Surréalisme

Le surréalisme est un mouvement culturel qui a commencé au début des années 1920, et est surtout connu pour ses œuvres d’art visuelles et ses écrits. Les artistes peignaient des scènes énervantes, illogiques avec une précision photographique, créaient des créatures étranges à partir d’objets du quotidien et développaient des techniques de peinture qui permettaient à l’inconscient de s’exprimer. Son but était de «résoudre les conditions auparavant contradictoires du rêve et de la réalité en une réalité absolue, une super-réalité».

Le surréalisme est un mouvement intellectuel international, centré principalement à Paris et préoccupé par les problèmes de pensée et d’expression sous toutes leurs formes. Les surréalistes perçoivent une crise profonde de la culture occidentale et répondent par une révision des valeurs à tous les niveaux, inspirée par le psychanalytique. découvertes de Freud et de l’idéologie politique du marxisme. Dans la poésie et les arts visuels, cette révision a été entreprise par le développement de techniques non conventionnelles, dont l’automatisme était primordial. Les poètes parisiens qui formulaient la théorie et l’orientation surréalistes ont été officiellement identifiés par Manifeste du surréalisme (1924) d’André Breton. de rêves »(octobre 1924) de Louis Aragon et du périodique La Révolution surréaliste, publié deux mois plus tard. Sous la direction de Breton, le mouvement resta puissant jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, survivant jusqu’à sa mort en 1966.

Les œuvres surréalistes comportent l’élément de surprise, de juxtapositions inattendues et de non sequitur; cependant, beaucoup d’artistes et d’écrivains surréalistes considèrent leur travail comme une expression du mouvement philosophique en premier lieu, les œuvres étant un artefact. Le chef André Breton était explicite dans son affirmation que le surréalisme était avant tout un mouvement révolutionnaire.

Le surréalisme s’est développé à partir des activités de Dada pendant la Première Guerre mondiale et le centre le plus important du mouvement était Paris. À partir des années 1920, le mouvement se répandit dans le monde entier, affectant finalement les arts visuels, la littérature, le cinéma et la musique de nombreux pays et langues, ainsi que la pensée et la pratique politiques, la philosophie et la théorie sociale.

Fondation du mouvement
Le mot «surréalisme» a été inventé en mars 1917 par Guillaume Apollinaire trois ans avant que le surréalisme ne devienne un mouvement artistique à Paris. Dans une lettre à Paul Dermée, il écrivait: «Tout bien considéré, je pense qu’il vaut mieux adopter le surréalisme que le surnaturalisme, que j’ai utilisé pour la première fois» [Tout bien examiné, je crois en mieux vaut adopter surréalisme que surnaturalisme que j’avais d’abord employé].

Apollinaire a employé le terme dans ses notes de programme pour Ballets Russes, Parade de Serge Diaghilev, qui a été créé le 18 mai 1917. Parade avait un scénario en un acte par Jean Cocteau et a été exécuté avec la musique par Erik Satie. Cocteau a décrit le ballet comme « réaliste ». Apollinaire est allé plus loin, décrivant Parade comme « surréaliste »:

Cette nouvelle alliance – je dis nouvelle, parce que jusqu’à présent les décors et les costumes n’étaient liés que par des liens factice – a donné lieu, dans Parade, à une sorte de surréalisme que je considère comme le point de départ de toute une série de manifestations le Nouvel Esprit qui se fait sentir aujourd’hui et qui fera certainement appel à nos meilleurs esprits. Nous pouvons nous attendre à ce qu’il apporte de profonds changements dans nos arts et nos manières par une joie universelle, car il est naturel, après tout, de suivre le progrès scientifique et industriel. (Apollinaire, 1917)

Le terme a été repris par Apollinaire, dans la préface de sa pièce Les Mamelles de Tirésias, écrite en 1903 et créée pour la première fois en 1917.

