trois cadavres ont le même module: au rez-de-chaussée il y a un loggiato architravato recouvert de voûte en berceau, composé de recoins et de colonnes délimités par des colonnes et subdivisés en trois intercolonnes par deux colonnes interposées entre des piliers; à ce module il y a trois ouvertures dans la fausse mezzanine au-dessus qui servent à éclairer le porche et trois fenêtres au premier étage qui montrent l’alternance entre le tympan triangulaire et les avant-toits curvilignes et sont comprises entre les pentes; Enfin, au dernier étage, une loggia a repris le module tripartite et a accueilli par la suite l’originale Galerie des Offices.

Au rez-de-chaussée, un portique s’étend sur toute la longueur des côtés ouest et sud, et du côté est jusqu’à la via Lambertesca; élevé sur un podium de quelques marches, le porche est composé de colonnes doriques et de piliers avec des niches pour les statues qui soutiennent un linteau mais est recouvert de longues voûtes en berceau décorées de cadres rectangulaires en relief, qui sont reliés entre eux par des bandes géométriques brisées et un motif uniforme.

Le portique architraved représente une grande nouveauté dans l’histoire de l’architecture, puisque les portiques médiévaux, puis ceux de la Renaissance, se composait d’une série d’arcs et jamais d’architraves, à la fois à Florence (comme le porche du navire Innocenti), à part du Palais du Sénat de Michel-Ange, qui est l’un des modèles du projet Hamlet.

Aux étages supérieurs se trouvent trois panneaux, trois fenêtres avec balcons et timbales respectivement triangulaires, circulaires et encore triangulaires (premier étage) et trois ouvertures sur la loggia supérieure (maintenant la galerie du deuxième étage) séparées par deux colonnes. Les avions sont divisés par de majestueux cadres marcapiens. Les éléments architecturaux sont soulignés par l’utilisation de la pierre sereine (en particulier celle extraite de la vallée du plateau), qui se trouve sur un plâtre blanc, selon le style florentin le plus typique commencé par Brunelleschi.

Le petit côté est caractérisé par un grand arc, un sergent, encadrant scéniquement le visage de l’Arno, surmonté d’une loggia, ouverte sur la cour avant et l’Arno, comme une véritable toile de fond théâtrale, inspirée par des réalisations scéniques contemporaines. Au rez-de-chaussée se trouve la statue de John of the Black Bands, œuvre de Temistocle Guerrazzi. Au premier étage les grandes fenêtres ont une arcade et en face de la centrale, la plus grande, correspondant à la Vérone, il y a trois statues: Cosimo I debout à Giambologna (1585), aux côtés des personnages mensongers d’équité et de pénalité, par Vincenzo Danti (1566). Dans les niches des piliers de la loggia a été conçu pour insérer une série de célèbres statues florentines, la construction a commencé seulement à partir de 1835.

Beaucoup d’originalité est le portail (“Porte des Supplications”) construit par Bernardo Buontalenti sur la Via Lambertesca: il est couronné d’un tympan cassé, mais pour plus d’originalité Buontalenti renversa les deux moitiés, obtenant une sorte de “sourcil” tympanique, animal et organique de son architecture.

Vestibule d’entrée et couloir est:
Le cadre, composé de trois vestibules, a été réalisé à la fin du XVIIIe siècle par l’achèvement de l’escalier monumental, le nouvel accès à la Galerie, par la volonté du grand-duc Pietro Leopoldo. Dans le premier vestibule sont des busties de marbre et de porphyre des Médicis par Francesco Ier à Gian Gastone; le vestibule rectangulaire, décoré dans la voûte par Giovanni da San Giovanni avec Capricci mythologique, avec des bustes anciens et modernes communique avec ceci est; dans le vestibule elliptique: statues romaines, sarcophages et reliefs antiques. La porte qui pénètre dans la Galerie, avec ses côtés sont deux Molos Dogs, copies romaines du 1er siècle après JC, est surmontée du buste de Leopold.

Les trois corridors qui correspondent aux trois corps du palais courent le long de l’intérieur et ouvrent les couloirs. Elles sont décorées de fresques au plafond et les grandes fenêtres révèlent leur aspect primitif de loggia ouverte couverte.

