C’est le plus ancien espace de la cathédrale. En 1626, lorsque le vice-roi Rodrigo Pacheco y Osorio, marquis de Cerralvo (1624-1635) ordonna la démolition de l’ancien temple, la sacristie a fonctionné (jusqu’en 1641) comme lieu de détention des bureaux. Logiquement, on a placé l’autel principal et selon l’inventaire de 1632, il avait deux lutrins, l’un en fer doré et l’autre en argent fait par le maître Pedro Ceballos.

À l’intérieur de la sacristie, vous pourrez admirer d’énormes peintures des peintres de Novohispano Cristóbal de Villalpando et Juan Correa. Les titres des peintures sont: Le Triomphe de l’Église, L’apparition de San Miguel, La Femme de l’Apocalypse (Villalpando); Le transit de la Vierge et l’entrée du Christ à Jérusalem (Correa). Il y a aussi une peinture attribuée au peintre espagnol Bartolomé Esteban Murillo.

Il n’y a pas encore suffisamment de documentation pour donner une idée de la décoration intérieure qui a été présentée entre 1641 et 1684, mais à la place, s’il y a d’abondants ornements et orfèvres dans les inventaires de 1632, 1649, 1654 et 1669, donnant des indices sur ce qu’il y avait .

Le mobilier qu’il abrite aujourd’hui est du dernier tiers du XVIIIe siècle: armoires et commodes en bois de baume «qui adhèrent fidèlement aux préceptes que San Carlos Borromeo a formulés à cet égard», cardinal et archevêque de Milan, dans ses instructions d’usine et de l’ajc ecclésiastique de 1577

Juan de Viera commente que dans le cours supérieur de la sacristie, il y avait «deux tables en acajou de Chine, noires comme du jais, où sont placés les calices préparés pour le sacrifice, étant leurs planches d’un morceau de deux tiges de large et deux et demi de long « . Et il continue de souligner que la » caxonera « est faite de » bois exquis de bâton Saongolica et d’autres, avec ses serrures dorées et réparties en proportion, des armoires avec des portes du même bois … et dans la circonférence … à côté de les caxones éloignent deux tiges, fauteuils du même acajou. »Ces tiroirs ont été récemment modifiés en raison de problèmes de fonctionnement apparents.

Le livre de Toussaint de 1948 enregistre encore le trousseau de chaises à pieds cabriola et une crédence à tiroirs de jupes bombées, de pieds cabriola et de griffe, en plus de reliefs phytomorphes.

L’armoire à calices, située à l’origine sur le mur ouest sous la Vierge de l’Apocalypse de Cristóbal de Villalpando, abritait un grand nombre de «calices et verres en or du même métal garnis de pierres fines et autres récipients et récipients sacrés, chandeliers, piédestaux , des acheros d’argent sur les dorades et les croisières … sa richesse est beaucoup. Seuls les dépositaires d’or et de diamants en ont cinq, sans un nouveau qui a coûté 116 000 pesos. »L’inventaire de 1662 représente les aquamaniles, l’un d’eux par l’orfèvre Ena.

En 1957, le plancher et le plancher du périmètre en bois ont été changés en une autre pierre en escalier; une clôture jumelle a été placée à celle de la salle capitulaire (adaptée par l’architecte Antonio G. Muñoz) pour vestibuler l’espace créant une anteacristia. Master Soto a également modifié les proportions d’origine de certains tiroirs: le tiroir a été découpé dans la paroi avant et un oratoire en acajou au «goût hybride» a été placé au centre.

Enfin, la toile de la Vierge de Guadalupe avec un donateur, œuvre de Francisco Martínez réalisée en 1747 qui resta longtemps au sous-sol, préside désormais la salle Guadalupana de l’ancien bâtiment de la Curia de la virgen de guadalupe

Sacristie de la cathédrale de Mexico
La sacristie de la cathédrale de Mexico se forme parallèlement à la salle capitulaire, aussi bien dans ses dimensions que dans sa structure et même sur sa couverture. C’est celui-ci, celui qui communique le vaisseau processionnel de l’Épître à l’intérieur de l’enceinte, l’un des échantillons les plus purs qui ait laissé au Mexique l’art connu sous le nom de herreriano ou desornamentado. Le grand arc en plein cintre repose sur des pilastres sobres. Dans son archivuelta l’inscription qui date l’ouvrage peut être lue: « ÊTRE COMMISSAIRE LE SEIGNEUR OIDOR ALONSO VAZQUEZ DE CISNEROS A FAIT CETTE COUVERTURE ET FERMÉ CETTE SACRISTIE. ANNÉE 1623 ».