La Première Guerre mondiale a dispersé les écrivains et les artistes qui avaient été basés à Paris, et dans l’intervalle beaucoup ont été impliqués avec Dada, croyant que la pensée rationnelle excessive et les valeurs bourgeoises avaient amené le conflit de la guerre sur le monde. Les dadaïstes ont protesté avec des rassemblements anti-art, des performances, des écrits et des œuvres d’art. Après la guerre, quand ils sont revenus à Paris, les activités de Dada ont continué.

Pendant la guerre, André Breton, formé à la médecine et à la psychiatrie, servit dans un hôpital neurologique où il utilisa les méthodes psychanalytiques de Sigmund Freud avec des soldats souffrant de choc. Rencontrant le jeune écrivain Jacques Vaché, Breton a estimé que Vaché était le fils spirituel de l’écrivain et fondateur de la pataphysique Alfred Jarry. Il admire l’attitude antisociale et le dédain de la tradition artistique établie. Plus tard Breton a écrit: «En littérature, j’ai été successivement pris avec Rimbaud, avec Jarry, avec Apollinaire, avec Nouveau, avec Lautréamont, mais c’est Jacques Vaché à qui je dois le plus.

De retour à Paris, Breton rejoint les activités de Dada et lance la revue littéraire Littérature avec Louis Aragon et Philippe Soupault. Ils ont commencé à expérimenter avec l’écriture automatique – écrire spontanément sans censurer leurs pensées – et ont publié les écrits, ainsi que des comptes de rêves, dans le magazine. Breton et Soupault ont approfondi l’automatisme et ont écrit The Magnetic Fields (1920).

Continuant à écrire, ils en vinrent à croire que l’automatisme était une meilleure tactique pour le changement sociétal que la forme Dada d’attaque contre les valeurs dominantes. Le groupe a attiré des membres supplémentaires et a grandi pour inclure des écrivains et des artistes de divers médias tels que Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson, Joan Miró, Marcel Duchamp, Jacques Prévert et Yves Tanguy.

En développant leur philosophie, ils croyaient que le surréalisme défendrait l’idée que les expressions ordinaires et dépeintes sont vitales et importantes, mais que le sens de leur disposition doit être ouvert à toute la gamme de l’imagination selon la dialectique hégélienne. Ils ont également regardé la dialectique marxiste et le travail de tels théoriciens comme Walter Benjamin et Herbert Marcuse.

Le travail de Freud avec l’association libre, l’analyse des rêves et l’inconscient était de la plus haute importance pour les surréalistes dans le développement de méthodes pour libérer l’imagination. Ils ont embrassé l’idiosyncrasie, tout en rejetant l’idée d’une folie sous-jacente. Salvador Dalí a ensuite proclamé: «Il n’y a qu’une seule différence entre un fou et moi, je ne suis pas fou.

Outre l’utilisation de l’analyse des rêves, ils ont souligné que «l’on pourrait combiner à l’intérieur d’un même cadre, des éléments qui ne sont normalement pas réunis pour produire des effets illogiques et surprenants». Dans son manifeste de 1924, Breton inscrivit l’idée des juxtapositions saisissantes, reprise successivement d’un essai du poète Pierre Reverdy de 1918: «Juxtaposition de deux réalités plus ou moins lointaines: plus la relation entre les deux réalités juxtaposées lointain et vrai, plus l’image sera forte, plus grand sera son pouvoir émotionnel et sa réalité poétique.  »

Le groupe visait à révolutionner l’expérience humaine, dans ses aspects personnels, culturels, sociaux et politiques. Ils voulaient libérer les gens de la fausse rationalité et des coutumes et structures restrictives. Breton a proclamé que le vrai but du surréalisme était « vive la révolution sociale, et elle seule! » À cette fin, à plusieurs reprises, les surréalistes se sont alignés sur le communisme et l’anarchisme.

En 1924, deux factions surréalistes ont déclaré leur philosophie dans deux Manifestes surréalistes distincts. Cette même année, le Bureau of Surrealist Research a été créé et a commencé à publier la revue La Révolution surréaliste.

