La section dédiée à Lucio Fontana se compose de l’ensemble de deux noyaux qui sont venus séparément au Musée diocésain, volontairement réunis et exposés comme preuve de l’extraordinaire activité sculpturale de l’artiste à Milan et dans le domaine de l’art sacré.

En 2000, les moulages en plâtre réalisés par Fontana à l’occasion du concours lancé par la même en 1950 pour la construction de la cinquième porte de la cathédrale de Milan et le croquis de la Pala della Vergine Assunta, réalisé en 1955, sont venus au Musée de la Veneranda Fabbrica del Duomo pour la cathédrale. Pour mettre en œuvre la collection des œuvres de Fontana, la Via Crucis blanche de 1955 est arrivée en 2011 au Musée de la Région de Lombardie, conçue par l’artiste dans le cadre d’une intervention pour la chapelle de la Pépinière Pépinière Ada Bolchini Dell’Acqua (Milan, via Cascina Corba).

Biographie
Lucio Fontana (19 février 1899 – 7 septembre 1968) était un peintre, sculpteur et théoricien argentino-italien. Il est surtout connu comme le fondateur du spatialisme.

Né à Rosario, province de Santa Fe, Argentine de parents immigrants italiens, il était le fils du sculpteur Luigi Fontana (1865 – 1946). Fontana a passé les premières années de sa vie en Argentine, puis a été envoyé en Italie en 1905, où il est resté jusqu’en 1922, travaillant comme sculpteur avec son père, puis seul. Déjà en 1926, il participe à la première exposition de Nexus, un groupe de jeunes artistes argentins travaillant à Rosario de Santa Fé.

Travail
En 1927, Fontana revient en Italie et étudie auprès du sculpteur Adolfo Wildt, à l’Accademia di Brera de 1928 à 1930. C’est là qu’il présente sa première exposition en 1930, organisée par la galerie d’art milanaise Il Milione. Au cours de la décennie suivante, il voyage en Italie et en France, travaillant avec des peintres abstraits et expressionnistes. En 1935, il rejoint l’association Abstraction-Création à Paris et réalise de 1936 à 1949 des sculptures expressionnistes en céramique et en bronze. En 1939, il rejoint la Corrente, un groupe d’artistes expressionnistes milanais.

En 1940, il est retourné en Argentine. À Buenos Aires (1946), il fonde l’académie d’Altamira avec certains de ses étudiants, et rend public le Manifeste blanc, où il est dit que « La matière, la couleur et le son en mouvement sont les phénomènes dont le développement simultané constitue le nouvel art » . Dans le texte, que Fontana n’a pas signé mais auquel il a activement contribué, il a commencé à formuler les théories qu’il allait développer en tant que Spazialismo, ou Spatialism, dans cinq manifestes de 1947 à 1952. À son retour d’Argentine en 1947, il soutenu, avec des écrivains et des philosophes, le premier manifeste du spatialisme (Spazialismo) **. Fontana avait trouvé son atelier et ses œuvres complètement détruits dans les bombardements alliés de Milan, mais a rapidement repris ses travaux de céramique à Albisola. A Milan,

Après son retour en Italie en 1948, Fontana expose sa première Ambiente spaziale a luce nera («  environnement spatial  ») (1949) à la Galleria del Naviglio de Milan, une installation temporaire composée d’une forme géante de type amibe suspendue dans le vide dans un chambre sombre et éclairée par des néons. À partir de 1949, il a commencé la série dite Spatial Concept ou slash, consistant en des trous ou des barres obliques à la surface de peintures monochromes, dessinant un signe de ce qu’il a appelé « un art pour l’ère spatiale ». Il a conçu le titre générique Concetto spaziale («concept spatial») pour ces œuvres et l’a utilisé pour presque toutes ses peintures ultérieures. Ceux-ci peuvent être divisés en grandes catégories: les Buchi («trous»), à partir de 1949, et les Tagli («barres obliques»), qu’il a instituées au milieu des années 50.

