Autoportrait

Un autoportrait est une représentation d’un artiste dessiné, peint, photographié ou sculpté par cet artiste. Bien que des autoportraits aient été réalisés depuis les temps les plus reculés, ce n’est qu’au début de la Renaissance, au milieu du XVe siècle, qu’on a souvent identifié des artistes qui se présentaient comme le sujet principal ou comme des personnages importants dans leur travail. Avec des miroirs meilleurs et moins chers, et l’avènement du portrait en panneaux, de nombreux peintres, sculpteurs et graveurs ont essayé une forme d’autoportrait. Portrait d’un homme dans un turban de Jan van Eyck de 1433 pourrait bien être le premier panneau autoportrait connu. Il a peint un portrait séparé de sa femme et appartenait au groupe social qui avait commencé à commander des portraits, déjà plus répandus chez les riches Néerlandais que dans le sud des Alpes. Le genre est vénérable, mais ce n’est qu’à la Renaissance, avec l’augmentation de la richesse et l’intérêt pour l’individu en tant que sujet, qu’il est devenu vraiment populaire.

Les types
Un autoportrait peut être un portrait de l’artiste ou un portrait inclus dans une œuvre plus grande, y compris un portrait de groupe. On dit que beaucoup de peintres ont inclus des représentations d’individus spécifiques, y compris eux-mêmes, dans des figures de peinture dans le religieux ou d’autres types de composition. De telles peintures n’étaient pas destinées à représenter publiquement les personnes réelles comme elles-mêmes, mais les faits auraient été connus à l’époque pour l’artiste et le patron, créant un point de discussion ainsi qu’un test public de l’habileté de l’artiste.
Dans les premiers exemples survivants d’autoportraits médiévaux et de la Renaissance, des scènes historiques ou mythiques (de la Bible ou de la littérature classique) ont été représentées en utilisant un certain nombre de personnes comme modèles, incluant souvent l’artiste. autoportrait et histoire / peinture de mythe. Dans ces œuvres, l’artiste apparaît généralement comme un visage dans la foule ou le groupe, souvent vers les bords ou le coin de l’œuvre et derrière les participants principaux. Les Quatre philosophes de Rubens (1611-12) est un bon exemple. Cela a culminé au 17ème siècle avec le travail de Jan de Bray. De nombreux médias artistiques ont été utilisés; En dehors des peintures, dessins et gravures ont été particulièrement importants.

Dans le célèbre portrait d’Arnolfini (1434), Jan van Eyck est probablement l’une des deux figures aperçues dans un miroir – une vanité étonnamment moderne. Le tableau de Van Eyck a peut-être inspiré à Diego Velázquez le portrait de Las Meninas (1656), alors que Van Eyck était accroché au palais de Madrid où il travaillait. C’était un autre fleuron moderne, étant donné qu’il apparaît comme le peintre (précédemment invisible dans le portrait royal officiel) et se tenant près du groupe de famille du Roi qui étaient les sujets principaux supposés de la peinture.

Dans ce qui peut être l’un des tout premiers autoportraits de l’enfance qui subsistent, Albrecht Dürer se présente lui-même dans un style naturaliste comme un garçon de 13 ans en 1484. Plus tard, il apparaît comme un marchand de scènes bibliques comme Christ.

Léonard de Vinci a peut-être dessiné une image de lui-même à l’âge de 60 ans, vers 1512. L’image est souvent directement reproduite en tant qu’apparence de Da Vinci, bien que ce ne soit pas certain.

Au 17ème siècle, Rembrandt a peint une gamme d’autoportraits. Dans Le fils prodigue dans la taverne (c1637), l’un des premiers autoportraits avec famille, le tableau comprend probablement Saskia, la femme de Rembrandt, l’une des premières représentations d’un membre de la famille par un artiste célèbre. Les peintures de groupes familiaux et professionnels, y compris la représentation de l’artiste, sont devenues de plus en plus courantes à partir du XVIIe siècle. À partir du XXe siècle, la vidéo joue un rôle de plus en plus important dans l’autoportrait, et ajoute la dimension de l’audio, permettant à la personne de nous parler de sa propre voix.

