L’exposition à thème « Sweet Death », organisée par Daniel Radini Tedeschi, représente le pavillon du Guatemala à la 56 Biennale de Venise 2015. Le thème de l’exposition s’inspire du livre de Thomas Mann, le film de Visconti, de l’opéra de Britten, mais principalement traite du concept de «mort-finitude» compris comme déclin et perte de valeurs dans la société contemporaine, mais tous exprimés à travers le langage de la joie et de la couleur, en utilisant une approche douce et mignonne.

« Sweet Death » est centrée sur le concept de « mort-finitude », qui peut être mieux compris comme la désintégration des valeurs dans le monde moderne. Les commissaires d’exposition, Luciano Carini et Simone Pieralice, n’abordent pas ce phénomène universel sous un angle morbide ou déprimant. Au contraire, ils utilisent des couleurs vives et un mélange étrangement harmonieux de motifs sexuels et enfantins pour souligner le dépérissement des valeurs traditionnelles dans la société contemporaine. La mort des valeurs est comparée à l’expérience réelle de la mort dans la tradition guatémaltèque. Les rituels mayas suggèrent une célébration de la vie, indiquée par des tombes colorées. « Sweet Death » comprend des œuvres d’artistes guatémaltèques et italiens qui répondent à la notion de deathfinitude à travers la lentille unique du rituel funéraire maya. Le résultat est une conversation sur la société contemporaine entre deux cultures distinctes, guatémaltèque et italienne, qui se chevauchent culturellement depuis plusieurs centaines d’années.

À cet égard, l’exemple du cimetière de Chichicastenango, au Guatemala, où les tombes sont colorées, les enfants jouent dans les niches, les jeunes s’embrassent et les personnes âgées rient parmi les pierres tombales, est un exemple à cet égard. Directement issu des rituels mayas, le deuil conserve ses couleurs: tombes blanches pour les pères, pour les mères turquoise, bleu pour les enfants, jaune pour les grands-parents.

Dans cette exposition, des artistes guatémaltèques et internationaux discuteront du thème de la mort revivant une situation similaire à celle de Gustav von Aschenbach, âgé mais fasciné par la beauté du jeune Tadzio et poudré par un tour pour cette caricature; de même les Arts, aujourd’hui «séniles» et mourants, tenteront un rajeunissement artificiel. Selon Gino de Dominicis en fait l’art sumérien – dans notre cas que Maya- était « jeune » alors que son contemporain « vieux », à travers un mètre essentiellement chronologique. Venise devient ainsi la scénographie parfaite de ce paysage de l’âme, le mélange du goût rococo, carnaval et festif, fusionné avec un sens solennel du mélodrame.

La poursuite d’une Beauté, évoquée par des images contradictoires et souvent voyantes, est comme le rouge, un palliatif grotesque et visible, incapable de cacher la mort. Et cette astuce n’est rien d’autre que le chromaticisme coloré des tombes guatémaltèques, un moyen d’exorciser la fin de l’homme et d’humaniser la transition. De plus, toute l’exposition apportera un œuf de Pâques dans chaque œuvre, une piste secrète et accessible uniquement derrière la réflexion, un autre masque conçu pour cacher une réalité alternative.

Dans un jeu de rôles qui se chevauchent, résultat d’une relation ludique et osmotique, les artistes italiens donneront des touches et des poussées colorées au maya guatémaltèque, contrairement au Guatemala qui proposera des exemples d’art « dilué » et « influencé » par le colonialisme. polygamie artistique multicolore et, sans frontières, avec des décors savoureux et des combinaisons entre le sacré et le profane. Aux côtés des exposants figureront des collaborateurs invités, artistes eux-mêmes, semblables au quinzième ouvrier, ou personnifications d’un métier tous azimuts, réunis dans la grande fresque de la vie « (Daniele Radini Tedeschi).

La décadence de la société contemporaine dans ses différentes expressions vous touche directement au cœur de la toute première sculpture du pavillon de la Biennale du Guatemala « Sweet death » organisée par Daniele Radini Tedeschi. « Le rêve des Italiens » représentant le cadavre de Berlusconi créé par Garullo & Ottocento avec une expression de bonheur dans un cercueil de verre transparent, comme une sorte de Blanche-Neige prête à se réveiller à tout moment, crée un contraste entre la prétendue sainteté de cette l’homme et la vérité indéniable de la décadence de la politique italienne. La décadence de la mort en Italie affecte également l’industrie du cinéma, représentée par la sculpture dédiée à Luchino Visconti et sa mort à Venise en souvenir d’une élégance ancienne et perdue de la production cinématographique italienne.

