Nature morte au XXe siècle

Les quatre premières décennies du 20ème siècle ont formé une période exceptionnelle de ferment et de révolution artistiques. Les mouvements d’avant-garde évoluent rapidement et se chevauchent dans une marche vers l’abstraction totale non figurative. La nature morte, ainsi que d’autres arts figuratifs, ont continué à évoluer et à s’adapter jusqu’au milieu du siècle, lorsque l’abstraction totale, comme illustré par les peintures au goutte à goutte de Jackson Pollock, a éliminé tout contenu reconnaissable.

Henri Matisse, Nature morte aux géraniums (1910), Pinakothek der Moderne, Munich, Allemagne

Le siècle a commencé avec plusieurs tendances s’emparant de l’art. En 1901, Paul Gauguin peint Still Life with Sunflowers, son hommage à son ami Van Gogh, décédé onze ans plus tôt. Le groupe connu sous le nom de Les Nabis, y compris Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, a repris les théories harmoniques de Gauguin et a ajouté des éléments inspirés des gravures sur bois japonaises à leurs natures mortes. L’artiste français Odilon Redon a également peint une nature morte notable durant cette période, en particulier les fleurs.

Henri Matisse a réduit encore plus le rendu des objets de nature morte à des contours plus ou moins audacieux et plats remplis de couleurs vives. Il a également simplifié la perspective et introduit des arrière-plans multicolores. Dans certaines de ses natures mortes, comme Still Life with Eggplants, sa table d’objets est presque perdue au milieu des autres motifs colorés remplissant le reste de la pièce. D’autres représentants du fauvisme, tels que Maurice de Vlaminck et André Derain, ont exploré davantage la couleur pure et l’abstraction dans leur nature morte.

Jean Metzinger, Fruit et un pot sur une table (1916), huile et sable sur toile, 115,9 x 81 cm, Museum of Fine Arts, Boston

Paul Cézanne a trouvé dans la nature morte le véhicule parfait pour ses explorations révolutionnaires dans l’organisation spatiale géométrique. Pour Cézanne, la nature morte était le principal moyen de retirer la peinture d’une fonction illustrative ou mimétique à celle de démontrer de façon indépendante les éléments de couleur, de forme et de ligne, un pas important vers l’art abstrait. De plus, les expériences de Cézanne peuvent être considérées comme menant directement au développement de la nature morte cubiste au début du 20ème siècle.

Adaptant le déplacement des plans et des axes de Cézanne, les cubistes ont subjugué la palette de couleurs des Fauves et se sont plutôt concentrés sur la déconstruction des objets en formes et plans géométriques purs. Entre 1910 et 1920, des artistes cubistes comme Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris ont peint de nombreuses compositions de natures mortes, comprenant souvent des instruments de musique, mettant pour la première fois la nature morte à l’avant-garde de l’innovation artistique. La nature morte était aussi le sujet des premiers travaux de collage cubistes synthétiques, tels que l’ovale de « Nature morte avec chaise cannage » de Picasso (1912). Dans ces œuvres, les objets de nature morte se chevauchent et s’entremêlent à peine en conservant des formes bidimensionnelles identifiables, en perdant leur texture de surface individuelle et en se fondant dans des objectifs d’arrière-plan presque opposés à ceux de la nature morte traditionnelle. La nature morte de Fernand Léger introduit l’utilisation d’un espace blanc abondant et de formes géométriques colorées, nettement définies, se chevauchant pour produire un effet plus mécanique.

Giorgio Morandi (1890-1964), Natura Morta (1956), huile sur toile, collection privée

Rejetant l’aplatissement de l’espace par les cubistes, Marcel Duchamp et d’autres membres du mouvement Dada, vont dans une direction radicalement différente, créant des sculptures 3D «ready-made». Dans le cadre de la restauration d’une signification symbolique à la nature morte, les futuristes et les surréalistes ont placé des objets de nature morte reconnaissables dans leurs paysages de rêve. Dans les natures mortes de Joan Miró, les objets apparaissent légers et flottent dans un espace bidimensionnel légèrement suggéré, et même les montagnes sont dessinées comme de simples lignes. En Italie, à cette époque, Giorgio Morandi était le plus grand peintre de natures mortes, explorant une grande variété d’approches pour représenter les bouteilles et ustensiles de cuisine de tous les jours.L’artiste hollandais MC Escher, mieux connu pour ses graphismes détaillés mais ambigus, a créé Still life and Street (1937), sa version mise à jour de la nature morte aux tables hollandaises traditionnelles. En Angleterre, Eliot Hodgkin utilisait la tempera pour ses peintures de natures mortes très détaillées.

Lorsque les artistes américains du XXe siècle ont pris conscience du modernisme européen, ils ont commencé à interpréter des natures mortes en combinant le réalisme américain et l’abstraction cubiste. Les peintures de Georgia O’Keeffe, Stuart Davis et Marsden Hartley, ainsi que les photographies d’Edward Weston sont typiques des natures mortes américaines de cette période. Les peintures de fleurs ultra-closeup d’O’Keeffe révèlent à la fois la structure physique et le sous-texte émotionnel des pétales et des feuilles d’une manière sans précédent.