Femmes peintres
Les femmes artistes sont des producteurs notables d’autoportraits; presque toutes les femmes peintres significatives ont laissé un exemple, de Caterina van Hemessen à la prolifique Elisabeth Vigée-Lebrun, et Frida Kahlo, ainsi que Alice Neel, Paula Modersohn-Becker et Jenny Saville qui se sont peintes dans le nu. Vigée-Lebrun a peint un total de 37 autoportraits, dont beaucoup étaient des copies d’exemplaires antérieurs, peints à la vente. Jusqu’au XXe siècle, les femmes étaient généralement incapables de s’entraîner à dessiner le nu, ce qui leur rendait difficile de peindre de grandes compositions de figures, conduisant de nombreux artistes à se spécialiser dans le portrait. Les femmes artistes ont historiquement incarné un certain nombre de rôles dans leur autoportrait. Le plus commun est l’artiste au travail, se montrant dans l’acte de peindre, ou au moins tenant un pinceau et une palette. Souvent, le spectateur se demande si les vêtements portés étaient ceux auxquels ils ont normalement peint, car la nature élaborée de nombreux ensembles était un choix artistique pour montrer son habileté aux détails fins.

Antiquité
Des images d’artistes au travail sont rencontrées dans la peinture égyptienne antique, et la sculpture et aussi sur les vases grecs antiques. L’un des premiers autoportraits a été réalisé par le chef sculpteur du pharaon Akhenaton, Bak, en 1365 av. Plutarque mentionne que le sculpteur grec ancien Phidias avait inclus une ressemblance de lui-même dans un certain nombre de personnages dans la «Bataille des Amazones» sur le Parthénon, et il y a des références classiques aux autoportraits peints, dont aucun n’a survécu.

Asie
Les portraits et les autoportraits ont une histoire continue plus longue dans l’art asiatique qu’en Europe. Beaucoup dans la tradition du gentleman savant sont assez petites, dépeignant l’artiste dans un grand paysage, illustrant un poème en calligraphie sur son expérience de la scène. Une autre tradition, associée au bouddhisme zen, a produit des autoportraits animés semi-caricaturaux, tandis que d’autres restent plus proches des conventions du portrait formel.

Art européen
Les manuscrits enluminés contiennent un certain nombre d’autoportraits apparents, notamment ceux de Saint Dunstan et de Matthew Paris. La plupart d’entre eux montrent l’artiste au travail ou présentent le livre fini à un donateur ou à une figure sacrée, ou vénèrent un tel personnage. Orcagna se serait peint comme une figure dans une fresque de 1359, ce qui devint, du moins selon les historiens d’art – Vasari enregistre un certain nombre de ces traditions – une pratique commune des artistes. pour les artistes antérieurs, sans autre portrait à comparer, ces descriptions sont nécessairement plutôt spéculatives. Parmi les premiers autoportraits se trouvent également deux fresques de Johannes Aquila, une à Velemér (1378), dans l’ouest de la Hongrie, et une à Martjanci (1392), dans le nord-est de la Slovénie. En Italie Giotto di Bondone (1267-1337) s’est inscrit dans le cycle des “hommes éminents” dans le château de Naples, Masaccio (1401-1428) se dépeint comme l’un des apôtres dans la peinture de la chapelle Brancacci, et Benozzo Gozzoli comprend lui-même, avec d’autres portraits, la procession des Mages du Palazzo Medici (1459), avec son nom écrit sur son chapeau. Ceci est imité quelques années plus tard par Sandro Botticelli, en tant que spectateur de l’Adoration des Mages (1475), qui se détourne de la scène pour nous regarder. Les bustes sculptés du quatorzième siècle de et par la famille Parler dans la cathédrale de Prague comprennent des autoportraits, et sont parmi les premiers bustes de figures non-royales. Ghiberti inclus une petite tête de lui-même dans son travail le plus célèbre. Notamment, le premier autoportrait peint en Angleterre, autre que dans un manuscrit, est la miniature peinte à l’huile sur panneau par l’artiste allemand Gerlach Flicke, 1554.