Au sein de cette arcade, l’architecture de la couverture bouge: deux pilastres doriques soutiennent un entablement sobre à fronton triangulaire fermé. La porte est un arc en plein cintre au-dessus de pilastres plus sobres, puisqu’ils ne sont pas striés comme les autres, mais présentent simplement un caseton encastré. La clé de l’arc est un drôle de corbeau. La forme qui monte sur la couverture et soutient la grande arche qui la recouvre est divisée en trois parties par des ornements qui forment des triangles mixtilinéaires sur les côtés et une fenêtre au centre, avec son cadre sobrement orné. La fenêtre a une clôture en fer forgé et cette clôture met une touche d’austérité exagérée au style déjà sévère de la couverture. La clôture de la prison, placée dans un endroit où personne ne pouvait s’échapper ou pénétrer, devient un facteur psychologique qui complète l’esprit de l’art qui règne dans cette structure: tout est terrible; il faut fuir l’ornement, l’ornement, comme la plus grande fierté ou la trivialité la plus ignoble.

Nous ne devons penser qu’à la justice de la vie qui mène à un paradis dans lequel nous recevrons froidement la récompense de nos bonnes actions. Ce paradis, plein de marbres classiques, à la grecque, nous offre la plus grande satisfaction que nous puissions atteindre; être aussi austère et pur qu’une statue de pierre; l’humanité se déshumanise et l’idéal est tellement hors de la réalité que très peu de fidèles en ont souvent envie. C’était un idéal imposé par Sa Majesté Philippe II, qui a laissé de magnifiques œuvres d’art sur terre pour symboliser, mais a fini par céder à l’esprit le plus humain de son peuple. Non moins religieux que lui, mais réaliste, attaché au monde dans lequel il vivait, cet art plus humain, plus tendre, plus possible a émergé, parce qu’en lui peut-être il y a la même intention de péché, qui s’appelle le baroque.

Lorsque les planches de bois minces sont ouvertes, avec des reliefs délicats dans leurs boîtiers, nous entrons dans la sacristie et y trouvons ce monde baroque qui devient l’esprit de l’art de la Nouvelle-Espagne.

Les voûtes de la sacristie ont été fermées en 1623. Elles sont similaires à celles de la salle capitulaire et à l’heure actuelle leurs veines ont été soigneusement nettoyées et dorées comme elles auraient dû l’être au début. L’œuvre de la dernière période de l’art gothique, que l’on appelait pour une raison flamboyante ou fleurie, n’entre pas en conflit avec l’art baroque de la seconde moitié du XVIIe siècle qui orne la partie basse de la pièce.

De grandes peintures murales à l’huile couvrent le champ: elles sont dues à deux peintres qui ont presque marqué une époque par leur personnalité: la fin du XVIIe siècle et le début du XVIIIe siècle. La peinture baroque qui sait donner à son art un esprit diversifié, plus conforme à l’architecture, plus «soumis à elle que le travail des artistes précédents, toujours en pleine Renaissance. Il s’agit essentiellement d’une peinture décorative; la figure humaine est oubliée; le paysage acquiert présence, personnalité. Non pas que ce soit un paysage vraiment vu; C’est encore un paysage d’armoire, mais il a toujours su capturer les tons automnaux, bleus, rougeâtres, dorés, qui savent chanter à merveille avec les reliefs environnants. Cette peinture mexicaine dérive sans aucun doute des artistes sévillans de son temps, de Valdés Leal surtout, mais acquiert une telle personnalité ici, qui sans aucun doute dans toute la colonie est la plus personnellement mexicaine.

Les grandes peintures sont l’œuvre de Juan Correa et Cristóbal de Villalpando, comme l’enseignent leurs signatures. Correa a peint « Le couronnement de la Vierge », « La lutte de saint Michel avec le dragon » et « L’entrée de Jésus à Jérusalem ». Villalpando, « L’Immaculée Conception » et « Le Triomphe de l’Église ». Les peintures ont été réalisées dans les années 1685. Et les grands cadres avec des anges qui les décorent sont l’œuvre du maître et sculpteur en architecture Manuel de Velasco. Dans la partie inférieure des murs, vous pouvez voir une commode en bois et quelques peintures qui complètent l’ornementation de la pièce.

