L’architecture éphémère avait une importance particulière dans le baroque espagnol, dans la mesure où elle remplissait diverses fonctions tant esthétiques que politiques, religieuses et sociales. D’une part, il constituait une composante indispensable du soutien aux réalisations architecturales, réalisées de manière périssable et transitoire, qui permettait de réduire le coût des matériaux et de capturer de nouveaux designs et des solutions originales et audacieuses de la nouvelle Style baroque., Qui ne pouvait pas être fait dans les constructions conventionnelles. D’autre part, sa volubilité a permis l’expression d’un large éventail de productions conçues selon ses différentes fonctionnalités: arcs de triomphe pour la réception des rois et des personnages aristocratiques, catafalques pour cérémonies religieuses, monticules funéraires et divers scénarios d’actes sociaux ou religieux , comme la fête du Corpus ou la Semaine Sainte.
Ces réalisations ont été abondamment décorées et ont développé un programme iconographique qui mettait l’accent sur le pouvoir des classes dirigeantes de l’époque, à la fois politique et religieuse: dans la sphère politique, il exaltait le pouvoir omnipotent de la monarchie absolutiste. dominance spirituelle de l’Église Contre-Réforme. Ils avaient l’habitude d’avoir une forte composante de propagande, en tant que véhicules de l’ostentation de ces classes dominantes, de sorte qu’ils s’adressaient principalement aux gens, qui étaient les bénéficiaires de ces magnifiques cérémonies et spectacles.
Bien qu’il n’y ait eu aucune trace matérielle de ce type de travail, ils sont connus grâce aux dessins et gravures, ainsi qu’aux récits littéraires de l’époque, qui les décrivent en détail. Beaucoup d’écrivains et de chroniqueurs se sont consacrés à ce genre de descriptions, donnant naissance à un nouveau genre littéraire, les «relations».
Le baroque: une culture de l’image
L’architecture est l’art et la technique de la construction de bâtiments, la conception d’espaces et de volumes à but utilitaire, principalement le logement, mais aussi diverses constructions de signe social, ou civile ou religieuse. L’espace, étant modifié par l’être humain, est transmué, acquiert un nouveau sens, une nouvelle perception, avec laquelle il acquiert une dimension culturelle, alors qu’il acquiert une signification esthétique, parce qu’il est perçu d’une manière intellectuelle et artistique, comme une l’expression des valeurs socioculturelles inhérentes à chaque peuple et à chaque culture. Ce caractère esthétique peut donner à l’espace une composante éphémère, à utiliser dans des événements publics et des célébrations, des rituels, des fêtes, des marchés, des spectacles, des services religieux, des événements officiels, des événements politiques, etc.
Dans le baroque, les arts se sont réunis pour créer une œuvre d’art totale, avec une esthétique théâtrale et scénographique, une mise en scène qui mettait en lumière la splendeur du pouvoir dominant (Église ou État). L’interaction de tous les arts exprimait l’utilisation du langage visuel comme moyen de communication de masse, incarné dans une conception dynamique de la nature et de l’espace environnant, dans une culture de l’image.
L’une des principales caractéristiques de l’art baroque est sa nature illusoire et artificielle: «l’ingéniosité et le design sont l’art magique à travers lequel on peut tromper l’œil jusqu’à en être étonné» (Gian Lorenzo Bernini). Le visuel et l’éphémère sont particulièrement appréciés, de sorte que le théâtre et les différents genres d’arts de la scène et de spectacles gagnent en popularité: danse, pantomime, drame musical (oratorio et mélodrame), spectacles de marionnettes, acrobaties, cirques, etc. le monde est un théâtre (theatrum mundi) et la vie une fonction théâtrale: «le monde entier est une scène, et tous les hommes et les femmes sont de simples acteurs» (comme vous l’aimez, William Shakespeare, 1599). De même, les autres arts, en particulier l’architecture, ont tendance à être dramatisés. C’était un art qui se basait sur le renversement de la réalité: dans la «simulation», en transformant le faux en vrai, et en la «dissimulation», passer le vrai pour le faux. Ils ne montrent pas les choses telles qu’elles sont, mais comme elles voudraient qu’elles soient, surtout dans le monde catholique, où la Contre-Réforme a eu un maigre succès, puisque la moitié de l’Europe est passée au protestantisme. Dans la littérature, elle se manifeste en donnant libre cours à l’artifice rhétorique comme moyen d’expression propagandiste où la somptuosité du langage cherche à refléter la réalité de manière adoucie, en recourant à des figures rhétoriques telles que métaphore, paradoxe, hyperbole, antithèse, hyperbaton, ellipse Cette transposition de la réalité, déformée et amplifiée, altérée dans ses proportions et soumise au critère subjectif de la fiction, passe aussi dans le domaine de la peinture, où l’on abuse de la perspective raccourcie et illusionniste pour obtenir des effets plus marquants. et incroyable.