La section la plus dramatique de l’exposition est celle consacrée aux œuvres d’artistes guatémaltèques. La sculpture inquiétante sans visage créée par Mariadolores Castellanos, appelée Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (c.-à-d. On ne peut pas être pape sans testicules) et présentant la figure emblématique et mythique de la femme pape Joan, symbolise l’hérésie et faiblesse d’une croyance religieuse gouvernée pendant des siècles uniquement par les hommes.

La décadence et la mort sont celles que montre la représentation d’une enfance déformée et perdue dans laquelle les personnages de Disney, Barbie et Dolls prennent une signification négative. Un grand impact est le crâne géant et noir créé par Sabrina Bertolelli dominant la salle de Memento Mori et Vanitas, suivi de la dernière exposition consacrée à la mort culinaire. Les artistes du groupe « La Grande Bouffe » se moquent des nouvelles tendances culinaires, comme la cuisine moléculaire. L’un des principaux travaux est celui proposé par Luigi Citatella et montrant un enfant devant un plat maigre symbole d’un écart alimentaire impressionnant entre des pays comme le Guatemala et l’Italie.

L’exposition est une remarquable expression de la société contemporaine. Les artistes ont capturé non seulement l’essence de la décadence affectant les différents environnements de notre société, mais ont exprimé cette mort lente et inexorable avec une ironie captivant le visiteur dès le premier instant.

L’exposition
Tout le monde aime et critique en même temps le Kitsch … alors vous pourriez aussi bien l’appeler par son vrai nom de Rococo. Pourquoi interdire un retour du Rococo quand on a accepté ceux du Classic avec le néoclassique Winkelmann, ceux du Baroque avec le néo-baroque Calabrese, le maniérisme avec le néomanierismo du portugais et Bonito Oliva.Mais il serait faux de parler de néo-rococo car même à son époque était plus belle ambiance, peuplée de personnages ayant chacun leur propre style, de Mozart, Casanova, de Sade, donc pas de pigeonhole dans un concept encyclopédique.

Le style était le bâtiment du XVIIIe siècle avec ses murs, l’air rococo qu’il contenait … Tout simplement cela. Et maintenant, c’est comme si un vent ancien, il pouvait apporter cette rafale de poudre, ce barrage de clavecins, des bouffées de Codest de bonne vie. Alors, sans aucune crainte, je sens le rococo dans la production de nombreux artistes en vogue aujourd’hui, de Jeff Koons à Maurizio Cattelan, jusqu’à un certain luxe de Damien Hirst, menant ensuite au plus jeune Francesco Vezzoli.

L’exposition Sweet Death, organisée dans le cadre du 56. Biennale de Venise dans le pavillon national du Guatemala, veut bien faire revivre ce style en le mettant à jour avec les contributions du contemporain qui nous sont parvenues.

Première chambre
Paolo Schmidlin, Adriana Montalto, Paolo Residori, Salvatore Ruggeri, Garullo e 800, Photographie environnementale des œuvres de la première salle.
Sweet Death est un festival haut en couleur, connoté à certains égards du vide apparent capable de faire face à un sourire voire à la mort.

Parsmoke
Paolo Residori
Parsmoke, un récipient en verre est rempli de cigarettes et de vaseline. Des bulles de liquide sont posées contre le verre, reflétant la coloration jaune et marron terne des cigarettes. Une image du sourire en décomposition d’une personne a été collée sur le devant du conteneur. Au sommet du récipient se trouve un petit trou dépassant d’un capuchon en argent qui fait ressembler le verre à une bouteille de parfum fantaisie. Il s’agit en quelque sorte d’une tombe, marquée par le sourire du défunt plutôt que par son nom. Ce que Residori veut dire, c’est cette notion de la fin de la mort – l’idée que la société contemporaine détruit les valeurs traditionnelles. Ici, les cigarettes sont le contrevenant, détruisant physiquement les dents et la vie. Mais qu’est-ce que cela signifie pour la société dans son ensemble? La buse en haut semble être un indicateur que les effets négatifs des cigarettes ne sont pas autonomes. À tout moment, ils peuvent être pulvérisés vers l’extérieur, par le biais de la fumée secondaire, à toute personne se trouvant à proximité.