Au Mexique, à partir des années 1930, Frida Kahlo et d’autres artistes ont créé leur propre marque de surréalisme, avec des aliments indigènes et des motifs culturels dans leurs natures mortes.

À partir des années 1930, l’expressionnisme abstrait réduisit considérablement la nature morte aux représentations brutes de la forme et de la couleur, jusqu’à ce que, dans les années 1950, l’abstraction totale domine le monde de l’art. Cependant, le pop art dans les années 1960 et 1970 a renversé la tendance et a créé une nouvelle forme de nature morte. Beaucoup de pop art (comme Campbell’s Soup Cannettes d’Andy Warhol) est basé sur la nature morte, mais son vrai sujet est le plus souvent l’image marchandisée du produit commercial représenté plutôt que l’objet physique de nature morte lui-même. Nature morte avec Goldfish Bowl de Roy Lichtenstein (1972) combine les couleurs pures de Matisse avec l’iconographie pop de Warhol. La Lunch Table de Wayne Thiebaud (1964) ne représente pas le déjeuner d’une seule famille, mais une chaîne de production d’aliments américains standardisés.

Le mouvement néo-dada, dont Jasper Johns, revient à la représentation en trois dimensions de Duchamp des objets ménagers de tous les jours pour créer leur propre œuvre de nature morte, comme dans Johns ‘Painted Bronze (1960) et Fool’s House (1962). Avigdor Arikha, qui a commencé comme un abstractionniste, a intégré les leçons de Piet Mondrian dans ses natures mortes comme dans son autre travail; tout en se reconnectant aux vieilles traditions de maître, il a réalisé un formalisme moderniste, travaillant dans une session et dans la lumière normale, à travers laquelle le sujet a souvent émergé dans une perspective surprenante.

Une contribution significative au développement de la peinture de nature morte au 20ème siècle a été faite par les artistes russes, parmi lesquels Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergueï Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva et d’autres.

En revanche, la montée du photoréalisme dans les années 1970 a réaffirmé la représentation illusionniste, tout en conservant une partie du message de Pop sur la fusion de l’objet, de l’image et du produit commercial. Typique à cet égard sont les peintures de Don Eddy et Ralph Goings.

Peintures du XXe siècle

Henri Matisse (1869-1954), Plats et fruits (1901), Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie

Odilon Redon (1840-1916),Fleurs (1903)

Georges Braque (1882-1963),violon et bougeoir (1910), musée d’art moderne de San Francisco

Juan Gris (1887-1927),Nature morte (1913), Museo Thyssen Bornemisza

Marsden Hartley (1877-1943), Belles boissons (vers 1916), Brooklyn Museum

Fernand Léger (1881-1955),Nature morte avec une tasse de bière (1921), Tate

Pablo Picasso, Compotier avec fruits, violon et verre (1912)

Une nature morte (pluriel: natures mortes) est une œuvre d’art représentant la plupart du temps des objets inanimés, objets banals qui sont soit naturels (nourriture, fleurs, animaux morts, plantes, roches, coquillages, etc.) ou artificiels (potable verres, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie, pipes, etc.).

Avec ses origines au Moyen Âge et l’art gréco-romain antique, la peinture de natures mortes est apparue comme un genre distinct et une spécialisation professionnelle dans la peinture occidentale à la fin du 16ème siècle, et est restée significative depuis lors. Une forme de nature morte donne à l’artiste plus de liberté dans l’arrangement des éléments dans une composition que des peintures d’autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. La nature morte, en tant que genre particulier, a commencé avec la peinture hollandaise des 16ème et 17ème siècles, et le terme anglais nature morte vient du mot néerlandais stilleven. Les premières peintures de nature morte, en particulier avant 1700, contenaient souvent des symboles religieux et allégoriques relatifs aux objets représentés. Certains travaux de nature morte modernes cassent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mélangés tridimensionnels, et utilisent des objets trouvés, la photographie, l’infographie, aussi bien que la vidéo et le son.

Le terme comprend la peinture d’animaux morts, en particulier le gibier. Les vivants sont considérés comme de l’art animalier, bien qu’ils soient souvent peints à partir de modèles morts. La catégorie nature morte partage également des points communs avec l’illustration zoologique et surtout botanique, où il y a eu un chevauchement considérable entre les artistes. Généralement, une nature morte comprend un arrière-plan entièrement décrit et place les préoccupations esthétiques plutôt qu’illustratives au premier plan.

La vie immobile occupait le dernier échelon de la hiérarchie des genres, mais elle a été extrêmement populaire auprès des acheteurs. En plus de la nature morte indépendante, la nature morte englobe d’autres types de peinture avec des éléments de nature morte éminents, généralement symboliques, et des «images qui s’appuient sur une multitude d’éléments de nature morte pour reproduire une tranche de vie». «  ». La peinture en trompe-l’œil, qui a l’intention de tromper le spectateur en lui faisant croire que la scène est réelle, est un type de nature morte spécialisé, montrant généralement des objets inanimés et relativement plats.