Manifestes surréalistes
Jusqu’en 1924, deux groupes surréalistes rivaux s’étaient formés. Chaque groupe prétendait être les successeurs d’une révolution lancée par Guillaume Apollinaire. Un groupe, dirigé par Yvan Goll, était composé de Pierre Albert-Birot, de Paul Dermée, de Céline Arnauld, de Francis Picabia, de Tristan Tzara, de Giuseppe Ungaretti, de Pierre Reverdy, de Marcel Arland, de Joseph Delteil, de Jean Painlevé et de Robert Delaunay.

L’autre groupe, dirigé par Breton, comprenait notamment Louis Aragon, Robert Desnos, Paul Éluard, Jacques Baron, Jacques-André Boiffard, Jean Carrive, René Crevel et Georges Malkine.

Yvan Goll publie le Manifeste du surréalisme, le 1er octobre 1924, dans son premier et unique numéro de Surréalisme, deux semaines avant la publication du Manifeste du surréalisme de Breton, paru aux Éditions du Sagittaire, le 15 octobre 1924.

Goll et Breton s’affrontèrent ouvertement, se disputant littéralement, à la Comédie des Champs-Élysées, sur les droits au terme surréalisme. En fin de compte, Breton a remporté la bataille grâce à la supériorité tactique et numérique. Bien que la querelle sur l’antériorité du surréalisme se soit conclue par la victoire de Breton, l’histoire du surréalisme resterait marquée par des fractures, des démissions et des excommunications retentissantes, chaque surréaliste ayant sa propre vision de la question et des objectifs, acceptant plus ou moins les définitions établies par André Breton.

Le Manifeste surréaliste de Breton de 1924 définit les objectifs du surréalisme. Il a inclus des citations d’influences sur le surréalisme, des exemples d’œuvres surréalistes et une discussion sur l’automatisme surréaliste. Il a fourni les définitions suivantes:

Dictionnaire: Surréalisme, n. L’automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer, verbalement, par écrit, ou de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique et morale.

Encyclopédie: le surréalisme Philosophie. Le surréalisme est basé sur la croyance en la réalité supérieure de certaines formes d’associations précédemment négligées, dans l’omnipotence du rêve, dans le jeu désintéressé de la pensée. Il tend à ruiner une fois pour toutes les autres mécanismes psychiques et à se substituer à eux pour résoudre tous les principaux problèmes de la vie.

Bureau de la recherche surréaliste
Le Bureau de la recherche surréaliste (Centrale surréaliste) était le centre de rencontres, d’échanges et d’entretiens entre écrivains et artistes surréalistes. Ils ont étudié le discours sous la transe.

Expansion
Au milieu des années 1920, le mouvement se caractérisait par des réunions dans des cafés où les surréalistes jouaient à des jeux de dessin en collaboration, discutaient des théories du surréalisme et développaient une variété de techniques telles que le dessin automatique. Au début, Breton doutait que les arts visuels puissent même être utiles au mouvement surréaliste, car ils semblaient moins malléables et ouverts au hasard et à l’automatisme. Cette prudence a été surmontée par la découverte de techniques telles que le frottage et la décalcomanie.

Bientôt, plus d’artistes visuels sont impliqués, y compris Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen, Kansuke Yamamoto et plus tard après la deuxième guerre: Enrico Donati. Bien que Breton admire Pablo Picasso et Marcel Duchamp et les courtise pour rejoindre le mouvement, ils sont restés périphériques. D’autres écrivains se sont joints à eux, y compris l’ancien Dadaïste Tristan Tzara, René Char et Georges Sadoul.