Au-delà de cette traduction quelque peu littérale, « Parsmoke » représente bien plus que les répercussions de l’usage de la cigarette. Il représente le souillure de la terre, du corps et de l’esprit par la consommation de masse, la toxicomanie, les maladies et les ordures. « Parsmoke » est si plein de saleté qu’il bouillonne – littéralement – et ne peut pas être contenu. La buse et le sourire maléfique sachant sont des rappels inquiétants que nous ne pouvons pas garder notre saleté si soigneusement contenue plus longtemps. Le débordement des décharges et le poids des valeurs en décroissance augmenteront à chaque nouvelle génération.

Frau Magda
Paolo Schmidlin
Paolo Schmidlin aborde la notion de deathfinitude d’une manière beaucoup moins détournée. Le génie de « Frau Magda » est sa valeur de choc et son impact visuel. Frau Magda porte une croix gammée argentée brillante autour de son cou.

Ses cheveux sont parfaitement coiffés et ses sourcils arqués de manière aristocratique. Même ses mains sont jointes poliment. Tout sauf son collier signale que cette femme est digne. La présence de la croix gammée la dépouille immédiatement de ces attributs et remplace son image par celle d’un méchant. Quel est le lien avec le message « Sweet Death »? La valeur profanée ici pourrait être celle de la vie elle-même. La croix gammée représente le racisme, le génocide et la mort. Sa présence entrave la liberté et rappelle un moment violent et cruel de l’histoire humaine. « Frau Magda » identifie l’Holocauste comme un événement qui indique la chute de la race humaine. Il n’est pas isolé comme un événement horrible distinct, mais répertorié comme un élément de preuve pour la théorie de la mort-nature.

Les papillons de Belén
Adriana Montalto, 2015
L’exposition reflète le style de vie noir, moqueur, luxueux tendant vers une sorte de « rate » baudeleriano qui caractérise le langage de son créateur Daniel Radini Tedeschi.

Dead Ringer (2011)
Paolo Schmidlin
Ici les bustes de starlettes présents, l’artiste Schmidlin, se rapportent à leur « dernier voyage »

Le papillon de Belen (2015)
Adriana Montalto, 2015
L’installation « Les papillons de Belén », composée de 200 papillons en aluminium, elle rappelle l’esprit de l’ensemble de l’événement, pour la provocation et les couleurs.

Gardien de los bosques (2015)
Elsie Wunderlich
Les sculptures d’Elsie Wunderlich présentent l’homme comme le gardien de la nature et de la position d’infériorité devant la grandeur de cette dernière, seul l’art peut tâtonner une union symbiotique.

Poupée d’oxygène (2011)
Paolo Schmidlin
Étoile rouillée dans leurs cires, avec un maquillage qui cristallise des traits désormais fanés, des monuments à eux seuls s’attendant à un tombeau confortable.

Coup de foudre (2015)
Mariadolores Castellanos
Comment alors ne pas penser aux figures des castellanos vitreux « Lady Spondilus » bien qu’ayant une couvée guatémaltèque en fait est la « soeur » d’une Lollo italienne actuelle, canalisée dans l’oxygène de la canule.

Mort à Venise (2015)
Salvatore Ruggeri
..et toujours sur une grande toile devant soumettre une scène du film Death in Venice, admirablement peinte par Salvatore Ruggeri dans son réalisme ironique.

Deuxième chambre

Testiculos qui non habet Papa Esse non posset
Fatima Messana
Illuminé de pourpre par les lumières de l’exposition, « Testiculos » a une lueur d’un autre monde. Cette aura surnaturelle est approfondie par le caractère sans visage de la figure et son doigt grêlé et levé. Dans son autre main, il tient une pomme dont une croix se distend. Testiculos « est que la piété religieuse fait partie intégrante du caractère.

La pomme représente la connaissance, car sa consommation légue la connaissance à Adam et Eve dans l’Ancien Testament. Par conséquent, « Testiculos » suggère également que rejoindre cet être sans visage dans des devoirs religieux augmentera ses connaissances. Son absence de visage et son geste, la main qui signale, le doigt levé est un avertissement. La piété peut vous apporter le salut, mais combien cela vous coûtera-t-il? Et la pomme du savoir est-elle véridique, ou sera-ce toujours le savoir qu’une institution veut que vous voyiez?