L’art baroque cherchait la création d’une réalité alternative à travers la fiction et l’illusion. Cette tendance a eu son expression maximale dans le parti et la célébration ludique: bâtiments comme des églises ou des palais, ou un quartier ou une ville entière, sont devenus des théâtres de la vie, dans des scénarios où la réalité et l’illusion étaient mélangés. artifice. Dans cet aspect, l’Église Contre-Réforme avait un rôle spécial, qui cherchait par sa pompe et son apparat à montrer sa supériorité sur les églises protestantes, avec des actes tels que des messes solennelles, des canonisations, des jubilés, des processions ou des investitures papales. Mais les célébrations de la monarchie et de l’aristocratie sont tout aussi prodigues, avec des événements tels que les couronnements, les mariages et les naissances royales, les funérailles, les victoires militaires, les visites d’ambassadeurs ou tout autre événement permettant au monarque d’admirer le peuple. Les fêtes baroques étaient une conjugaison de tous les arts, de l’architecture et des arts plastiques à la poésie, la musique, la danse, le théâtre, la pyrotechnie, les compositions florales, les jeux d’eau, etc. , ils ont contribué leur talent à de tels événements, en concevant des structures, des chorégraphies, des illuminations et d’autres éléments, qui ont souvent servi de terrain d’essai pour des accomplissements futurs plus sérieux.
Au cours du baroque, le caractère ornemental, ornementé et orné de l’art de cette époque a montré un sens vital transitoire, lié au memento mori, la valeur éphémère de la richesse face à l’inévitabilité de la mort, parallèlement au genre pictural de les vanitas. Ce sentiment nous a conduit à valoriser de façon vitaliste la fugacité de l’instant, à jouir des légers moments de récréation que donne la vie, ou des célébrations et des actes solennels. Ainsi, les naissances, les mariages, les décès, les actes religieux, les couronnements royaux et autres actes ludiques ou cérémoniels étaient couverts d’une pompe et d’un artifice de nature théâtrale, où de grandes assemblées élaboraient des architectures et des décorations agglutinées pour fournir une magnificence éloquente à toute célébration, qui devient un spectacle de caractère presque cathartique, où l’élément illusoire, l’atténuation de la frontière entre réalité et fantaisie, prend une importance particulière.
Architecture baroque espagnole
En Espagne, l’architecture de la première moitié du XVIIe siècle a accusé le patrimoine herrérien, avec une austérité et une simplicité géométrique d’influence scurialense. Le baroque a été progressivement introduit avant tout dans la décoration intérieure des églises et des palais, où les retables évoluaient vers des niveaux de plus en plus élevés de la magnificence. À cette époque, Juan Gómez de Mora était le personnage le plus remarquable, avec des réalisations telles que le clergé de Salamanque (1617), la mairie (1644-1702) et la Plaza Mayor de Madrid (1617-1619). Alonso Carbonel, auteur du palais du Buen Retiro (1630-1640), ou Pedro Sánchez et Francisco Bautista, auteurs de la collégiale San Isidro de Madrid (1620-1664), sont d’autres architectes de l’époque.
Vers le milieu du siècle, les formes les plus riches et les volumes les plus libres et les plus dynamiques gagnent du terrain, avec des décorations naturalistes (couronnes, supports végétaux) ou des formes abstraites (moulures et baquetones découpées, généralement mixtes). A cette époque, il convient de rappeler les noms de Pedro de la Torre, de José de Villarreal, de José del Olmo, de Sebastián Herrera Barnuevo et, surtout, d’Alonso Cano, auteur de la façade de la cathédrale de Grenade (1667).