Aujourd’hui, les couloirs abritent la collection de statues anciennes, commencée par Lorenzo le Magnifique, qui a conservé les œuvres dans le jardin de Saint-Marc près du palais des Médicis. La collection a été agrandie par Cosimo Ier après son premier voyage à Rome en 1560 quand il a choisi de dédier les statues pour embellir le Palazzo Pitti et les portraits et les bustes pour le Palazzo Vecchio. Enfin, il fut également élevé à l’époque de Pierre Léopold de Lorraine, lorsqu’ils apportèrent à Florence les œuvres de la Villa Médicis, recueillies en grande partie par le futur grand-duc Ferdinand Ier, à l’époque cardinal. Il est curieux de noter que de telles œuvres, qui étaient souvent distraites par les visiteurs, jusqu’au début du 19ème siècle ont été une raison majeure pour visiter la galerie. Selon certaines sources, il s’agissait d’un essai de John Ruskin visant à éveiller l’intérêt pour la peinture de la Renaissance du musée, jusqu’alors interdite.

Les sculptures sont d’une grande valeur et remontent à l’époque romaine, avec de nombreuses copies d’originaux grecs. Parfois les statues incomplètes ou brisées ont été restaurées et intégrées par les grands sculpteurs de la Renaissance. La disposition des sculptures se rapproche le plus possible de la fin du XVIIIe siècle, en permettant la confrontation entre maîtres anciens et modernes, sujet très coûteux, et donc la fonction des statues est encore essentielle et caractérise fortement l’origine et la fonction historique de la galerie.

Le premier, long couloir est l’est, richement décoré dans le plafond grotesque datant de 1581, comme il court au plafond du plafond, une série de portraits, la série la plus jeune, couverte par des peintures de la plus grande taille des principaux membres de la famille Médicis. Série Aulica commencée par Francesco I de ‘Medici, avec des portraits de Giovanni di Bicci à Gian Gastone. Les peintures des séries Giovinas et Aulica, qui se poursuivent dans le couloir de l’Arno et à l’ouest de la galerie, constituent l’une des collections de portraits les plus grandes et les plus complètes du monde.

Les portraits picturaux contredisent la série de bustes romains ordonnés chronologiquement à la fin du XVIIIe siècle pour couvrir toute l’histoire impériale.

Parmi les œuvres statuaires les plus importantes, on peut citer Hercule et Centaure, d’après un original tardif, intégré dans la figure du héros par Giovan Battista Caccini en 1589; un roi barbare, composé en 1712 de l’ancien buste seulement; Pan et Daphni, d’un Hododore original de Rhodes du début du 1er siècle avant JC; le Satyre Dansant ou Bacco Bambino, d’un original hellénistique, restauré au XVIe siècle. Plus tard, une statue de Proserpine, un original grec du IVe siècle avant J.-C., se trouve, l’ancienne copie du pape de Skopas (IV siècle avant JC). Aux côtés de l’entrée de la tribune se trouvent un Hercule, un original de Lysipus, et un buste d’Hadrien appartenant à Lorenzo le Magnifique. Dans la dernière partie du couloir se rencontrent deux Vénus, originaux du 4ème siècle avant JC et un Apollon hellénistique, qui était à l’entrée de la Villa Médicis et a invité, avec son bras droit de restauration, l’accès à la maison, comme si c’était le royaume de Dieu lui-même.

Salle 1 Archéologique:
La salle a été créée en 1921, dans laquelle les œuvres sont principalement fabriqués à partir de Rome. Parmi les reliefs sont un Biga (V-IV siècle avant JC) et le feston d’Atena Nike (restauré au 18ème siècle par Bartolomeo Cavaceppi). Ils appartiennent au style “plébéien” de l’art romain les deux bas-reliefs avec des scènes de magasins du premier siècle après J.-C. Les reliefs de l’Ara Pacis sont coulés: les Médicis possédaient la dalle originale de Saturnia Tellus, qui retourna à Rome en 1937 pour redécouvrir le monument. Depuis les temps augustains sont aussi les fragments du meilleur des galli, tandis que sur les côtés il y a deux reliefs d’amour, un avec les attributs de Jupiter (foudre) et un avec ceux de Mars (l’armure): ils faisaient partie d’un série célèbre au Moyen Age, à laquelle Donatello a été inspiré par la cantate de Santa Maria del Fiore.