Rien de mieux que cette sacristie, entièrement décorée de peintures baroques de tons automnaux, encadrées d’épaisses moulures dorées rougeoyantes, sous des voûtes de nostalgie ogivale, pour nous transporter à l’époque de la Colonie où l’art régnait sur toutes les coutumes. La vie est dure, difficile, cruelle; notre fin plus ou moins éloignée est toujours présente en nous; mais, par la magnanimité de Dieu, nous pouvons améliorer autant que possible cette existence terrestre, remplie de maux et de pièges. Ainsi, cette sacristie nous apparaît comme un lieu où la vie est plus savoureuse car l’art adoucit l’amertume de la vie, nous offrant l’espoir incomparable d’un avenir meilleur qui a déjà su se réaliser sur terre; nous vivons plus purs, moins de monde,

Pour l’art de la Nouvelle-Espagne, cette sacristie est le reliquaire où se trouve son expression la plus raffinée. Pas du gouvernement vice-royal, pas de la Couronne d’Espagne, mais des gens eux-mêmes qui s’expriment au pinceau de leurs artistes déjà émancipés autant que possible de l’art européen, pour créer leur propre art, espagnol d’origine, mais mexicain en réalité. La sacristie de la cathédrale métropolitaine de Mexico est donc attachante.

Styles artistiques de la cathédrale
Le fait que la cathédrale de Mexico soit une authentique école des divers courants artistiques qui ont eu lieu pendant quatre siècles est impressionnant, et qui se reflétait à l’intérieur et à l’extérieur, étant donné que pendant sa construction, les différentes tendances, mouvements et écoles d’art de le domaine de l’architecture, de la peinture, de la sculpture, etc. qui, selon les différents constructeurs, a influencé leur construction.

Ainsi, nous parlons de 400 ans de culture artistique en utilisant toutes sortes de matériaux, tels que le bois, le métal, la tezonte, la pierre, le marbre, le stuc, et surtout la carrière qui est le matériau le plus répandu de la cathédrale, de cette façon nous parlons du gothique l’art, de la fin du XVe siècle jusqu’au néoclassique du XIXe siècle tant dans sa construction que dans ses retables, sculptures, colonnes, étagères, balustrades, voûtes, et nous pouvons affirmer que notre cathédrale a tous les styles qui sont nés, a grandi, mûri et finalement disparu au cours de sa construction et qui a logiquement influencé son usine, les seuls styles qui ne se trouvent pas sont les derniers, appelés génériquement « modernes » ou « modernistes » et surtout les « postmodernistes », pensant que la cathédrale termine son construction vers 1813

Art gothique
Le plus ancien des styles trouvés dans la cathédrale est le soi-disant «gothique», un terme inventé par les humanistes de la Renaissance pour mépriser «l’art des Goths», aujourd’hui les Français, et malgré les efforts pour changer le terme, celui-ci était déjà dans la mémoire des siècles.

L’art gothique est généralement divisé en trois étapes qui s’étendent du XIe siècle à la fin du XVe siècle. Dès la première période dite «gothique primitive» nous avons comme exemple la cathédrale Notre-Dame de Paris (a. 1163); à partir de la seconde qui est appelée «gothique complet», nous avons comme exemple la cathédrale de Chartres (a. 1250), et à partir de la troisième période, appelée «gothique tardif», nous avons comme exemple la chapelle royale du Collège de Cambridge (une . 1515).

En tant que caractéristiques caractéristiques de l’art gothique, nous avons l’utilisation de la forme ogivale (sous la forme d’une feuille); les nervures des voûtes et des colonnes et l’utilisation des rosaces (vitraux circulaires multicolores). Le gothique, comme tout art, reflète les valeurs de l’esprit de l’époque, ainsi, au Moyen Âge, il a privé une spiritualité dirigée « vers le haut », c’est-à-dire vers la hauteur où Dieu est, donc l’homme devrait « regarder vers la hauteurs « plus qu’aux réalités de la terre, d’ici les très hauts navires, les ogives des arcs, des navires et des vitraux qui finissent au point, et qui invitaient à aller vers le haut, où étaient les vraies valeurs.

Les intérieurs des cathédrales gothiques étaient plutôt sombres, comme s’ils invitaient à la méditation, à la prière et à l’intériorité. Le gothique est en train de disparaître vers le XVe siècle, et pourtant, la prodigieuse créativité de l’homme gothique, suscite encore aujourd’hui une profonde admiration, qui a certainement influencé non seulement en France, mais partout en Europe, y compris en Espagne, où l’art nous vient du gothique.

