Peinture scénique dans le théâtre

La peinture scénique théâtrale comprend de vastes disciplines, englobant pratiquement toute la gamme des techniques de peinture et d’artisanat. Un peintre scénique expérimenté (ou artiste scénique) aura des compétences dans la peinture de paysage, la peinture figurative, le trompe-l’œil et le faux-fini, et sera polyvalent dans différents médias tels que l’acrylique, l’huile et la peinture à la détrempe. Le peintre pourrait également être accompli dans des compétences en trois dimensions telles que la sculpture, le plâtrage et la dorure.

Le peintre scénique subordonne leurs compétences au concepteur de théâtre. Dans certains cas, les designers peignent leurs propres œuvres.

Les techniques et les connaissances spécialisées du peintre scénique reproduisent une image à plus grande échelle à partir de la maquette d’un concepteur, peut-être avec des photographies d’accompagnement et des recherches originales, et parfois avec des échantillons de peinture et de style.

Peinture scénique
La peinture scénique a traditionnellement été mélangée par le peintre en utilisant une poudre de couleur pigmentée, un liant et un support. Le liant colle la poudre sur elle-même et sur la surface sur laquelle elle est appliquée. Le médium est un diluant qui permet de travailler la peinture plus facilement, disparaissant à mesure que la peinture sèche. Aujourd’hui, il est courant d’utiliser des marques de peinture scénique prête à l’emploi, ou de pigment suspendu dans un milieu auquel un liant sera ajouté.

Origines et histoire
La peinture théâtrale est probablement aussi vieille que le théâtre européen lui-même, qui a été construit dans la Grèce antique au 6ème siècle avant JC. Chr.

Pline le Jeune et Vitruve ont rapporté en ce moment des peintures dans les théâtres et les arènes romaines.

Des décorations de scène fixes et peintes, sous la forme de cadres recouverts de toile de lin, à l’arrière d’une scène architecturale immuable, ont été utilisées à la Renaissance, par exemple dans la perspective du Teatro Olimpico. Dans cette forme de scène, on utilisait le grand art de la représentation en perspective des artistes de la Renaissance, afin de tromper le spectateur sur l’illusion d’un décor de scène spatial. Ici, des passages de scène entre les étages avant et arrière ont été fournis avec des tissus peints sur des cadres en bois pour compléter l’effet spatial d’une perspective pour le spectateur. À la fois à la Renaissance et à l’époque baroque, les éléments décoratifs anciens ont été redécouverts, minutieusement conçus et étendus fonctionnellement.

La perspective centrale privilégiée de la peinture depuis la Renaissance a été incorporée dans le développement rapide, désormais irrésistible, de la décoration de scène. En conséquence, Filippo Bunelleschi (1377-1446) est également appelé le pionnier de la peinture théâtrale. Le résultat a été des peintures à grande échelle, qui ne sont en rien inférieures aux peintures à l’huile contemporaines dans la technologie et la perfection. Le but de cette perspective de point de fuite central était l’illusion d’un point de fuite dans l’infini, par exemple, souvent utilisé pour représenter des canyons impressionnants et surpasser dans leur effet.

Au début du baroque, Giovanni Battista Aleotti développa en 1606 des scènes mobiles en plein air pour modifier la décoration de la scène. Ces éléments décoratifs rigides ont bien sûr été peints avec des représentations scéniques, scéniques ou architecturales. Aussi utilisé pour la transformation du décor de scène ont été peints Telari – qui ont été modelés sur l’ancien Periakten. Ces composants de prisme verticaux à trois côtés peuvent être ressenti côte à côte depuis l’avant en tant que surface homogène, ce qui permet d’obtenir rapidement un changement simple et sans complication de la conception de la scène.

Pièces de décoration peintes
techniques de peinture
Puisque le peintre de théâtre peint une multitude de rideaux sur scène, ses techniques sont tout aussi variées et spécifiques que les matériaux et autres matériaux dont il a besoin pour travailler.