Le temple vénitien et la scène du sacrifice proviennent d’une frise adriatique du deuxième siècle. Le sarcophage à la fatigue d’Hercule se caractérise par un contraste lumineux accru, par des travaux de forage; les différents âges d’Hercule représentaient les périodes de la vie.

Sel du Moyen Age:
Les théâtres du 2 au 6 sont dédiés à l’art médiéval. Avec le premier, le XXe siècle et Giotto, il pénètre dans la salle des «primitifs», créée en 1956 par Giovanni Michelucci, Carlo Scarpa et Ignazio Gardella, qui a recouvert la salle d’un plafond sur le toit, imitant les églises médiévales. La salle a un fort impact sur la présence des trois monuments majestueux de Cimabue, Duccio di Buoninsegna et Giotto, peints dans quelques années. Dans la Majesté de Sainte-Trinité en 1285-1300, Cimabue tenta de s’émanciper avec la stylistique byzantine, cherchant un plus grand volume et un relief plastique avec une délicate douceur d’ombre; devant elle se trouve la lame de Duccio, connue sous le nom de Madonna Rucellai (vers 1285), construite avec une structure rythmique aux figures gracieuses, le plus influencée par l’expérience picturale cohésive du gothique français; Enfin, au centre de la salle, la Majesté d’Ognissanti de Giotto (vers 1310) d’une installation monumentale et bâtie beaucoup plus plastiquement en accentuant le clair-obscur et la volumétrie des corps. De Giotto est aussi le polyptyque Badia vers 1300.

La première salle a également une représentation la plus prestigieuse de la peinture du 13ème siècle, y compris un Christ triomphant de la fin du XII siècle et un Christus patiens, rare pour sa haute qualité et son statut de conservation très bon.

La salle suivante (3) est dédiée aux grands maîtres du XIVe siècle, auxquels sont confrontés les plus grands maîtres de cette école: l’Annonciation de Simone Martini et Lippo Memmi (1333) et la Présentation au Temple d’Ambrogio Lorenzetti ( 1342), du Duomo de Sienne et du Pala de la Bienheureuse Humilité (1340) de Pietro Lorenzetti.

Ci-dessous, la Salle Florentine Trecento (4), qui montre des développements artistiques après Giotto avec la contribution de ses étudiants les plus originaux et de personnalités telles que Giottino et Giovanni da Milano.

La Salle Internationale gothique (5-6) est dominée par le monumental Couronnement de la Vierge (1414) de Lorenzo Monaco et par le triomphe de l’excellence et de l’élégance de l’Adoration des Mages (1423) de Gentile da Fabriano, réalisée pour le Florentin marchand Palla Strozzi.

Salles de la Renaissance précoce:
Inégalée est le noyau de la peinture depuis le début de la Renaissance, de la fin du XXe siècle jusqu’au milieu du siècle. L’élaboration de la nouvelle langue est attestée par Sant’Anna Metterza (1424) par Masolino et Masaccio dans la salle 7: de Masaccio sont l’Enfant sculptural et la Vierge, peints avec un corps solennel si austère et réaliste qu’il ne peut plus définir ” Gothique “. Dans la même salle se trouvent la Bataille de Paolo Uccello, qui témoigne de son obsession prospective, et les œuvres de Beato Angelico et Domenico Veneziano qui indiquent la recherche de nouveaux formats pour le retable et la naissance de la «peinture de la lumière».

La grande salle 8 est dédiée à Filippo Lippi, créateur des propositions de Masaccio et passeur d’art florentin à cette «primauté du design» qui était son trait le plus typique. Voici également l’extraordinaire double portrait des ducs d’Urbino de Piero della Francesca, l’une des icônes les plus célèbres de l’esthétique de la Renaissance. L’exposition est complétée par des œuvres d’Alesso Baldovinetti et du fils de Lippi, Philippin, qui fut un artiste révolutionnaire à la fin du XVe siècle.

La salle 9 est dédiée aux Frères de Pollaiolo, Antonio et Piero, parmi les premiers à pratiquer un contour agile et vif, qui fut un modèle pour de nombreux artistes successifs. Dans la série des Vertus réalisée pour la Cour de la Miséricorde, on se distingue par son élégance formelle: c’est la Forteresse, parmi les premières œuvres du jeune Botticelli (1470).