En 1925, un groupe surréaliste autonome s’est formé à Bruxelles. Le groupe comprenait le musicien, poète et artiste ELT Mesens, le peintre et écrivain René Magritte, Paul Nougé, Marcel Lecomte et André Souris. En 1927, ils ont été rejoints par l’écrivain Louis Scutenaire. Ils correspondaient régulièrement avec le groupe de Paris et, en 1927, Goemans et Magritte s’installèrent à Paris et fréquentèrent le cercle de Breton. Les artistes, avec leurs racines dans le dada et le cubisme, l’abstraction de Wassily Kandinsky, l’expressionnisme et le postimpressionnisme, atteignirent aussi des «lignées» plus anciennes comme Hieronymus Bosch, et les arts dits primitifs et naïfs.

Les dessins automatiques d’André Masson de 1923 sont souvent utilisés comme point d’acceptation des arts visuels et de la rupture avec Dada, puisqu’ils reflètent l’influence de l’idée de l’inconscient. Un autre exemple est le torse de Giacometti de 1925, qui a marqué son mouvement vers des formes simplifiées et l’inspiration de la sculpture préclassique.

Cependant, un exemple frappant de la ligne utilisée pour diviser Dada et le surréalisme parmi les experts en art est le jumelage de la petite machine de Minimax Dadamax en personne de 1925 avec Le Baiser de 1927 de Max Ernst (Minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen). . Le premier est généralement tenu pour avoir une distance, et un sous-texte érotique, alors que le second présente un acte érotique ouvertement et directement. Dans la seconde, l’influence de Miró et le style de dessin de Picasso sont visibles avec l’utilisation de lignes et de couleurs incurvées et croisées fluides, tandis que la première prend une direction qui influera plus tard sur des mouvements tels que le Pop Art.

Giorgio de Chirico, et son développement antérieur de l’art métaphysique, était l’une des figures de jonction importantes entre les aspects philosophiques et visuels du surréalisme. Entre 1911 et 1917, il adopte un style dépeignant sans ornement dont la surface sera adoptée par d’autres plus tard. La tour rouge (La Tour rouge) de 1913 montre les contrastes de couleurs et le style illustratif adoptés par la suite par les peintres surréalistes. Sa nostalgie du poète (La Nostalgie du poète) a détourné le personnage du spectateur et la juxtaposition d’un buste avec des lunettes et d’un poisson en relief défie l’explication conventionnelle. Il était aussi un écrivain dont le roman Hebdomeros présente une série de paysages de rêve avec un usage inhabituel de la ponctuation, de la syntaxe et de la grammaire, conçus pour créer une atmosphère et encadrer ses images. Ses images, y compris les décors des Ballets russes, créeraient une forme décorative du surréalisme, et il aurait une influence sur les deux artistes qui seraient encore plus étroitement associés au surréalisme dans l’esprit public: Dalí et Magritte. Il quitterait cependant le groupe surréaliste en 1928.

En 1924, Miró et Masson appliquent le surréalisme à la peinture. La première exposition surréaliste, La Peinture Surréaliste, se tient à la Galerie Pierre à Paris en 1925. Elle présente des œuvres de Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró et d’autres. Le spectacle a confirmé que le surréalisme avait une composante dans les arts visuels (bien qu’il ait été initialement débattu si cela était possible), et des techniques de Dada, comme le photomontage, ont été utilisés. L’année suivante, le 26 mars 1926, la Galerie Surréaliste ouvre avec une exposition de Man Ray. Breton a publié le surréalisme et la peinture en 1928 qui résumait le mouvement jusqu’à ce point, bien qu’il ait continué à mettre à jour le travail jusque dans les années 1960.

Littérature surréaliste
Le premier travail surréaliste, selon le chef Breton, fut Les Champs Magnétiques (mai-juin 1919). Littérature contenait des œuvres automatistes et des comptes de rêves. Le magazine et le portfolio ont tous deux montré leur mépris pour les significations littérales données aux objets et se concentraient plutôt sur les nuances, les courants sous-jacents poétiques présents. Non seulement ils mettent l’accent sur les courants sous-jacents poétiques, mais aussi sur les connotations et les harmoniques qui «existent dans des relations ambiguës avec les images visuelles».