Pendant longtemps – et encore – il y a eu et il y a des techniques qui sont tacites et qui appartiennent aux secrets professionnels des peintres théâtraux et qui sont difficiles à apprendre; A cette époque, les gens disaient souvent « ils devaient être volés avec leurs yeux ». Des techniques bien connues sont également des techniques de peinture couramment utilisées dans l’art libre, telles que la peinture Alla-prima (peinte en une couche) et la technique de glaçure (peinture multicouche). Ce dernier est très souvent utilisé dans la peinture théâtrale; Ce n’est pas pour rien que le peintre de théâtre peint ses immenses «toiles» sur le sol.

La technique du vitrage implique un milieu dilué, où même la couche de peinture la plus basse brille jusqu’à la fin par d’autres couches de peinture appliquées.

Traditionnellement, ceci est fait comme suit: Le motif, qui devrait orner plus tard la perspective comme une peinture, est d’abord dessiné avec du charbon – au moyen d’une tige de charbon (un morceau de charbon sur la longue tige) debout sur le substrat de tissu apprêté. Le précurseur de carbone est ensuite dessiné avec une couleur diluée (souvent un ton sépia ou brun); mais pas seulement les contours, mais déjà une élaboration extensive. Ici vous pouvez déjà obtenir une plasticité de la peinture en glaçant sur des zones qui doivent être plus sombres plusieurs fois. Ce processus, qui sert à concrétiser son pré-dessin et à « retenir » la surface de la peinture, s’appelle le frittage. A propos du frittage, les travaux de peinture sont ensuite vitrifiés, le frittage reste à voir. A la fin, les lumières et l’obscurité sont un peu plus opaques. Au cours de peintures à grande échelle qui se trouvent principalement dans les maisons d’opéra, il est conseillé de fixer le pré-dessin au charbon avec un vernis très surdimensionné au moyen d’un pistolet pulvérisateur. Dans cette technologie de procédé, la texture granuleuse de l’impression, qui est également retenue dans une peinture translucide subséquente, se combine avec un jet, si elle est travaillée au pistolet.

Le peintre théâtral est – en plus de son talent artistique – aussi un imitateur de marbre, de pierre, de bois, de rouille, de patine, etc. Pour chaque imitation, il y a les différentes techniques et astuces; sur la glace de bière à la structure en marbre « wrap » ou Kolzkörner « beat ». Ici, cependant, la priorité est donnée à l’effet lointain, comme dans toutes les peintures théâtrales; parce que le spectateur suivant, qui regarde le travail sur scène, se trouve habituellement à au moins huit pieds.

Occupation et activité
La profession de peinture de scène est encore appelée peinture théâtrale dans l’usage linguistique. Son parcours de formation n’est officiellement reconnu dans l’ex-Allemagne de l’Ouest que depuis février 2000. L’apprentissage de cette profession se déroule principalement dans le cadre d’une formation professionnelle et dure habituellement trois ans. Aujourd’hui, la plupart des formations se font dans le système dual (c’est-à-dire en milieu scolaire et en entreprise), ainsi que dans des cas individuels uniquement sur le plan opérationnel. Il y a trois écoles professionnelles bien connues en Allemagne: une à Berlin, une à Essen et une à Baden-Baden. La seule université en Allemagne à proposer de la peinture théâtrale est située à Dresde. Tant pour le programme d’études que pour la plupart des entreprises de formation, un portefeuille de travaux artistiques en tant qu’application est une condition préalable nécessaire. À ce jour, il n’existe pas de maîtrise pour le parcours de formation; Tous les peintres de scène sont soit des ouvriers non qualifiés, des compagnons qualifiés ou des étudiants diplômés.

Les peintres de théâtre sont principalement employés dans les théâtres et les théâtres d’état et municipaux, leur lieu de travail est la salle de peinture. Cependant, il existe un nombre croissant de sociétés ou de studios de décoration indépendants; dans lequel des peintres de scène indépendants, mais aussi des artistes ou des peintres décoratifs sont employés. Dans les productions cinématographiques aussi, on emploie des peintres de scène qui meublent l’ensemble avec leurs peintures.

Collections
De plus grandes collections de peintures théâtrales historiques ont été conservées en Allemagne au Meiningen Theatre Museum (décorations de la période de la tournée Meininger, 1874-1890) et à la salle de concert de Ravensburg (décorations du peintre de la cour de Stuttgart Wilhelm Plappert, 1902-1910).