Sala del Botticelli:
La salle de Botticelli, grande pour la piscine 10-14ème étage, recueille la meilleure collection d’œuvres du maître Sandro Botticelli, y compris son chef-d’œuvre, Spring et la célèbre naissance de Vénus, deux œuvres emblématiques de la culture néoplatonic sophistiquée développée à Florence dans la seconde moitié du XVe siècle. Ces œuvres ont été réalisées dans les années quatre-vingt du XVe siècle et sont les premières grandes œuvres de sujet profane de la Renaissance italienne. Ils ont été peints pour Lorenzo de ‘Medici (pas Lorenzo le Magnifique, mais un cousin qui vivait dans la Villa de Careggi, avec qui, entre autres choses, n’a pas coulé de sang).

Dans cette salle, vous pouvez retracer toute l’évolution picturale du maître, avec la gracieuse Madone en gloire des Séraphins et la Madonna del Roseto, les œuvres les plus jeunes encore liées au style de Filippo Lippi et Verrocchio, le Portrait de l’Homme à la Médaille de Cosme l’Ancien (1475), où il y a déjà une maturation du style lié probablement à l’étude du réalisme des œuvres flamandes, à des œuvres mythologiques, comme la mouvante Pallade et le Centaure, allégorie des instincts humains partagés entre raison et l’impulsivité mais guidée par la sagesse divine.

À l’approche du XVIe siècle, la vague réactionnaire ultra-religieuse de Girolamo Savonarola a commencé à devenir de plus en plus pressante dans la société florentine et cela se manifeste plus ou moins progressivement chez tous les artistes de l’époque. Même Botticelli, après un magnifique travail comme la Madone du Magnificat a commencé à adopter un style plus libre, desserré par la lucidité géométrique de la perspective du premier Quattrocento (Madonna della Melograna, Pala di San Barnaba), avec quelques expériences archaïques telles que le couronnement de la Vierge où le maître revient au fond d’or dans une scène semble inspiré par la lecture de Dante. La période sombre de la prédication savonarienne conduit à une vague définie de mysticisme pessimiste dans sa peinture: Calunnia (1495) symbolise l’échec de l’esprit optimiste humaniste, avec la reconnaissance de la faiblesse humaine et la relégation de la vérité.

Mais cette salle contient également de nombreux autres chefs-d’œuvre: l’emplacement du Portico Triptych, oeuvre flamande de Hugo van der Goes de 1475, fut réalisé par un banquier de la firme Médicis à Bruges en 1483, qui avec son étrangeté formelle envers les environs fonctionne bien fait l’effet de météore éclaircissant que cette œuvre a eu dans les cercles artistiques florentins de la seconde moitié du XVe siècle. À un examen plus précis, cependant, ils commencent à saisir les affinités avec les travaux effectués plus tard, le plus grand soin des détails, le meilleur rendu lumineux dû à la peinture à l’huile que les peintres florentins ont essayé d’imiter, même en copiant certains éléments du Travailler Fleming, comme les légers dés de Domenico Ghirlandaio dans son adoration similaire de bergers dans la basilique de Santa Trinita.

Une autre œuvre flamande est la Déposition dans le sépulcre de Rogier van der Weyden (vers 1450), avec la composition tirée d’un panneau de Beato Angelico, qui témoigne des échanges réciproques entre les maîtres flamands et florentins.

La chambre de Léonard et les pièces adjacentes:
La salle 15 documente les débuts artistiques de Léonard de Vinci, en commençant par le premier ouvrage documenté, le Baptême du Christ de 1475, par son maître Verrocchio, dans lequel le jeune Léonard peint la tête de l’ange gauche, le paysage et peut-être le corps en forme du Christ. Un autre travail juvénile est l’Annonciation, peinte par le maître de vingt ans, où les qualités du Leonard léger et son attention aux vibrations atmosphériques sont déjà visibles (pensez à l’ange vient d’atterrir), mais avec des perspectives telles que le livre sur lequel la Vierge met un bras, qui repose sur une base beaucoup plus avancée que les jambes de la Madone. L’Adoration des Mages est un travail inachevé dans lequel le sens novateur du génie de Vinci est évident, avec une composition très originale centrée sur la Madone et l’Enfant dans un scénario impitoyable de nombreuses figures en mouvement, parmi lesquelles, cependant, ne sont pas apparaissent traditionnels San Giuseppe ou le Capannuccia.