Parce que les écrivains surréalistes semblent rarement, voire jamais, organiser leurs pensées et les images qu’ils présentent, certaines personnes trouvent une grande partie de leur travail difficile à analyser. Cette notion est cependant une compréhension superficielle, sans doute induite par l’accent initial de Breton sur l’écriture automatique comme la voie principale vers une réalité supérieure. Mais, comme dans le cas de Breton, une grande partie de ce qui est présenté comme purement automatique est en fait éditée et très «réfléchie». Breton lui-même a admis plus tard que la centralité de l’écriture automatique avait été surestimée, et d’autres éléments ont été introduits, d’autant plus que l’implication croissante des plasticiens dans le mouvement a contraint le mouvement à une approche plus exigeante. Ainsi, des éléments tels que le collage ont été introduits, résultant en partie d’un idéal de juxtapositions surprenantes, tel que révélé dans la poésie de Pierre Reverdy. Et – comme dans le cas de Magritte (où il n’y a pas de recours évident aux techniques automatiques ou au collage) – la notion même de jonction convulsive devient un outil de révélation en soi. Le surréalisme était destiné à être toujours en mouvement – pour être plus moderne que moderne – et il était donc naturel qu’il y ait un remaniement rapide de la philosophie à mesure que de nouveaux défis surgissaient.

Les surréalistes ont ressuscité l’intérêt pour Isidore Ducasse, connu sous le pseudonyme de Comte de Lautréamont, et pour la ligne « belle comme la rencontre sur une table à disséquer d’une machine à coudre et un parapluie », et Arthur Rimbaud, deux écrivains de la fin du XIXe siècle être les précurseurs du surréalisme.

La Pèse-Nerfs d’Artaud (1926), la Cite d’Irène d’Aragon (1927), la Mort aux cochons de Péret (1929), le Couteau de M. Knife Miss Fork (1931), Sadegh Hedayat’s Blind Owl (1937), et Breton sur la route de San Romano (1948).

La Révolution surréaliste continua sa publication en 1929 avec la plupart des pages contenant de nombreuses colonnes de texte, mais aussi des reproductions d’art, parmi lesquelles des œuvres de Chirico, Ernst, Masson et Man Ray. D’autres travaux ont inclus des livres, des poèmes, des brochures, des textes automatiques et des tracts théoriques.

Films surréalistes
Les premiers films des surréalistes incluent:

Entr’acte par René Clair (1924)
La Coquille et le clergyman de Germaine Dulac, scénario d’Antonin Artaud (1928)
L’Étoile de mer par Man Ray (1928)
Un Chien Andalou de Luis Buñuel et Salvador Dalí (1929)
L’Âge d’Or de Buñuel et Dalí (1930)
Le sang d’un poète de Jean Cocteau (1930)
Théâtre surréaliste
Le mot surréaliste fut d’abord utilisé par Guillaume Apollinaire pour décrire sa pièce Les Mamelles de Tirésias (Les seins de Tiresias) de 1917, qui fut plus tard adaptée à un opéra de Francis Poulenc.

Antonin Artaud, un surréaliste précoce, a rejeté la majorité du théâtre occidental comme une perversion de son intention originelle, qui devrait être une expérience mystique et métaphysique. Il pensait que le discours rationnel comprenait «le mensonge et l’illusion». Théorisant une nouvelle forme théâtrale immédiate et directe, qui relierait les esprits inconscients des performeurs et des spectateurs dans une sorte d’événement rituel, Artaud créa le Théâtre de la Cruauté, dans lequel les émotions, les sentiments et la métaphysique s’exprimaient non par le langage. mais physiquement, créant une vision mythologique, archétypale, allégorique, étroitement liée au monde des rêves.