Albrecht Dürer, 1471-1528, le premier autoportrait prolifique
Albrecht Dürer était un artiste très conscient de son image publique et de sa réputation, dont le revenu principal provenait de ses anciennes estampes, contenant toutes son célèbre monogramme, qui étaient vendues dans toute l’Europe. Il s’est probablement représenté plus souvent que n’importe quel artiste avant lui, produisant au moins douze images, y compris trois portraits d’huile, et des figures dans quatre retables. Le plus ancien est un dessin à l’argent créé à l’âge de treize ans. A vingt-deux ans, Dürer peint l’autoportrait à l’œillet (1493, musée du Louvre), probablement pour l’envoyer à sa nouvelle fiancée. L’autoportrait de Madrid (1498, Prado) dépeint Dürer comme un dandy en robe italienne à la mode, reflétant le succès international qu’il avait réalisé d’ici là. Dans son dernier autoportrait, vendu ou donné à la ville de Nuremberg, et exposé publiquement, que très peu de portraits étaient alors, l’artiste s’est dépeint avec une ressemblance indubitable à Jésus-Christ (Munich, Alte Pinakothek). Il a plus tard réutilisé le visage dans une gravure religieuse de, révélant, le Voile de Veronica, propre “autoportrait” du Christ (B.25). Un autoportrait à la gouache qu’il a envoyé à Raphaël n’a pas survécu. Une gravure sur bois d’un établissement de bains et un dessin montrent des autoportraits presque nus.

Renaissance et Baroque
Les grands peintres italiens de la Renaissance ont fait comparativement peu d’autoportraits peints formels, mais se sont souvent inclus dans de plus grands travaux. La plupart des autoportraits individuels qu’ils ont laissés étaient des représentations directes; La mise en scène de Dürer était rarement suivie, bien qu’un autoportrait controversé comme David par Giorgione aurait quelque chose du même esprit, si c’est un autoportrait. Il y a un portrait de Pietro Perugino d’environ 1500 (Collegio del Cambio de Pérouse), et un par le jeune Parmigianino montrant la vue dans un miroir convexe. Il y a aussi un dessin de Léonard de Vinci (1512), et des autoportraits dans des œuvres plus grandes de Michel-Ange, qui a donné son visage à la peau de Saint-Barthélemy dans le Jugement Dernier de la Chapelle Sixtine (1536-1541), et Raphaël qui est vu dans les caractères de l’école d’Athènes 1510, ou avec un ami qui tient son épaule (1518). Deux portraits de Titien dans les années 1560 sont également remarquables. Paolo Veronese apparaît comme un violoniste vêtu de blanc dans son Mariage à Cana, accompagné de Titien à la basse viole (1562). Les artistes nordiques ont continué à faire des portraits plus individuels, ressemblant souvent beaucoup à leurs autres assisters bourgeois. Johan Gregor van der Schardt a réalisé un buste peint en terre cuite (c.1573).

L’Allégorie de la prudence de Titien (vers 1565-1570) représenterait Titien, son fils Orazio et un jeune cousin, Marco Vecellio. Titien a aussi peint un autoportrait tardif en 1567; apparemment son premier. La Pittura de l’artiste baroque Artemisia Gentileschi (L’autoportrait comme l’allégorie de la peinture) se présente comme la représentation allégorique classique de la peinture, vue dans le masque dramatique porté autour du cou de Gentileschi que la peinture porte souvent. L’accent mis par l’artiste sur son travail, loin du spectateur, met en évidence le drame de la période baroque et le changement du rôle de l’artiste, de l’artisan à l’innovateur singulier. Caravage se peint à Bacchus au début de sa carrière, puis apparaît dans le personnel de certaines de ses plus grandes peintures. Enfin, la tête de Goliath détenue par David (1605-10, Galleria Borghese) appartient à Caravage.

Rembrandt et le 17ème siècle en Europe du Nord
Au XVIIe siècle, les artistes flamands et hollandais se peignaient beaucoup plus souvent; à cette date, les artistes les plus brillants occupaient une place dans la société où un membre de n’importe quel commerce envisagerait de faire peindre leur portrait. Beaucoup incluent également leurs familles, suivant de nouveau la pratique normale pour les classes moyennes. Mary Beale, Anthony van Dyck et Peter Paul Rubens nous ont donné de nombreuses images d’eux-mêmes, ces derniers peignant souvent aussi sa famille. Cette pratique était particulièrement fréquente chez les femmes artistes, dont l’inclusion de leur famille était souvent une tentative délibérée d’atténuer les critiques de leur profession, provoquant une distraction de leur «rôle naturel» en tant que mères.

