Le design scandinave est un mouvement de conception caractérisé par la simplicité, le minimalisme et la fonctionnalité qui a émergé au début du 20ème siècle et qui a prospéré dans les années 1950 dans les cinq pays nordiques du Danemark, Finlande, Islande, Norvège et Suède.

Aperçu
En 1914, le Selskabet danois de Dekorativ Kunst (Compagnie des Arts Décoratifs) a lancé son magazine Skønvirke (da) (littéralement «Gracieux Travail»). Son titre est devenu le nom d’un nouveau style d’art et d’artisanat danois, pour rivaliser avec l’Art Nouveau et le Jugendstil.

A partir des années 1930, des designers comme Alvar Aalto (meubles, textiles), Arne Jacobsen (chaises), Borge Mogensen (meubles), Hans J. Wegner (chaises), Verner Panton (chaises en plastique), Poul Henningsen (lampes), et Maija Isola (textiles imprimés) a contribué à créer un «âge d’or du design scandinave».

Le prix Lunning, décerné à des designers scandinaves exceptionnels entre 1951 et 1970, a contribué à faire du design scandinave un produit reconnu et à définir son profil.

En 1954, le musée de Brooklyn a organisé son exposition «Design in Scandinavia», et une mode pour les meubles «scandinaves modernes» a commencé en Amérique. Le design scandinave n’est en aucun cas limité aux meubles et articles ménagers. Il a été appliqué au design industriel, tel que de l’électronique grand public, des téléphones portables, et des voitures.

Le concept de design scandinave a fait l’objet de débats universitaires, d’expositions et d’agendas marketing depuis les années 1950. Beaucoup soulignent les idéaux de conception démocratique qui étaient un thème central du mouvement et qui se reflètent dans la rhétorique entourant le design contemporain scandinave et international. D’autres, cependant, ont analysé la réception du design scandinave à l’étranger, y voyant une forme de mythologie et de politique raciale.

Dans les pays scandinaves

Danemark design
Danish Design est un style de design fonctionnaliste et d’architecture qui a été développé au milieu du 20ème siècle. Influencés par l’école allemande Bauhaus, de nombreux designers danois ont utilisé les nouvelles technologies industrielles, combinées à des idées de simplicité et de fonctionnalité pour concevoir des bâtiments, des meubles et des objets ménagers, dont beaucoup sont devenus emblématiques et sont toujours utilisés et produits, comme Arne Jacobsen. 1958 Egg chair et les lampes PH de 1926 de Poul Henningsen. Après la Seconde Guerre mondiale, les conditions au Danemark étaient idéales pour le succès dans la conception. L’accent était mis sur le mobilier mais l’architecture, l’argent, la céramique, le verre et le textile ont également bénéficié de la tendance. L’industrialisation tardive du Danemark, combinée à une tradition d’artisanat de haute qualité, a constitué la base de progrès progressifs vers la production industrielle.

Le point de départ de cette direction du design est traditionnellement associé à la tradition médiévale – les institutions de base ont été formées au XVIe siècle, lorsque les guildes artisanales de base ont été créées. Néanmoins, les principales caractéristiques du design danois ont été influencées par la nouvelle tradition artistique du XXe siècle: le style moderniste, puis le fonctionnalisme, le style international, le modernisme et la tradition du Bauhaus. Le design danois, dont la référence directe peut être considérée comme l’activité de la Royal Porcelain Manufactory Royal Copenhagen, fondée en 1775, a connu une influence marquée de la tradition néoclassique et romantique. Le mouvement des arts et métiers était également proche de l’idée artistique danoise, de ses traditions idéologiques et quotidiennes.

L’une des caractéristiques de conception de la première moitié du XXe siècle au Danemark est la combinaison de la tradition du classicisme, du mouvement des arts et métiers, du modernisme et du modernisme. Un des exemples de cette direction est le travail de George Jensen. Le développement de nouvelles formes et d’un nouveau style dans le design danois est lié à l’activité du magazine Kritisk Revy, qui a contribué à la diffusion des idées du modernisme, du constructivisme et du Bauhaus.

La conception de la seconde moitié du XXe siècle est associée à une intégration cohérente dans le système international. La tradition danoise des années 1950-1970 est l’utilisation de formes simplifiées (Arne Jacobsen), de nouveaux matériaux (Werner Penton) et de nouveaux systèmes technologiques (Bang & Olufsen). Comme beaucoup d’adhérents de style international, les représentants du design danois ont perçu l’objet et la chose comme la quintessence du concept et de l’idée. L’une des principales caractéristiques du design danois peut être appelée attitude attentive aux matériaux et désir de démontrer leurs caractéristiques physiques (par exemple, le fauteuil de l’Ant Arne Jacobsen). Cette tradition de la matière au milieu du XXe siècle a été transférée à de nouveaux objets et textures, en particulier – le plastique, le verre et le métal.