Fontana tapissait souvent le revers de ses toiles de gaze noire afin que l’obscurité scintille derrière les coupes ouvertes et crée un mystérieux sentiment d’illusion et de profondeur. Il a ensuite créé un plafond néon élaboré appelé « Luce spaziale » en 1951 pour la Triennale de Milan. Dans son importante série de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana utilise la forme d’oeuf. Avec sa série Pietre (pierres), commencée en 1952, Fontana a fusionné le sculptural avec la peinture en incrustant les surfaces de ses toiles d’empâtement lourd et de verre coloré. Dans son cycle de Buchi (trous), commencé en 1949-1950, il a percé la surface de ses toiles, brisant la membrane de la bidimensionnalité afin de mettre en valeur l’espace derrière l’image. À partir de 1958, il a purifié ses peintures en créant des surfaces mates et monochromes, focalisant ainsi le spectateur. s attention sur les tranches qui rendent la peau de la toile. En 1959, Fontana a exposé des peintures découpées avec de multiples éléments combinables (il a nommé les ensembles quanta), et a commencé Nature, une série de sculptures réalisées en coupant une entaille à travers une sphère d’argile en terre cuite, qu’il a ensuite coulée en bronze.

Fontana s’est engagé dans de nombreux projets de collaboration avec les architectes les plus importants de l’époque, en particulier avec Luciano Baldessari, qui a partagé et soutenu ses recherches pour Spatial Light – Structure in Neon (1951) à la 9e Triennale et, entre autres, lui a demandé de concevoir le plafond du cinéma dans le pavillon Sidercomit à la 21e foire de Milan en 1953.

Vers 1960, Fontana a commencé à réinventer les coupures et les perforations qui avaient caractérisé son style très personnel jusque-là, en couvrant des toiles avec des couches de peinture à l’huile épaisse appliquées à la main et au pinceau et en utilisant un scalpel ou un couteau Stanley pour créer de grandes fissures dans leur surface . En 1961, suite à une invitation à participer avec les artistes Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis et d’autres à une exposition de peinture contemporaine intitulée « Art et Contemplation », tenue au Palazzo Grassi à Venise, il crée une série de 22 œuvres dédiées à la ville lagunaire. Il manipula la peinture avec ses doigts et divers instruments pour faire des sillons, y compris parfois des fragments épars de verre de Murano. Fontana a ensuite été invité par Michel Tapié à exposer les œuvres à la Martha Jackson Gallery de New York.

Parmi les dernières œuvres de Fontana, il y a une série de Teatrini («petits théâtres»), dans laquelle il revient à un idiome essentiellement plat en utilisant des toiles de dos enfermées dans des ailes ressemblant à un cadre; la référence au théâtre met l’accent sur l’acte de regarder, tandis qu’au premier plan une série de sphères irrégulières ou de silhouettes ondulantes et ondulantes crée un jeu d’ombres vif. Une autre œuvre de cette époque, Trinità (Trinity) (1966), consiste en trois grandes toiles blanches ponctuées de lignes de trous, embrassées dans un décor théâtral fait de feuilles de plastique ultramarines ressemblant vaguement à des ailes.

Au cours des dernières années de sa carrière, Fontana s’intéresse de plus en plus à la mise en scène de son travail dans les nombreuses expositions qui l’ont honoré dans le monde entier, ainsi qu’à l’idée de pureté réalisée dans ses dernières toiles blanches. Ces préoccupations ont été au centre de la Biennale de Venise en 1966, pour laquelle il a conçu l’environnement de son travail. À la Documenta IV de Kassel en 1968, il a placé une grande barre de plâtre au centre d’un labyrinthe totalement blanc, y compris le plafond et le sol (Ambiente spaziale bianco).

Peu de temps avant sa mort, il était présent à la démonstration « Destruction Art, Destroy to Create » au Finch College Museum de New York. Il a ensuite quitté son domicile de Milan et s’est rendu à Comabbio (dans la province de Varèse, en Italie), la ville mère de sa famille, où il est décédé en 1968.

Fontana a créé une quantité prolifique d’œuvres graphiques avec des motifs abstraits ainsi que des figures, peu connues dans le monde de l’art, en même temps qu’il produisait ses œuvres abstraites perforées. Il fut également le sculpteur du buste d’Ovidio Lagos, fondateur du journal La Capital, en marbre de Carrare.