Rembrandt était l’autoportrait le plus fréquent, au moins jusqu’à la période moderne auto-obsédée, peignant aussi souvent sa femme, son fils et sa maîtresse. À une époque, environ quatre-vingt-dix peintures ont été comptées comme des autoportraits de Rembrandt, mais on sait maintenant qu’il a fait copier ses propres autoportraits par ses élèves dans le cadre de leur formation. L’érudition moderne a réduit le nombre d’autographes à quelque chose de plus de quarante peintures, ainsi que quelques dessins et trente et une gravures, qui incluent beaucoup des images les plus remarquables du groupe. Beaucoup lui montrent posant dans un déguisement quasi-historique, ou se faisant des grimaces. Ses peintures à l’huile retracent le cheminement d’un jeune homme incertain au portraitiste très réussi et très réussi des années 1630 aux portraits troublés mais massivement puissants de son grand âge.

Après Rembrandt
En Espagne, il y avait des autoportraits de Bartolomé Estéban Murillo et Diego Velázquez. Francisco de Zurbarán s’est représenté dans Luc l’évangéliste aux pieds du Christ sur la croix (vers 1635). Au 19ème siècle, Goya s’est peint plusieurs fois. Autoportraits français, au moins après que Nicolas Poussin ait tendance à montrer le statut social de l’artiste, bien que Jean-Baptiste-Siméon Chardin et quelques autres aient plutôt montré leur vrai costume de travail de façon très réaliste. C’était une décision que tous les autoportraits du XVIIIe siècle devaient prendre, bien que beaucoup se fassent eux-mêmes des costumes formels et informels dans différentes peintures. Par la suite, on peut dire que les peintres les plus significatifs nous ont laissé au moins un autoportrait, même après le déclin du portrait peint avec l’arrivée de la photographie. Gustave Courbet (voir ci-dessous) était peut-être l’autoportrait le plus créatif du 19ème siècle, et l’atelier de l’artiste et Bonjour, Monsieur Courbet sont peut-être les plus grands autoportraits jamais peints. Les deux contiennent de nombreuses figures, mais sont fermement centrées sur la figure héroïque de l’artiste.

Autoportraits modernes et prolifiques
L’un des plus célèbres et des plus prolifiques des autoportraits fut Vincent van Gogh, qui dessina et peignit lui-même plus de 43 fois entre 1886 et 1889. Dans tous ces autoportraits on est frappé que le regard du peintre soit rarement dirigé à nous; même quand c’est un regard fixe, il semble chercher ailleurs. Ces peintures varient en intensité et en couleur et certains dépeignent l’artiste avec des bandages; représentant l’épisode dans lequel il a coupé une de ses oreilles.

Les nombreux autoportraits d’Egon Schiele établissent de nouveaux standards d’ouverture, ou peut-être d’exhibitionnisme, le représentant nu dans de nombreuses positions, parfois en train de se masturber ou avec une érection, comme dans Eros (1911). Stanley Spencer devait suivre un peu dans cette veine. Max Beckmann était un peintre prolifique d’autoportraits comme l’était Edvard Munch qui a fait de nombreux autoportraits (70), des gravures (20) et des dessins ou des aquarelles (plus de 100) tout au long de sa vie, beaucoup montrant qu’il était mal traité par la vie, et surtout par les femmes. Obsessionnellement, en utilisant l’autoportrait comme une expression artistique personnelle et introspective, Horst Janssen, qui a produit des centaines d’autoportraits lui décrivant un large éventail de contextes, notamment en ce qui concerne la maladie, l’humeur et la mort. L’exposition de 2004 “Schiele, Janssen, Selbstinszenierung, Eros, Tod” (Schiele, Janssen: Self-dramatisation, Eros, Death) au Musée Leopold de Vienne a été parallèle aux oeuvres d’Egon Schiele et Horst Janssen, tous deux fortement inspirés par l’érotisme. et la mort en combinaison avec l’autoportrait implacable. Frida Kahlo, qui à la suite d’un terrible accident passa de nombreuses années au lit, avec seulement pour modèle, était une autre peintre dont les autoportraits représentent une grande souffrance physique et mentale. Ses cinquante-sept autoportraits incluent plusieurs d’elle-même à partir de la taille, et aussi quelques représentations cauchemardesques qui symbolisent ses souffrances physiques.

Au cours de sa longue carrière, Pablo Picasso a souvent utilisé des autoportraits pour se décrire sous différentes formes, déguisements et incarnations de sa personnalité artistique autobiographique. De la période inconnue “Yo Picasso” à la période “Minotaure dans le Labyrinthe”, au “vieux Cavalier” et aux périodes “vieil artiste lubrique et modèle”. Souvent, les autoportraits de Picasso dépeignent et révèlent des intuitions psychologiques compliquées, à la fois personnelles et profondes sur l’état intérieur et le bien-être de l’artiste. Un autre artiste qui a peint des autoportraits intéressants et révélateurs tout au long de sa carrière est Pierre Bonnard. Bonnard a également peint des dizaines de portraits de sa femme Marthe tout au long de sa vie. Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele et Horst Janssen en particulier ont fait des autoportraits intenses (parfois inquiétants) et auto-révélateurs tout au long de leur carrière.