Entre la fin du siècle et le début du XVIII, le style churrigueresque (par les frères Churriguera), caractérisé par son exubérante décorativisme et l’utilisation des colonnes salomoniennes, fut donné: José Benito Churriguera fut l’auteur du retable principal de San Esteban de Salamanque (1692) et la façade de l’église-palais du Nuevo Baztán à Madrid (1709-1722); Alberto Churriguera a projeté la Plaza Mayor de Salamanque (1728-1735); et Joaquín Churriguera fut l’auteur du Colegio de Calatrava (1717) et du cloître de San Bartolomé (1715) à Salamanque, d’influence plateresque. D’autres figures de l’époque étaient: Teodoro Ardemans, auteur de la façade de la Mairie de Madrid et le premier projet du Palais Royal de La Granja de San Ildefonso (1718-1726); Pedro de Ribera, auteur du Pont de Tolède (1718-1732), du Cuartel del Conde-Duque (1717) et de la façade de l’église de Nuestra Señora de Montserrat à Madrid (1720); Narciso Tomé, auteur du Transparent de la cathédrale de Tolède (1721-1734); l’Allemand Konrad Rudolf, auteur de la façade de la cathédrale de Valence (1703); Jaime Bort, architecte de la façade de la cathédrale de Murcie (1736-1753); Vicente Acero, qui a conçu la cathédrale de Cadix (1722-1762); et Fernando de Casas Novoa, auteur de la façade de l’Obradoiro de la cathédrale de Santiago de Compostela (1739-1750).
L’éphémère dans l’architecture baroque espagnole
La splendeur de l’architecture éphémère eut lieu à l’époque moderne, à la Renaissance et surtout au Baroque, époques de consolidation de la monarchie absolue, lorsque les monarques européens cherchèrent à élever leur figure par rapport à celle de leurs sujets, en ayant recours à toutes sortes des actes propagandistes et exaltants de son pouvoir, dans des cérémonies politiques et religieuses ou des célébrations de la nature ludique, qui ont montré la magnificence de son gouvernement.
Il convient de noter que bien que cette période ait été un certain déclin politique et économique, dans le domaine culturel était une grande splendeur, le soi-disant âge d’or, avec une floraison magnifique de la littérature et des arts. D’un autre côté, bien que dans le domaine politique, la monarchie soit résolument autoritaire, la manière de gouverner montre une forte composante populiste; tandis que dans la sphère religieuse, la foi stricte était combinée avec une vision du monde de nature réaliste et critique. Ces éléments ont contribué à la volonté d’un art proche du peuple, qui a montré de manière simple et directe les aspects moraux et idéologiques que les classes dirigeantes voulaient transmettre à leurs sujets. Ainsi, selon l’historien José Antonio MaravallBaroque, l’art et la culture étaient «dirigés», puisque son objectif était la communication; «Massive», puisqu’elle était dirigée vers la ville; et « conservateur », car il cherchait à perpétuer les valeurs traditionnelles.
Ces distractions ont aidé la population à faire face à leurs difficultés: selon Jerónimo de Barrionuevo, «ces divertissements sont indispensables pour supporter tant d’adversités». Cette évasion de la réalité conduit Antonio Bonet Correa à décrire cette période comme «un espace et un temps utopiques», car elle ne cesse pas d’être un soulagement temporaire de la dure réalité de la majorité de la population, immergée dans la misère.
L’architecture éphémère était généralement faite avec des matériaux pauvres et périssables, tels que le bois, le carton, le tissu, le stuc, la canne, le papier, le chaume, la chaux ou le plâtre, qui étaient cependant augmentés par la monumentalité des œuvres et leurs conceptions originales et fantaisistes. ainsi que pour la somptuosité de la décoration ornementale. Ce sont des œuvres où l’architecture et la sculpture, la peinture et les arts décoratifs participent, et où la scénographie est particulièrement importante. Elle peut se faire aussi bien à l’intérieur des bâtiments – temples généralement religieux – que dans les rues des villes. comme les arcs de triomphe, les châteaux, les portiques, les temples, les catafalques, les pavillons, les galeries, les colonnades, les loges, les édicules, les pyramides, les obélisques, les piédestaux, les baldaquinos, les tramoyas, les autels, les auvents, etc. peintures; ces derniers représentaient souvent des architectures ou des paysages feints, avec la représentation habituelle des «parnassiens», des montures végétales, des rivières et des fontaines dans lesquelles figuraient des dieux, des muses et des personnages historiques. D’autres éléments décoratifs étaient des bols, des tapisseries florales, des guirlandes, des cornes d’abondance, des miroirs, des chandeliers, des boucliers et des drapeaux. En plus de tout cela, nous devons prendre en compte des éléments mobiles tels que des calèches ou des cortèges, des entourages et des comitivas, mascarades, mojigangas, jeux de cannes et autos de fe, ainsi que d’autres éléments tels que feux d’artifice, corridas, naumaquias, joutes et simulations de guerre, musique, danse, théâtre et autres genres du spectacle.