Lorsque la construction de la cathédrale de Mexico a commencé, le gothique était déjà dans ses dernières étapes, cédant la place à de nouvelles et différentes conceptions architecturales et artistiques en général, cependant, la cathédrale a également quelques touches gothiques comme les deux magnifiques voûtes de la sacristie transportées par les nervures gothiques et les sous-stalles, il en va de même pour les voûtes qui couvrent la salle capitulaire, jumelle de la sacristie et qui forment, avec l’abside d’aujourd’hui l’autel de los Reyes, les plus anciens bâtiments de la cathédrale, bien qu’il n’y ait pas de rosaces .

L’art Herreriano
Le prochain des styles architecturaux que nous trouvons dans la cathédrale est le soi-disant Herreriano qui, bien qu’il ne soit pas le suiveur immédiat du gothique, car il est suivi par le maniérisme dont la cathédrale n’a pas d’exemple, car il avait déjà terminé son temps quand la construction du bâtiment de la cathédrale commence.

Le herreriano est un style du nom de l’architecte Juan de Herrera qui doit ce style dont le meilleur exemple est l’Escorial (a. 1584) et dont le travail était sous les ordres du roi Felipe II (1552-1584), style dans lequel il a été promu Amérique espagnole.

Le herreriano a ses propres caractéristiques: sa monumentalité, sa sobriété, son élégance classique et son style sévère et large. Comme le gothique, le herreriano est également causé par la spiritualité de son temps qui porte l’idée d’une Église solidement fondée, de force et de grandeur, mais en même temps d’une grande sobriété, de sorte que les luxes et les ornements sont éliminés.

En vertu de ces concepts, le herreriano utilisera de grands espaces, dont les murs longs, solides et hauts, ne sont interrompus que par les grandes fenêtres carrées, avec un treillis, qui illuminent l’intérieur, de sorte que dans ce style, les vitraux multicolores ne sont pas utilisés.

L’idée est parfaitement exprimée par les éléments qui composent ce type architectural. Étant donc le herreriano le style qui est propre à l’Espagne et promu par le même roi Felipe II, rien d’étrange qu’il ait transmis son influence aux colonies espagnoles, et donc, notre cathédrale a le herreriano dans une large mesure.

En effet, les grands espaces des murs latéraux, à l’est et à l’ouest ainsi que les murs de l’abside, interrompus par les grandes fenêtres carrées qui illuminent l’intérieur des chapelles, donnent une imposante monumentalité vue de l’extérieur. Et à l’intérieur, à la fois la sacristie et la salle capitulaire, sont un exemple clair de la rigueur de Herrera avec une telle sévérité, que plus tard ses murs ont été recouverts de grandes peintures et retables

Art baroque
Entre le dernier stade gothique, à la fin du XVe siècle et le début du baroque à la fin du XVIe siècle, il y a eu une période qui a produit le maniérisme dans la première partie du XVIe siècle en Italie.

Le maniérisme était un mouvement esthétique qui reflétait la crise de l’art qui est apparue à cette période et se caractérise par un art turbulent, plein de contradictions, rare et exagéré avec des visions angoissantes du cauchemar et même diabolique, il est donc difficile de le définir avec précision.

L’architecture n’a pas reçu autant d’influence que la peinture et la sculpture, nous n’avons donc pas correctement d’exemples de ce style. En réaction au maniérisme, une nouvelle forme artistique émerge qui reçoit le nom de baroque, un terme d’origine vraiment incertain, car certains dérivent du terme italien « baroque » qui est le nom d’un syllogisme médiéval et d’autres de la langue portugaise « Baroque » qui en bijouterie signifie une perle irrégulière donc il en sera ainsi jusqu’au 19ème siècle quand on lui donnera une définition plus précise.

Le baroque dominé en termes généraux, de la fin du XVIe siècle au milieu du XVIIIe siècle et trois étapes bien définies peuvent être envisagées: le baroque primitif, le baroque complet et le baroque tardif. Le baroque est une exubérance mystique dans tous les ordres artistiques.

Le XVIe siècle fut l’une des périodes les plus prolifiques pour être un siècle de passage, de transition. Il y a une effervescence extraordinaire dans les domaines politique, économique, social, artistique et attachée à cela, la découverte du Nouveau Monde, transforme les relations internationales, l’art baroque est donc le reflet de cette ambiance répandue.