Autoportraits en général

Peintres au travail
Beaucoup de portraits médiévaux montrent l’artiste au travail, et Jan van Eyck son chapeau de chaperon a les parties normalement accrochantes attachées sur sa tête, donnant l’impression trompeuse qu’il porte un turban, vraisemblablement pour la commodité pendant qu’il peint. Au début de la période moderne, de plus en plus, les hommes et les femmes qui se peignaient au travail devaient choisir de se présenter dans leurs meilleurs vêtements, et la meilleure pièce, ou de représenter la pratique de studio de façon réaliste. Voir aussi la galerie des femmes peintres ci-dessus.

Classification
La critique d’art Galina Vasilyeva-Shlyapina sépare deux formes fondamentales de l’autoportrait: les portraits «professionnels», dans lesquels l’artiste est représenté au travail, et les portraits «personnels», qui révèlent des traits moraux et psychologiques. Elle propose également une taxonomie plus détaillée: (1) l’autoportrait «insérable», où l’artiste insère son propre portrait, par exemple, dans un groupe de personnages liés à un sujet; (2) l’autoportrait “prestigieux ou symbolique”, où un artiste se présente sous la forme d’une personne historique ou d’un héros religieux; (3) le «portrait de groupe» où l’artiste est représenté avec des membres de la famille ou d’autres personnes réelles; (4) l’autoportrait “séparé ou naturel”, où l’artiste est représenté seul. Cependant, on pourrait penser que ces classes sont plutôt rigides; de nombreux portraits parviennent à en combiner plusieurs.

Avec les nouveaux médias est venu la chance de créer différents types d’autoportraits en plus de la peinture statique ou des photographies. Beaucoup de gens, en particulier les adolescents, utilisent des sites de réseaux sociaux pour former leur propre identité sur Internet. D’autres encore utilisent des blogs ou créent des pages web personnelles pour créer un espace d’expression de soi et d’autoportrait.

Miroirs et poses
L’autoportrait suppose en théorie l’usage d’un miroir; miroirs en verre sont devenus disponibles en Europe au 15ème siècle. Les premiers miroirs utilisés étaient convexes, introduisant des déformations que l’artiste conservait parfois. Une peinture de Parmigianino en 1524 Autoportrait dans un miroir, démontre le phénomène. Les miroirs permettent des compositions surprenantes comme le triple autoportrait de Johannes Gumpp (1646), ou plus récemment celui de Salvador Dalí montré à partir du dos de sa femme, Gala (1972-73). Cette utilisation du miroir conduit souvent les peintres droitiers à se présenter comme gauchers (et vice versa). Habituellement, le visage peint est donc une image miroir de ce que le reste du monde a vu, à moins que deux miroirs aient été utilisés. La plupart des autoportraits de Rembrandt avant 1660 montrent seulement une main – la main de peinture est laissée non peinte. Il semble avoir acheté un plus grand miroir vers 1652, après quoi ses autoportraits deviennent plus grands. En 1658, un grand miroir dans un cadre de bois se brisa en étant transporté chez lui; Néanmoins, cette année, il a complété son autoportrait Frick, son plus grand.

La taille des miroirs à une seule feuille fut restreinte jusqu’aux avancées techniques réalisées en France en 1688 par Bernard Perrot. Ils sont également restés très fragiles, et les grands étaient beaucoup plus chers au prorata que les petits – les ruptures ont été recoupées en petits morceaux. Environ 80 cm, ou deux pieds et demi, semble avoir été la taille maximale jusque-là – à peu près la taille du miroir de palais à Las Meninas (le miroir convexe dans le Portrait Arnolfini est considéré par des historiens impraticables, un de Van Eyck beaucoup de distorsions d’échelle rusées). En grande partie pour cette raison, la plupart des premiers autoportraits montrent des peintres à mi-longueur.