L’élément le plus emblématique de l’architecture éphémère baroque était peut-être le monticule funéraire, car il signifiait plus que tout autre la conception du transitoire, la fugacité de la vie, qui se traduit par la fugacité du parti, de la célébration éphémère. Les bulles funéraires représentent, outre l’architecture éphémère, le hasard, la vacuité, la nature éphémère de l’existence, contrastant la temporalité corporelle avec l’immortalité de l’âme. Ils sont donc fréquents dans la décoration des tertres et des références catafalques à la mort, à travers des squelettes, des crânes, des sabliers, des bougies et d’autres éléments faisant allusion à la fin de l’existence humaine. L’évolution typologique des monticules funéraires a été dérivée de catafalques de type monument hérités de la Renaissance maniériste au catafalque de type pirate du plenum baroque, avec un plan turriforme et un temple en forme de coupole, dérivant vers la fin du baroque en catafalque type canopée ; déjà à la fin du 18ème siècle ils évolueraient vers l’obélisque catafalque, de style néoclassique. Il faut noter que les tumulus furent réservés à la famille royale, jusqu’à ce qu’en 1696 Charles II approuve son ouverture aux membres de l’aristocratie et de la hiérarchie ecclésiastique.
Beaucoup d’architectes ont utilisé l’architecture éphémère comme banc d’essai pour des formules et des solutions originales et plus audacieuses que dans l’architecture conventionnelle, qu’ils ont ensuite testée sur des réalisations stables, avec lesquelles cette modalité a puissamment aidé le progrès de l’architecture espagnole. Certains des architectes les plus renommés ont réalisé ce type de travail, comme Juan Gómez de Mora, Pedro de la Torre, José Benito Churriguera, Alonso Cano, José del Olmo et Sebastián Herrera Barnuevo. Même des artistes de renom sont intervenus dans ce type de travail, comme El Greco, dans la conception du tumulus de Margaret d’Autriche-Styrie (1612); Rubens à l’entrée du Cardinal-Infant Ferdinand d’Autriche à Anvers en 1635; Velázquez, dans la décoration des noces de Louis XIV et de Marie-Thérèse d’Autriche, sur l’île des faisans (1660); ou Murillo, dans la célébration de l’Immaculée Conception à Séville (1665).
Tout événement convenait à la célébration éphémère: les monarques célébraient de manière somptueuse tous les événements importants de leur vie tels que naissances, baptêmes, onomastique, mariages, cérémonies d’intronisation, visites de villes, victoires militaires, accords diplomatiques, funérailles, etc. En ce qui concerne les célébrations religieuses, celles du Corpus Christi et de la Semaine Sainte, célébrées avec des processions, viacrucis, rogativas, autos de masse et sacramentaux, où ils montaient de grandes scènes pour les festivités, et avec les processions religieuses étaient ajoutés des éléments folkloriques comme des masques, mojigones, fanfares, géants et grosses têtes. D’autres célébrations ont été motivées par des actes ponctuels, habituellement des canonisations, comme Luis Bertrán en 1608, Francisco Javier, Ignacio de Loyola, Isidro Labrador et Teresa de Jesus en 1622, Tomás de Villanueva en 1658, Francisco de Borja en 1671 ou Pascual Baylón en 1690 ; ou décrets pontificaux, tels que le bref d’Alexandre VII dans lequel il a reconnu l’Immaculée Conception de la Vierge (1662). Une signification spéciale a eu la canonisation de Fernando III en 1671, puisqu’a agglutiné dans un même intérêt à l’Église et à la monarchie, en conjuguant les valeurs des classes dirigeantes de l’Ancien Régime.
La commission de la monarchie et de l’Eglise apporte un certain soutien aux professionnels de l’architecture, des arts plastiques et décoratifs et de l’artisanat, qui ont ainsi des missions en période de crise économique où il y a peu de travail au niveau civil. 28 D’autre part, l’architecture éphémère atteint un niveau de popularité qui accorde un grand prestige au professionnel qui l’a faite: ainsi le concours organisé pour l’attribution des funérailles de Maria Luisa de Orléans en 1689, remporté par un étranger jusque-là. Benito de Churriguera, a servi à lancer avec beaucoup de succès sa carrière professionnelle.