Des expositions
Fontana a eu ses premières expositions personnelles à la Galleria del Milione, Milan, en 1931. En 1961, Michel Tapié a organisé sa première exposition aux États-Unis, une exposition de la série de Venise, à la Martha Jackson Gallery de New York. Sa première exposition personnelle dans un musée américain a eu lieu au Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Il a participé à la Bienal de São Paulo et à de nombreuses expositions à travers le monde. Entre autres, des rétrospectives majeures ont été organisées par la Collection Peggy Guggenheim, Venise (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) et le Centre Georges Pompidou (1987; voyagé à La Fundación ‘la Caixa’ Barcelone; Stedelijk Museum, Amsterdam; Whitechapel Gallery, Londres). Depuis 1930, le travail de Fontana a été exposé régulièrement à la Biennale de Venise, et il a représenté l’Argentine à plusieurs reprises; il a reçu le Grand Prix de Peinture à la Biennale de Venise de 1966. En 2014, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris consacre une rétrospective à l’artiste. Tornabuoni art a organisé une exposition parallèle dans son espace galerie Avenue Matignon Paris.

Les collections
Les œuvres de Fontana se trouvent dans les collections permanentes de plus d’une centaine de musées à travers le monde. En particulier, des exemples de la série Pietre sont conservés au Stedelijk Museum d’Amsterdam, au Centre Pompidou de Paris, au Museum of Modern Art de New York, à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, au Museum of Contemporary Art Villa Croce in Gênes et le van Abbemuseum, Eindhoven. Les bijoux de Fontana font partie de la collection permanente du Museum of Fine Arts de Boston.

Marché de l’art
Le savant italien Enrico Crispolti a édité un catalogue raisonné en deux volumes des peintures, sculptures et environnements de Fontana en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini et Silvia Ardemagni ont publié un catalogue raisonné en trois volumes des œuvres sur papier de Fontana, comprenant plus de 5 500 œuvres par ordre chronologique.

Une œuvre rare, grande pourpre avec une seule barre oblique, que Fontana a dédiée à sa femme et qui a toujours été connue sous le nom de Teresita, a rapporté 6,7 millions de livres sterling (11,6 millions de dollars) à Christie’s Londres en 2008, puis un record d’enchères pour l’artiste. Le Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), de la collection d’Anna-Stina Malmborg Hoglund et Gunnar Hoglund a établi un nouveau record pour une peinture sur barre à 8,4 millions de livres sterling chez Sotheby’s Londres en 2015. Encore plus populaires sont les toiles ovales de Fontana. Sotheby’s a vendu une œuvre intitulée Concetto spaziale, la fine di dio (1963) pour 10,32 millions de livres sterling en 2008. Faisant partie du cercle de Venise de Fontana, Festival on the Grand Canal a été vendu chez Christie’s à New York pour 7 millions de dollars en 2008.

Points forts
Au rez-de-chaussée, une section entière du musée est consacrée aux œuvres sculpturales de Lucio Fontana. Parmi eux se distinguent, outre les plâtres préparatoires de la cinquième porte de la cathédrale de Milan et de la Pala della Vergine Assunta, les quatorze stations de la Via Crucis (Via Crucis bianca, 1955), entreposées au Musée par le Région de Lombardie.

L’archevêque Antonio da Saluzzo reçoit les offrandes du peuple Gesso, 98 x 169 x 45 cm
L’œuvre fait partie du groupe de cinq moulages en plâtre, arrivés au Musée en 2000 de la Veneranda Fabbrica del Duomo, réalisés à l’occasion du concours organisé en 1950 par la Veneranda Fabbrica pour la construction de la cinquième porte de la cathédrale . Le thème du concours, Origines et événements de la cathédrale, a été choisi par le même archevêque de Milan, la Bienheureuse Carte. Ildefonso Schuster. En 1951, l’artiste participe au premier degré du concours en présentant un modèle de porte qui se démarque par son originalité inventive et compositionnelle. L’extrême synthèse formelle avec laquelle les douze épisodes ont suivi et la résection des corps des papes lombards utilisés comme architrave n’ont pas satisfait la Commission qui a invité l’artiste à participer au deuxième degré du concours en faisant quelques changements formels et compositionnels. En 1952, Fontana remporte le premier prix ex aequow avec Luciano Minguzzi mais, les années suivantes, fatigué des longues incertitudes de la Commission, il abandonne le projet. Dans le plâtre en question, la scène est divisée symétriquement en deux parties: à gauche, l’archevêque avec un autre personnage, peut-être le duc Giangaleazzo, tandis qu’à droite, nous trouvons un groupe de personnages représentant la communauté des fidèles qui offre les offrandes pour la construction de la cathédrale