Dans le hall sont également des artistes actifs à Florence au cours de ces années: Perugino (trois grandes lames), Luca Signorelli et Piero di Cosimo.

La salle 16 (cartes géographiques) était à l’origine une loggia, fermée à la demande de Ferdinand Ier de Médicis et réalisée en fresque avec des cartes des domaines Médicis. La salle 17 s’appelle Stanzino delle Matematiche, toujours créée pour que Ferdinando I reçoive ses instruments scientifiques. Le plafond a été décoré avec une allégorie des mathématiques et des épisodes qui célèbrent la culture scientifique ancienne. Aujourd’hui, il expose la collection de bronzes modernes et quelques œuvres sculpturales anciennes.

La Tribune
Le Tribune est une salle octogonale qui représente la partie la plus ancienne de la galerie. Il a été commandé par Francesco I de ‘Medici en 1584 pour organiser les collections archéologiques et plus tard toutes les pièces les plus précieuses et les plus aimées des collections médicéennes ont été placées. Devenu très populaire à l’époque du Grand Tour, il a été considéré comme une source d’inspiration pour le Wunderkammer de nombreux nobles européens. L’environnement est recouvert d’une coupole incrustée de coquillages et de nacres, et couverte de nervures dorées et de lanternes sur lesquelles s’élevait une rose de vents, reliée à l’extérieur par une girouette. La tribune présente les murs de rouge écarlate, donnés par des tapisseries de velours, sur lesquels pendent des étagères et des étagères sur des objets et des statues; le sabot, maintenant perdu, a été peint par Jacopo Ligozzi avec des oiseaux, des poissons et d’autres merveilles naturalistes; au centre était un petit treillis, un meuble octogonal qui gardait les pièces les plus petites et les plus précieuses de la collection; le sol était fait d’incrustations de marbre.

La Tribune, ses décorations et objets qui contenaient allusion aux quatre éléments (Air, Terre, Eau, Feu): par exemple, la rose des vents dans la lanterne évoquait l’air, tandis que les coquilles noyaient dans le dôme l’Eau; le feu était symbolisé par les murs rouges et le sol des marbres précieux sur le sol. Tout ce symbolisme a ensuite été enrichi par des statues et des peintures qui ont développé le thème des Éléments et de leurs combinaisons. Tout le sens était aussi la gloire des Médicis, qui, grâce à la volonté divine, avaient atteint le pouvoir au sol, symbolisé par les magnifiques possessions rares et précieuses possédées.

Aujourd’hui, bien que transformée au cours des siècles, elle reste la seule pièce dans laquelle on puisse comprendre l’esprit originel des Offices, c’est-à-dire un lieu d’émerveillement où l’on peut comparer directement les œuvres des anciens représentées par la sculpture et celles des modernes avec les peintures. Autour de la belle table incrustée de pierres dures (de 1633 à 1649) sont encerclées quelques-unes des sculptures antiques les plus célèbres des Médicis, comme le Faune dansant (réplique romaine d’un original du IIIe siècle avant J.-C.), les Loteries (copie de l’époque impériale), l’Arrotino (aiguiser le couteau dans le groupe Marsia), la Scita (une copie d’une statue de l’école de Pergame qui faisait partie d’un groupe avec Marsia), l’Apollinus et surtout la célèbre Venere de ‘Medici , un original grec du premier siècle avant JC parmi les représentations les plus célèbres de la déesse.

La pierre monumentale en pierres dures contenait une collection de pierres précieuses inestimables, de chameaux antiques et de pierres dures, une des collections les plus aimées des Médicis, qui ont souvent fait leurs initiales sur les pièces les plus précieuses: aujourd’hui elles sont exposées dans différents endroits, Argenti Musée, le Musée archéologique national florentin et le Musée de minéralogie et de litologie.

Salles de la Renaissance à l’extérieur de Florence:
Le reste du bras est (hall 19-23) est dédié à diverses écoles de la Renaissance italienne et étrangère: dans ces salles l’esprit didactique des Offices, développé au XVIIIe siècle par des échanges et des accentuations spécifiques, représente le développement de la peinture dans tous ses les racines.