Il faut noter que de ces réalisations éphémères il n’y a pas eu de restes matériels, et ils ne sont connus que par des gravures et des dessins, et par des récits écrits qui décrivent en détail tous les détails de ces célébrations. Ces histoires ont donné naissance à un nouveau genre littéraire, les «relations», qui ont comme référence principale Juan Calvete de Estrella, auteur du tumulus impérial, orné d’histoires et de signes et d’épitaphios en prose et en vers latins (1559). Cette littérature abondait en descriptions détaillées des événements célébrés par la monarchie et l’Église, avec un accent particulier sur les éléments symboliques, souvent incarnés dans les hiéroglyphes et les boucliers, dont les devises, généralement en latin, étaient traduites en vers en espagnol. D’autre part, ces chroniques n’arrêtaient pas de montrer les valeurs politiques, sociales et morales que défendaient les personnages puissants qui soutenaient ces splendeurs.
Au XVIIIe siècle, les mêmes typologies fes- tives s’ensuivirent, les Bourbons conservant les mêmes protocoles et répertoires de célébrations et de solennités. L’évolution dans les architectures éphémères était principalement stylistique, surtout à partir du premier tiers du siècle, dans lequel la promotion de l’Académie des Beaux-Arts de San Fernando a favorisé les lignes classicistes, dans un mouvement qui serait baptisé comme néoclassicisme. D’autre part, la montée des Lumières a conduit à la réduction de la grande pompe religieuse du signe contre-réformiste. Les nouveaux événements avaient un caractère plus didactique, avec une distinction plus nette entre le sacré et le profane, et la musique et l’opéra devenaient plus pertinents.
Principales réalisations
Entrée de Philippe III à Lisbonne (1619): fut honorée de la construction de treize arches triomphales, financées par les guildes de la ville, décorées de dieux et de héros mythologiques, de figures allégoriques et de références littéraires empruntées à des auteurs classiques comme Ovide ou Virgile, ou de Dante et des textes bibliques, en plus des boucliers et des emblèmes d’une nature symbolique. Les arches ont montré un style architectural de réminiscences maniéristes, inspirées par le travail de Serlio et Vignola.
Entrée de Mariana d’Autriche à Madrid (1649): elle a été planifiée par Alonso Cano, qui a construit quatre arcs de triomphe dédiés aux quatre continents principaux et aux quatre éléments, dans cette relation: Europe-Air, Asie-Terre, Afrique-Feu et Amérique-Eau. Il a également construit une façade noble à Buen Retiro, sur des piédestaux de pierre de Berroque, avec six colonnes d’ordre dorique et des corniches décorées de châteaux et de lions. A côté de cette couverture, sur la fontaine Olivo du Vieux Prado de San Jerónimo, une montagne de Parnassus avec deux sommets se leva, l’un présidé par Hercule-Sol et un autre par Pegasus, avec Apoloin le centre et neuf statues dédiées aux muses et Poètes espagnols.
Reconnaissance de l’Immaculée Conception à Valence (1662): elle fut célébrée pendant six mois avec des mascarades et des cavalcades, et des autels provisoires furent construits dans toute la ville, certains avec des poireaux jetant des flocons de coton simulant la neige, faisant allusion à la pureté de la Vierge. . L’un des plus élaborés était à la Faculté de Philosophie, couvert de tapisseries et de broderies en soie et or, couronné par une allégorie du Triomphe de l’Église, flanquée du pape Alexandre VII et de l’archevêque de Valence, Martín López de Ontiveros.
Célébration de l’Immaculée Conception à Séville (1665): conçue par Bartolomé Esteban Murillo, et célébrée dans l’église de Santa María la Blanca, à l’extérieur de laquelle deux arcs de triomphe ont été placés, un dédié au Mystère de l’Immaculée Conception et un autre au Triomphe de l’Eucharistie, à côté d’un périmètre limité couvert d’auvents et occupé par des autels décorés de thèmes marials. Une grande peinture de la Vierge de Juan Valdés Leal a été placée sur la porte de l’église.