Dans le domaine religieux, les grands changements qui sont venus de la Réforme protestante et de la réaction de l’Église catholique, ont entraîné un changement dans tous les arts où le baroque se manifestait comme l’exubérant de la foi et la splendeur du culte catholique en architecture, sculpture, peinture, littérature et même musique, réaction baroque qui apparaît largement répandue dans toutes les régions catholiques, face au puritanisme et à la sobriété exagérée des protestants.

Ainsi, le mysticisme du baroque souligne l’optimisme, la vitalité et le triomphe de la foi catholique dans ses splendides ornements, ornements et, à cette époque, audacieuses conceptions artistiques. D’un autre côté, le baroque unifie trois des grands arts: l’architecture, la sculpture et la peinture, de sorte que la chose la plus importante dans le baroque n’est pas le détail, mais la vision globale, qui, encore aujourd’hui, incite ceux qui s’émerveillent à contempler la maîtrise de ce style.

Au Mexique, comme dans toute l’Amérique latine, l’inventivité audacieuse des architectes espagnols, associée à la profonde vision artistique des indigènes, a donné des visions nouvelles et surprenantes au baroque, en particulier au XVIIIe siècle, précisément quand en Europe le baroque s’est éteint. peu à peu, dégénérant en exagération du rococo, ou, comme dans d’autres cas, en prenant le style néoclassique.

De la splendeur du baroque à ses différentes étapes, la cathédrale métropolitaine de Mexico est l’un de ses exemples les plus clairs, car en effet, pendant le développement du baroque, ils sont sous son influence du début du baroque des façades avant, orientale et occidentale. pour atteindre son expression maximale à l’intérieur des chapelles avec ses retables extraordinaires, principalement l’autel des rois et la chapelle des anges, pour n’en nommer que quelques-uns, que nous verrons plus en détail dans les fichiers suivants.

L’art néoclassique
Le baroque dans sa dernière étape, a été assumé dans d’autres styles, y compris le néoclassique. Il s’agit d’un mouvement artistique né en Europe vers la seconde moitié du XVIIIe siècle (1750) et qui dure jusqu’à la fin du XIXe siècle. En fait, c’était une réaction au style exagéré de Rococo, héritier du baroque, d’une part, et d’autre part, était le résultat de la découverte à l’époque, de deux villes gréco-romaines: Pompéi et Herculanum, en L’Italie, dont l’art a influencé le mode dominant à cette époque.

Comme élément fondamental, le néoclassique a cherché à imiter les modèles architecturaux gréco-romains, principalement l’art dorique. Son mysticisme est basé sur un sens romantique des valeurs classiques et une spiritualité centrée sur le désir d’une époque héroïque grecque.

Le romantisme était la principale caractéristique de la littérature et de la musique au XIXe siècle, et a également influencé les arts tels que la peinture, la sculpture et l’architecture. Ce style est un art plutôt symbolique que créatif.

Dans le domaine de l’architecture, l’art néoclassique a fait son apparition en Espagne de Carlos III (1760-1788) et ses meilleurs exemples étaient la Puerta de Alcalá et le bâtiment extraordinaire qui abrite le musée du Prado, à Madrid.

Dans les pays d’Amérique latine, le néoclassique s’est davantage tourné vers les monuments doriques et a duré jusqu’au XXe siècle. La cathédrale de Mexico n’a pas échappé à l’influence du néoclassicisme, et bien qu’elle n’apparaisse pas de manière significative à l’extérieur de la cathédrale, car la plupart du bâtiment a été achevé, si cela apparaît dans certains changements qui ont été apportés à l’intérieur du Les chapelles, et dans certaines d’entre elles, où il y avait des retables baroques, ont été reconstruites, selon les canons dominants de l’époque et c’est précisément le style néoclassique qui règne, ainsi, les autels sculptés dans la carrière des chapelles de Notre-Dame des Dolores et la chapelle de M. del Buen Despacho, à l’ouest, et à l’est, les chapelles de Santa María la Antigua et Notre-Dame de Guadalupe, sont des exemples de l’influence néoclassique.

En conclusion, si quelqu’un voulait connaître les différents styles architecturaux les plus importants qui se sont produits au cours des XVIe, XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles, rien de mieux que de prendre comme guide et exemple la cathédrale de Mexico, car ils étaient tous incarnés dans sa construction lorsque chacun des Maîtres Majeurs qui l’ont construit, fidèle à son époque, a uni, de manière merveilleuse, ce qui existait déjà, avec les nouveautés de l’art à l’époque qu’ils devaient vivre.

Il n’y a rien dans la cathédrale qui n’ait été assumé dans son ensemble, bien que les différents styles qui l’ont forgée puissent être distingués.