Kai Boyesen
Hans Wegner
Nils Gammelgard
Nanna Dietzel
Georg Jensen
Kaare Clint
Arnold Krogh
Borghe Mogensen
Werner Panton
Paul Henningsen
Fritz Hansen
Alfred Homann
Finn Jul
Arne Jacobsen
Bang & Olufsen
BoConcept
Royal Copenhagen

Conception de la Finlande
Le design finlandais couvre les vêtements, la conception technique, les meubles, le verre, l’éclairage, les textiles et les produits ménagers. La marque « Design from Finland » a été créée en 2011. Le Design Museum (anciennement le Musée d’Art et de Design) a une collection fondée en 1873, tandis que l’Université d’Art et Design d’Helsinki, créée en 1871, fait désormais partie de l’Université Aalto .

L’origine et l’ascension du design finlandais sont associées au phénomène du romantisme national, qui s’est développé au XIXe – début du XXe siècle. La publication de Kalevala par Elias Lennrot en 1835, l’influence de l’architecture suédoise de la seconde moitié du XIXe siècle et l’accession à l’indépendance en 1917 créent les conditions pour la formation d’une école nationale d’art dans le domaine du design. La particularité de l’école finlandaise est la combinaison de la tradition nationale et des principes de la doctrine architecturale internationale. Dans la première moitié du 20ème siècle, le design finlandais a été façonné par les idées du modernisme. En particulier, les œuvres d’Alvar Aalto ont pris part à l’exposition phare «Modern Architecture: International Exhibition» qui s’est tenue au Museum of Modern Art de New York en 1932 et qui a en fait donné une impulsion au développement du style international. La Finlande est devenue l’un des pays les plus importants à la fois en termes de diffusion du style international et en termes de développement du design en général. Le design classique finlandais combinait des éléments de culture traditionnelle (Timo Sarpaneva), des motifs naturels (Tapio Virkkala) et des principes de design international fonctionnel et minimaliste (Alvar Aalto).

Dans la période d’après-guerre, le développement du design en Finlande faisait partie d’un programme d’Etat à grande échelle lié au soutien et à la promotion de la culture nationale. 1951 est considérée comme l’année du «Miracle de Milan»: le design finlandais a été largement présenté lors de la 9ème Triennale de Milan et des principales expositions de design. En 1954, à la dixième Triennale à Milan, le stand de la Finlande a été conçu par Tapio Virkkala, montrant un large éventail d’œuvres provenant de divers matériaux et se concentrant sur le caractère «sculptural» du design finlandais. Les concepteurs verriers finlandais, en particulier, ont beaucoup travaillé pour les ateliers de soufflage de verre à Murano. Le design finlandais appliqué et domestique revendiquait le statut d’objet artistique. Chaque sujet était considéré non seulement comme un objet pratique d’ustensiles, mais comme une incarnation d’une idée artistique. La période 1960-1970 est considérée comme « l’âge d’or » du design finlandais.

Alvar Aalto
Aino Aalto
Eero Aarnio
Tapio Virkkala
Maria Izola
Inkeri Leivo
Antti Nurmesniemi
Eliel Saarinen
Timo Sarpanieva
Ilmari Tapiovaara
Oywa Toikka
Kai Frank
Klaus Haapaniemi
Kurt Ekholm
Angry Birds
Saoudite
Artek
Fiskars
Iittala
Marimekko
Nokia

Design d’Islande
Le design en Islande est une tradition relativement jeune, qui a débuté dans les années 1950 mais qui connaît actuellement une croissance rapide. Les options limitées de fabrication du pays et son choix limité de matériaux ont obligé les concepteurs à être innovants, bien que la laine reste un matériau de base, qu’ils soient feutrés ou tricotés. Ouvert en 1998, le Musée islandais du design et de l’art appliqué, dont le but était d’enregistrer le design islandais à partir de 1900. L’Académie des arts d’Islande fut également fondée en 1998, bientôt suivie par sa faculté d’architecture et de design. dans la conception de la nation.

La particularité du design islandais réside dans son développement tardif. L’Islande n’a pratiquement pas participé à la formation des idées artistiques du début du XXe siècle. En raison du fait que le pays occupe l’une des positions les plus isolées parmi tous les pays scandinaves, il n’a pratiquement pas participé au processus artistique cohérent des états continentaux. Cependant, jusqu’au milieu du vingtième siècle, l’Islande est restée une partie du Danemark, en obtenant l’indépendance seulement en 1944. L’ouverture de l’Ecole des Arts Appliqués à Reykjavik en 1939 fut d’une importance fondamentale pour le développement du design en Islande. La particularité du design islandais est son attitude spécifique envers le modernisme. Des éléments de la nouvelle direction apparurent en Islande à une époque où le style international était déjà un phénomène établi. La connaissance du modernisme a coïncidé avec la réalisation de l’indépendance. En partie, par conséquent, le modernisme en Islande était perçu comme un symbole de liberté et d’identité nationales, et non un signe de doctrine artistique cosmopolite.