Canonisation de Fernando III (1671): elle fut célébrée à Séville, ville reconquise par le saint roi, dont la cathédrale fut ornée de divers monuments et emblèmes de Bernardo Simón de Pineda, en collaboration avec le peintre Juan Valdés Leal et le sculpteur Pedro Roldán . L’ensemble du complexe de la cathédrale de Séville a été décoré de toiles peintes, dont la Giralda et le Patio de los Naranjos; toutes les chapelles étaient ornées, et dans le trascoro un arc de triomphe était érigé à l’effigie de l’honoré dans le couronnement, entouré de figures allégoriques; En outre, dans le retable du tabernacle a été placé une scène avec un tableau de Murillo. Cet ensemble de monuments a exercé une influence notable sur l’architecture de l’époque, qui a duré jusqu’au règne de Felipe V, en tant qu’expression d’un baroque distinctement espagnol, avec des formes dynamiques et profusément décoratives. Il convient de noter que les dessins de cet événement ont été imprimés dans une « relation » écrite par Fernando de la Torre Farfán, considéré comme le plus beau livre imprimé dans l’Espagne du Baroque.
Entrée de Maria Luisa de Orleans à Madrid (1680): elle fut organisée par Claudio Coello et José Jiménez Donoso avec l’aide de Matías de Torres et Francisco Solís parmi d’autres peintres, José Ratés et José Acedo dans l’architecture et Pedro Alonso de los Ríos , Enrique de Cardona et Mateo Rodríguez, en charge des travaux de sculpture, parmi beaucoup d’autres artistes. Cinq arcs de triomphe ont été érigés, dans la rue du Prado, l’italien, la Puerta del Sol, la Puerta de Guadalajara et Santa María, avec des portiques, des fontaines et des sculptures décoratives dans le Retiro, San Felipe, Plaza de la Villa et Plaza de Palacio. Tous les éléments étaient ornés de manière ornementale, dans une apothéose du baroque le plus décoratif, avec beaucoup de motifs végétaux et de pierre.
Catafalque de Maria Luisa de Orleans à Madrid (1689): œuvre de José Benito de Churriguera, sa conception a servi de modèle pour les monticules funéraires jusque dans le dix-huitième siècle. Il était situé dans l’église du Real Monasterio de la Encarnación à Madrid, et il était formé par une haute plate-forme avec quatre escaliers, sur laquelle deux corps se levaient avec une décoration abondante de moulures, feuillage, tarja et stipes, ainsi que diverses sculptures de figures allégoriques et des images du défunt.
Catafalco de Carlos II à Barcelone (1700): ouvrage de Josep Vives, était un monticule turriforme à base d’ochavada avec des boucliers soutenus par des aigles et des lions, sur laquelle s’élevait une pyramide à gradins ornée de têtes de mort et surmontée d’un baldaquin hexagonal avec les vrais emblèmes. Le programme iconographique se composait d’allégories des royaumes hispaniques (Castille, Aragon, Catalogne, Inde, Milan, Naples, Sicile, Flandre), des quatre continents (Europe, Amérique, Afrique, Asie), des quatre principaux fleuves de la péninsule Ibérique ( Ebro, Duero, Tajo, Guadalquivir), les vertus théologales (Foi, Espérance, Charité) et les cardinaux (Prudence, Justice, Fortitude, Tempérance), le Victoria et le Phoenix Bird.
Tumulus de Luis XIV à Barcelone (1715): oeuvre de Josep Vives, avec une plante carrée avec piédestaux dans les angles, couronnée de statues, de volutes et de fleurons, représentant les vertus avec des anges qui tenaient un portrait du défunt, tous couronnés par un baldaquin avec la couronne royale.
Entrée de Felipe V à Séville (1729): a célébré l’arrivée du monarque, qui a converti la ville andalouse dans le siège de la cour pendant cinq ans. La ville était ornée de tentures, de peintures et de tapisseries, et de divers bâtiments tels que des pyramides et des arcs de triomphe, ainsi que des statues de héros mythologiques, des colonnes d’Hercule avec un lion qui lui jetait de l’eau et un colosse de Rhodes. un bateau.
Rendez-vous de l’archevêque Luis de Borbón (1742): il se tenait à Séville, où une mascarade et un défilé de chars ornés étaient organisés, ainsi que des feux d’artifice, l’illumination de la Giralda et la germination des fontaines du palais. épiscopale pendant trois jours.