L’autre grand praticien de théâtre ayant expérimenté le surréalisme au théâtre est le dramaturge et metteur en scène espagnol Federico García Lorca, notamment dans ses pièces The Public (1930), When Five Years Pass (1931) et Play Without a Title (1935). D’autres pièces surréalistes incluent Backs to the Wall (1925) d’Aragon et Les Mystères de l’amour (1927) de Roger Vitrac et Victor ou Les Enfants prennent le pouvoir (1928). L’opéra de Gertrude Stein, le Docteur Faustus Lights the Lights (1938), a également été décrit comme un «surréalisme américain», bien qu’il soit également lié à une forme théâtrale du cubisme.

Musique surréaliste
Dans les années 1920, plusieurs compositeurs ont été influencés par le surréalisme, ou par des individus du mouvement surréaliste. Parmi eux, Bohuslav Martin, André Souris, Erik Satie, et Edgard Varèse, qui ont déclaré que son travail Arcana a été tiré d’une séquence de rêve. Souris en particulier était associé au mouvement: il avait une longue relation avec Magritte et travailla sur la publication de Paul Nougé, Adieu Marie.

Germaine Tailleferre du groupe français Les Six a écrit plusieurs œuvres qui pourraient être considérées comme inspirées par le surréalisme, y compris le 1948 Ballet Paris-Magie (scénario de Lise Deharme), les opéras La Petite Sirène (livre de Philippe Soupault) et Le Maître ( livre d’Eugène Ionesco). Tailleferre a également écrit des chansons populaires sur des textes de Claude Marci, l’épouse d’Henri Jeanson, dont le portrait avait été peint par Magritte dans les années 1930.

Même si Breton en 1946 réagit plutôt négativement au sujet de la musique avec son essai Silence is Golden, les surréalistes ultérieurs, comme Paul Garon, ont été intéressés par le surréalisme dans l’improvisation du jazz et du blues. Les musiciens de jazz et de blues ont parfois réciproque cet intérêt. Par exemple, l’exposition surréaliste mondiale de 1976 comprenait des performances de David Honeyboy Edwards.

Surréalisme et politique internationale
Le surréalisme en tant que force politique s’est développé inégalement autour du monde: dans certains endroits, l’accent a été mis sur les pratiques artistiques, dans d’autres lieux sur les pratiques politiques et ailleurs, la praxis surréaliste a remplacé les arts et la politique. Au cours des années 1930, l’idée surréaliste s’étendit de l’Europe à l’Amérique du Nord, à l’Amérique du Sud (fondation du groupe Mandrágora au Chili en 1938), à l’Amérique centrale, aux Caraïbes et à toute l’Asie comme idéologie artistique et idéologie du changement politique. .

Politiquement, le surréalisme était trotskyste, communiste ou anarchiste. La scission de Dada a été caractérisée comme une scission entre les anarchistes et les communistes, avec les surréalistes comme communistes. Breton et ses camarades ont soutenu pendant un moment Leon Trotsky et son Opposition de gauche internationale, bien qu’il y ait eu une ouverture à l’anarchisme qui s’est manifestée plus complètement après la Seconde Guerre mondiale. Certains surréalistes, tels que Benjamin Péret, Mary Low et Juan Breá, s’alignent sur des formes de communisme de gauche. D’autres luttaient pour une liberté complète des idéologies politiques, comme Wolfgang Paalen qui, après l’assassinat de Trotzky au Mexique, préparait un schisme entre l’art et la politique à travers son magazine d’art contre-surréaliste DYN et préparait ainsi le terrain pour les expressionnistes abstraits. Dalí a soutenu le capitalisme et la dictature fasciste de Francisco Franco mais ne peut pas être considéré comme représentant une tendance dans le surréalisme à cet égard; en fait, il était considéré, par Breton et ses associés, comme ayant trahi et abandonné le surréalisme. Benjamin Péret, Mary Low et Juan Breá ont rejoint le POUM pendant la guerre civile espagnole.

Les partisans de Breton, avec le Parti communiste, travaillaient pour la « libération de l’homme ». Cependant, le groupe de Breton a refusé de donner la priorité à la lutte prolétarienne sur la création radicale de telle sorte que leurs luttes avec le Parti ont fait de la fin des années 1920 une période mouvementée pour les deux. De nombreux individus étroitement associés à Breton, notamment Louis Aragon, ont quitté son groupe pour travailler plus étroitement avec les communistes.