Retable de la Vierge de l’Assomption, cm 320 x 180 x 50
Le croquis du retable de l’Assomption Virginit a été créé par Lucio Fontana en 1955 à la suite du concours lancé en novembre 1950 par la Veneranda Fabbrica del Duomo en conjonction avec la proclamation du dogme de l’Assomption de Marie par le pape Pie XII. L’œuvre, conçue comme un retable, était destinée à une petite nef de la cathédrale. Le retable, conçu en marbre et resté au stade de l’esquisse, représente au centre sur un fond ondulé la figure de la Vierge de l’Assomption de dimensions monumentales, au pied de laquelle se trouve une prédelle plus petite représentant une Pietà intense. De la composition unitaire de l’Assomption et de la Piété, solution apportée dès le départ par Fontana, dérive le contraste entre l’extraversion disruptive des premiers et le souvenir intime des seconds.

Via Crucis « blanc » Céramique émaillée, 14 carreaux octogonaux, 41,5 x 21 x 10 cm chacun
Conçue dans le cadre d’une intervention pour la chapelle du Nursery Home Nursery Ada Bolchini Dell’Acqua (Milan, via Cascina Corba), la Via Crucis blanche est le résultat de la collaboration entre Marco Zanuso, qui a conçu le bâtiment entre 1953 et 1954, et Lucio Fontana, qui a conçu une décoration ad hoc pour l’espace de la chapelle selon le principe de l’unité conceptuelle entre la décoration sculpturale et l’environnement. L’œuvre est composée de quatorze carreaux céramiques blancs émaillés octogonaux, brièvement gravés et marqués par d’intenses nuances chromatiques, étroitement liés au drame narratif. Dans les quatorze stations sont enregistrées les scènes de la condamnation de Jésus et de l’ascension au Calvaire résumées en quelques éléments narratifs. Les figures ressortent isolées sur une surface inférieure lisse et brillante brièvement gravée de coupes nettes.

Musée diocésain de Milan
Le Musée diocésain de Milan est né en 2001 à l’initiative de l’archidiocèse de Milan dans le but de protéger, valoriser et faire connaître les trésors artistiques du diocèse dans le contexte du contexte spirituel qui les a inspirés. Dès l’année suivante, il est le théâtre de l’initiative Un chef-d’œuvre pour Milan.

Le musée diocésain est situé dans le cadre du cloître de Sant « Eustorgio, partie intégrante de l’un des complexes monumentaux les plus anciens de Milan, construit à partir des unités réunies de la basilique et du couvent dominicain, un centre florissant au cours de la siècles dans un domaine important pour l’histoire du christianisme milanais.

La collection permanente est constituée de plus de sept cents œuvres d’art couvrant la période allant du IVe au XXIe siècle. Au sein de la galerie de peinture de l’archevêque se trouvent les collections des archevêques milanais (une partie de la collection Monti, Visconti, Riccardi et la collection complète d’Erba Odescalchi). En plus des peintures provenant des églises du diocèse, le musée abrite un important ensemble d’œuvres d’ameublement liturgique. La collection est complétée par la section consacrée aux peintures sur panneaux de feuilles d’or (œuvres principalement de la sphère toscane des XIVe et XVe siècles, collectées par le professeur Alberto Crespi et données au musée), et sculptures et des tableaux issus de la collection de Caterina Marcenaro. Enfin, autour d’un premier noyau d’œuvres sculptées de Lucio Fontana,