La spécificité du design islandais est le manque et l’utilisation limitée de nouveaux matériaux (tels que le verre, le plastique, l’acier) et un intérêt accru pour les matières premières naturelles: verre volcanique, lave gelée, pierre brute. Dans le but de soutenir et de développer l’école nationale appliquée dans les années 1950-1960, il y avait une interdiction sur les importations de meubles sur l’île. Depuis les années 1990, l’accent a été mis sur le développement de la conception graphique et informatique.

Ludwig Gudmundsson
Einar Jounsson
Gunnar Magnusson
Jonas Solmundsson
Helgi Halgrimsson
Valdis Harrisdottir

Conception de la Norvège
Le design norvégien a une forte esthétique minimaliste. Les articles conçus comprennent des lampes et des meubles. Les qualités soulignées incluent la durabilité, la beauté, la fonctionnalité, la simplicité et les formes naturelles.

Le Centre norvégien de design et d’architecture, « DogA », est installé dans un ancien poste de transformation à Oslo. La Norvège organise une exposition annuelle de design intitulée « 100% Norway » à la London Design Fair.

La spécificité du design norvégien est une position inhabituelle par rapport aux tendances artistiques internationales et à la tradition artistique locale. Le système norvégien présuppose la vie de grandes exploitations agricoles isolées du monde extérieur et, en même temps, fournit tout ce qui est nécessaire. La particularité de la Norvège est une combinaison de conditions de vie difficiles et de confort qui allie la tradition nationale et les principes du design international.

La particularité de la culture norvégienne est l’attention constante portée au mouvement des arts et métiers associés aux idées de romance nationale, ainsi que l’intérêt constant pour le style moderniste, qui en Norvège a acquis des similitudes avec le «style animal» médiéval (le appelé « Dragon Style » norvégien).

Important pour le développement spécifique du design norvégien a été fondée en 1918 par l’Union norvégienne des designers (Landsforbundet Norsk Brukskunst, LNB), qui a soutenu et développé la tradition de l’artisanat national plutôt que les principes de style international. Les activités du syndicat ont laissé leur empreinte sur l’ensemble du système de l’école de design en Norvège, qui était axée sur la préservation des formes traditionnelles, plutôt que sur le maintien et le développement du concept de design international.

David Andersen
Gustav Gaudernak
Willie Johansson
Gerhard Munthe
Peter Opsvik
Greta Pritz
Frida Hansen
Tias Eckhoff
Hadeland
Porsgrund

Conception de la Suède
Le design suédois est considéré comme minimaliste, en mettant l’accent sur la fonctionnalité et les lignes simples et épurées. Cela a surtout appliqué au mobilier. La Suède est connue pour l’artisanat traditionnel, y compris le verre et l’artisanat sâme. Le design suédois a été mis au point par Anders Beckman (graphisme), Bruno Mathsson (mobilier), Märta Måås-Fjetterström et Astrid Sampe (textile), et Sixten Sason (industriel). Les organisations qui font la promotion du design en Suède sont Svensk Form, la société suédoise de l’artisanat et du design, fondée en 1845; la Fondation suédoise pour le design industriel, connue sous le nom de SVID; le Conseil des arts suédois; et le Centre suédois d’architecture et de design (connu sous le nom d’ArkDes) sur l’île de Skeppsholmen à Stockholm, à côté du musée d’art moderne.

Les idées du design suédois sont associées au concept d’éthique protestante, formulé par Max Weber. Cette doctrine idéologique présuppose la rigueur, la retenue et considère le travail rémunéré honnête et digne comme faisant partie de l’identification religieuse. Le point de départ du design suédois est la période du symbolisme et de la modernité, quand en Suède son propre langage artistique s’est formé sous l’influence de l’école nationale du classicisme, du romantisme, de la sentimentalité, de l’impressionnisme et de la tradition symbolique suédoise. L’artiste le plus notable et influent de cette période peut être considéré comme Karl Larsson.

Le design suédois découle des avantages d’un niveau de vie sûr, durable mais non provocateur. La tradition de la conception de la Suède au XXe siècle est la combinaison des idées du mouvement des arts et de l’artisanat avec son idée du confort de la maison et une tradition minimaliste radicale du modernisme. Pour la Suède, le design est devenu une forme d’identité nationale, une manière de créer et d’exprimer un caractère national qui a ses propres caractéristiques et qui est en même temps inclus dans le système des valeurs européennes.

Gunnar Asplund
Gunnar Wennerberg
Björn Dahlström
Karl Larsson
Ingeborg Lundin
Bruno Matsson
Sigurd Persson
Ingaherd Raman
Sixten Sason
A & E Design
Ericsson
Electrolux
Gustavsberg
Hasselblad
IKEA
Volvo