Cette œuvre est liée au contexte de «Sweet Death». Deathfinitude est la perte des valeurs traditionnelles. Si le christianisme est la valeur traditionnelle en danger ici, Messane le critiquerait-il dans une exposition qui pleure le passé? Peut-être que sa position est plus réfléchie. Elle pourrait représenter le questionnement contemporain des valeurs de l’Église tout en pleurant une époque où un tel questionnement était inouï. Les possibilités sont infinies ici.

Indole (2015)
Daniele Accossato
Le rêve devient réalité. Ce sont les éléments de base d’une œuvre comme « Indole » où un enfant est abandonné au rêve, le seul endroit où l’on peut donner forme à son imagination et à son divertissement.

Il Pistolino degli stracci (2015)
Teresa Condito
Ce dernier est une sorte de pierre tombale qui montre l’image d’un enfant endormi, où ces petits animaux noirs semblent tourmenter son âme pure.

Giordano Bruno (2015)
Max Leiva
Pour contrer une telle désolation impressionnante sculpture de Max Leiva, un homme cagoulé et sans visage s’attarde au bord d’un précipice. Giordano Bruno est son nom, il apparaît à la merci de la vie et de la mort.

Le repos éternel (2015)
Pier Domenico Magri
Soudain, le regard est attiré par une installation festive de Magri, d’un rose choquant, où des idoles éternelles puis tombées sont associées à la jeunesse, Eternit et Fuhrer trouvent une consolation dans l’Art.

Troisième chambre
Pour reprendre l’attention est une peinture noire crâne cinétique impressionnante, effrayant est le contraste entre le polissage au diamant et les dents tachées; il semble faire un sourire, et en même temps faire étalage, incrusté dans son crâne, des crayons colorés comme ils tranchaient … est l’artiste Charlie Sabrina Bertolelli.

« Desde la otra orilla » et « Paradiso Guatemalaalteco » (2014)
Monica Serra, Carlo Guidetti
Ambiance évocatrice dans les œuvres de Monica Serra et Carlo Guidetti

Boîte de nuit silencieuse
Teresa Condito
Silent Night Club intégrant des couleurs vives et des motifs anachroniques avec un message sur la société, le tout centré sur un jeu de mots intelligent qui résume son sens. « Silent Night Club » est exactement ce que cela ressemble; c’est la cohabitation bizarre des figures religieuses et de la débauche contemporaine. Même plus étrange – dans «Silent Night Club», la bière et les personnages bibliques résident dans une maison de poupée, ajoutant des jeunes à la table déjà bondée remplie de religion et de dépravation.

C’est en somme un régal pour les yeux. Les paillettes roses reflètent la lumière des ampoules scintillantes, tandis que le rose orne presque toutes les surfaces. Des plumes entourent la figure d’un ange doré dans un duvet rose chaud. Dés parsèment la table basse, indiquant un jeu de poker pécheur. Les rideaux en mousseline rose sont tirés vers l’arrière pour révéler un habitué du Nouveau Testament engagé. Les seules choses qui ne sont pas lumineuses et colorées sont les figures elles-mêmes. Jésus et les apôtres, peut-être les Rois Mages, s’installent ici au Silent Night Club. Leur présence est une métaphore claire de la fin de la mort.

Pendant ce temps, sous la maison de poupée, Jésus et sa famille sont assis dans une petite maison dépourvue de rose et de volants. Une lumière jaune illumine l’habitation et ses humbles habitants. Au-dessous de l’extravagance du Silent Night Club, c’est un rappel pointu qu’il y avait à un moment, et pourrait peut-être encore y avoir, le respect de ce qui est sacré.

Quatrième chambre

La Grande Bouffe (2015)
Marisa Laurito, Salvatore Ruggeri pour les peintures, Luigi Cittarella pour la sculpture.
C’est ce concept qu’évoque le deuxième tableau dans lequel on ne voit qu’un morceau de spaghetti dans le pot trois tristes tomates. Devant elle, une fille émaciée et décharnée.

La Grande Bouffe aborde la deathfinitude différemment des autres œuvres. Une fraise géante est assise sur une table à manger, plongée dans la lumière bleue. Une chaise est placée devant elle, et plusieurs couverts reposent sur la nappe. La taille même de la baie suggère que Laurito est confronté à l’obésité. Il n’y a qu’une seule chaise placée avant le repas. Une personne est-elle censée manger seule une aussi grosse fraise? Et comment une fraise devient-elle si grosse? Il ne pouvait être génétiquement modifié. Avec «La Grande Bouffe», Laurito évoque simultanément les enjeux de l’obésité et des OGM.