Les surréalistes ont souvent cherché à lier leurs efforts aux idéaux politiques et aux activités. Dans la déclaration du 27 janvier 1925, par exemple, les membres du Bureau de recherche surréaliste de Paris (dont André Breton, Louis Aragon et Antonin Artaud, ainsi que quelques dizaines d’autres) se déclarent favorables à la politique révolutionnaire. Alors que cette formulation était initialement vague, dans les années 1930, de nombreux surréalistes s’étaient fortement identifiés au communisme. Le document principal de cette tendance au sein du surréalisme est le Manifeste pour un art révolutionnaire libre, publié sous les noms de Breton et Diego Rivera, mais en réalité co-écrit par Breton et Leon Trotsky.

Cependant, en 1933, l’affirmation des surréalistes selon laquelle une «littérature prolétarienne» était impossible au sein d’une société capitaliste a conduit à leur rupture avec l’Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires et à l’expulsion de Breton, Éluard et Crevel du Parti Communiste.

En 1925, le groupe surréaliste de Paris et l’extrême gauche du Parti communiste français se sont réunis pour soutenir Abd-el-Krim, leader de l’insurrection du Rif contre le colonialisme français au Maroc. Dans une lettre ouverte à l’écrivain et ambassadeur de France au Japon, Paul Claudel, le groupe de Paris a annoncé:

« Nous, surréalistes, nous nous sommes prononcés en faveur d’un changement de la guerre impérialiste, sous sa forme chronique et coloniale, en une guerre civile: nous avons donc mis nos énergies à la disposition de la révolution, du prolétariat et de ses luttes. problème colonial, et donc vers la question de la couleur.  »
La politique révolutionnaire anticoloniale et prolétarienne de «l’humanitarisme meurtrier» (1932), rédigée principalement par René Crevel, signée par André Breton, Paul Éluard, Benjamin Péret, Yves Tanguy et les surréalistes martiniquais Pierre Yoyotte et JM Monnerot en fait peut-être l’original document de ce que l’on appellera plus tard «le surréalisme noir», bien que ce soit le contact entre Aimé Césaire et Breton dans les années 1940 en Martinique qui conduise réellement à la communication de ce qu’on appelle le «surréalisme noir».

Les écrivains révolutionnaires anticoloniaux du mouvement de la Négritude en Martinique, une colonie française à l’époque, ont adopté le surréalisme comme une méthode révolutionnaire – une critique de la culture européenne et un radical subjectif. Ce lien avec d’autres surréalistes et était très important pour le développement ultérieur du surréalisme en tant que praxis révolutionnaire. La revue Tropiques, mettant en vedette le travail de Césaire avec Suzanne Césaire, René Ménil, Lucie Thésée, Aristide Maugée et d’autres, a été publiée pour la première fois en 1941.

En 1938, André Breton voyage avec sa femme, la peintre Jacqueline Lamba, au Mexique pour rencontrer Trotsky (en tant qu’invité de l’ex-épouse de Diego Rivera Guadalupe Marin), et là il rencontre Frida Kahlo et voit ses peintures pour la première fois. Breton a déclaré que Kahlo était un peintre surréaliste «inné».

âge d’or
Tout au long des années 1930, le surréalisme a continué à devenir plus visible pour le grand public. Un groupe surréaliste s’est développé à Londres et, selon Breton, leur exposition internationale surréaliste de Londres de 1936 était une marque haute de l’époque et est devenue le modèle pour les expositions internationales. Un autre groupe surréaliste anglais s’est développé à Birmingham, et s’est distingué par son opposition aux surréalistes de Londres et ses préférences pour le cœur français du surréalisme. Les deux groupes se réconcilieraient plus tard dans la décennie.

Dalí et Magritte ont créé les images les plus reconnues du mouvement. Dalí a rejoint le groupe en 1929 et a participé à l’établissement rapide du style visuel entre 1930 et 1935.