Les autoportraits de l’artiste au travail étaient, comme mentionné ci-dessus, la forme la plus commune de l’autoportrait médiéval, et ceux-ci ont continué à être populaires, avec un nombre particulièrement grand du 18ème siècle sur. Un type particulier dans les périodes médiévales et de la Renaissance était l’artiste montré comme Saint Luc (patron des artistes) peignant la Vierge Marie. Beaucoup d’entre eux ont été présentés à la Guilde locale de Saint-Luc, pour être placés dans leur chapelle. L’atelier de Gustave Courbet (1855), une immense “Allégorie” d’objets et de personnages au milieu de laquelle se trouve le peintre, est une grande vue célèbre de l’artiste dans son atelier.

D’autres significations, la narration
Les autoportraits de nombreux artistes contemporains et modernistes sont souvent caractérisés par un fort sens du récit, souvent mais pas strictement limité à des vignettes de la vie de l’artiste. Parfois, le récit ressemble à la fantaisie, au jeu de rôle et à la fiction. Outre Diego Velázquez (dans son tableau Las Meninas), Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh et Paul Gauguin, d’autres artistes dont les autoportraits révèlent des récits complexes incluent Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile. Gorky, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol et Gilbert et George.

Auto-promotion
L’autoportrait peut être une forme très efficace de publicité pour un artiste, en particulier bien sûr pour un portraitiste. Dürer ne s’intéressait pas vraiment aux portraits commercialement, mais utilisait ses extraordinaires autoportraits pour se faire connaître en tant qu’artiste, ce qu’il était très sophistiqué. Sofonisba Anguissola a peint des miniatures complexes qui ont servi de publicités pour son habileté ainsi que des articles de nouveauté, considérés comme tels parce que la rareté des femmes peintres réussies leur a fourni une qualité bizarre. Rembrandt vivait principalement de la peinture de portrait pendant sa période la plus réussie, et comme Van Dyck et Joshua Reynolds, beaucoup de ses portraits étaient certainement destinés à annoncer ses compétences. Avec l’avènement des spectacles réguliers de l’Académie, de nombreux artistes ont tenté de produire des autoportraits mémorables pour faire une impression sur la scène artistique. Une exposition récente à la National Gallery, Londres, Rebels and Martyrs, n’a pas reculé devant les bathos comiques qui en ont parfois résulté. Un exemple du 21ème siècle est Arnaud Prinstet, un artiste contemporain par ailleurs peu connu qui a généré une bonne publicité en entreprenant de peindre son autoportrait tous les jours. D’un autre côté, certains artistes se sont beaucoup illustrés comme d’autres clients.

Diagnostiquer l’autoportrait
Certains artistes qui ont souffert de maladies neurologiques ou physiques ont laissé des autoportraits d’eux-mêmes qui ont permis aux médecins plus tard de tenter d’analyser les perturbations des processus mentaux; et beaucoup de ces analyses sont entrées dans les manuels de neurologie.

Les autoportraits des artistes ayant souffert de maladies mentales offrent une possibilité unique aux médecins d’étudier la perception de soi chez les personnes souffrant de troubles psychologiques, psychiatriques ou neurologiques.

Le sexologue russe Igor Kon dans son article sur la masturbation note que l’habitude de se masturber peut être représentée dans les œuvres d’art, en particulier les peintures. Ainsi l’artiste autrichien Egon Schiele s’est montré si occupé dans un de ses autoportraits. Kon observe que cette peinture ne représente pas le plaisir de la masturbation, mais un sentiment de solitude. Les créations de Schiele sont analysées par d’autres chercheurs en termes de sexualité, et notamment de pédophilie.

Collections
L’une des collections d’autoportraits les plus remarquables et les plus anciennes se trouve dans le Corridor Vasari de la Galerie des Offices à Florence. C’était à l’origine la collection du cardinal Leopoldo de ‘Medici dans la deuxième partie du 17ème siècle et a été maintenue et développée jusqu’à présent. Ce n’est généralement pas sur la vue pour les visiteurs généraux, bien que certaines peintures sont montrées dans les galeries principales. De nombreux artistes célèbres n’ont pas pu résister à une invitation à faire don d’un autoportrait à la collection. Il comprend plus de 200 portraits, en particulier ceux de Pietro da Cortona, de Charles Le Brun, de Jean-Baptiste-Camille Corot et de Marc Chagall. D’autres collections importantes sont conservées à la National Portrait Gallery (Royaume-Uni) à Londres (avec diverses antennes satellites ailleurs) et à la National Portrait Gallery à Washington, DC.