Cependant, ces problèmes ont un double objectif. L’obésité peut entraîner la mort, d’une maladie cardiaque ou du diabète, faisant de cette table à manger une tombe prématurée. Les OGM sont controversés, mais il y a certainement une école de pensée qui pense qu’ils sont également mortels. Mais cette salle à manger est aussi un tombeau de tradition très éclairé. Le respect de la terre, de ceux qui font sa nourriture et du plaisir de manger avec ses proches semblent tous des idées désuètes en contraste avec le mode de vie soutenu par l’obésité et les OGM. La restauration rapide et les organismes génétiquement modifiés sont les produits d’un monde qui croit que l’homme peut et doit changer la terre en fonction de ses besoins. Ce qui reste dans la poussière est un repas simple et naturel préparé à la maison, une maison où les gens peuvent réellement se voir à travers la table, et ne pas être bloqués par la taille même du repas consommé.

Cinquième chambre

Le doute (2011)
Garullo & Ottocento
Miky Mouse couvre ses yeux de ce qui est à l’intérieur du cube qui le supporte, ou couvre ses yeux du travail qui le suit ….!?

Scandale à l’Académie
Carlo Maltese’s
Le scandale à l’Académie exprime fortement la fin de la mort à travers des thèmes religieux et utilise des couleurs et des figures qui se chevauchent.

Dans ce travail, les poupées barbie sont présentées dans des positions sexuellement compromettantes à la Galleria della’Accademia de Florence, que j’ai en fait visitée plus tard lors de mon voyage en Italie. Les barbies sont placés entre les colonnes, comme s’il s’agissait de statues religieuses sculptées dans la pierre sur la façade d’une église ou d’un bâtiment officiel.

Il y a plusieurs valeurs traditionnelles en jeu ici dans « Scandalo ». L’un est la religion, car ces barbies sont censés évoquer les figures de la Vierge et des Apôtres, qui sont souvent posées entre des piliers dans des façades comme celle-ci. Un autre est l’art. Peut-être que le maltais déplore le déclin des modes d’art traditionnels au lieu d’œuvres d’art scandaleuses et sexuellement chargées.

La valeur en danger pourrait être le respect du passé. Cela semble plus logique. Alors que Maltese excelle dans la création d’œuvres nouvelles et passionnantes, il annonce le respect des artistes qui l’ont précédé. Il déplore le déclin du respect de ces artistes, plutôt que la baisse de popularité de la création selon les modes traditionnels. Cela a encore plus de sens après ma visite à Florence.

L’heure du dinamique … l’été (2015)
Maurizio Gabbana
Grande installation lumineuse en forme de pyramide inversée dans laquelle on retrouve une série d’ampoules ludiques de différentes couleurs et formes. Ce sont la métaphore de l’illumination parce que l’ingéniosité humaine.

La Protesta (2015)
Carlo Marraffa
Photographie grand format et significations multiples celle de Carlo Marraffa dans la salle rouge, qui dépeint des Columbidés ayant l’intention d’observer l’allure d’une voiture qui vient d’écraser avec sa roue leur nid.

« Guardian de los bosques », « Espiritu de los espantapajaros » (2015)
Elsie Wunderlich, Elmar Rojas
Des fantômes se cachent dans les couloirs des radeaux, la même présence qui rôdent l’hiver dans le lagon à la recherche d’un atterrissage. Voici les âmes d’Elmar Rojas dans ce tableau.

Deuxième étage
L’exposition se termine au premier étage, avec l’auteur Roberto Miniati qui place avant ses funérailles que tout le monde aura tôt ou tard: des toilettes avec les mots « I-You-Me » font allusion au destin ultime qui sort de toute forme de créativité , représenté par un tombeau peint en arrière-plan. Le tapis et les nombreuses statues renvoient à la spiritualité du monde latino-américain, à l’Afrique «berceau de l’humanité». Une figure centrale Maternal devient une installation au sommet, symbole de renaissance évoquant altresi de nombreux fémicides en Amérique du Sud, actuellement le phénomène mondial. Sur les côtés de l’installation, deux super-héros tels que Spider Man et Batman, selon les mots de l’auteur, « représentent l’invincibilité de ces nations … des pays riches qui prétendent décider du sort des nations les plus pauvres ».

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.