Catafalque de Felipe V à Madrid (1746): ouvrage de Juan Bautista Sacchetti, présenté un sous-sol avec deux escaliers à balustrades représentant les figures de Neptune et de Cybèle, sur lequel se dressait un temple d’air et d’aspect diaphane, décoré de squelettes. Inspiré par le travail de la famille italienne de scénographes Galli Bibbiena, son style s’inscrit dans une filiation baroque et internationale plus classique, s’éloignant du baroque hispanique hérité du siècle précédent.
Tombe de Felipe V à Cervera (1746): oeuvre de Pere Costa, érigée dans la chapelle de l’Université de Cervera. Il avait une base octogonale, sur le côté de laquelle se trouvaient des pyramides avec des allégories de Théologie, Droit Canon, Philosophie et Mathématiques; sur la corniche le droit civil, la médecine, la poésie et la rhétorique étaient représentés; dans le couronnement il y avait une figure de la mort marchant des couronnes et des sceptres, et un bouclier avec l’inscription Philippi quod potui rapui, allusive à cette mort a arraché sa mortalité, mais pas ses exploits immortels.
Proclamation de Fernando VI à Séville (1747): elle fut célébrée par une procession de huit voitures décorées, en bois et recouvertes de stuc, décorées de couleurs vives. La première voiture était la Proclamation du Masque, suivie de celle de la Joie Commune, quatre dédiées aux quatre éléments, celle d’Apollon et celle des Rois, qui portait les portraits des nouveaux monarques.
Arrivée de Carlos III à Barcelone (1759): pour son arrivée au port un pont, un escalier et un arc de triomphe ont été construits, décorés avec des figures de la mythologie marine et des allégories astrologiques. Puis il y avait plusieurs arcs avec des représentations de l’histoire de la ville, faisant allusion à sa fondation mythique par Hercule. Dans la Lonja de Mar, un grand écran représentait le système solaire, plaçant le roi au centre de l’univers. Il y avait aussi une mascarade et une procession de cinq voitures qui ont visité la ville pendant trois nuits, décorées avec une esthétique rococo.
Arrivée de Carlos III à Madrid (1759): diverses structures ont été construites par l’architecte de mode de l’époque, Ventura Rodríguez, avec la collaboration du sculpteur Felipe de Castro; les inscriptions des tissus ornementaux ont été écrites par Pedro Rodríguez de Campomanes et Vicente Antonio García de la Huerta. Les rues de Madrid étaient décorées de tapisseries et de tentures aux couleurs vives comme l’or, le bleu pastel et le lapis-lazuli; dans la Puerta del Sol a été construit un temple rotondo (tholos), avec des imitations de jaspe pour les colonnes, de bronze dans les bases et les chapiteaux et de marbre dans les corniches et les piédestaux; Dans la rue Carretas, une arche de triomphe fut érigée, décorée de reliefs et de trophées; un autre arc était placé dans la rue principale, avec des représentations allusives à la piété et à la libéralité du roi, à côté d’une double galerie d’ordre composé remerciant le nouveau monarque pour la suspension des dettes fiscales. Tous ces ornements ont été conçus dans un style plus sobre que d’habitude, indiquant maintenant le néoclassicisme de la fin du siècle, bien que sa conception fût encore fondamentalement baroque.
Tombe de la reine Maria Amalia de Saxe à Barcelone (1761): réalisée dans la cathédrale, elle fut l’oeuvre de Manuel et Francesc Tramulles. Sur la façade, un portail baroque avec des signes mortuaires et des symboles a été placé, ainsi qu’une allégorie de la Catalogne en deuil. Dans l’intérieur ont été placés les boucliers des royaumes de la monarchie hispanique, la Saxe et les quatre continents. Dans le trascoro a été placé un portail avec une allégorie de Barcelone en forme de nymphe en pleurs. Enfin, entre le chœur et le presbytère fut installé un mausolée qui présentait un corps bas avec des allégories de Tarragone, Tortosa, Lleida, Gérone, Vich, Manresa, Mataró et Cervera; dans les intercolumniums il y avait des sculptures de Pain, Love, Loyalty et Gratitude et, au centre, le cercueil royal avec sceptre et couronne; dans le second corps, il y avait des sculptures assises de générosité, de constance, d’intelligence et d’obéissance; dans le haut du corps, Charité, Religion, Humilité, Prière et, au centre, Barcelone; enfin, dans le couronnement, le bonheur éternel.