Le surréalisme en tant que mouvement visuel avait trouvé une méthode: exposer la vérité psychologique; dépouiller les objets ordinaires de leur signification normale, pour créer une image convaincante qui était au-delà de l’organisation formelle ordinaire, afin d’évoquer l’empathie du spectateur.

En 1931, plusieurs peintres surréalistes réalisent des œuvres marquant des tournant dans leur évolution stylistique: La Voix des Airs de Magritte en est un exemple, où trois grandes sphères représentant des cloches sont suspendues au-dessus d’un paysage. Un autre paysage surréaliste de cette même année est le Palais Promontoire d’Yves Tanguy, avec ses formes en fusion et ses formes liquides. Les formes liquides sont devenues la marque de fabrique de Dalí, en particulier dans The Persistence of Memory, qui présente l’image de montres qui s’affaissent comme si elles fondaient.

Les caractéristiques de ce style – une combinaison du dépuratif, de l’abstrait et du psychologique – sont venues à l’encontre de l’aliénation que beaucoup de gens ressentaient à l’époque moderne, combinée avec le sentiment d’atteindre plus profondément dans la psyché, d’être «fait ensemble avec son individualité « .

Entre 1930 et 1933, le groupe surréaliste à Paris a publié le périodique Le Surréalisme au service de la révolution en tant que successeur de La Révolution surréaliste.

De 1936 à 1938, Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford et Roberto Matta ont rejoint le groupe. Paalen a contribué Fumage et Onslow Ford Coulage comme de nouvelles techniques automatiques picturales.

Longtemps après que les tensions personnelles, politiques et professionnelles aient fragmenté le groupe surréaliste, Magritte et Dalí ont continué à définir un programme visuel dans les arts. Ce programme va au-delà de la peinture pour englober la photographie, comme en témoigne un autoportrait de Man Ray, dont l’utilisation de l’assemblage influence les collages de Robert Rauschenberg.

Au cours des années 1930, Peggy Guggenheim, un important collectionneur d’art américain, épousa Max Ernst et commença à promouvoir le travail d’autres surréalistes comme Yves Tanguy et l’artiste britannique John Tunnard.

Les grandes expositions dans les années 1930

1936 – London International Surrealist Exhibition est organisée à Londres par l’historien d’art Herbert Read, avec une introduction d’André Breton.
1936 – Le Musée d’Art Moderne de New York présente l’exposition Art Fantastique, Dada et Surréalisme.
1938 – Une nouvelle Exposition Internationale du Surréalisme a eu lieu à la Galerie des Beaux-Arts, à Paris, avec plus de 60 artistes de différents pays, et a montré environ 300 peintures, objets, collages, photographies et installations. Les surréalistes voulaient créer une exposition qui, en soi, serait un acte créatif et invitaient Marcel Duchamp, Wolfgang Paalen, Man Ray et d’autres à le faire. À l’entrée de l’exposition, Salvador Dalí a placé son Rainy Taxi (un vieux taxi gréé pour produire un filet d’eau à l’intérieur des fenêtres et une créature à tête de requin dans le siège du conducteur et un mannequin blond rampant avec des escargots vivants dans le dos ) a salué les patrons qui étaient en tenue de soirée. La rue surréaliste a rempli un côté du lobby avec des mannequins habillés par divers surréalistes. Paalen et Duchamp ont conçu la salle principale pour ressembler à une caverne souterraine avec 1200 sacs de charbon suspendus au plafond sur un brasier de charbon avec une seule ampoule qui fournissait le seul éclairage, ainsi que le sol recouvert de feuilles humides et de boue. Les clients ont reçu des lampes de poche avec lesquelles voir l’art. Sur le sol, Wolfgang Paalen créa un petit lac avec des herbes et l’arôme du café torréfié emplit l’air. À la grande satisfaction des surréalistes, l’exposition a scandalisé les spectateurs.