Cathédrale métropolitaine de Mexico
La cathédrale métropolitaine de l’Assomption de la Très Sainte Vierge Marie dans les cieux (en espagnol: Catedral Metropolitana de la Asunción de la Santísima Virgen María a los cielos) est le siège de l’archidiocèse catholique du Mexique. Il est situé au sommet de l’ancienne enceinte sacrée aztèque près du Templo Mayor, sur le côté nord de la Plaza de la Constitución (Zócalo) au centre-ville de Mexico. La cathédrale a été construite en sections de 1573 à 1813 autour de l’église d’origine qui a été construite peu de temps après la conquête espagnole de Tenochtitlan, pour finalement la remplacer entièrement. L’architecte espagnol Claudio de Arciniega a planifié la construction en s’inspirant des cathédrales gothiques d’Espagne.

En raison du temps qu’il a fallu pour le construire, un peu moins de 250 ans, pratiquement tous les principaux architectes, peintres, sculpteurs, maîtres doreurs et autres artistes plasticiens de la vice-royauté ont travaillé à un moment donné dans la construction de l’enceinte. Cette même condition, celle de sa longue période de construction, a permis d’y intégrer les différents styles architecturaux qui étaient en vigueur et en vogue dans ces siècles: gothique, baroque, churrigueresque, néoclassique, entre autres. La même situation a connu différents ornements, peintures, sculptures et meubles à l’intérieur.

Sa réalisation signifiait un point de cohésion sociale, car elle impliquait les mêmes autorités ecclésiastiques, les autorités gouvernementales, différentes confréries religieuses que de nombreuses générations de groupes sociaux de toutes les classes.

C’est également, en raison de l’influence de l’Église catholique sur la vie publique, que l’édifice a été étroitement lié à des événements d’importance historique pour les sociétés de la Nouvelle-Espagne et du Mexique indépendant. Pour n’en citer que quelques-uns, il y a le couronnement d’Agustín de Iturbide et d’Ana María Huarte en tant qu’empereurs du Mexique par le président du Congrès; la préservation des restes funéraires du monarque susmentionné; enterrement jusqu’en 1925 de plusieurs héros de l’indépendance tels que Miguel Hidalgo y Costilla et José María Morelos; les différends entre libéraux et conservateurs provoqués par la séparation de l’église et de l’État dans la Réforme; la fermeture du bâtiment à l’époque de la guerre de Cristero; les célébrations du bicentenaire de l’indépendance, entre autres.

La cathédrale fait face au sud. Les dimensions approximatives de cette église sont de 59 mètres (194 pieds) de large par 128 mètres (420 pieds) de long et une hauteur de 67 mètres (220 pieds) jusqu’au bout des tours. Il se compose de deux clochers, d’un dôme central, de trois portails principaux. Il a quatre façades qui contiennent des portails flanqués de colonnes et de statues. Il a cinq nefs composées de 51 voûtes, 74 arches et 40 colonnes. Les deux clochers contiennent un total de 25 cloches.

Le tabernacle, adjacent à la cathédrale, contient le baptistère et sert à enregistrer les paroissiens. Il y a cinq grands autels ornés, une sacristie, un choeur, une zone de choeur, un couloir et une salle capitulaire. Quatorze des seize chapelles de la cathédrale sont ouvertes au public. Chaque chapelle est dédiée à un saint ou à des saints différents, et chacune était parrainée par une guilde religieuse. Les chapelles contiennent des autels ornés, des retables, des retablos, des peintures, des meubles et des sculptures. La cathédrale abrite deux des plus grands orgues du XVIIIe siècle des Amériques. Il y a une crypte sous la cathédrale qui abrite les restes de nombreux anciens archevêques. La cathédrale compte environ 150 fenêtres.

Au fil des siècles, la cathédrale a subi des dommages. Un incendie en 1967 a détruit une partie importante de l’intérieur de la cathédrale. Les travaux de restauration qui ont suivi ont mis au jour un certain nombre de documents et d’œuvres d’art importants qui avaient été auparavant cachés. Bien qu’une fondation solide ait été construite pour la cathédrale, le sol d’argile molle sur lequel elle est construite a menacé son intégrité structurelle. La chute des nappes phréatiques et le naufrage accéléré ont fait que la structure a été ajoutée à la liste du Fonds mondial des monuments des 100 sites les plus menacés. Les travaux de restauration commencés dans les années 1990 ont stabilisé la cathédrale et elle a été retirée de la liste des espèces menacées en 2000.